AUSSTELLUNG · EXHIBITION AHLERS AG · HERFORD

AUSSTELLUNG · EXHIBITION AHLERS AG · HERFORD
EINE AUSSTELLUNG DER AHLERS COLLECTION · AN AHLERS COLLECTION EXHIBITION
AHLERS COLLECTION · KUNST & MODE · ART & FASHION
Kunst und Mode basieren beide auf Kreativität. Sie schulen
das Auge und stimulieren die Sinne. Darum ist die Förderung
von Kunst- und Kulturprojekten für die Ahlers AG seit Jahrzehnten ein fester Bestandteil ihrer Unternehmensphilosophie. Kunst dient als wichtiger Baustein der Unternehmensund Markenkommunikation. Die Sammlung wirkt aber auch
nach innen, indem ausgewählte Werke in regelmäßigem Turnus in den Betriebsräumlichkeiten ausgestellt werden und
so Mitarbeiter und Gäste inspirieren und motivieren.
Both art and fashion are the products of creativity. They
train the eye and stimulate the senses. This is why promoting
art and cultural projects has been a firm part of the corporate
philosophy of Ahlers AG for decades now. Art makes up a
key component of the company‘s corporate and brand communication. But the impact of the collection also radiates
into the company, with selected works of art being exhibited
on the company‘s premises at regular intervals, inspiring and
motivating employees and guests alike.
Die Ursprünge der ahlers collection gehen zurück auf die
1950er-Jahre. Seither ist die Sammlung, mit der klassischen Moderne als traditionellem Schwerpunkt, substantiell ergänzt durch internationale Gegenwartskunst, mit über
3.000 Werken von rund 500 Künstlern aufgebaut und gestaltet worden. Es werden Werke aus allen Gattungen gesammelt, also Gemälde, Skulpturen, Arbeiten auf Papier,
Druckgraphik, Photographie und Objektkunst in ihren vielfältigen Erscheinungsformen. Hervorzuheben ist der deutsche Expressionismus mit Werken in Museumsqualität von
Künstlern wie Alexej von Jawlensky, Wassily Kandinsky,
Franz Marc, Gabriele Münter und Emil Nolde. Aber auch die
Mitglieder der 1960 entstandenen Künstlergruppe Nouveau
Réalisme, darunter Arman, César, Raymond Hains, Yves
Klein, Mimmo Rotella, Daniel Spoerri und Jacques Villeglé,
sind prominent vertreten. Die internationale Avantgarde-Bewegung Fluxus ist u.a. durch den Schweizer Intermedial-Künstler Dieter Roth, den US-amerikanischen Dichter und
Performance-Künstler Emmett Williams und den deutschen
Bildhauer und Aktionskünstler Joseph Beuys repräsentiert.
Darüber hinaus gibt es weitere wichtige Sammlungsblöcke,
etwa chinesische Gegenwartskunst oder Altmeistergraphik.
The roots of the ahlers collection can be traced back to the
1950s. Since then, the collection, which has traditionally
focused on classical modernist works but has been significantly enhanced to include elements of international contemporary art, has been shaped into its current form, featuring
more 3,000 works by around 500 artists. The collection features works from all genres: paintings, sculptures, works on
paper, graphic production, photography and object art in a
whole range of manifestations. German expressionism is one
particular highlight, with works in museum quality by artists
including Alexej von Jawlensky, Wassily Kandinsky, Franz
Marc, Gabriele Münter and Emil Nolde. Members of the
„Nouveau Réalisme“ artist group set up in 1960, including
Arman, César, Raymond Hains, Yves Klein, Mimmo Rotella,
Daniel Spoerri and Jacques Villeglé, also enjoy prominent representation. The international avant-garde movement „Fluxus“ is featured in the collection, among others in the works
of the Swiss intermedial artist Dieter Roth, the US poet and
performance artist Emmett Williams and the German sculptor
and installation artist Joseph Beuys. There are also a number
of other significant groups in the collection, including Chinese contemporary art and Old Master prints.
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AUSSTELLUNG · EXHIBITION AHLERS AG · HERFORD
BLICK IN DIE AUSSTELLUNG · EXHIBITION VIEW · AHLERS AG · HERFORD
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BLICK IN DIE AUSSTELLUNG · EXHIBITION VIEW · AHLERS AG · HERFORD
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BLICK IN DIE AUSSTELLUNG · EXHIBITION VIEW · AHLERS AG · HERFORD
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BLICK IN DIE AUSSTELLUNG · EXHIBITION VIEW · AHLERS AG · HERFORD
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DIE WERKE · THE ARTWORKS
MIMMO ROTELLA
MARILYN MONROE (RITMO)
1980
FARBSIEBDRUCK UND COLLAGE
AUF LEINWAND AUFGEZOGEN
MARILYN MONROE (RITMO)
1980
COLOUR SILKSCREEN AND COLLAGE
MOUNTED ON CANVAS
Mimmo Rotella (Catanzaro 1918–2006 Mailand) studierte
bis 1944 an der Kunstakademie von Neapel. Im Jahr darauf
zog er nach Rom. Er malte zunächst gegenständlich, wandte sich aber bald der Abstraktion zu. Bei einem Studienaufenthalt in den USA lernte er 1951/52 die Werke der damaligen Avantgardekünstler kennen, darunter Claes Oldenburg,
Jackson Pollock und Robert Rauschenberg.
Mimmo Rotella (Catanzaro 1918–2006 Milan) studied at the
Art Academy of Naples until 1944 and then moved to Rome
in the following year. His first paintings were representational,
but he soon turned to abstraction. During a study trip to the
USA in 1951/52 he was able to familiarize himself with the
works of such contemporary avant-garde artists as Claes Oldenburg, Jackson Pollock and Robert Rauschenberg.
