Brennpunkt - edition dibue

Transcrição

brennpunkt
4/2014 4,00 Euro
30. Jahrgang
Magazin für Fotografie
Oktober bis Dezember 2014
Galerien • Buchbesprechungen • Fotoszene
Portfolio Manfred Claudi
FÜR ORIGINALE
„Ich fotografiere für den Fine Art Druck. Erst die Kombination von hochwertigen traditionellen
Büttenpapieren und modernster Drucktechnik bringt die sinnliche Qualität meiner Bilder optimal
zur Geltung.“ Manfred Kriegelstein Die Digital FineArt Collection bietet exklusive Künstlerpapiere
mit edler Haptik und bestechender Optik für den Inkjetdruck. Brillante Schwarz-Weiß-Aufnahmen
oder subtile Farbfotografie werden dank unserer feinen Papiere der Individualität Ihrer Kunstwerke
mehr als gerecht. Mehr Papierkunst unter www.hahnemuehle.de
2
brennpunkt 4/2014
P A P I E R E M I T M U S E U M S Q U A L I T Ä T, A L T E R U N G S B E S T Ä N D I G U N D M E H R F A C H P R Ä M I E R T .
Impressum:
brennpunkt
Magazin für Fotografie
Erscheint vierteljährlich,
erhältlich in Fotogalerien,
Geschäften, Buchhandlungen
und über Abonnement.
Jahresabo 13,50 Euro
Einzelpreis 4,00 Euro
Konten:
Postbank Berlin
Konto-Nr. 375 106 104
BLZ 100 100 10
Redaktionsschluss:
jeweils am 10. vor dem Erscheinungsmonat
Herausgeber:
edition buehrer
c/o Dietmar Bührer
Odenwaldstraße 26
12161 Berlin
Telefon u. Telefax: (0 30) 8 53 35 27
e-Mail: [email protected]
Internet: www.edition-dibue.de
Copyright bei Edition
Druck:
schöne drucksachen
Bessemerstraße 76a, 12103 Berlin
Redaktion:
Dietmar Bührer V.i.S.d.P.
Michael Gebur
Klaus Rabien
Manfred Kriegelstein
Udo Rzadkowski
Hinweis:
Für unverlangt eingesandte
Manuskripte und Fotografien
wird keine Haftung übernommen.
© Ara Güler, Pablo Picasso, 1971
Galerien
 BRIGITTE VOIGT »Fotografien 1958-1988« ........................................................
5
 Fremdes Sehen ...................................................................................................
6
 Hans Martin Sewcz »Zeichen des Wandels« .......................................................
7
 MONIQUE JACOT »REPORTAGEN UND TAGTRÄUME« ..................................
8
 Greg Gorman »Portraits« .................................................................................... 10
 Katrin Korfmann ................................................................................................. 11
 Erwin Olaf »Fall« ............................................................................................... 12
 Sonia Szóstak »Longboards, tattoos and a journey to Mars« ............................... 13
 TERMINAL – Berlin-Projektraum......................................................................... 14
 Siebrand Rehberg »BERLINER. Signale des Aufbruchs« ...................................... 15
 FOTORIOSA .. .................................................................................................... 16
 FOTORIOSA »Menschenwerk« ......................................................................... 17
 Bettina Rheims »Bonkers – A Fortnight in London« ............................................ 18
 Jacob Felländer »Sticking to my Guns« ................................................................ 19
 MICHAEL WESELY. ANOTHER PENCIL OF NATURE-PART 2 ............................. 20
 Ara Güler »Das Auge Istanbuls« .......................................................................... 21
 Strategien der Macht ................................................................................................... 22
 Axel Benzmann »Frostbite«................................................................................. 24
 Günter Zint »25 Jahre Mauerfall« ........................................................................ 25
 Irena Ruppert, Julia Smirnova, Nikita Teryoshin »Überblendungen« .................... 26
 Martin Roemers »The Eyes of War« ..................................................................... 27
 Meisterwerke der Fotografischen Kunst .............................................................. 28
 Nicole Krüger / Jochen Deckert / ManFox ........................................................... 29
 Karl-Ludwig Lange »Der Photograph in seiner Stadt« .......................................... 30
 Karl-Ludwig Lange »Ausstellungsreihe« ............................................................... 32
 JENS KNIGGE »Platinum Prints« ......................................................................... 34
 Laude, Streicher, Abramova, Englert, Licht, »Rückblicke« .................................... 36
 Stéphane Lelarge »A Place To Live #1 - Berlin« .................................................. 38
 Udo Lindemann »Tacheles-Polaroids« / Amélie Lousier ....................................... 39
 CHANGING Realities ......................................................................................... 40
 Hans Hansen »Ein erster Blick« ........................................................................... 41
 Magnum. Contact Sheets .................................................................................... 42
 Will McBride / Porträits of Now Magnum Photomaton / Luise Schröder .............. 44
 Eugenio Novajra »The Tempelhof Project« .......................................................... 45
 Berlin Photography – Ouwerkerk, Silberbach, Sinha, Steinkopf ........................... 46
 Berlin Photography – Caliari, Meydenberg, Scholten, Sewcz ............................... 48
 insight out .......................................................................................................... 50
 Bruno Schulz, Mariusz Kubielas »In Transitu«...................................................... 52
 Töpper-Fennel / Raffel / Schaub »Babel« ............................................................. 54
 ARWED MESSMER - REENACTMENT MFS ........................................................ 55
 From one place to another .................................................................................. 56
 OSTKREUZ CROSSROADS ................................................................................. 58
 MfG – Movement for Galleries............................................................................ 60
 Norman Behrend »Burning down the house« ...................................................... 61
Galeriebesprechungen
 Milch und Honig (Klaus Rabien) ........................................................................ 62
Ausstellungen
 Johannes Barthelmes »Aus dem Stegreif« ...............................................................
70
 Dieter Matthes »New York Blues« ....................................................................... 71
 Manfred Kriegelstein »Lost Wallpapers« .............................................................. 72
 Töpper-Fennel / Meister-Holzfuß »Es geht voran« .............................................. 73
 Christian Borchert »Familienporträts 1974-1994« ................................................ 74
 Siegfried Utzig »Stolper Heide« .......................................................................... 84
Portfolio
 Manfred Claudi ................................................................................................... 92
Fotoszene
 Masterclass Fotografie ......................................................................................... 76
 990 Faces ........................................................................................................... 77
 Ein großer Mensch. Zum Tode des Fotoreporters Robert Lebeck (K. Rabien) ....... 78
 Die Adams-Kalender für das Jahr 2015 ................................................................ 79
 Pepper´s Photo Chat............................................................................................ 80
 Jugendfotografie - juvenil oder aventgardistisch? (Manfred Kriegelstein) .............. 100
Buchbesprechungen
 Vera Mercer ........................................................................................................ 66
 UND ALLES IST WEG ........................................................................................ 67
 Ute Mahler »Zusammenleben« .......................................................................... 68
 Volker Wartmann »Rathaus Schöneberg« ........................................................... 69
 Fotokurs Straßenfotografie / Schwarzweiß-Fotografie / Makrofotografie ............... 101
Vorschau 1-2015 ...................................................................................................... 102
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3
Galerien
BRIGITTE VOIGT
»Fotografien
1958-1988«
Brigitte Voigt (*1934) studierte Grafik
und Fotografie an der Kunsthochschule
in Berlin-Weißensee.
Diplom und anschließend Aspirant
bei Arno Fischer, ab 1966 Mitglied der
Fotogruppe »Direkt«.
Von 1965-1988 Leiterin der Bildredaktion der Zeitschrift »Das Magazin« in
Berlin, als Redakteurin maßgebliche
Förderin der ostdeutschen Autorenfotografie.
Zum 8o. Geburtstag von Brigitte Voigt
erscheint das Buch »Aus Kindern
werden Leute« im Lehmstedt Verlag
© BRIGITTE VOIGT
© BRIGITTE VOIGT
Vernissage:
29. November, 19 – 21 Uhr
30. November bis 27. Dezember 2014
Galerie argus fotokunst
Marienstraße 26
10117 Berlin-Mitte
Mi – Sa
© BRIGITTE VOIGT
© BRIGITTE VOIGT
14 – 18 Uhr
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Galerien
Fremdes Sehen
Die Projektklasse »Fremdes Sehen« des
Photocentrum am Wassertor unter der
Leitung von Thomas Michalak hat sich
mit Problemen beschäftigt, die auftreten,
wenn fremde Personen, Kulturen oder
Lebenswelten vor die Kamera kommen.
Der Fokus lag dabei auf den Strategien
des Fotografen, persönlich oder gesellschaftlich Fremdes bzw. Vertrautes zu
konstruieren und zu kommunizieren.
Die Ausstellung zeigt sechs überwiegend als Buch realisierte Abschlussarbeiten.
Ins Blickfeld kommen die Entfremdung der Nachkriegsgeneration von
Eltern und Großeltern durch das große
Schweigen zwischen den Generationen
nach 1945 (Barbara Töpper-Fennel), der
Bruch zwischen Stadt und Landleben
in den 1960ern und deren langsame
Annäherung in den 1970ern (Tanja
Strehle), das bedrückende Befremden
über als spießig empfundene vorstädtische Wohn- und Lebensweisen (Ellen
Roters), das Auf und Ab einer persönlichen Beziehung zu persischen Asylanten (Amkelina Kegel), das sozial
und politisch Fremde, die daraus resultierende Einsamkeit und gewalthafte
Versuche, Nähe zu erzeugen (Rainer
Menke) sowie Strategien, Fremdheitserfahrung in einer stark globalisierten
Welt zu vermeiden
Wilhelm Schuenemann
© Barbara Töpper-Fennel
© Amkelina Kegel
© Wilhelm Schuenemann
bis 16. November 2014
hdK
Schudomastraße 3
12055 Berlin-Neukölln
© Ellen Roters
Öffnungszeiten
Sa/So 8. November / 9. November 2014
und 15./16.11.2014 je 14-19 Uhr
Eröffnung
7. November 2014, ab 19 Uhr
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brennpunkt 4/2014
Preview zu
»Nacht und Nebel«
am 1. November 2014, 20-24 Uhr
Galerien
Hans Martin Sewcz
»ZEICHEN DES
WANDELS«
Fotografien 1981 - 2003
Das künstlerische Schaffen von Hans
Martin Sewcz reicht von der dokumentarischen bis zur subjektiven Fotografie. Schon in der DDR widmete er sich
dem Thema »Alltagskultur«, subversiv auf den Verfall der »sozialistischen«
Gesellschaft hinweisend.
Den Mauerfall erlebte er, bereits eineinhalb Jahre auf der geopolitischen
Insel West-Berlin lebend, wo er seinem
Thema treu geblieben war. Er fotogra- © Hans Martin Sewcz, Potsdamer Straße, 1990, (Original in Farbe)
fierte die Bruchstellen der Wende, wie
sie sich in den Veränderungen im Ber- Wenige Jahre seit der Deutschen
liner Stadtbild widerspiegelten.
Einheit wurde eine naturalistische
Kopie der ehemaligen Schlossfassaden
Intuitiv reagiert Sewcz auf das urbane aus Stoff an einem Gerüst vor dem
Oevre seiner Umwelt, durch die er sich Palast der Republik angebracht - als
bewegt. Im Frühjahr 1990 gab es nur temporäres Modell schon im Voraus
eine kurze Phase, in der er den Palast die städtebauliche Entwicklung als
der Republik mit dem Emblem der DDR Farce unbeabsichtigt karikierend. Der
und die davor geparkte »Test the West«- Witz und Hintersinn der großformatigen
Promotion-Karawane auf e i n e m Foto Fotografie »Das Luftschloss« verschließt
festhalten konnte.
sich dem Betrachter nicht. Der Wunsch © Hans Martin Sewcz, Tag der Deutschen
nach einer Schloss-Nachahmung Einheit, 3. Oktober 1990, (Original in Farbe)
Sewcz agiert als Seismograf steht seit 1993 für die Träume und
gesellschaftlicher Entwicklungen; seine Selbstdarstellung unterschiedlicher
Bilder sind mitteilsam und lassen die Strömungen der Gesellschaft, den Blick
Poesie des Zufalls anklingen. Neben in eine ungewisse Zukunft gewandt.
dem Portrait eines in Begeisterung
schwelgenden Mannes mit der Zur Eröffnung der Ausstellung sprach
schwarz-rot-goldenen Fahne am Tag der der Kulturjournalist Professor Manfred
Deutschen Einheit am 3. Oktober 1990 Eichel mit und zu dem Künstler: »Das
hängt das Bild mit dem Schriftzug »Nie ist genau die Spannweite der Arbeiten
wieder Doitschland« auf dem Rücken von Hans Martin Sewcz: Einerseits der
eines jungen Mannes.
raffinierte, hintergründige Aufbau und © Hans Martin Sewcz, Vor dem Palast der
andererseits solche sehr ästhetischen Republik, 1990, (Original in Farbe)
Die Fotografie dient Hans Martin Sewcz Dinge... Achten Sie bitte erstmal auf
als Medium, das seine eigene Wertung die Fotos selbst natürlich - die haben
durch Abbildung der realen Außenwelt alle ihre besondere Qualität, ihren
wiedergibt. Der Fotograf nimmt bewusst großen Reiz - aber auch auf den Dialog bis 19. Dezember 2014
die Position eines Beobachters ein, der dieser Bilder zueinander. Das finde ich
seiner Umgebung begegnet und sie auf spannend, aufregend auch teilweise... Freie Volksbühne Berlin
sich wirken lässt. Seine Bilder entstehen Das ist so liebevoll und so intelligent Ruhrstraße 6
im schwärmerischen Einvernehmen und so sorgfältig gemacht, dass es für 10709 Berlin-Wilmersdorf
zum Abgebildeten oder gegenteilig in mich eine große Freude ist.«
der Abneigung zum Objekt – bis hin
Mo – Fr 10 – 18 Uhr
zur Satire.