1953 entdeckte Rotella den ästhetischen Reiz zerrissener
Plakate. Ähnlich wie die Affichisten in Paris gelangte er mit
seinen Plakatabrissen, die er „Manifesti Lacerati“ nannte,
rasch zu internationaler Bekanntheit. 1961 schloss er sich in
Paris den Nouveaux Réalistes an (vgl. hierzu den Artikel zu
Raymond Hains). Aus Versatzstücken des städtischen Alltags und der Werbung schuf Rotella eine europäische Gegenposition zur amerikanischen Pop Art, mit der ihn gleichwohl vieles verband. Er variierte seine Methode vielfältig,
indem er etwa Plakate mit der Vorderseite auf Leinwände
collagierte und so die abstrakten Qualitäten der Rückseiten auslotete, oder aber indem er Plakatabrisse graffitiartig
übermalte. Seit 1958 verwendete Rotella häufig Filmplakate
(Serie „Cinecittà“). Die Auseinandersetzung mit den Ikonen
des Films begleitete ihn bis in sein letztes Lebensjahr. Noch
2005 schuf er eine zwölfteilige Werkreihe mit Porträts von
Marilyn Monroe.
It was in 1953 that Rotella discovered the aesthetic appeal of torn posters. Like the Affichistes in Paris, he quickly
attained international renown with his own versions of the
torn poster, which he termed „Manifesti Lacerati“. He joined
the Nouveaux Réalistes in Paris in 1961 (cf. Article on Raymond Hains). With clichés taken from everyday urban life
and advertising, Rotella succeeded in creating a European
counterpole to American Pop Art, although there was much
that he had in common with the latter. Rotella would vary
his method of working in many different ways, collaging, for
instance, posters face down on canvas in order to bring
out their abstract „overleaf“ qualities, or overpainting torn
posters in graffiti fashion. From 1957 Rotella made frequent
use of cinema posters (series „Cinecittà“). The icons of the
film world accompanied him right up until the last year of his
life. His twelve-part series of Marilyn Monroe portraits was
produced in 2005.
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DIRK BRÖMMEL
SCHWIMMENDE MÄRKTE NR. 2
2012
FARBPHOTOGRAPHIE
C 2/5
FLOATING MARKETS NO. 2
2012
COLOUR PHOTOGRAPH
C 2/5
SCHWIMMENDE MÄRKTE NR. 27
2012
FARBPHOTOGRAPHIE
4/5
FLOATING MARKETS NO. 27
2012
COLOUR PHOTOGRAPH
4/5
SCHWIMMENDE MÄRKTE NR. 9
2013
FARBPHOTOGRAPHIE
C 4/5
FLOATING MARKETS NO. 9
2013
COLOUR PHOTOGRAPH
C 4/5
Dirk Brömmel (* 1968 in Bad Godesberg) verbindet das
klassische Fotografenhandwerk mit kreativen grafischen
Konzepten.
Dirk Brömmel (* 1968 in Bad Godesberg) combines the
classical craft of photography with the creativity of a graphic
artist.
Die Serie „Kopfüber“, in der er u.a. Frachtschiffe, Kreuzfahrtschiffe und venezianische Gondeln senkrecht von oben
fotografierte, machte Brömmel international bekannt. Die
neueste Gruppe der Serie trägt den Titel „Schwimmende
Märkte“. Die Boote der Händler inmitten ihrer Waren erscheinen aus der Vogelperspektive vor monochromem oder
farbig gestreiftem Hintergrund. Die digital freigestellten Motive sind einerseits mit einer geradezu hyperrealistischen
Präzision wiedergegeben, andererseits gewinnen sie durch
die ungewohnte Perspektive und die Entrückung aus ihrer
realen Umgebung abstrakte Qualitäten.
The series „Kopfüber“ („Head First“), for which Brömmel
photographed cargo ships, Venetian gondolas and other
vessels directly from above, made him internationally famous. His latest group of photographs belonging to this
series is titled „Floating Markets“. The boats of the vendors
standing in the midst of their merchandise are shown from
a bird‘s eye view against a background of monochrome or
coloured stripes. While the digitally isolated motifs are reproduced with hyper-realistic precision, their unusual perspective and their isolation from their actual surroundings
lends these photographs an almost abstract quality.
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ERIK BULATOV
WAS, WO, WANN?
2005
FARBSIEBDRUCK
4/100 (DANEBEN 20 A.P.)
WHAT, WHERE, WHEN?
2005
COLOUR SILKSCREEN
4/100 (AS WELL AS 20 APS)
RUHM DER KPDSU II
1975/2005
FARBSIEBDRUCK
5/100 (DANEBEN 20 A.P.)
RENOWN OF THE CPSU II
1975/2005
COLOUR SILKSCREEN
5/100 (AS WELL AS 20 APS)
FREIHEIT IST FREIHEIT II
2000/2001
FARBSIEBDRUCK
5/100 (DANEBEN 20 A.P.)
FREEDOM IS FREEDOM II
2000/2001
COLOUR SILKSCREEN
5/100 (AS WELL AS 20 APS)
Erik Bulatov (* 1933 in Swerdlowsk, lebt und arbeitet in
Paris) zählt wie Ilya Kabakov zu den Moskauer Konzeptualisten, einer kleinen, aber bedeutenden Gruppe russischer
Künstler, die abseits der staatlichen Reglementierungen des
sowjetischen Kunstbetriebs zu ganz eigenständigen künstlerischen Ausdrucksformen gefunden haben.
Erik Bulatov (* 1933 in Sverdlovsk, lives and works in Paris)
is, like Ilya Kabakov, one of the Moscow Conceptualists, a
small but significant group of Russian artists that have found
their own independent forms of expression that subvert the
state reglementation of Soviet art.
Bulatov developed his imagery in part from the avant-garde
aesthetic of Russian Constructivism of the early 20th century and in part from the Socialist Realism and propaganda
aesthetic of the Soviet Union. Influences of American Pop
Art were assimilated later. In many of his works, Bulatov
confronts realistic representations of people, landscapes or
urban scenery with typographical elements taken from the
language of everyday Soviet life with its political soundbites
and slogans. One of the main themes of his art is the manipulation of Soviet society by means of the printed word.
Seine Bildsprache entwickelte Bulatov zunächst in Auseinandersetzung mit der avantgardistischen Ästhetik des
russischen Konstruktivismus des frühen 20. Jahrhunderts
einerseits und dem sozialistischen Realismus sowie der
Propagandaästhetik der Sowjetunion andererseits. Später
kamen Einflüsse der amerikanischen Pop Art hinzu. In vielen
seiner Werke konfrontiert Bulatov realistische Darstellungen
von Menschen, Landschaften oder urbanen Szenerien mit
typographischen Elementen, die der Sprache des sowjetischen Alltags mit ihren politischen Parolen und Slogans
entstammen. Ein Hauptthema seiner Kunst ist die gesellschaftliche Manipulation, die in der Sowjetunion mit Hilfe
des gedruckten Wortes stattfand.
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ORMOND GIGLI
GIRLS IN THE WINDOWS
1960 (ABZUG SPÄTER)
FARBPHOTOGRAPHIE
83/100
GIRLS IN THE WINDOWS
1960 (PRINT OF LATER DATE)
COLOUR PHOTOGRAPH
83/100
Ormond Gigli (* 1925 in New York City) wurde in den
1950er Jahren durch Fotografien von Theatern, prominenten Zeitgenossen sowie von exotischen Personen und Orten
bekannt. Seine Werke schmückten die Titelseiten weltberühmter Zeitschriften, darunter Time, Life und Paris Match.
Bahnbrechend waren Giglis Porträts von Sophia Loren,
Anita Ekberg, Marcel Duchamp, John F. Kennedy, Marlene
Dietrich und anderen. Viele seiner Werke erhielten internationale Preise.
Ormond Gigli (* 1925 in New York City) rose to fame during
the 1950s through his photographs of theatrical performances, contemporary celebrities and exotic persons and places. His photographs graced the covers of world-famous
magazines, including Time, Life und Paris Match. He broke ground with his portraits of Sophia Loren, Anita Ekberg,
Marcel Duchamp, John F. Kennedy, Marlene Dietrich among
many others. Many of his works have won international
awards.
Die Idee zu „Girls in the Windows“ kam Gigli, als er von
seinem Atelier aus Abrissarbeiten in seiner Straße beobachtete. Spontan beschloss er, das ihm gegenüberliegende
Haus durch ein besonderes Foto zu „verewigen“. In großer
Eile holte er bei der Stadt New York die Genehmigung ein,
ließ einen Rolls Royce anmieten und bestellte 43 weibliche
Modelle in eleganter Kleidung. Als die Damen, darunter auch
die Frau des mit dem Abriss beauftragten Ingenieurs und
Giglis eigene Frau, am Tag vor dem Abrisstermin erschienen, ließ er sie in den Fenstern posieren und arrangierte die
Szenerie wie ein Filmregisseur. Alles ging sehr schnell, denn
die Aufnahme musste in der Mittagspause der Bauarbeiter
erfolgen. Das Foto gelang und wurde zum berühmtesten
Werk Giglis.
The idea for „Girls in the Windows“ came to Gigli as he was
watching a row of brownstones being demolished from the
window of his studio. He decided, spontaneously, to „immortalize“ the house opposite by taking a very special photograph of it. With no time to lose, he got permission from
the City of New York, hired a Rolls Royce and booked 43
fashion models in elegant attire. When the ladies, including
the demolition supervisor‘s wife and Gigli‘s own wife, arrived
on the scene on the day before the building was be demolished, Gigli made them pose in the windows and directed
the scene like a film director. Careful planning was a necessity, as everything had to be done during the workers‘ lunch
time. The photograph was a success and became Gigli‘s
most famous work.
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WANG GUANGYI
PIERRE CARDIN
(AUS DER SERIE „GREAT CRITICISM“)
2002
ÖL AUF LEINWAND
PIERRE CARDIN
(FROM THE SERIES „GREAT CRITICISM“)
2002
OIL ON CANVAS
Wang Guangyi (* 1957 in Harbin, China) gilt als einer der
bedeutendsten chinesischen Künstler der Gegenwart. Sein
Stil ist geprägt durch die Verbindung von Propagandaästhetik der Kulturrevolution mit der plakativen Bildsprache amerikanischer Pop Art. In seiner Kunst setzt er sich kritisch mit
dem China der Gegenwart auseinander.
Wang Guangyi (* 1957 in Harbin, China) counts among
the most significant Chinese artists of the present day. His
style is marked by a fusion of the propaganda aesthetic of
the Cultural Revolution with the bold, eye-catching imagery
of Pop Art. His art is a critical commentary on present-day
China.
Berühmt wurde Wang Guangyi vor allem durch die Serie
„Great Criticism“ (1990–2007), in der er die Dominanz und
ikonenhafte Verehrung westlicher Markenprodukte ins Visier
nahm. Durch die Kombination der Logos von Coca Cola,
Gucci, Rolex und zahlreichen anderen Marken mit Bildmotiven der Kulturrevolution zeigt er, dass politische Propaganda und Werbung in ihren Auswüchsen zwei Formen von Gehirnwäsche werden können. Im Jahre 2007 beendete er die
Serie in der Überzeugung, dass der internationale Markterfolg dieser Bilder ihren ursprünglichen Sinn konterkarierte.
Wang Guangyi became famous above all for his series
„Great Criticism“ (1990–2007), in which he targeted the dominance and iconicism of Western brands. By combining
the logos of Coca Cola, Gucci, Rolex and numerous other
brands with the typical imagery of the Cultural Revolution
he was able to demonstrate that political propaganda and
commercial advertising can, when driven to excess, become
two forms of brainwashing. He ended the series in 2007, having become convinced that the success of these paintings
on the international art market stood in contradiction to their
original intention.
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MARIO TESTINO
MADONNA
1996
FARBPHOTOGRAPHIE (LAMBDA PRINT)
1/3
MADONNA
1996
COLOUR PHOTOGRAPH (LAMBDA PRINT)
1/3
Mario Testino (* 1954 in Lima, Peru) ist ein in London lebender Porträt- und Modefotograf, dessen Werke auch auf
dem Kunstmarkt hoch gehandelt werden.
Mario Testino (* 1954 in Lima, Peru) is a London-based
portrait and fashion photographer whose works fetch high
prices on the art market.