Sa
10 – 14 Uhr
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Galerien
MONIQUE JACOT
REPORTAGEN UND
TAGTRÄUME
Fotografien . Polaroids . Transfers .
Fotogramme
Das Verborgene Museum zeigt die erste
Retrospektive in Deutschland mit Fotografien der Schweizer Fotografin Monique
Jacot.
Monique Jacot (geb. 1934) gehört zu
den stilbildenden Fotografinnen und
Fotografen der Schweiz nach 1945. Ihr
Interesse an Stadt und Menschen, an
Gegensätzen und Überraschungen im
Alltag des alten Europa hat sie in vielen
Fotoreportagen für Magazine wie »Die
Woche«, »DU«, »Annabelle«, »Elle«,
»Réalités«, »Vogue« u. a. dokumentiert.
Daneben ist sie Vertreterin einer Kunstfotografie, in der sie ihre Neigung zum
Ex-periment und die Begeisterung fürs
Detail mit unbestechlicher Genauigkeit zum Ausdruck bringt. Das Verborgene Museum zeigt nun zum ersten
Mal in Deutschland ca. 120 Arbeiten
der Schweizer Fotografin, Beispiele
aus allen Schaffensphasen – SchwarzWeiß-Aufnahmen, Polaroids, Transfers
und Fotogramme.
Im eigenen Land gilt die Schwei-zerin
Monique Jacot als Reportage-Fotografin,
Rebellin und Realistin und pflegt doch
zugleich ihr Faible für hintersinnige,
fotografisch-poetische Bildgeschichten. In diesem Spagat zwischen gesellschaftlichem Engagement und schöpferischer Intuition ist sie bis heute aktiv
und stets auf der Suche nach inneren
und äußeren Bildern.
Unmittelbar nach ihrer Ausbildung
(1953-56) an der von Gertrude Fehr
geleiteten École des Arts et Metiers in
Vevey, löst sich die in Neuchâtel geborene Monique Jacot von den Vorgaben der klassischen Atelierfotografie
in der Nachfolge der neuen Sachlichkeit. Noch während des Studiums bricht
sie immer wieder aus der schulischen
Enge aus. Sie entscheidet sich gegen das
Fotografieren im Studio für die Suche
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brennpunkt 4/2014
© Monique Jacot, Peney-le-Jorat, 1988, Fotostiftung Schweiz, Winterthur
nach Motiven auf der Straße, nach
unbeachteten Begebenheiten im Alltag
und nach Orten, an denen Menschen
zu Spiel und Unterhaltung zusammenkommen wie im Zirkus oder im Theater des weltbekannten Pantomimen
Dimitri. Mit diesen Motiven hatte sie
Erfolg und konnte sich schon bald selbständig machen. Die nach dem Zweiten
Weltkrieg neuen Illustrierten und internationalen Zeitschriften wie u.a. »Die
Woche«, »Du«, »Annabelle«, »Elle«,
»Réalités« und »Vogue« suchten nach
diesen Bildwelten des neuen Lebensgefühls.
Gleichsam eine zweite Schule künstlerischer Fotografie bedeutete für Monique
Jacot der kontinuierliche Austausch mit
Fotografinnen und Fotografen aus dem
Umfeld der »Agentur Magnum« - mit
Henri Cartier-Bresson, Martine Franck, © Monique Jacot, Mailand, 1984, Fotostiftung
Robert Frank, Josef Koudelka und Anna Schweiz, Winterthur
Farová - und bis heute gehört das Sprechen über Fotografie zu ihrem Selbst- aber auch mit weltweit prekären soziverständnis als Fotografin. In diesem alen Verhältnissen konfrontierten. Der
Sinn verstand sie auch ihre Zugehörig- tägliche Kampf um Auftrag und Realikeit in der von Anita Neugebauer 1976 sierung von Fotoreportagen vor Ort und
in Basel gegründeten, internationalen in vielen Teilen der Welt, in den USA,
Fotogalerie »photo art basel«.
der Sowjetunion, in England, Frankreich
Jahrzehnte lang war Jacot mit der Leica und im fernen Osten hat aus Monique
für die Weltgesundheitsorganisation Jacot seit Ende der 1950er Jahre eine
(WHO) in Krisengebieten unterwegs, der arriviertesten Fotojournalistinnen in
um unzureichende sozial-hygienische Europa gemacht. Nicht zuletzt hat sich
Verhältnisse zu dokumentieren. Es bei dieser Arbeit ihr soziales Gewiswaren Aufträge, die für sie eine finanzi- sen und die Überzeugung vom gesellelle Grundsicherung bedeuteten, die sie schaftlich relevanten Bürgerengage-
Galerien
© Monique Jacot, Morges, 1980,Fotostiftung Schweiz, Winterthur
der Landwirtschaft - schonungslos, aber
immer voller Achtung gegenüber den
Protagonistinnen.
Monique Jacot ist eine Fotografin der
Extreme: Von der Realität fasziniert
und abgestoßen zugleich sucht sie die
Stille und den Zufall beim Experimentieren in der Dunkelkammer. Es entstehen
die sogenannten Transfers von PolaroidNegativen in überraschenden Tonungen und Farbabstufungen; es sind Originale, deren Aussehen Auge und Hand
der Fotografin nicht absolut beeinflussen können, weil hier der Zufall der
chemischen Substanzen mitwirkt. Personen verschwinden aus dem Bildrepertoire, in dem tierische und pflanzliche
Elemente überwiegen. Die Materie tritt
vor, die Realität zurück.
Der Herbst 2014 bietet eine besondere Gelegenheit, das Werk Monique
Jacots kennenzulernen, weil Berlin vom
18. Oktober bis zum 15. November 2014
den 6. Europäischen Monat der Fotografie (EMoP) begeht.
Die Ausstellung wird unterstützt durch
die Fotostiftung Schweiz in Winterthur
und die Stiftung Pro Helvetia. Die Fotografin ist zur Eröffnung der Ausstellung
anwesend.
Publikation während der Ausstellung:
Monique Jacot, herausgegeben von
Peter Pfrunder, Fotostiftung Schweiz,
Winterthur 2005. Preis: Euro 25.-
© Monique Jacot, Moskau, 1968, Fotostiftung Schweiz, Winterthur
ment manifestiert. Die andere Seite des »Cadence – L‘usine au féminin« (Fabrikharten Lebenskampfes hat Jacot schon arbeiterinnen – Leben im Akkord,1991immer in der Natur gefunden, in unbe- 1999) dokumentiert und Frauen auf dem
rührten Landschaften: an Seen, in Wäl- Land (»Femmes de la terre«, 1984-1989)
dern, den heimischen Weinber-gen und begleitet. Fünf Jahre über dauerte die
im rauen Gebirge.
breit angelegte Fotostory über die BäueDass sich Monique Jacot für die Sache der rinnen und ihre Familien, deren LebensFrauen stark gemacht hat, hat sie nicht und Arbeitsrhythmus sie nicht nur im
nur mit ihren Aufnahmen von Demonst- Bild festgehalten hat, die sie wiederholt
rationen für die Rechte der Schweizerin- besucht, interviewt und mit denen sie
nen, dem Zyklus »Printemps de femmes. das Ergebnis ausführlich diskutiert hat.
Wir sind so frei. 1991-1993« bewiesen. Diese fotografischen Langzeit-Projekte
Über Jahre hat sie die Arbeit von Frauen sind ein ebenso ungeschminktes wie
in Büros und Fabriken unter dem Titel einfühlsames Panorama vom Alltag in
Eröffnung
8. Oktober 2014, 19 Uhr
9. Oktober 2014 bis 1. März 2015
DAS VERBORGENE MUSEUM
Dokumentation der Kunst
von Frauen e.V.
Schlüterstraße 70
10625 Berlin-Charlottenburg
Do & Fr
15 – 19 Uhr
Sa & So
12 – 16 Uhr
Geschlossen:
18. Dezember 2014 – 4. Januar 2015
brennpunkt 4/2014
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Galerien
Greg Gorman
»Portraits«
Die galerie hiltawsky zeigt über 30
Porträts des amerikanischen Fotografen Greg Gorman. Zu den porträtierten Persönlichkeiten zählen Hollywoodstars wie Sharon Stone, Sophia
Loren, Robert De Niro, Leonardo de
Caprio, Marlon Brando, Johnny Depp,
Jeff Bridges sowie auch Musiklegenden
wie David Bowie, Jim Morrison, Tom
Waits, Michael Jackson, Frank Zappa,
Philip Glass, Pop-Kunst Ikone Andy
Warhol u.a..
Greg Gorman (*1949, Kansas City, Missouri, USA) wollte ursprünglich Fotojournalist werden. Als er jedoch im Jahr
1968 Jimi Hendrix bei dessen Konzert
in Kansas City fotografierte, wurde dies
zum Auftakt seiner nunmehr 40-jährigen Karriere.
Nach seinem Abschluss (1968, Master
of Fine Arts) blieb Gorman dem Show
Business treu und fotografierte, neben
zahlreichen Werbeaufträgen, in der
Folge vor allem Schauspieler und Musiker. Einige dieser ikonischen SchwarzWeiß-Aufnahmen zierten Filmplakate,
andere schmückten die Cover von
CDs oder von Magazinen wie LIFE und
Newsweek, VOGUE und Rolling Stone.
Allein 20mal zierte ein Gorman-Motiv
Warhols INTERVIEW Magazin.
Parallel zur Porträtfotografie weist
Gorman ein beachtliches Œevre im
Bereich Aktfotografie auf. Durch seinen
unverkennbaren Stil mit starken Kontrasten, extremen Licht und Schattenspielen konzentriert er sich auf die Grafik
von Gesicht und Körper und erschafft
eine klassische Ästhetik, die die zeitlose Schönheit der menschlichen Natur
mit erotischer Ausstrahlung verbindet.
Seine Aufnahmen von Bowies Ehefrau
Iman aber auch die tänzerischen Posen,
in denen er die männlichen Starmodelle
Tony Ward und Mickey Hardt inszenierte, sind legendär.
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brennpunkt 4/2014
Raquel Welch, Los Angeles, 1988, Archival Pigment Print, 16 x 20 inch
© Greg Gorman, courtesy galerie hiltawsky
galerie hiltawsky
Tucholskystraße 41
10117 Berlin-Mitte
Andy Warhol, Los Angeles, 1986, Archival
Pigment Print, 50 x 40 inch
© Greg Gorman, courtesy galerie hiltawsky
Mi – Sa
14 – 18 Uhr
www.hiltawsky.com
Galerien
Katrin Korfmann
Im Fokus von Katrin Korfmanns
neuem Werkzyklus stehen kollektive
Rituale, die die Identität des Einzelnen
verwischen und das Individuelle mit der
Gemeinschaft verbinden.
Der suggerierte »magische Moment«
offenbart die Gegenwart eines Rituals,
bei dem Menschen durch gemeinsame
Aktionen einen großen Organismus
bilden. Komponiert werden die
detailreichen Arbeiten aus einem
Archiv von digitalen Lichtbildern, das
der sozialrealistischen Dokumentation
eines euphorischen Utopismus dient.
Für die Aufnahmen reiste die Künstlerin
durch Europa: zu den Castells
(Menschentürmen) in Katalonien, dem
Cascamorras-Fest, bei dem schwarze
Farbe auf den Körpern die Hauptrolle
spielt, sowie zu den Zeremonien des
Els Enfarinats-Festivals in Ibi, wo Mehl
und Eier zum Einsatz kommen. Visuell
werden monochrome, aber auch
patternartige Menschenmassen und
gleichermaßen die Gleichstellung jedes
einzelnen Protagonisten in der Gruppe
festgehalten. Durch die abgebildete
Farbigkeit, die Körperlichkeit sowie die
Kleidung verweisen sie auf den Kontext
der Kunstgeschichte und widerspiegeln
die gegenwärtige Zeit.