Testino arbeitet vor allem für internationale Modemagazine
wie Vogue oder Vanity Fair. Darüber hinaus hat er bereits
für die meisten großen Modehäuser wie Dolce & Gabbana,
Gucci und Versace Kampagnen fotografiert. Für Versace
schuf er 1996 eine Fotostrecke mit Madonna. Eine weitere bekannte Fotoserie von Testino wurde 1997 von Vanity
Fair veröffentlicht. Es handelte sich dabei um eine Coverstory über Prinzessin Diana. Die Aufnahmen wurden später
auch als Buch veröffentlicht. Der Getränkekonzern Campari
verpflichtete Testino, für den Firmenkalender 2009 den Hollywood-Star Jessica Alba in 12 verschiedenen Motiven abzulichten. Für Testino war es bereits die zweite Arbeit dieser
Art für Campari; 2007 hatte er den Kalender mit Salma Hayek als Modell gestaltet.
Testino works primarily for such international fashion magazines as Vogue and Vanity Fair. He has also photographed advertising campaigns for most of the largest fashion
houses, including Dolce & Gabbana, Gucci and Versace. His
series of photographs of the actress and singer Madonna
was produced for Versace in 1996. Another well-known series of photographs by Testino was published by Vanity Fair
in 1997. This was for a cover feature on Princess Diana. The
photographs were later published in book form. The Italian
drinks group Campari commissioned Testino to take 12 different poses of the Hollywood star Jessica Alba for its 2009
calendar. This was Testino‘s second commission of this kind
for Campari. In 2007 he had photographed Salma Hayek as
the model for the Campari calendar.
Das Porträt von Madonna entstand 1996 für das Cover von
Vanity Fair und war Teil einer Werbekampagne für den im
gleichen Jahr gedrehten, preisgekrönten Biographie- und
Musicalfilm „Evita“, in dem Madonna die Hauptrolle spielte.
The portrait of Madonna was taken in 1996 for the cover
of Vanity Fair and also for an advertising campaign for the
award-winning musical biography „Evita“, which was made
in the same year and featured Madonna in the title role.
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RAYMOND HAINS
COUCOU BAZAR
1973
PLAKATABRISS, AUF LEINWAND AUFGEZOGEN
COUCOU BAZAR
1973
TORN POSTER ON CANVAS
Raymond Hains (Saint-Brieuc 1926–2005 Paris) studierte
1945 für kurze Zeit Bildhauerei an der École des Beaux-Arts
in Rennes und zog dann nach Paris, wo er zunächst als
Pressefotograf tätig war. 1948 stellte er erste abstrakte Fotografien aus. In dieser Zeit entstanden auch erste Plakatabrisse („Affiches lacérées“), mit denen er später international
bekannt wurde.
Raymond Hains (Saint-Brieuc 1926–2005 Paris) studied
sculpture for a short time in 1945 at the École des Beaux-Arts in Rennes and then moved to Paris, where he first
worked as a press photographer. He exhibited his first abstract photographs in 1948. It was around this time that he
also produced his first torn posters („Affiches lacérées“), through which he was later to attain international fame.
Das Prinzip der freigelegten Schichten übereinander geklebter Plakate entwickelte Hains zusammen mit Jacques de la
Villeglé. Die sog. Affichisten, zu denen auch François Dufrêne und Mimmo Rotella gehörten, wollten durch Abreißen,
Verbrennen und Übermalen der Werbebotschaften gesellschafts- und medienkritische Inhalte vermitteln. Zusammen
mit seinem Freund Arman sowie mit Villeglé, César, Daniel
Spoerri, Jean Tinguely, Martial Raysse, Yves Klein und dem
theoretischen Kopf der Gruppe, Pierre Restany, gründete
er 1960 die Nouveaux Réalistes, deren Ziel es war, den erhabenen Status der bildenden Kunst zu sprengen und – in
Abkehr von der abstrakten, informellen Kunst – mit neuen
Techniken und Materialien die Realität des täglichen Lebens
in die Kunst zu integrieren. Die Künstler des Nouveau Réalisme trugen so maßgeblich zur Entwicklung der Objektkunst
und den frühen Formen der Aktionskunst bei. Die Werke
von Hains wurden weltweit ausgestellt, etwa im Stedelijk
Museum in Amsterdam (Ausstellung „Bewogen Beweging“,
1961), im Centre Pompidou in Paris und im Museum of Modern Art in New York. Hains nahm 1964 an der Biennale
von Venedig teil sowie 1968 an der documenta 4 und 1997
an der documenta 10 in Kassel. 1996 erhielt er den KurtSchwitters-Preis für Bildende Kunst der Niedersächsischen
Sparkassenstiftung.
The principle of tearing and exposing the layers of posters
that in the course of time had been pasted on top on one
another had been developed by Raymond Hains and Jacques
de la Villeglé. The so-called Affichisten, to whom François
Dufrêne and Mimmo Rotella also belonged, sought to convey
a socio-critical or media-critical message by tearing, burning
and overpainting advertising posters. In 1960, together both
with his friend Arman and with Villeglé, César, Daniel Spoerri,
Jean Tinguely, Martial Raysse, Yves Klein and the theoretical
leader of the group, Pierre Restany, Hains co-founded the
Nouveaux Réalistes, whose aim was to challenge and undermine the sublime status of art and – in radical contrast to the
abstraction of Art Informel – to integrate the reality of everyday life into art using new techniques and materials. Thus it
was that the exponents of Nouveau Réalisme made a decisive contribution to the development of object art and to the
early forms of action art. The works of Raymond Hains were
exhibited in museums worldwide, including the Stedelijk Museum in Amsterdam (exhibition „Bewogen Beweging“, 1961),
the Centre Pompidou in Paris and the Museum of Modern
Art in New York. Hains took part in the Venice Biennale in
1964 and in documenta 4 (1968) and documenta 10 (1997)
in Kassel. In 1996 he was awarded the Kurt Schwitters Prize
of the Lower Saxony Savings Bank Foundation.