Katrin Korfmann wurde 1971 in Berlin
geboren und lebt seit ihrem Studium
in Amsterdam. Von 1995 bis 1996
besuchte sie die Kunsthochschule
Berlin-Weißensee und war 1996 und
1997 Assistentin von Ulay (Uwe F. © Katrin Korfmann, Original in Farbe
Laysiepen). An der Niederländischen
Gerrit Rietveld Academie beendete sie
(1996-1999) ihre Ausbildung und nahm
von 2000-2002 am Residency Program Ausstellungseröffnung und
der renommierten Rijksakademie Künstlergespräch:
Amsterdam teil. Katrin Korfmann wurde 17. Oktober 2014, 19 – 21 Uhr
mehrfach für ihr Werk ausgezeichnet, u.a.
erhielt sie den Rado Star-Preis Schweiz
2012, den 2.Preis des Prix de Rome im
bis 30. Oktober 2014
Jahr 2003, den Mama Cash Award in
2000 und den Esther Kroon Award in
Galerie WHITECONCEPTS
1999. Zahlreiche Ausstellungen führten Zur Ausstellung ist ein Katalog erschie- Auguststraße 35
sie durch Europa, Asien und die USA. nen: »Ensembles assembled«, 2014, 10119 Berlin-Mitte
Viele ihrer Werke sind in öffentlichen mit Texten von Gregory Volk and Freek
und privaten Sammlungen vertreten.
Lomme, Hrsg. Onomatopee Eindhoven, Mo – Fr
10 – 17 Uhr
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Galerien
Erwin Olaf
»Fall«
Die Arbeiten des holländischen Starfotografen Erwin Olaf visualisieren das
Unausgesprochene, das Unbemerkte.
Dabei verschleiert er seine Themen mit
gekonnter Ästhetik, um den Betrachter in Unbehagen zu versetzen und
zu irritieren. In seinen stilisierten und
geschickt zitierten Bildwelten behandelt er zumeist Tabus, soziale Konflikte
und bürgerliche Enge.
Im Rahmen des 6. Europäischen Monats
der Fotografie präsentiert seine Berliner
Galerie WAGNER + PARTNER in der
Bar Kosmetiksalon Babette Fotos aus
der Serie Fall (2008) sowie den Film
Le Dernier Cri (2006). Der ehemalige
Kosmetiksalon auf der Karl-Marx-Allee
spiegelt den Geist der 50er Jahre ebenso
wieder wie Olafs Serie Fall.
Fall reiht Portraits von Adoleszenten
aneinander, unterbrochen von spartanisch komponierten Stillleben in blass
goldfarbenen Interieurs. Vor Vorhängen
und Tapeten, die an Wohnzimmer der
Nachkriegsgeneration erinnern, wirken
die Jugendlichen deplatziert.
Als fühlten sie sich unbeobachtet, konfrontieren sie den Betrachter mit einem
Bündel sich widersprechender Gefühle
sowie einer noch nicht fest definierten
Körperlichkeit, wie sie der adoleszenten Phase eigen ist: Coolness und Verletzlichkeit, Laszivität und Teilnahmslosigkeit zeigen sich ebenso wie Introvertiertheit und körperliche Kraft. Eine
subtile und unkontrollierte Erotik strahlt
aus ihren allzu perfekten jungen Körpern. Die Interpretationen von Olafs
Fotografien fällt ebenso verwirrend aus,
wie sich für Jugendliche die Pubertät
selbst ausnimmt.
Der Film Le Dernier Cri steigert sich in
einer ähnlichen Atmosphäre langsam
auf den unbehaglichen Höhepunkt,
der zeigt, welche Schrecken unter dem
schönen Schleier der Bürgerlichkeit verborgen liegt.
In der zentralen Ausstellung des Monats
der Fotografie im Martin-Gropius-Bau
werden zeitgleich Olafs Carbon Prints
aus der Serie »BERLIN« (2013) in einer
Gruppenausstellung mit dem Titel
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brennpunkt 4/2014
Erwin Olaf, Berlin, Fechthalle Westend, 11th of July, 2012,
© Erwin Olaf, courtesy Wagner + Partner Berlin
Erwin Olaf, Berlin, Olympiastadion, Westend, Selbstportrait, 25th of April, 2012
© Erwin Olaf, courtesy Wagner + Partner Berlin
»Memory Lab: The Sentimental Turn
/ Photography Challenges History«
gezeigt.
Anlässlich der Berliner Doppelausstel- Eröffnung:
lung erscheint ein neuer Katalog; dieser Freitag, 16. Oktober 2014, ab 22 Uhr
wird am 16. Oktober 2014 persönlich von Erwin Olaf vorgestellt und auf 16. Oktober bis 30. Oktober 2014
Wunsch signiert.
Bar Kosmetiksalon Babette
Erwin Olaf: Volume II; Editor: Lesley A. Karl-Marx-Allee 36
Martin; 112 Pages, Year: 2014, Price: 10178 Berlin-Friedrichshain
$65.00 / £40.00, Publishing House:
Aperture.
täglich ab 18 Uhr
Galerien
Sonia Szóstak
»Longboards, tattoos
and a journey to Mars«
Vor dem offiziellen Start des diesjährigen Monats der Fotografie eröffnet Berlins neuester Concept Store für Art &
Design, NO WÓDKA, am 11. Oktober
die Einzelausstellung der polnischen
Fotografin Sonia Szóstak.
Mit »Longboards, tattoos and a journey to Mars« werden 19 fotografische
Werke der letzten 4 Jahre aufgeblättert.
Die Sujèts rangieren zwischen Portrait,
Mode und Akt und sind jeweils Teil einer
erzählerisch angelegten Fotoserie. Mit
ihren raffinierten, mal natürlich arrangierten, mal perfekt inszenierten Szenerien arbeitet Szóstak in der Tradition
etablierter Editorial-Fotografen, vermittelt jedoch mehr als nur eine dem Trend
folgenden Momentaufnahme. Vielmehr
reflektiert sie den Zeitgeist ihrer Generation und setzt gleichzeitig pointierte
Referenzen zur Kunstgeschichte (Classic Portrait).
Bereits im Sommer 2013 wurde die
junge Fotografin (*1990, Stettin/Polen)
von Carla Sozzani ins renommierte
Corso Como (Mailand) eingeladen, um
dort im Rahmen von »A Glimpse at
Photo Vogue« auszustellen. Seitdem ist
Szóstak ein gefragtes Mitglied der neuen
Fotografenszene Europas und hat u.a.
im OZON Magazine, Blink Magazine,
K Mag, Vain Magazine sowie in der PhotoVogue Italia und in This is Paper veröffentlicht. Zu ihren Kunden zählen Le
Book, H&M, The Random House Publishing und Levis.
Sonia Szóstak, Shelter, 2012, C-Print
© Sonia Szóstak, courtesy the artist +
NO WÓDKA, (O.i.F.)
Sonia Szóstak, Classic Portrait, 2012
C-Print, © Sonia Szóstak, courtesy the artist +
NO WÓDKA, (O.i.F.)
Sonia Szóstak, Silent, 2011, C-Print
NO WÓDKA, (O.i.F.)
Sonia Szóstak, Life on Mars, 2010, C-Print
NO WÓDKA
NO WÓDKA, Design & Kunst, Made
in Polen. Von Bekleidung und Schmuck nicht nur das: In dem Laden werden
bis hin zu Wohnaccessoires und Mobi- zudem regelmäßig Werke polnischer
liar präsentiert der Berliner Concept Künstler ausgestellt; die Show von Sonia
Store eine kleine aber feine Auswahl Szóstak bildet hierbei den Auftakt der
an außergewöhnlichen Designobjek- Fotopräsentationen. Mit NO WÓDKA
ten. So zählen bekannte Designermar- kommt die zeitgenössische, polnische
ken wie z.B. Oskar Zieta, TABANDA, Kunst- & Designszene nach Berlin.
Malafor sowie Modedesigner wie Mariusz Przybylski, Justyna Chrabelska und
Natasha Dziewit zum Portfolio. Aber
Eröffnung:
Samstag, 11. Oktober 2014, 19 Uhr
13. Oktober bis 29. November 2014
Concept Store NO WÓDKA
Pappelallee 10
10437 Berlin-Prenzlauer Berg
Mo – Sa
11 – 19 Uhr
und nach Vereinbarung
brennpunkt 4/2014
13
Galerien
TERMINAL –
PhotoWerkBerlin
Wettbewerb 2014
Oliver Parzer (dasfoto-Preis)
Jen Osborn (Artothek-Preis)
Rebecca Specht & Marcus Schütze
(PhotoWerkBerlin-Preis)
Shortlist: Jochen Carbuhn, Enric
Duch, Hennig Hahn
Die Berliner Flughäfen befinden sich in
vollkommen unterschiedlichen Zuständen: Es gibt den geschlossenen und
umgenutzten Tempelhofer, den intakten Tegeler und den sich immer noch
im Bau befindenden Flughafen BerlinBrandenburg.
© Oliver Parzer, 2012, Pigment-Prints auf Baryt, 50 x 70cm, HAUPTPREIS, (dasfoto-Preis)
Jeder der Flughäfen besitzt eine einzigartige Geschichte und beschreibt auf
seine Weise die Höhen und Tiefen der
Luftfahrt. An keiner anderen Stadt lassen
sich die Entstehung und Entwicklung
von Flughäfen so exemplarisch ablesen.
Politiker und Experten sorgen derzeit für
eine erhitzte Debatte über die Nutzung
und Zukunft der Flughäfen.
Der Photowettbewerb Terminal bietet
die Möglichkeit, einen künstlerischen
Standpunkt deutlich zu machen: Es
können dokumentarische, inszenierte
oder konzeptuelle Arbeiten eingereicht
werden, die sich mit einem oder mehreren Berliner Flughäfen auseinandersetzen.
Die besten Arbeiten werden von einer
internationalen Jury ausgezeichnet und
in einer thematischen Gruppenausstellung im Projektraum | PhotoWerkBerlin
im Rahmen des Europäischen Monats
der Fotografie im Oktober 2014 präsentiert.
Zusätzlich gibt es attraktive Preise zu
gewinnen.
© Oliver Parzer, 2012, Pigment-Prints auf Baryt, 50 x 70cm, HAUPTPREIS, (dasfoto-Preis)
Eröffnung und Preisverleihung am
Donnerstag, 16. Oktober 2014,
19 Uhr
Kommunale Galerie Berlin
Abbildungen und alle weitere Informationen zum Projektraum PhotoWerkBerlin unter:
http://www.photowerkberlin.com/
pages/presse-projektraum
14
brennpunkt 4/2014
Projektraum | Photo WerkBerlin
Hohenzollerndamm 176
10713 Berlin-Wilmersdorf
© Jen Osborn, »ARTOTHEK-PREIS«, (O.i.F.)
Di – Fr
Mi
10 – 17 Uhr
10 – 19 Uhr
Galerien
Siebrand Rehberg
»BERLINER. Signale
des Aufbruchs«
Fotografien 1971 – 1976
Das geteilte Berlin in den 70er-Jahren,
eine Stadtlandschaft voller Kontraste.
Europa ist in politische Blöcke geteilt.
Ein wiedervereinigtes Deutschland
und gemeinsames Europa sind Hirngespinste. Siebrand Rehbergs SchwarzWeiß-Fotografien sind eindringliche
Dokumente einer Zeit der gesellschaftlichen und politischen Veränderungen.
Dem Fotografen gelingt es, den Alltag
der Menschen eindrücklich und einfühl- Siebrand Rehberg (*1943), Kinder auf einem Abrissgelände nahe Skalitzer Straße, 1973,
sam in Momentaufnahmen, insbeson- ca. 24 x 18 cm, © Siebrand Rehberg
dere in seinem Stadtteil Kreuzberg, einzufangen. Zu seinen Vorbildern gehören Fritz Eschen und Friedrich Seidenstücker. Rehberg, Jahrgang 1943, hat u.
a. für die Zeit, das Zeit-Magazin und
den Spiegel nicht nur die große Politik
und ihre Inszenierungen, sondern auch
die Lebenswirklichkeiten der Berliner
im Fokus, die keine Geschichte schreiben. Der Schüler der Werkstatt für Fotografie von Michael Schmidt gibt ihnen
Siebrand Rehberg (*1943), Weltfestspiele der
einen Erinnerungsraum. Lange vor den
Jugend und Studenten am Alexanderplatz,
Umbrüchen, jenseits von Utopien.
1973, ca. 18 x 24 cm, © Siebrand Rehberg
Kuratiert wird die Ausstellung von Antonio Panetta, dem künstlerischen Leiter
der Collection Regard.