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A. R. PENCK
OHNE TITEL
(ENTWURF FÜR DAS WANDBILD „THEORIE IN HAMBURG…“)
1989
FARBKREIDE UND BLEISTIFT AUF PAPIER
UNTITLED
(DRAFT FOR MURAL „THEORY IN HAMBURG...“)
1989
COLOURED CHALK AND PENCIL ON PAPER
In Auseinandersetzung mit ethnologischen und archäologischen Werken entwickelte A. R. Penck (* 1939 in Dresden,
eigentlich Ralf Winkler) einen Kanon von Bildzeichen und
Strichmännchen, die an Höhlenmalerei, asiatische Kalligraphie und Graffiti erinnern.
From his interest in works of ethnology and archaeology,
A. R. Penck (* 1939 in Dresden, real name Ralf Winkler) developed a canon of pictographs and matchstick figures reminiscent of cave paintings, Oriental calligraphy and graffiti.
Penck seeks to visualize primaeval human fears and their
continued effect right up until the present day. Since 1968
he has been naming his paintings „Standart“ – a combination
of „standard“ and „art“. It was with these paintings that this
„modern cave painter“ from what was then still the German
Democratic Republic took part in documenta 5 (1972), where his works were shown in the section „Individual Mythologies“. Towards the late 1960s, Penck saw himself increasingly subjected to reprisals from the STASI. His paintings
were confiscated and his applications for membership of
the East German Artists Association were turned down. In
1976 he met the West German painter Jörg Immendorff, with
whom he then collaborated very closely, especially after his
expatriation to West Germany, where he took up residence in
Cologne in 1980. During the 1980s, A. R. Penck became one
of the leading figures among Germany‘s neo-Expressionists.
Penck beabsichtigte, menschliche Urängste und ihr Fortwirken bis in die heutige Zeit zu visualisieren. Seit 1968 bezeichnete er seine Gemälde mit dem Titel „Standart“, eine
Verbindung von „Standard“ und „Art“. Mit ihnen war der als
„moderner Höhlenmaler“ bezeichnete Künstler auf der documenta 5 (1972) in der Abteilung „Individuelle Mythologien“ vertreten. In den späten 1960er Jahren sah sich Penck
zunehmenden Repressalien seitens des Staatssicherheitsdienstes ausgesetzt; seine Bilder wurden beschlagnahmt,
die Mitgliedschaft im Verein Bildender Künstler der DDR abgelehnt. 1976 begegnete er dem westdeutschen Malerkollegen Jörg Immendorf, mit dem er besonders nach seiner
Übersiedlung nach Köln 1980 zusammenarbeitete. In den
1980er Jahren wurde er zu den Neuen Wilden gezählt.
Die großformatige Zeichnung ist der Entwurf für das monumentale Wandbild „Theorie in Hamburg, NÄHE FERN
gesehen, FERNE nahgesehen, WELT GESCHEHEN, WELT
VERSTEHEN“, das Penck in einem Format von 25 x 18 m
in der Schlüterstraße 5, in unmittelbarer Nachbarschaft zur
Staatsbibliothek Hamburg im Universitätsviertel der Hansestadt, ausführte.
A. R. Penck
Foto: Wolfgang Neeb
Theorie in Hamburg, NÄHE FERN gesehen,
FERNE nahgesehen, WELT GESEHEN,
WELT VERSTEHEN
1989
This large-format drawing is the preliminary draft of the monumental mural „Theorie in Hamburg, NÄHE FERN gesehen,
FERNE nahgesehen, WELT GESCHEHEN, WELT VERSTEHEN“, which Penck executed in the huge format of 25 x 18
metres at Schlüterstraße 5, in the immediate vicinity of Hamburg‘s State Library and University Quarter.
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Wandbild in Hamburg-Rotherbaum,
Schlüterstraße 5
Mural in Hamburg-Rotherbaum,
Schlüterstraße 5
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MARTIAL RAYSSE
FRANCE BLEUE
1963
PUDERQUASTE AUF FARBSIEBDRUCK (MULTIPLE)
E.A. NEBEN DER AUFLAGE VON 80 EXEMPLAREN
FRANCE BLEUE
1963
COLLAGED POWDER PUFF ON COLOUR SILKSCREEN (MULTIPLE)
AP PLUS A LIMITED EDITION OF 80
Der französische Maler, Bildhauer, Objekt- und Installationskünstler Martial Raysse (* 1936 in Golfe Juan, Frankreich)
zählt zu den vielseitigsten, der amerikanischen Pop Art am
nächsten stehenden Künstler aus dem Kreis der Nouveaux
Réalistes.
The French painter, sculptor, object and installation artist
Martial Raysse (* 1936 in Golfe Juan, France) is considered to be the most versatile exponent of Nouveau Réalisme
and the artist who comes closest to American Pop Art.
Raysse grew up in Nice and taught himself to paint in watercolour at a very early age. After studying literature he turned
to painting in 1954, at first adopting the abstract style of
the École de Paris, but only for a short time. He had his first
solo exhibition at the Longchamp Gallery in Nice in 1957,
when he met Jean Cocteau at the vernissage. He was one
of the co-founders of Nouveau Réalisme in Paris (cf. Article
on Raymond Hains). Forever in search of a new, realistic language of form, Raysse experimented with everyday objects,
which he combined into assemblages and readymades and
arranged in shop window-like displays. He later integrated
neon lights into his works and worked with silkscreen prints
in fluorescent colours. He would often collage objects on
his printed or painted works, such as sunshades, shower
curtains or, as in „France bleue“, a powder puff. It was with
such persiflages of consumerism that Raysse responded to
the emerging Pop Art movement. Raysse took part in documenta 4 in Kassel in 1969. A large Martial Raysse retrospective took place at the Centre Pompidou in 1981.