Begleitend zur Ausstellung erscheint
Siebrand Rehbergs Katalog »Signale des
Aufbruchs« im Nicolai Verlag (Deutsch/
Englisch). www.collectionregard.com/
publikationen
Außerdem wird es ein Künstlergespräch
mit Siebrand Rehberg und Marc Barbey Siebrand Rehberg (*1943), Adalbertstraße,
3. Oktober bis 12. Dezember 2014
am 6. November 2014 um 19 Uhr in der Ecke Bethaniendamm an der Mauer mit Blick
Collection Regard geben. Sie sind herz- auf die St. Thomas Kirche, 1971, ca. 24 x 18 cm, Collection Regard
lich dazu eingeladen! Max. 30 Teilneh- © Siebrand Rehberg
Marc Barbey
mer, Unkostenbeitrag 5 Euro.
Steinstraße 12
Wir bitten um eine Anmeldung per E- ist er als selbstständiger Fotograf tätig 10119 Berlin-Mitte
Mail an: [email protected]
und war zeitgleich bis 2008 wissenSiebrand Rehberg, geboren 1943 in schaftlicher Fotograf an der TU Berlin. Fr 14 – 18 Uhr
Aurich/ Ostfriesland, machte seine Siebrand Rehberg hat als Bildjournalist und während des Europäischen Monats
Ausbildung zum Fotografen von 1971 - für viele Printmedien gearbeitet. Außer- der Fotografie Berlin (16. Oktober
1973 beim Lette Verein in Berlin. Reh- dem ist er immer noch als Auftragsfoto- 2014 bis 16. November 2014) auch am
berg lebt und arbeitet seitdem in Berlin, graf für Berliner Firmen unterwegs.
Samstag von 14 bis 18 Uhr, sowie nach
der Stadt, die ihn so faszinierte, dass er So umfassend wurden seine Fotografien Terminvereinbarung in der Collection
sich der Fotografie zuwandte. Seit 1976 noch nie gezeigt.
Regard besichtigt werden.
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Galerien
FOTORIOSA
»Warum fällt mir so etwas nicht ein?«
Wer hat noch nie diesen Satz gedacht?
Bei FOTORIOSA hörte man ihn öfter.
Wenn wir uns treffen, um über Bilder
zu sprechen, dann sind diese natürlich
Einzelleistungen, aber nicht mehr ausschließlich. Es hat längst ein fruchtbarer Prozess begonnen, der sich in der
Entwicklung der Fotografierenden und
ihren Arbeiten widerspiegelt. Manchmal verändert sich schon das Bildkonzept, oder aber nach der Aufnahme wird
das Ergebnis plötzlich neu beschnitten,
gedreht, die Sättigung verändert ... Der
Einfluss den wir als Gruppe auf das kreative Schaffen des Einzelnen nehmen, ist
immens -das ist nicht zu leugnen - und © Wolfgang Philipp
birgt auch eine Gefahr: unsere regelmäßigen Bilddiskussionen könnten
auch zu einer gewissen Verallgemeinerung der Bildästhetik führen, wenn nicht
sogar zu einer schleichenden Herausbildung eines kollektiven Geschmackes.
Oft, während man die Bilder für das
nächste Treffen auswählt, beschleicht
einen der Zweifel: kann ich DAS zeigen?
Ja, es gab sogar schon schlechte Fotos zu
sehen, bewusst grauenvoll fotografiert,
konsequent als Provokation gedacht.
Die Gruppe fördert - und fordert heraus. © Bert Bornkessel
Allein die bloße Vorstellung, eines Plagiates verdächtig zu werden, ist schon
Triebfeder genug, eine Anregung, eine
Bildidee, einen schlichten Kommentar
in einen ganz neuen Kontext zu überführen. Heute heißt es oft: »Ich habe bei
der Aufnahmen auch an deine Bemerkung gedacht«.
FOTORIOSA eröffnet im Oktober gleich
zwei, völlig unterschiedliche Ausstellungen:
»10 Projekte«
Jedes Projekt zeigt die Handschrift
seines Fotoschöpfers, zu jeweils einem
selbstgewähltem Thema:
Rätselhafte Kugel • Wolfgang Philipp
Schaum • Kaja Wegner
© Norbert Thiel, (Original in Farbe)
Architektonisches • Uwe Franck
bis 31. Dezember 2014
Meer ist mehr • Norbert Thiel
Bewegung • Wolfgang Gläser
Rathaus Lichterfelde (ehemals)
Charismatisch • Michael Büttner
Goethestraße 9-12
einst floss hier Bier • Carsten Hartlieb
12207 Berlin-Lichterfelde
stilles Leben •Rainer Jordan
Südwesten • Bert Bornkessel
Mo – Fr
9 – 21 Uhr
1000 Wege • Malte Cornils
16
brennpunkt 4/2014
© Rainer Jordan
© Michael Büttner
Vernissage
10. Oktober, 18 Uhr
Galerien
FOTORIOSA
»Menschenwerk«
Ist das gemeinsame Resümee, aus dreieinhalb Jahren Fotografie und Diskussion.
In mehreren Auswahlverfahren immer
wieder »durchgesiebt« werden von 10
FOTIORIOSAnerInnen nun insgesamt
39 Bilder präsentiert.
© Malte Cornils
© Carsten Hartlieb
Vernissage
Sonntag, 12. Oktober 2014, 18 Uhr
© Kaja Wegner
Nachbarschaftsheim Schöneberg
Holsteinische Straße 30
12161 Berlin-Friedenau
Mo – Fr
7 – 18 Uhr
© Uwe Franck
© Wolfgang Gläser
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Galerien
Bettina Rheims
»Bonkers – A Fortnight
in London«
Sich ihrem künstlerischen Leitthema
der Weiblichkeit, Selbstdarstellung und
Sexualität widmend, erschuf die Künstlerin 2013 in London für die Ausstellung eine ergreifende Porträtserie mit
23 Frauen, die aufgrund ihres Erscheinungs- und Persönlichkeitsbildes sowie
ihrer medialen Verortung in der öffentlichen Wahrnehmung polarisieren. Die
Ausstellung wird bei CAMERA WORK
weltweit erstmals zu sehen sein.
Nach Shanghai und Paris – Großstädte,
in denen bereits international hoch
geachtete Serien der Künstlerin entstanden sind – begab sich Bettina Rheims für
»Bonkers – A Fortnight in London« nun in
die britische Hauptstadt. Auf der Suche
nach elektrisierenden Stimmungen und
polarisierenden Frauen der Society der
Weltmetropole, fand sich Rheims inmitten von Models, Schauspielerinnen und
Frauen der britischen Partyszene wieder.
Die Künstlerin begibt sich mit den Protagonistinnen in eine surreale und trübe
Welt verschiedener Darstellungsmuster,
erotischer Spielarten und Selbstfindungen von Weiblichkeit. Die großformatigen Porträts und Akte zeigen unter anderem Frauen, deren gesellschaftliche als
auch mediale Wahrnehmung und Reputation sich auf die Titulierung »It-Girl«
begrenzt. Die Darstellung der Frauen
spielt mit Stereotypisierungen, überspitzt bewusst Klischees und hinterfragt die Differenz zwischen den öffentlich rezipierten Bildern der Frauen und
deren individueller Persönlichkeit. Die
Arbeiten sind charakteristisch geprägt
von einer spürbaren Intimität und Nähe
der Künstlerin zu den Models, wodurch
es ihr gelingt, Weiblichkeit neu zu entdecken und aus einer besonderen Perspektive geradlinig darzustellen.
Das inhaltlich komplexe Schaffenswerk
fügt sich aus der künstlerischen Kreativität von Bettina Rheims, den Fertigkeiten des Stylisten Sascha Lilic, der Mode
von Vivienne Westwood und der Frivolität einer Gruppe von jungen Frauen
in London wie Amber Le Bon, Harriet
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brennpunkt 4/2014
© BETTINA RHEIMS, BONKERS –
A FORTNIGHT IN LONDON
AMBER LE BON HAS LOST … HER CAR KEYS
© BETTINA RHEIMS, BONKERS –
A FORTNIGHT IN LONDON
ARABELLA DRUMMOND, PIRAT AND FIRE ARTIST
Vernet, Mary Charteris, Portia Freeman Mit den Werken aus der Serie »Gender
und Morwenna Lytton Cobbold zusam- Studies«, die 2012 bei CAMERA WORK
men.
ausgestellt wurde, wirbt sie für das VerZur Ausstellung erscheint im Steidl ständnis von Transgender und zeigt mit
Verlag der Photoband »Bonkers! A Fort- ihren Porträtierten wie dem australinight in London« (38,- Euro). Die Aus- schen Model Andrej Pejic, dass sexustellung findet parallel zum Europäi- elle Flexibilität dem Individuum viel
schen Monat der Fotografie Berlin statt. Freiheit innerhalb der eigenen Identität
einräumt. Von ihrer Heimatstadt Paris
Über Bettina Rheims
wurde ihr 1994 der Grand Prix de la
Bettina Rheims wurde 1952 in Neuilly- Photographie vergeben, eine Anerkensur-Seine bei Paris geboren. Ihre pho- nung für die visuelle Auseinandersettographische Karriere begann Ende der zung mit Projektthemen wie der sexu1970er-Jahre nach einer kurzen Tätigkeit ellen Orientierung, aber auch für ihre
als Model, wobei ihr Interesse fortan der erotisch elektrisierenden InszenierunWeiblichkeit in all ihren erotischen und gen des weiblichen Körpers. Das impovoyeuristischen Facetten galt. Neben sante Schaffenswerk von Bettina Rheims
der Zusammenarbeit mit angesehenen wird in internationalen Ausstellungen
Modemagazinen und Werbeagentu- präsentiert, darunter unter anderem in
ren – für die sie Models wie Kate Moss, Helsinki, Moskau, Hongkong, London
Naomi Campbell oder Claudia Schiffer und Berlin. Die Künstlerin lebt und
photographierte – publizierte Bettina arbeitet in Paris.
Rheims diverse Photobände, darunter
»Female Trouble« (1991) und »Chambre
Close« (1992). Mit der Serie »Modern
Lovers« und dem Buchprojekt »Kim«, bis 29. November 2014
welches in intensiver Zusammenarbeit
mit der Transsexuellen Kim Harlow ent- Galerie CAMERA WORK
stand, entwickelte sich ein Interesse an Kantstraße 149
der künstlerischen Auseinandersetzung 10623 Berlin-Charlottenburg
mit der Thematik Transsexualismus und Di – Sa
11 – 18 Uhr
Transgender. Bei ihrem Projekt »Modern
Lovers« bezieht sie sich auf das Spiel mit Homepage:
der Androgynität. Sie ist überzeugt, dass www.camerawork.de
jeder Mensch beide Seiten in sich trägt, Facebook:
eine männliche und eine weibliche. www.facebook.com/cameraworkberlin
Galerien
Jacob Felländer
»Sticking to my Guns«
Die CWC GALLERY freut sich, die Ausstellung »Sticking to my Guns« des
schwedischen Künstlers Jacob Felländer zu präsentieren. Die Ausstellung
zeigt eine exklusive Auswahl von über
30 Werken aus der gleichnamigen konzeptuellen Serie.
Jacob Felländers noch nie zuvor gezeigte
Unikate sind das Ergebnis seiner Reisen
in verschiedene Weltstädte, mit stetigem Fokus auf Architektur, Kontur und
Form markanter Gebäude. Durch Felländers besondere angewandte Technik verschmelzen die in der Realität existierenden Objekte zu teilweise
abstrakten Gebilden und bieten dem
Betrachter neue Perspektiven und faszinierende Ansichten. Daraus entsteht
für den Rezipienten der Eindruck eines
ungeordneten wie wirren Stadtbildes.
Zudem beweist der Photokünstler in
»Sticking to my Guns« – als neuestes
Merkmal – die akzentuierende Wirkung der immer wieder auftauchenden
Schrift und Malereien in seinen Arbeiten. Mit dieser Vorgehensweise und Verbindung der Kunstgattungen verschiebt
Jacob Felländer die Grenzen der Photographie und bricht mit konventionellen
Definitionen des Photographiebegriffs.
Jacob Felländer setzt sich darauf aufbauend intensiv mit dem Sujet und der
Frage auseinander, wie sich Photographie entwickeln wird. Vor allem digitale
Bilder erfahren eine stetig wachsende
Beschleunigung in den Massenmedien.
Felländer will aus dieser Entwicklung
hervortreten, der rapiden Entwicklung
der Popularisation entgegenwirken und
demzufolge nicht mit digitalen Kameras arbeiten – er erschafft analoge Unikate, mit denen er trotzdem die Grenzen
der traditionellen Photographie neu legt.
Somit betritt er mit traditioneller Technologie künstlerisches Neuland.
Als 1917 Alfred Stieglitz ein herkömmliches Urinal mit »R. Mutt« versah und
ausstellte, bekamen diverse Kunstgattungen nicht nur zahlreiche Bedeutungen, sondern es ist seitdem Künstlern
überlassen, diese auf jegliche Art und
© Jacob Felländer
Weise zu verbinden. Von da an wurden
viele Werke als Kunst diskutiert: von
Ölmalereien bis zu Aktionskunst, in der
beispielsweise Menschen nackt in Kirchen tanzen. Die Intention der Photographie hat sich in seiner Geschichte
jedoch kaum verändert. Photographie
ist nach wie vor damit beschäftigt, mit
Hilfe von Licht einen Moment aus nur
einer Perspektive und an einem Ort zu
dokumentieren, was Jacob Felländer
nur als Ausgangspunkt für seine Werke
erscheint:
»Es handelt sich um Konzepte, Regeln
und Definitionen, die ich als Basis nehme
und breche oder erweitere.« Die Besonderheit an Jacob Felländers Werken
sind die eindeutig sichtbaren visuellen
Tiefen, welche durch besondere Vorgehensweisen dreidimensionale Effekte
evozieren. Felländer benutzt für seine
Arbeiten Mehrfachbelichtungen, um
verschiedene Ebenen zu schaffen, vor
Ort und auf dem Negativ. Somit entstehen Bilder mit verschiedenen Bewegungen von mehreren Standorten und Perspektiven. Er bezeichnet diese Werke
als »Still films«. Der enorme räumliche Effekt wird durch die Nutzung von
Farben und Kohle verstärkt. So kreiert er neue Formen und lässt verschiedene Ebenen mit unterschiedlicher Präsenz entstehen. Wiederholt lässt sich in
den Werken die Intention des Künstlers
erkennen, den Photographiebegriff und
dessen Grenzen zu hinterfragen. Seine
Fragen nehmen über die Maße zu: »Wo
ist die Grenze von Photographie und
Malerei? Was geschieht genau auf dem
Rand der Grenzen zwischen Photographie und bewegten Bildern? Zeigt eine
Photographie, die wie ein Gemälde
wirkt, andere dynamische Züge als ein
photorealistisches Bild auf?«
© Jacob Felländer
Über Jacob Felländer Jacob Felländer,
geboren 1974 in Stockholm, studierte
künstlerische Photographie und Grafikdesign am Flagler College in St. Augustine in Florida sowie im Anschluss an
der San Diego State University. In den
späten 1990ern begann Felländer mit
Landschaftsphotographie zu experimentieren, bis er 2004 die Verwendung
von antiken Kameras perfektionierte, so
dass er diverse Mehrfachbelichtungen
in einem Bild vereinen konnte. Felländer ist für seine abstrakten Photographien von urbanen Räumen und
Landschaften bekannt. 2011 stellte er
im Museum Fotografiska in Stockholm
seine Serie »I Want To Live Closer To
You« aus. Der Photokünstler reiste dafür
binnen zwölf Tage in die am dichtesten besiedelten Städte mit dem Vorhaben, »die ganze Welt« in einem Negativ abzubilden. 2012 begann Felländer
sich der Einführung von Malerei und
Zeichnungen zu nähern – mit der Herausforderung, diese mit Photographie
zu verbinden. Felländers Werke befinden sich in hochgeschätzten Sammlungen, darunter in der von Bill Clinton und
der schwedischen Königfamilie. Seine
Arbeiten werden in zahlreichen internationalen Einzel- und Gruppenausstellungen ausgestellt.
CWC GALLERY
Auguststraße 149
10115 Berlin-Mitte
Di – Sa
11 – 19 Uhr
brennpunkt 4/2014
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Galerien
MICHAEL WESELY.
ANOTHER PENCIL OF
NATURE PART 2
Rückte Michael Wesely mit seinen
Langzeitbelichtungen bislang vor allem
gesellschaftliche und urbane Prozesse
in den Vordergrund, so verweist er mit
seiner neuen Serie »Another pencil of
nature - part 2« auf die Frühzeit der
Fotografie im 19. Jahrhundert. Er entnimmt seinen eigenen, bereits archivierten Bildern Ausschnitte, die durch die
Entgrenzung der dargestellten Motive
neue Perspektiven eröffnen. So lenkt er
den Blick stärker auf die Wirkung des
Lichts und unterwandert die historisch
verankerte Erwartung an die repräsentative Qualität des fotografischen Mediums. Die großformatigen Details sind
virtuose Aufzeichnungen, die über die
Idee der Abbildung weit hinausgehen
und die überzeitliche, fast malerische
Dimension des Fotografischen offenbaren. Mit dem Fokus auf das Naturdetail nehmen vertraute Motive den Charakter surrealer Erscheinungen an: der
Blick in eine Baumkrone mutet wie eine
Lawine an und wird zum atemberaubenden Naturschauspiel; der Himmel
über den Bäumen des jüdischen Friedhofs erscheint im fotografischen Ergebnis wie von kosmischen Sonnenstrahlen durchwoben.
Michael Wesely, Am Großleuthener See (11.53 - 12.00 Uhr, 4.9.2009), 2009;
© Michael Wesely, (O.i.F.)
Begleitende Veranstaltung am Mittwoch,
22. Oktober 2014, 19 Uhr:
bis 21. Dezember 2014
Als die Zeit noch auf sich warten ließ –
Michael Wesely im Gespräch mit William Henry Fox Talbot und Prof. Dr.
Hubertus von Amelunxen, Präsident
der European Graduate School in SaasFee.
Alfred Ehrhardt Stiftung
Auguststraße 75
10117 Berlin-Mitte
Michael Wesely, Jüdischer Friedhof, Berlin
(13.1.2011 - 13.1.2012), 2012;
© Michael Wesely, (Original in Farbe)
20
brennpunkt 4/2014
Di – So
11 – 18 Uhr
Do
11 – 21 Uhr
www.alfred-ehrhardt-stiftung.de
Galerien
Ara Güler
»Das Auge Istanbuls«
Retrospektive von 1952 bis 2013
Der wohl berühmteste türkische Fotograf, Ara Güler (geb. 1928), bereiste
mit seiner Leica die ganze Welt. Aber
seine große Leidenschaft galt immer
seiner Heimatstadt Istanbul. Der Stadt
am Bosporus widmete er eine einzigartige Hommage.
Wie kein anderer hat er seit den fünfziger Jahren das Straßenleben, den Trubel
der Großstadt und das Alltagsleben der
Bewohner festgehalten. Seine Bilder
sind angefüllt mit Impressionen der verwunschenen Villen und verwilderten
Gärten, den melancholischen Gassen,
den Läden und dem Gewirr der Straßen, vom Verkehr der Pferdewagen, den
Bussen und Taxis. Er beschreibt atmosphärisch dicht die Symphonie einer Stadt
aus Häusern, Brücken, Schiffen und
Wolken, die aus der Enge der Straßen
auch den Blick in die Ferne lenken.
Ara Güler begann als Autodidakt, war
aber schnell international als Fotograf
gefragt. Mitte der fünfziger Jahre lernte
er über Marc Riboud auch Henri CartierBresson in Paris kennen und gelangte
in den Kreis der Fotografenagentur
Magnum. Als Nahost-Korrespondent war
er für internationale Magazine wie TimeLife, Paris Match und Stern unterwegs. Er
proträtierte auch die Prominenz, darunter Brigitte Bardot, Maria Callas, Winston Churchill, Indira Gandhi, Alfred
Hitchcock, Pablo Picasso.
Im Laufe eines halben Jahrhunderts
hat Ara Güler zahlreiche Preise und
Ehrungen erhalten. Für das Museum
of Modern Art in New York gehörte er
bereits 1968 zu den »zehn Meistern der
Farbfotografie«.
Er wurde geehrt als Fotograf des Jahrhunderts, Dokumentar des Wahren, Visueller Historiker, doch am besten charakterisiert ihn die Auszeichnung, er sei Das
Auge Istanbuls.
Die Ausstellung wird anlässlich des
25. Jubiläums der Städte-Partnerschaft
zwischen Istanbul und Berlin im WillyBrandt-Haus gezeigt.
© Ara Güler, Fischer, 1950
© Ara Güler, Istanbul Galata Brücke, 1954
16. Oktober 2014 bis 15. Januar 2015
© Ara Güler, Pablo Picasso, 1971
Eröffnung am Mittwoch,
den 15. Oktober 2014, um 19.30 Uhr
Freundeskreis Willy-Brandt-Haus
Willy-Brandt-Haus
Stresemannstraße 28
10963 Berlin-Kreuzberg
Di – So
12 – 20 Uhr
Eintritt frei, Ausweis erforderlich
Die Ausstellung ist vom 24. bis 26.12.14,
sowie am 31.12.2014 und 1.01.2015
geschlossen.
brennpunkt 4/2014
21
Galerien
Strategien der Macht
»Ein
Ausstellungsprojekt
unter der Leitung von
Peter Fischer-Piel«
Roland Bauer
Moritz Haase
Heike Reichenstein
Katharina Stöcker
Stefan Doß
Türkan Kentel
Sibille Riechardt
Michael Thiemann
Marion Elias
Anja Kräutler
Arnaud Roi
Dieter Titz
Thomas Ranker
Uwe Schumacher
Anna Wöltjen
© Türkan Kentel
© Uwe Schumacher
Macht als dynamischer Prozess tritt in
allen Bereichen des Lebens in Erscheinung, sei es in der Gesellschaft, im
Beruf oder in persönlichen Beziehungen. Besonders in Zeiten des Umbruchs
müssen Machtverhältnisse immer neu
verhandelt werden. In der Kunst findet
sich Macht sowohl als Objekt der Darstellung wie auch in der Ausdrucksform © Arnaud Roi
© Anna Wöltjen
des Künstlers im Bezug auf seine eigene
Macht der Darstellung. Sechzehn Foto- einen ehemaligen Stasihäftling aus Objekten in freier Gruppierung weckt
grafen des PhotoCentrum am Wasser- Hohenschönhausen am historischen intuitiv dunkle Emotionen. Doch neben
torplatz haben sich ein Jahr lang the- Ort seiner Inhaftierung, wo er heute dem Blick auf den Menschen steht auch
oretisch und praktisch mit dem Thema Besuchern von seinen schrecklichen seine Umwelt im Mittelpunkt. Der Bau»Strategien der Macht« auseinanderge- Erlebnissen berichtet. Inszenierte Port- prozess des teuersten Autobahnstücks
setzt. Das Ergebnis der jeweiligen indi- raits thematisieren Gewalt gegen Frauen. Deutschlands wurde mit der Kamera
viduellen Beschäftigung zeigt ein brei- Symbolische Bilder zeigen die brutale begleitet. Gezeigt wird auch die von der
tes Spektrum unterschiedlicher Arbei- Entscheidungsgewalt über Leben und Braunkohleförderung zerstörte Landten, die in einer abschließenden Aus- Tod. Sowohl der Mensch als Mario- schaft der Lausitz und der riesige Müllstellung präsentiert werden.
nette zwischen Fremdbestimmung und berg des täglichen Konsumüberflusses.
eigenem Handeln als auch Themen wie Eine Serie offenbart Macht repräsenHundert Jahre nach Ausbruch des 1. Religion, Riten und Selbstinszenierung tativer moderner Architektur. Im KonWeltkriegs mahnen Bilder von Grabstei- werden beleuchtet. Künstlerisch-assozi- trast dazu lassen die Aufnahmen wilder
nen vor dem erschreckenden Ausmaß ative Ansätze zur Auseinandersetzung Grasflächen keine Fokussierung zu und
sinnlosen Tötens. Zu sehen sind auch mit Macht nehmen Bezug auf Susan wollen den Betrachter bewusst irritiebeklemmende Ansichten unterirdi- Sontags Essay »On Photography« oder ren. Filigrane Pflanzensamen schwirscher Bunker, die u.a. als Lagerräume auf Kafkas Roman »Der Prozess«. Eine ren in Masseninvasion durch Licht und
für Waffen oder Kommandozentralen Interpretation schwarz-weißer Ansich- Dunkelheit, um erfolgreich Neuland zu
genutzt wurden. Eine Reportage zeigt ten von menschlichen Körpern und erobern. Alle Arbeiten werden in einem
22
brennpunkt 4/2014
Galerien
© Sibille Riechardt (O.i.F.)
Katalog des zimmerverlagberlin (mit
einem Vorwort von Edda Wilde) aufgeführt und individuell erläutert.
© Michael Thiemann
© Roland Bauer
© Anja Kräutler
Weitere begleitende Veranstaltungen:
13. Oktober 2014, 20:30 Uhr
Auftritt des Improvisationsensembles
Sarotti Instant
Lesung von Vera Lengsfeld aus ihrem
Buch: 1989-Tagebuch der friedlichen
Revolution. Das Jahr, das alles veränderte.
Film »Heimat auf der Kippe« mit
anschließender Podiumsdiskussion.
Vernissage:
Finissage:
Tanzperformance »Die Tenzer«
© Heike Reichenstein (O.i.F.)