Raysse wuchs in Nizza auf und begann früh autodidaktisch
mit der Aquarellmalerei. Nach einem Literaturstudium wandte er sich 1954 der Malerei zu und orientierte sich zunächst
an der abstrakten Malerei der École de Paris, von der er
sich aber bald löste. 1957 hatte er seine erste Einzelausstellung in der Galerie Longchamp in Nizza. Bei der Vernissage lernte er Jean Cocteau kennen. In Paris gehörte er
zu den Mitbegründern des Nouveau Réalisme (vgl. hierzu
den Artikel zu Raymond Hains). Auf der Suche nach einer
neuen, realistischen Bildsprache experimentierte Raysse
mit Alltagsgegenständen, die er zu Assemblagen und Ready-mades zusammenfügte und in schaufensterartigen Kästen arrangierte. In der Folgezeit integrierte er Neonröhren
in seine Werke und arbeitete mit Siebdrucken, in denen er
fluoreszierende Farben verwendete. Oft fügte er den Bildern
Gegenstände bei wie etwa Sonnenschirme, Duschvorhänge
oder, wie in „France bleue“, eine Puderquaste. Mit derartigen Persiflagen auf die Konsumwelt reagierte er auf die aufkommende Pop Art. 1968 nahm Raysse an der documenta
4 in Kassel teil, 1981 widmete das Centre Pompidou in Paris
ihm eine große Retrospektive.
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BETTINA RHEIMS
MILLA JOVOVICH, ÉTUDE MARS 2005 PARIS
(AUS DER SERIE „HÉROÏNES“)
MÄRZ 2005
FARBPHOTOGRAPHIE
9/50
MILLA JOVOVICH, ÉTUDE MARS 2005 PARIS
(FROM THE SERIES „HÉROÏNES“)
MARCH 2005
COLOUR PHOTOGRAPH
9/50
Bettina Rheims (* 1952 in Neuilly-sur-Seine) arbeitete vor
ihrer Karriere als Fotografin zunächst als Mannequin, Schauspielerin und Journalistin. Neben ihren Fotoserien, die ab
1978 entstanden, trat sie in den 1980er Jahren als Modefotografin in Erscheinung.
Prior to her career as a photographer, Bettina Rheims
(* 1952 in Neuilly-sur-Seine) worked as a fashion model, actress and journalist. Her series of photographs had their beginnings in 1978 and were accompanied during the 1980s
by her professional work as a fashion photographer.
Der künstlerische Durchbruch gelang Rheims 1991 mit der
Serie „Chambre Close“, die in Anlehnung an die sog. Maisons Closes, die Freudenhäuser in Frankreich, entstand.
Ihr Werk ist bekannt für erotische und provokative Themen
und für die Hinterfragung von Geschlechterrollen. Die Serie „Héroïnes“ besteht aus Porträts international bekannter
Frauen, darunter die Schauspielerinnen Milla Jovovich und
Tilda Swinton, die Rheims in von Jean Colonna arrangierten Kleidungsstücken vor einer kalt wirkenden Steinkulisse
inszeniert. Die Frauen wurden vor den Aufnahmen nicht,
wie üblich, geschminkt, um makellos und schön zu wirken.
Stattdessen werden Narben, Muttermale und andere Merkmale schonungslos gezeigt, ja sogar durch Beleuchtung und
Make-up hervorgehoben. Die Frauen erscheinen dadurch
verletzlich und angreifbar, zugleich jedoch stark und faszinierend. Auf diese Weise gelingt es Rheims, in der auf Perfektion, Glamour und schönen Schein ausgerichteten Modewelt Akzente von Individualität und Aufrichtigkeit zu setzen.
Her artistic breakthrough came in 1991 with the series „Chambre Close“, which she created by analogy with the so-called
Maisons Closes, the French houses of pleasure. Her work is
known for its erotic and provocative themes and its questioning of gender roles. The series „Héroïnes“ comprises portraits
of internationally famous women, including the actresses Milla
Jovovich and Tilda Swinton, whom Rheims photographed in
a staged setting wearing haute couture creations arranged by
Jean Colonna against a cold background of quarried stone.
The women were not made up prior to the shooting, which
is usually done for the sake of absolute perfection and beauty. Instead their scars, moles and other skin blemishes were
unsparingly exposed and even accentuated by the lighting and
with the aid of stage make-up. This made the women seem
vulnerable and yet at the same time strong and fascinating.
Bettina Rheims thus succeeds in visualizing the world of fashion, which is normally oriented on perfection, glamour and the
illusion of beauty, with overtones of individuality and honesty.
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JACQUES VILLEGLÉ
MÉTRO RÉPUBLIQUE ‚CANAPÉ LOUIS-PHILIPPE‘
10.12.1971
PLAKATABRISS, AUF LEINWAND AUFGEZOGEN
MÉTRO RÉPUBLIQUE ‚CANAPÉ LOUIS-PHILIPPE‘
10.12.1971
TORN POSTER, MOUNTED ON CANVAS
Jacques de la Villeglé (* 1926 in Quimper, lebt und arbeitet in Paris und Saint-Malo) studierte von 1944–1946 Kunst
und Architektur in Rennes und von 1947–1949 Architektur
in Nantes.
Jacques de la Villeglé (* 1926 in Quimper, lives and works
in Paris and Saint-Malo) studied art and architecture in Rennes from 1944 until 1946 and then went on to study architecture in Nantes from 1947 until 1949.
1947 begann Villeglé, in Saint-Malo Objets trouvés zu sammeln – zunächst das, was der Krieg übrig gelassen hatte.
Diese Fundstücke, darunter Stahlteile und Betonreste aus
dem Atlantikwall, fügte er zu Skulpturen zusammen. Gemeinsam mit seinem Freund Raymond Hains, den er in
Rennes kennengelernt hatte, entdeckte er 1949 in Paris
die Ausdruckskraft zerrissener Plakate. Die Zusammenarbeit dieser ersten Affichisten (Plakatabreißer), zu denen
später auch François Dufrêne und andere zählten, dauerte
bis 1954. Villeglé veröffentlichte 1958 eine Übersicht seiner Plakatabrisse, die er „Des Réalités collectives“ nannte.
Sie wurde in mancher Hinsicht ein Vorläufer des Manifestes
der Gruppe Nouveau Réalisme, deren Gründungsmitglied er
1960 war (vgl. hierzu den Artikel zu Raymond Hains). 1971
eröffnete der späterhin berühmte Kunsthistoriker und Museumsdirektor Pontus Hultén die erste Retrospektive der Werke Villeglés im Moderna Museet in Stockholm.