12. Oktober bis 18. Oktober 2014
© Peter Fischer-Piel (O.i.F.)
Kunstquartier Bethanien, Studio 1
Mariannenplatz 2
© Dieter Titz
täglich
14 – 20 Uhr
Sa + So
12 – 20 Uhr
www.strategien-der-macht.de
brennpunkt 4/2014
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Galerien
Axel Benzmann
»Frostbite«
Künstler, Revolutionäre und Berliner in
der Frontstadt West-Berlin
Studentische Massenproteste, Anti-Vietnamkriegs-Demos, junge Menschen
mit Fahnen im Laufschritt, bewegte
Münder, lachende Augen: Welt im Aufbruch. Gegenüber: an Absperrgitter
drängende Menschenmengen, ältere
Berliner/innen, angespannte Gesichtszüge, Plakate, die ein SDS-Verbot fordern, am Geländer Gerangel mit der
APO – Aufnahmen, die Axel Benzmann
als freiberuflicher Pressefotograf in den
1960er Jahren machte. Mittendrin: Porträts von Persönlichkeiten der Kreuzberger Künstler- und Kneipenszene. Hier
bewegte sich Benzmann eher privat,
anteilnehmend, beobachtend.
© Axel Benzmann, Poldi, Friedrich Schröder-Sonnenstern, Pico
© Axel Benzmann, Günter Grass
© Axel Benzmann, Joseph Beuys
© Axel Benzmann, Gegen-Demonstration
Kurt Mühlenhaupt, Günter Grass, Friedrich Schröder-Sonnenstern, Oskar Huth
u. a. waren Anti-Establishment. Sie setzten der massiven politischen Einflussnahme auf die Kunst, auf beiden Seiten
des Eisernen Vorhangs, ihre künstlerische Freiheit und Unabhängigkeit entgegen. Eine Perspektive, die auch dem
sympathisierenden 1968er Chronisten Benzmann vertraut war. Eindrücklich reflektieren seine Bilder die Energie der politischen Konfrontation und
der kulturellen Widersprüche, die die
Frontstadt West-Berlin in den 1960er
Jahren antrieb.
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brennpunkt 4/2014
Vernissage:
Browse Gallery
Mühlenhaupt Museum Berlin
Marheinekeplatz 15
© Axel Benzmann, Oskar Huth
Mo – Fr
Sa
8 – 20 Uhr
8 – 18 Uhr
Galerien
Günter Zint
»25 Jahre Mauerfall«
Wie ich als Pressefotograf die Grenzöffnung erlebte
Die Ausstellung zeigt Fotografien des
Dokumentar- und Pressefotografen
Günter Zint. Am 9. November 1989
erhielt er vom Stern den Auftrag, Fotos
für ein Sonderheft zur DDR-Grenzöffnung zu liefern. Während viele Kolleg/
innen unterwegs waren, um »Mauerspechte und Zaunlücken zu fotografieren«, begab sich Zint tiefer ins Hinterland der Grenze, nahm Alltagswelt
und profane Dinge des dramatischen
Umbruchs in den Blick. Annähernd
1000 Fotos entstanden in den ersten
beiden Wochen nach der Maueröffnung.
© Günter Zint, (Original in Farbe)
© Günter Zint
© Günter Zint, Rostock, (Original in Farbe)
© Günter Zint
Neben ausgesuchten Bildern dieser
Arbeit sind in der Ausstellung Fotografien
zu sehen, die Zint bis zur ersten gesamtdeutschen Wahl im Dezember 1990 im
ehemaligen Ostdeutschland aufnahm.
In diesen Bildern des Übergangs sieht
man das Versinken einer Gesellschaftsordnung, Lebens-, Kultur- und Konsumwelt in einer anderen: Schaufensterdekorationen, Warenpreise, Hausfassaden, Einkaufsstraßen und Wahlwerbung der Westparteien. Erstmalig
werden jetzt ca. 50 ausgewählte Fotos
der Serie mit Details aus einer Welt im
Umbruch gezeigt, «die sogar vielen ExDDR-Bürgern nicht mehr im Gedächtnis sind.«
Günter Zint
© Günter Zint
© Günter Zint
Vernissage:
Browse Gallery
Mühlenhaupt Museum Berlin
Marheinekeplatz 15
Mo – Fr
Sa
8 – 20 Uhr
8 – 18 Uhr
brennpunkt 4/2014
25
Galerien
Irina Ruppert
Julia Smirnova
Nikita Teryoshin
»Überblendung«
In der Ausstellung Überblendung vermischen sich Betrachtungen der Umbrüche
in Osteuropa mit biografischen Nachforschungen. Die drei Positionen sind
Spurensuchen an den Kindheitsplätzen
der FotografInnen. Geboren in der Sowjetunion, wanderten sie in verschiedenen Lebensphasen nach Deutschland
aus. Für die gezeigten Serien kehrten
sie an die Orte ihrer Wurzeln zurück,
um die Bilder Ihrer Erinnerung mit der
heutigen Realität zu vergleichen. Dabei
sind ganz unterschiedliche Blicke nach
Osteuropa entstanden.
Während Irina Ruppert ihren Erinnerungen im ländlichen Osteuropa nachspürt und Bilder jenseits der Stereotypen von Tristesse und Verfall findet,
erforscht Julia Smirnova die Veränderungen in ihrer Heimatstadt Jaroslawl.
Sie konfrontiert dabei ihr bekannte mit
neu entstandenen Orten. Nikita Teryoshin kehrt nach elf Jahren nach St. Petersburg zurück, um die inneren Bilder
seiner Kindheit fotografisch der Wirklichkeit auszusetzen.
Die gezeigten Arbeiten bewegen sich
an der Bruchlinie zwischen Vertrautheit
und Fremdheit, zwischen der eigenen
Identität und dem Zustand der Gesellschaft.
© Irina Ruppert, (Original in Farbe)
© Irina Ruppert, (Original in Farbe)
© Julia Smirnova, (Original in Farbe)
© Julia Smirnova, (Original in Farbe)
© Nikita Teryoshin, (Original in Farbe)
© Nikita Teryoshin, (Original in Farbe)
Vernissage
aff Galerie
Kochhannstraße 14
10249 Berlin-Friedrichshain
Die Ausstellung
ist Teil des 6. Europäischen Monats
der Fotografie Berlin.
26
brennpunkt 4/2014
Sa + So
15 – 18 Uhr
www.aff-galerie.de
Galerien
Martin Roemers
»The Eyes of War«
Die Spuren des Zweiten Weltkriegs
sind im Laufe der letzten Jahrzehnte
nur scheinbar unsichtbar geworden. Im
Gedenken an die Schrecken des Zweiten Weltkriegs zeigt das Deutsche Historische Museum nunmehr die Ausstellung »The Eyes of War« des niederländischen Fotografen Martin Roemers.
Roemers Langzeitprojekt »The Eyes of
War« geht zurück auf das Jahr 2004.
Während der Feierlichkeiten zum D-DayGedenktag traf der Fotograf in der Normandie auf den Veteranen Frederick
Bentley. Die Geschichte des‚ & durch
eine deutsche Handgranate erblindeten Briten war für Martin Roemers Ausgangspunkt seiner Serie über Menschen,
die im Zweiten Weltkrieg ihr Augenlicht
verloren. In den Gesichtern der Überlebenden ist das Grauen des Kriegs noch
heute erkennbar. Ihre Augen spiegeln
den Schrecken und die Traumata eines
Lebens im Krieg wider. Martin Roemers
fand im Bild des erblindeten Kriegsopfers eine gespenstische Metapher für die
seelischen Abgründe des Menschseins.
Mit 40 Porträts und ergänzenden Interviews erinnert die Ausstellung an die
Menschen, die während oder an den
Folgen des Zweiten Weltkriegs als
Kinder, junge Erwachsene oder Soldaten ihr Augenlicht verloren. Als Blinde
und Kriegsopfer im Schicksal vereint,
stehen sich in den Aufnahmen von
Martin Roemers einst erbitterte Feinde
aus Deutschland, Großbritannien, den
Niederlanden, Belgien, der Ukraine und
Russland gegenüber.
© Martin Roemers, Alf Lockhart
© Martin Roemers, Frederik Bentley
© Martin Roemers, Edith Meulen
Die Ausstellung verfügt über ein taktiles In Ergänzung zur Ausstellung erschien
Leitsystem, ein Booklet in Brailleschrift bereits die Publikation »The Eyes of
und eine Hörführung mit Deskriptio- War« (Hatje Cantz) von Martin Roemers,
nen für Blinde und Sehbehinderte. In mit einem Vorwort des Bestsellerautors 1. Oktober 2014 bis 4. Januar 2015
Zusammenarbeit mit dem Allgemei- Cees Nooteboom.
nen Blinden- und SehbehindertenverDeutsches Historisches Museum
ein Berlin finden am 15. Oktober und
Zeughaus und Ausstellungshalle
3. Dezember Führungen mit anschlieUnter den Linden 2
ßenden Diskussionsrunden zum Thema
10117 Berlin-Mitte
Barrierefreiheit in Ausstellungen statt.
Täglich 10 – 18 Uhr
brennpunkt 4/2014
27
Galerien
Meisterwerke der
Fotografischen Kunst –
Die Sammlung Vollmer
Bilder aus der Sammlung
Vollmer
(Fotografien von 1839-2014)
Die OCA Gallery Berlin freut sich,
anlässlich des 175. Geburtstages der
Fotografie mit der Ausstellung Meisterwerke der Fotografischen Kunst – Die
Sammlung Vollmer die Geschichte des
Mediums von 1839 bis 2014 lebendig
werden zu lassen.
Präsentiert werden über 30 herausragende Bildbeispiele namhafter Künstler
und Fotografen der Fotogeschichte, von
den Erfindern über die Avantgarde bis
hin zu den neuen Düsseldorfer Positionen. Wolfgang Vollmers Sammlung der
weltberühmten und stilbildenden Inkunabeln ist ein Highlight des Fotojahres
und gestattet einen speziellen Einblick
in die Geschichte der Fotografie, dem
wichtigsten Bildmedium der Gegenwart.
Das besondere Konzept dieser museumsreifen Auswahl ist ihre diskursive
Haltung zum Kunstmarkt, zu Künstler- und Medienhype und der Infragestellung von Original und Kennerschaften. Die Zusammenstellung untersucht
das Medium Fotografie, seine Popularität und seine ikonische Bildmacht. Vollmers Interesse gilt der Rezeption und
Wahrnehmung von Fotografie, die Ausstellung zeigt sich nicht als Enzyklopädie, sondern vielmehr in der Art eines
umfassenden, aber dennoch pointierten
Essays zum Thema.
Die Sammlung/die Ausstellung folgt
der Idee der »Aneignung von Kunst
durch die Kunst» (Stefan Römer in: Fake,
DuMont Buchverlag, 2001). »Will man
herausfinden, wie etwas funktioniert,
gibt es ein probates Mittel – man zerlegt
es. Man versucht ein Drei-Männer-Portrait vor einer weiten Landschaft zu verstehen – man findet drei Männer, eine
28
brennpunkt 4/2014
Fotografen des Commitee Unknown Planes
(CUP), USA, Flugobjekte, 60x40 cm, 1970er
Jahre;
© courtesy oca gallery berlin /
Sammlung Vollmer
weite Landschaft und stellt sie wie in
der Vorlage auf. Und dann erkennt man,
dass einige Elemente Wirkung haben,
andere nicht. Am Ende weiß man, wie
jedes Detail dieser Fotografie wirkt, weil
man jedes Detail in der Hand hatte.
Man hat die Szene durchlebt (Reenactment), hat sie sich angeeignet (Appropriation), hat sie nachgeahmt (Mimikry).
Will man also herausfinden, wie etwas
funktioniert, gibt es ein probates Mittel,
man setzt es wieder neu zusammen.«
(Wolfgang Vollmer im Ausstellungskatalog: (Mis)Understanding Photography, Museum Folkwang, Essen, 2014)
Was vor 30 Jahren als Sammlung Tillmann und Vollmer begann, ist inzwischen zu der Sammlung Vollmer weiterentwickelt worden, viele neue zeitgenössische Bildwerke komplettieren
die aktuelle Kollektion. Gezeigt werden
Fotografien, Arbeitskonzepte und Installationen.
Isidor Stichlitz, Flatiron-Building,
Edelpigmentdruck, 20x10 cm, um 1910;
© courtesy oca gallery berlin /
Sammlung Vollmer, (Original in Farbe)
Zur Ausstellung erscheint ein Druckwerk, das alle Arbeiten ausführlich vor- 17. Oktober bis 28. November 2014
stellt. Der gesuchte und längst vergriffene bisherige Sammlungskatalog erfährt OCA Gallery Berlin
nun hier eine überarbeitete Erweiterung. Potsdamer Straße 53-55
Arbeiten dieser Sammlung sind derzeit 10785 Berlin-Schöneberg
in der Ausstellung (Mis)Understanding
Photography im Museums Folkwang in Mi – Sa
12 – 18 Uhr
Essen zu sehen.
Galerien
Nicole Krüger
»Start up«
Mit start up zeigt room with a view bei
position.fotografie junge Talente der
Fotografie, die sich durch einen eigenständigen Blick, den Ansatz einer eigenen »visuellen Handschrift« oder einfach durch Leidenschaft zum Medium
auszeichnen. Dabei bezieht sich das
Prädikat jung nicht wie bei den meisten Ausschreibungen unsinniger Weise
lediglich auf das Alter, sondern auf den
Zeitpunkt des Einstiegs in das Medium.
Manchmal kommt auch alles zusammen. Es sind keine Anfänger mehr,
jedoch Enthusiasten, bei denen noch
keine längere Vita in diesem Bereich
vorliegt. position.fotografie bietet hier
eine Plattform und gibt sozusagen Starthilfe.
position.fotografie selbst nimmt den
Beginn dieser Ausstellungsreihe, den
Ausklang des Monats der Fotografie und das nahende Jahresende zum
Anlass, eine Reihe kleiner Auflagenarbeiten anzubieten.
room with a view verfolgt das Konzept
der kurzen, temporären Präsentation,
daher:
Vernissage 7. November 2014,
19 Uhr
7. November bis 9. November 2014
position. fotografie
Lütticher Straße 46
13353 Berlin-Wedding
© Nicole Krüger, »o.T.«, 2014
Jochen Deckert
ManFox
»Akt - Mixturen«
Der Titel »Akt-Mixturen« soll auf die
ungewöhnlich versammelte Vielfalt an
fotografischen Stilen und Techniken in
dieser Ausstellung hinweisen.
Als »angewandte Aktfotografie« präsentiert Jochen Deckert seine aus mehreren Fotos zusammengesetzten »Sinnbilder«, wie die Serie »Vertreibung aus
dem Paradies« oder die Bildreihe »Anteportas«, die eine besondere zwischenmenschliche Situation in ihren unterschiedlichen visuellen Perspektiven mittels künstlicher Figuren beschreibt. Panoramische Bewegungsabläufe, das Tableau typischer weiblicher Körperformen,
sowie künstlich erzeugte Räumlichkeit
durch farbig verschmolzene stereoskopische Akte erweitern diese vielfältige
Bildmischung.
ManFox zeigt Bilder aus seinen Serien
»Akt nostalgisch« und »Akt modern«.
In beiden Serien stehen die wohlgeformten Körper von Frauen im Vordergrund. Die nostalgischen Akte wirken
sehr malerisch und stimmungsvoll, sie
8. 11. – 9. 11. 2014
14 – 19 Uhr
ähneln Drucken aus den frühen Tagen
der Fotografie. Die modernen Akte
beeindrucken durch Lichteffekte und
Spiegelungen, diese Bildelemente verweisen auf die Gegenwart. In beiden
Arbeiten präsentiert der Fotokünstler
dem Betrachter die zeitlose weibliche
Schönheit auf sehr ästhetische Art.
Vernissage: 3.10.2014 um 19 Uhr
© Jochen Deckert, (O.i.F.)
Die Aktgalerie
Krossener Straße 34
Fr, Sa, So
16 – 20 Uhr
Vorschau:
© ManFox (aus der Ausstellung: »Akt-Mosaik«)
»Akt-Mosaik«
Fred Baumgart, Jochen Deckert
ManFox
Dauer: 7. bis 30. November 2014
Vernissage: 7.11. 2014 um 19 Uhr
Sommer-Akt-Fotoshooting 2014/2015
Gemeinschaftsausstellung des Arbeitskreises für Künstlerische Aktfotografie e.V.
Dauer: 5.12. 2014 bis 25.1. 2015
Vernissage: 5.12. 2014 um 19 Uhr
brennpunkt 4/2014
29
Galerien
Karl-Ludwig Lange
»Der Photograph in
seiner Stadt«
Karl-Ludwig Lange ist einer der wenigen Berliner Stadtphotographen, die
sich seit Jahrzehnten auf höchstem
Niveau der systematischen künstlerischen Dokumentation widmen, und
zwar als rastloser Flaneur in allen Bezirken und über die Stadtgrenzen hinaus.
Er erzählt in Sequenzen und Bildpanoramen. Sein umfangreiches Werk entspricht einer visualisierten Stadtgeschichte. Photographie funktioniert bei
ihm als Speichermedium und künstlerischer Ausdruck zugleich. Lange hat
stets eigenständig gearbeitet, ohne Auftrag, nichtsdestoweniger sind seine
Aufnahmen in zahlreichen Publikationen und Zeitschriften veröffentlicht
worden; und auch die Ausstellungsliste
seit 1975 ist beeindruckend. Nun, mit
gleich zehn Ausstellungen, blättert er für
uns ein paar wichtige Kapitel eines imaginären Berliner Geschichtsbuches auf,
exemplifiziert an der Architektur- und
Stadtentwicklungsgeschichte zwischen
Friedrich dem Großen und der Nachwendezeit mit seinen urbanistischen
Metamorphosen.
Wir folgen Lange durch Haupt- und
Nebenstraßen, bleiben mit ihm vor
großen, repräsentativen Gebäuden
ebenso stehen wie vor abbruchwürdigen Garagen in Hinterhöfen. Alles in
dieser Stadt scheint seinem photographischen Blick gleichberechtigt. Und so
erschließt sich sein Werk und dessen
Intention auch nicht über einige wenige
charakteristische Einzelbilder, sondern
über Bildfolgen, mal geradlinig, mal
rasant und sprunghaft erzählt. Doch
auch eine einzige Aufnahme von Lange
kann uns als Betrachter auf eine Zeitreise schicken; denn er legt mit seinen
Bildern Erinnerungsspuren aus, die wir
unweigerlich mit dem selbst Erlebten
abgleichen. So macht er uns zum Komplizen seiner Weltsicht. Sein Thema ist
die Stadt, nicht die Architektur und ihre
Bewohner allein, sondern die Melange
der unterschiedlichen Erscheinungsweisen und urbanen Konzepte einer Groß30
brennpunkt 4/2014
Karl-Ludwig Lange, Leipziger - Potsdamer - Platz, 2000, aus der Serie: Das Stadtbild 2000,
Silbergelatinepapier, 24 x 30 cm, © Karl-Ludwig Lange
stadt, die sich aus vielen kleinstädtischen, ja dorfähnlichen Kiezen bildet
– zwischen Industrialisierung und Freizeitvergnügen, zwischen den verdichteten Mietskasernen im Zentrum und
den idyllischen Tümpeln am Rand der
Stadt.
Langes Bildkonzept variiert, je nach
Aufnahmeort und Situation wählt er
einen anderen Ansatz und eine andere
Kamera: Gelegentlich nimmt er auch ein
Shift-Objektiv zur Hand, um vor herausragender Architektur die optische Achse
der Kamera zu verschieben und so stürzende Linien zu verhindern. Dieser
manipulierende Kamerablick erweitert
die Möglichkeiten unserer menschlichen Wahrnehmung. Gleichzeitig entsprechen die Photoabzüge immer dem
kompletten Negativ, das endgültige Bild
entstand also jeweils bereits während
des Auslösens der analogen Kamera.
Menschen tauchen in seinen Stadtaufnahmen häufig auf, nicht nur beiläufig; sie werden – als Typen – manchmal sogar zum Hauptuntersuchungsgegenstand. Denn Lange studiert ihre Verhaltensweisen auf der urbanen Bühne,
diesem semi-öffentlichen Raum der
Straßenkreuzungen und Hinterhöfe.
Die Mauer ist für jeden West-Berliner
Stadtphotographen dieser Generation
Karl-Ludwig Lange, Fasanenstraße 1978,
Silbergelatinepapier, 24 x 30 cm
© Karl-Ludwig Lange
ein zentrales Motiv, auch hier: zunächst
im Blick von West nach Ost, später, als
die deutsche Zweistaatlichkeit beendet war, auch in umgekehrter Richtung.
Eine Spezialität sind Langes Diptychen
und Triptychen, mit denen er wie ein
Filmregisseur mit einem Schwenk die
Leere des ehemaligen Todesstreifens
vor der Kulisse der bröckelnden Mauer
zeigte, die um 1990 in diesem Zustand
jeden Schrecken verloren hatte.
Die Annäherung an einen Gegenstand
erfolgt bei Lange mal spontan, mal nach
längerer, vorheriger Recherche, seien es
Gebäude oder Brachflächen, Ausflugslokale oder Kindergrabsteine. Doch
hinter all dem Heterogenen steckt stets
ein strenges Bildkonzept, und schließlich fügen sich die unterschiedlichsten
Galerien
Karl-Ludwig Lange, Bernauer Straße – Eberswalder Straße 1973, Silbergelatinepapier, 24 x 30 cm
Karl-Ludwig Lange, Reichstag 8.2.90,
Silbergelatinepapier, 24 x 30 cm,
Motive zu einer eindrucksvollen und
individuellen Charakterisierung Berlins
zusammen. Der Schöneberger Gasometer beispielsweise ist als weithin sichtbares Gebäude topographische Verortung und wird 1981 zugleich zum
Bildgegenstand einer eigenen Serie,
die in der Besteigung des Gasbehälters
mündet, während später, nach dem Fall
der Mauer, der Fernsehturm am Alexanderplatz den Ostteil der Stadt nur symbolisiert. Der Turm rückt allein ob seiner
schieren Größe fast automatisch immer
ins Bildgeviert, wenn Karl-Ludwig Lange
in Mitte oder Prenzlauer Berg städtische
Situationen photographiert, bleibt aber
als Motiv selbst seltsam marginal.
Die dargestellte Architektur ist für Lange
niemals Selbstzweck, sondern funktio-
niert als bloßer Anlass, ihre Wirkung
im Straßen- und Stadtgefüge zu untersuchen. Ziel ist die Darstellung der Stadt,
die sich ja erst aus einer Vielzahl unterschiedlicher Gebäude und Baustile, Brachen und Verkehrsschneisen bildet, und
in Berlin fällt diese Mischung nicht nur
wegen der Kriegsfolgen und der lange
währenden politischen Teilung besonders heterogen aus. Solche Brüche sind
in Langes Stadtlandschaften besonders
gut zu erspüren, und als Situationsphotograph zeigt er uns überdies die Stadt
als Lebensraum.
Sage und schreibe 25 Kapitel finden sich
in den zehn Ausstellungen, was einer
Art Revision des Werkes gleichkommt,
doch selbst dies ist nur eine Auswahl aus
weit mehr Themengebieten des Photographen. Künstlerischer und soziologischer Antrieb bleibt eine schier unstillbare Neugier auf die sich wandelnde
Stadt in allen Bezirken. Vor Ort hat es
nie zuvor eine vergleichbare Ausstellung mit über tausend Photographien
als Handabzüge aus der eigenen Dunkelkammer gegeben, verteilt über zehn
Institutionen zwischen Reinickendorf
und Köpenick. In seiner Konzentration
auf bezirksspezifische Details, meist
unter Verzicht auf die bekannten, touristisch erschlossenen Areale, konfrontiert
uns Lange mit etwas Ungeheuerlichem,
denn er ruft uns gleichsam zu: »Berlin
ist ganz anders, als Ihr denkt!« – und
als das, was das Citymarketing in die
Hochglanzbroschüren schreibt. Berlin
ist ein eigenwillig ruppiger und spannender Ort, aber eben auch bis heute
an vielen Plätzen von einer grauen, traurigen Melancholie geprägt. Die Stadt
scheint mitunter an ihrer eigenen Historie zu leiden.
1967 zog Karl-Ludwig Lange, 17-jährig,
aus dem westfälischen Minden ins
geteilte Berlin, nicht in den »goldenen
Westen«. Ihn interessierte als junger
Mann die Frage, wie eine Großstadt,
abgeschlossen vom Umland, funktionieren kann. In Berlin wurde er von
Günter Horn in allen photographischen Techniken und Verwendungsweisen ausgebildet und volontierte bei der
dpa, damals meist mit der Leica und
Weitwinkelobjektiven unterwegs. 1973
wagte er den Schritt aus der kommerziellen Photographie in die künstlerische Selbstständigkeit und begann seine
eigene freie Arbeit, mit der er seitdem
unter anderem die Entwicklung urbaner
Strukturen nachzeichnet. Den journalistischen Ansatz verwandelte er dabei
immer wieder ins Essayistische. Und
so sind es die essenziellen Geschichten und großen Entwicklungslinien, die
ihn zu interessieren scheinen, nicht die
Tagespolitik oder das formale Experiment. Die Realität macht sich der Fotograf zum Komplizen, und so braucht er
keine Inszenierung.
Matthias Harder
Zu den Ausstellungen erscheint ein
umfangreiches Katalogbuch im Berliner
Nicolai-Verlag.