Villeglé began collecting objets trouvés in Saint-Malo in
1947 – initially the debris the Second World War had left behind. He used these found objects, which included pieces
of reinforcing steel and concrete remnants from the German Atlantic Wall, to fabricate sculptures. In Paris in 1949,
together with Raimond Hains, whom he had befriended in
Rennes, he discovered the aesthetic expressiveness of torn
posters. The collaboration between these first Affichistes,
who were later to be joined by François Dufrêne and others,
lasted until 1954. In 1949 Villeglé published an overview of
his torn posters, which he titled „Des Réalités collectives“. In
many respects it was a forerunner of the manifesto of Nouveau Réalisme, a movement that Villegé was to found together with several others (cf. article on Raymond Hains) in
1960. The art historian and museum director Pontus Hultén
presented the first Villeglé retrospective at the Moderna Museet in Stockholm in 1971.
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WOLF VOSTELL
GENUA
1960
EMAILLE-REKLAMESCHILD, ÜBERMALT
GENOA
1960
ENAMELLED ADVERTISEMENT SIGN, PAINTED
Wolf Vostell (Leverkusen 1932–1998 Berlin) gilt als einer
der Pioniere des Environment, der Videokunst, des Happening und der Fluxus-Bewegung. Zu den zahlreichen von
ihm verwendeten, teils sogar von ihm erfundenen künstlerischen Techniken gehörten etwa die Verwischung, die Décollage oder das Einbetonieren.
Wolf Vostell (Leverkusen 1932–1998 Berlin) counts among
the pioneers of Video Art and Environment / Installation /
Happening and the Fluxus Movement. Among the numerous
artistic techniques used – and in some cases invented – by
Vostell were those of blurring, Dé-collage and the embedding of objects in concrete.
Nachdem er bereits als Schüler mit Tusche und Aquarellfarben gemalt hatte, begann Vostell 1953 eine Lithografenlehre, besuchte in Wuppertal die Werkkunstschule und
studierte in Paris an der École nationale supérieure des Beaux-Arts. 1954 entstanden erste Plakatabrisse, 1958 schuf
er mit „Das Theater ist auf der Straße“ in Paris das erste
Happening in Europa. 1961 folgte mit „Cityrama“ in Köln
das erste Happening in Deutschland. Parallel dazu experimentierte Vostell im Studio des WDR mit elektronischen Décollagen und schuf Objekte mit Fernsehern und Autoteilen.
Damit begann sein Engagement in der Fluxus-Bewegung,
die er Anfang der 1960er Jahre mitbegründete. 1992 ehrte
die Stadt Köln Vostell mit einer umfangreichen, auf sechs
Ausstellungsorte verteilten Retrospektive.
Having already learnt to paint with Indian ink and watercolours as a schoolboy, Vostell began an apprenticeship as a
lithographer in 1953, attended the school of applied arts in
Wuppertal and then studied at the École nationale supérieure des Beaux-Arts in Paris. He produced his first torn-poster
Dé-collages in 1954. His action „Le théâtre est dans la rue“
in Paris in 1958 was the first ever Happening in Europe. This
was followed, in 1961, by „Cityrama“ in Cologne, which was
the first Happening in Germany. It was during this period
that Vostell also experimented with electronic Dé-collages
in the studio of the WDR and created objects incorporating
TV sets and car parts. This also marked the beginning of his
deep involvement with the Fluxus movement, which he had
co-founded with other artists at the beginning of the 1960s.
In 1992, the City of Cologne paid homage to Wolf Vostell
with a comprehensive retrospective that was spread over
six exhibition venues.
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TIM WALKER
LILY AND SPIRAL STAIRCASE
2005
FARBPHOTOGRAPHIE
14/50 (DANEBEN 3 A.P.)
LILY AND SPIRAL STAIRCASE
2005
COLOUR PHOTOGRAPH
14/50 (PLUS 3 APS)
Der Brite Tim Walker (* 1970 in Devon) zählt mit seinen
barock-surrealen Bildkompositionen zu den erfolgreichsten
zeitgenössischen Fotografen der Modebranche.
Now famous for the baroque-style surrealism of his photographic compositions, Tim Walker (* 1970 in Devon) is one
of the most successful contemporary photographers of the
fashion world.
International bekannt wurde er mit perfekt inszenierten Fotografien für die britische, amerikanische, italienische und
japanische Vogue. Seine Imagination trägt die Motive weit
über den Standard der konventionellen Modefotografie hinaus. Nach ungewöhnlich aufwendigen Vorbereitungen mit
einem Team von Set Designern, Schneidern und Assistenten gestaltet er vor spektakulärer Kulisse an verschiedensten Orten auf der Welt traumhaft entrückte Bilder, lässt
seine Models in zum Tragen ungeeigneten, glamourösen
Kunst-Kleidern auftreten.
He rose to international fame through his perfectly staged
photographs for the British, American, Italian and Japanese
editions of Vogue. His vivid imagination far transcends the
conventional standards of fashion photography. After extraordinarily expensive and time-consuming preparations with
a team of set designers, dressmakers and assistants, Tim
Walker creates the most dreamlike images against the most
spectacular of backdrops in the most unimaginable locations,
and with models dressed in the most glamorous of artistic
creations that are in no way suitable as everyday apparel.
„Lily and Spiral Staircase“ entstand 2005 für die britische
Vogue in Whadwhan, einem Ort im indischen Bundesstaat
Gujarat. Bereits während Walker auf einer Rundreise die eiserne Wendeltreppe in einem alten Palast entdeckte, malte
er sich in Gedanken die Inszenierung aus. Später, als das
Projekt realisiert wurde, musste nicht nur die Farbe, sondern
auch die Länge und das Gewicht des Kleides der Umgebung
und den Vorstellungen Walkers angepasst werden.
The photograph „Lily and Spiral Staircase“ was taken in 2005
for the British edition of Vogue in Whadwhan, Gujarat, India.
Walker had discovered the iron spiral staircase in an ancient
palace on one of his earlier travels and had already created
the scene in his imagination. Later, when the project was ultimately realized, not only the colour of the dress but also its
length and weight had to be chosen to match the surroundings exactly as Walker had envisaged the scene.
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ANDY WARHOL
LIZ
1964
FARBOFFSETLITHOGRAPHIE
EINS VON CA. 300 EXEMPLAREN
LIZ
1964
COLOUR OFFSET LITHOGRAPH
ONE OF APPROXIMATELY 300 COPIES
Andy Warhol (Pittsburgh 1928–1987 New York City) war
ein US-amerikanischer Grafiker, Künstler, Filmemacher und
Verleger. Er gilt als Mitbegründer und bedeutendster Vertreter der Pop Art.
Andy Warhol (Pittsburgh 1928–1987 New York City) was
an American draughtsman, painter, printmaker, film maker
and publisher. He was one of the co-founders of the Pop
Art movement and is considered to be its most important
exponent.
Warhols Karriere begann in den 1950er Jahren als Illustrator für Mode-, Hochglanz- und Lifestylemagazine. Bereits
in den ersten Jahren seiner künstlerischen Tätigkeit richtete er 1962 sein Atelier, die berühmte Factory, ein, in dem
Assistenten und Freunde an der „Produktion“ von Kunst
mitarbeiteten. Hier entstanden u.a. die ersten Serien mit
„Campbell’s Soup Cans“, „Coca Cola Bottles“ und anderen
Motiven aus der Konsumwelt. Im Verfahren des Siebdrucks
und mit Acrylfarbe fertigte Warhol daneben Bilder, für die er
Pressefotos von tragischen Verkehrsunfällen, Flugzeugabstürzen und ähnlichem verwendete. Warhol verwies auf den
manipulativen Charakter der Populärkultur unserer Zeit, auf
die Lenkung der Wahrnehmung durch die Massenmedien.
Zu seinen berühmtesten Werken zählen die vielen Porträts
berühmter Persönlichkeiten aus Film, Politik und Gesellschaft, darunter „Elvis Presley“ (1964), „Jackie Kennedy“
(1965), „Marilyn Monroe“ (1967) und „Mao Tse Tung“ (1972).
Warhol‘s career began in the 1950s as a commercial illustrator working for fashion, lifestyle and other glossy magazines.
As early as 1962, when he had only just embarked on a
life as an artist, he set up his famous Factory, a number of
studios in factory buildings where his assistants and friends
were engaged in the „production“ of art. This is where he
produced his first series of „Campbell’s Soup Cans“, „Coca
Cola Bottles“ and other motifs from the consumer world.
Working with acrylic paint and silkscreen ink on canvas,
Warhol also produced paintings based on press photos of
tragic traffic accidents, plane crashes and similar untoward
occurrences. Warhol drew attention to the manipulative
character of the popular culture of our modern age, to the
way mass media control our perception. Among his most
famous works are the portraits of many celebrities from the
world of film, politics and society, including „Elvis Presley“
(1964), „Jackie Kennedy“ (1965), „Marilyn Monroe“ (1967)
and „Mao Tse-Tung“ (1972).
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ANDY WARHOL
CAMPBELL‘S SOUP CAN ON A SHOPPING BAG
1966
FARBSIEBDRUCK
EXEMPLAR EINER UNGEZÄHLTEN AUFLAGE
CAMPBELL‘S SOUP CAN ON A SHOPPING BAG
1966
COLOUR SILKSCREEN
COPY FROM AN UNNUMBERED EDITION
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STEFAN À WENGEN
(FOLGESEITE)
THE POWER OF LOVE
2013
KOHLE AUF LEINWAND
(FOLLOWING PAGE)
THE POWER OF LOVE
2013
CHARCOAL ON CANVAS
Die Werke des Schweizers Stefan à Wengen (* 1964 in Basel) beschäftigen sich mit den Phänomenen des Unheimlichen.
The works of the Swiss painter Stefan à Wengen (* 1964 in
Basel) explore the phenomenon of the uncanny.
His deserted landscapes, his portraits of animals and people as well as his figurative motifs trigger associations with
strangeness, otherness, anxiety, melancholy and a great
many other states of mind normally explored by depth psychology. His paintings and drawings inspire in the viewer
memories of images from art history and the cinema and
operate with levels of the subconscious and questions of
cultural codes. The monumental drawing „The Power of
Love“ belongs to a series of animal portraits in which the
artist explores what seems to be typically animal and discovers surprisingly human traits.
Einsame Landschaften, Tier- und Menschenporträts sowie
gegenständliche Motive lösen Assoziationen an Fremdheit,
das Andere, Angst, Melancholie und weitere Themen, die in
der Tiefenpsychologie untersucht werden, aus. Die Gemälde
und Zeichnungen à Wengens wecken im Betrachter Erinnerungen an Bilder aus der Kunstgeschichte und dem Film und
setzen sich mit den Ebenen des Unterbewussten und Fragen nach kulturellen Codes auseinander. Die monumentale
Zeichnung „The Power of Love“ gehört zu einer Reihe von
Tierporträts, in denen à Wengen das Animalische untersucht
und erstaunlich menschliche Züge findet.
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Umschlag:
STEFAN À WENGEN
THE POWER OF LOVE (AUSSCHNITT)
Copyright:
© der Werke von Dirk Brömmel:
Dirk Brömmel
© der Werke von Erik Bulatov, Raymond Hains, A.R.
Penck, Martial Raysse, Mimmo Rotella, Jaques Villeglé,
Wolf Vostell:
VG Bild-Kunst, Bonn 2014
© der Werke von Ormond Gigli:
Nachlass Ormond Gigli
© der Werke von Wang Guangyi:
Wang Guangyi
© der Werke von Bettina Rheims:
Bettina Rheims
© der Werke von Mario Testino:
Mario Testino
© der Werke von Tim Walker:
Tim Walker
© der Werke von Andy Warhol:
2014 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts
© der Werke von Stefan à Wengen:
Stefan à Wengen
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aufzuführen. Rechtsinhaber, die wir nicht ausfindig machen
konnten, bitten wir, sich an den Herausgeber zu wenden.
We have endeavoured to include all copyright references.
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50
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