Haupteröffnung der Ausstellungsreihe:
2. Oktober 2014 bis 19. Juli 2015
Kommunale Galerie Berlin
Hohenzollerndamm 176
Di – Fr
Mi
So
10 – 17 Uhr
10 – 19 Uhr
11 – 17 Uhr
brennpunkt 4/2014
31
Galerien
Karl-Ludwig Lange
»Der Photograph in
seiner Zeit.
Berliner Jahre 1973 2004«
Ein Ausstellungsprojekt der Kommunalen Galerien in Berlin und der Berliner Regionalmuseen im Rahmen des
6. Europäischen Monats der Fotografie Berlin
Karl-Ludwig Lange, Gustav-Adolf-Straße 147,
1994, aus der Serie: Weissensee 1994,
Silbergelatinepapier, 24 x 30 cm
geteilt. Lange photographierte 1973 von
einer Aussichtsplattform über den Todes- Karl-Ludwig Lange, Märkisches Viertel 1974,
alte feuerwache – projektraum
streifen hinweg. Der Grenzübergang aus der Serie: Der Westen 1973-1986,
»Der Westen 1973-1986«
Bornholmer Straße an der Bösebrücke Silbergelatinepapier, 30 x 24 cm
im Bezirk Prenzlauer Berg wurde am 9. © Karl-Ludwig Lange
Eröffnung am 1. Oktober 2014, 19 Uhr
November 1989, unter dem Ansturm der
Ost-Berliner, als erster geöffnet. Später Kommunale Galerie Berlin
Die Ausstellung zeigt den Westteil von dokumentierte Lange die Grenzver- »Die bipolare Stadt. Zwischen HackeBerlin kurz nach dem Mauerbau, darun- schiebung und den Abbau der Mauer. schem Markt und Kranzler Eck 1991ter das Märkische Viertel. 1963 wurde Das zweite Thema der Ausstellung ist 2002«
der Grundstein zu diesem ehrgeizigen der Wedding.
Bauprojekt gelegt. Die Aufnahmen entEröffnung am 26. Oktober 2014,
standen 1973/1974 als eine der frühen 2. Oktober 2014 bis 11. Januar 2015
12 Uhr (Haupteröffnung der AusstelSerien von Karl-Ludwig Lange - eine Prenzlauer Allee 227
lungsreihe)
subjektive Dokumentation des moder- 10405 Berlin-Prenzlauer Berg
nen Berlin. Die Arbeit »Schöneberger Di – So
10 – 18 Uhr
Den Westen und den Osten Berlins
Gasometer« von 1981 hingegen entnach der Wiedervereinigung veranspricht einer langsamen Annäherung an
schaulicht Lange mit zwei bekannten,
das Bauwerk. Eine weitere Serie, 1976 Galerieetage Alt-Hermsdorf /
vielbesuchten Orten. Als er sich 1991
entstanden, gibt Läden der Kreuzberger Museum Reinickendorf
den Hackeschen Markt für eine LangOranienstraße wieder.
»Die 100 Ansichten des Fernsehturms« zeitstudie auswählte, waren Investoren
dort noch nicht unterwegs. Der heu2. Oktober bis 14. November 2014
Eröffnung am 14. Oktober 2014, 17 Uhr tige Blick auf die inzwischen historiMarchlewskistraße 6
Finissage am 29. Januar 2015, 17 Uhr schen Aufnahmen macht die Entwick10243 Berlin-Friedrichshain
lung zum »Welthauptstadttreffpunkt«
Di – Do 13 –19 Uhr,
Die Serie »The Gate Is Open« zeigt evident. Urbane Situationsbilder ganz
Fr – Sa
14 – 20 Uhr
Menschen an verschiedenen Orten in anderer Art begegnen uns im zweiten
Ost-Berlin. Der Fernsehturm im Hin- Teil der Ausstellung: Wir sehen einem
tergrund findet sich als Motiv in allen Radfahrer an der Kreuzung KurfürstenMuseum Pankow. Regionalgeschichtli- Bilder wieder. Lange photographierte damm, Ecke Joachimsthaler Straße zu.
ches Museum für Pankow, Prenzlauer
die Stadt nach dem Mauerfall. Für die
berg und Weißensee
nahezu anarchische Übergangszeit 26. Oktober 2014 bis 11. Januar 2015
»Entlang der Mauer zwischen Wedschuf er Bilder von symbolischer Kraft. Hohenzollerndamm 176
ding und Prenzlauer Berg 1973 Ein weiteres Thema ist der Potsdamer 10713 Berlin-Wilmersdorf
2004«
Platz. Lange hat ihn über ein Vierteljahr- Di – Fr
10 – 17 Uhr
hundert hinweg photographiert.
Mi
10 – 19 Uhr
Eröffnung am 2. Oktober 2014, 19 Uhr
So
11 – 17 Uhr
An der Bernauer Straße liegt, wie Lange Alt-Hermsdorf 35
sagt, das »Gedächtnis des Westens«. 13467 Berlin-Hermsdorf
Die Straße wurde durch den Mauerbau Mo – Fr, So
9 – 17 Uhr
32
brennpunkt 4/2014
Galerien
Humboldt-Bibliothek
»Lichterfelder Villen 1986 / Frohnauer
Weiher 1989«
Lange photographierte den Süden und
den Norden West-Berlins kurz vor dem
Mauerfall. Die Serien bilden ein Gegengewicht zu der sonst bei ihm zu beobachtenden Darstellung von Urbanität.
Berlin-Lichterfelde, geprägt von repräsentativen Villen in großzügigen Gärten,
steht seit jeher für das gehobene Bürgertum. In Frohnau, wo die Bebauung
der Großstadt endet und das Land Brandenburg anfängt, gibt es Tümpel, die der
Photograph als poetische Orte innerhalb des Stadtgebiets inszenierte.
Museum Köpenick
»Das Tiergarten-Viertel 1985«
Eröffnung am 7.November 2014,
18.30 Uhr
Wie in einem filmischen Schwenk führt
uns Lange von der Matthäikirche und
der Neuen Nationalgalerie aus in das
frühere Berliner Diplomatenviertel. In
Karl-Ludwig Lange, Frohnauer Weiher 1989,
der NS-Zeit inmitten eines WohnvierSilbergelatinepapier, 24 x 30 cm
tels entstanden, wurde das Ensemble im
Zweiten Weltkrieg zerstört. Zum Zeitpunkt der Aufnahmen, 1985, ersetzte
schossiger Bebauung die Szenerie. Um eine große Brache das einst politisch
den Antonplatz entstand in der Grün- und kulturell bedeutende Quartier.
derzeit ein bürgerliches Wohnviertel. Kurze Zeit später entstand hier das KulHeute sind dort viele der Geschäfte turforum. In einer dritten Bebauungs30. Oktober bis 18. Dezember 2014
geschlossen. Die Weißenseer Spitze phase ist es erneut zum BotschaftsvierKarolinenstraße 19
beherbergt u. a. die ehemalige Brotfa- tel geworden.
13507 Berlin-Tegel
brik, seit zwei Jahrzehnten KulturzenMo – Fr 11–19 Uhr , Sa 11 – 16 Uhr
trum. Auch das Kino Toni, 1992 vom 9. November 2014 bis 31. Mai 2015
Regisseur Michael Verhoeven erworben, Alter Markt 1
ist vertreten.
12555 Berlin-Köpenick
GALERIE im RATHAUS TEMPELHOF
Di, Mi 10 – 16 Uhr,
»Das Stadtbild 2000 / Architektur
31. Oktober 2014 bis 11. Januar 2015 Do
10 – 18 Uhr
2002-2003«
Alt-Mariendorf 43
So
14 – 18 Uhr
12107 Berlin-Mariendorf
Mo, Mi 10 – 16 Uhr
In der Serie »Das Stadtbild 2000« unter- Di, Do 10 – 18 Uhr
Mittelpunktbibliothek Köpenick Alter
sucht Lange fünf Orte im Innenstadtbe- Fr
10 – 14, Uhr So 11 – 15 Uhr Markt
reich. Sie stehen für die Veränderungen
»Politische Gegebenheiten«
in der Mitte der Stadt: der Potsdamer
Platz, der Lehrter Bahnhof, die Fried- Mitte Museum. Regionalgeschichtli- Eröffnung am 7. November 2014, 19 Uhr
richstraße, der Schloßplatz und die Mar- ches Museum für Mitte, Wedding. Tierschallbrücke. Diese Photographien zen- garten in Berlin
Die Ausstellung zeigt die Vielfalt in
traler Berliner Baustellen können als »Köpenick 1990 – 2003«
Langes Werk auf. Die Bildserien »KinMetaphern grundlegender gesellschaftdergräber in Alt-Reinickendorf« (2004)
licher Umbrüche gelesen werden. In Eröffnung am 2. November 2014, 11 Uhr und »Garagen der Stasi-Mitarbeiter in
der Serie »Architektur 2002-2003« zeigt
Köpenick« (1993) verbindet die Idee
Lange Großstadtarchitektur und ano- In Köpenick befinden sich zwei bedeu- von Vereinheitlichung und Individualinyme Fassaden als Dokumentation des tende städtebauliche Ensembles,. Zum tät. Eine dritte Sequenz, 1978 entstanurbanen Ist-Zustands.
einen ist es die ca. einen Kilometer den, gibt Fußgänger in Ost und West
lange Bölschestraße in Friedrichshagen, wieder, darunter Langes einzige Bild31. Oktober bis 12. Dezember 2014
angelegt unter Friedrich II. Lange pho- folge aus Ost-Berlin vor dem MauerTempelhofer Damm 165
tographierte sie jeweils 1990 und 2003, fall.
12099 Berlin-Tempelhof
Haus für Haus. In der Ausstellung stehen
Mo – Fr
9 – 18 Uhr
beide Sequenzen einander gegenüber. 8. November 2014 bis 30. Mai 2015
Zum anderen ist es der Industriekom- Alter Markt 2
plex Oberschöneweide, der nicht nur 12555 Berlin-Köpenick
GALERIE im TEMPELHOF MUSEUM
von Architekturhistorikern besondere Mo, Di, Do, Fr 10 – 20 Uhr
»Von der Weißenseer Spitze bis zum
Wertschätzung erfährt. Lange nahm den Mi
13 – 20 Uhr
Antonplatz 1994«
Stadtteil im Jahr 1992 auf.
Sa
10 – 14 Uhr
Lange stellt in diesem Projekt die 2. November 2014 bis 19. Juli 2015
Unterschiede der städtebaulichen Pankstraße 47
Struktur subtil heraus: Vor 100 Jahren 13357 Berlin-Wedding
beherrschte Kleingewerbe in zweige- So – Mi 10 – 17 Uhr, Do 10 – 20 Uhr
brennpunkt 4/2014
33
Galerien
JENS KNIGGE
»Platinum Prints«
Wenn ein zeitgenössischer Photograph
sich in der Hochphase digitaler Bildwelten bewusst für eine so altertümliche
Technik wie die der Platin-PalladiumPrints interessiert, muss er schon einen
triftigen Grund haben: Für Jens Knigge
ist es wohl das reiche Grauwertspektrum, das nur auf diesem Weg erreicht
werden kann. Den Produktionsprozess
vom Auslösen seiner Großbildkamera
bis zur Dunkelkammerarbeit hat Knigge
– wie Irving Penn vor ihm – perfektioniert
wie kaum ein anderer. Photographie ist
hier nicht nur ein künstlerisch-kreativer
Umgang mit Motiv und Kamera, sondern
auch schlichtes Handwerk. Die Herstellung, ja Erarbeitung der Werke braucht
Zeit, Geduld und Erfahrung. Nicht jeder
Abzug gelingt beziehungsweise genügt
den hohen Ansprüchen des Photographen, der schließlich Editionen in kleinen Auflagen produziert.
Die Technik ist stets nur Hilfsmittel, um
das photographierte Motiv zu unterstützen oder zu überhöhen. Der Farbauftrag ist matt, die bilderzeugende Farbe
befindet sich nicht auf, sondern in der
Papierfaser. Die Haptik des Photopapiers, ja selbst der Darstellung führt
zur Illusion einer Dreidimensionalität:
Eine Steintreppe und ein Handlauf an
dieser Treppe oder eine im Raum hängende weiße Lampe werden räumlich
erfahrbar. Knigges Motive sind reduziert,
mitunter karg. Er hat ein ausgeprägtes
Gespür für Licht und Schatten, für Material und Raum. Gelegentlich wählt er
Architekturdetails so nahansichtig, dass
eine flächige All-Over-Struktur entsteht,
die zugleich Material- und Oberflächenstudie ist. Nicht immer können wir
die berühmten Repräsentationsbauten
erkennen, insofern geht es ihm vermutlich auch um einen bestimmten Architekturtypus sowie um eine abstrahierende
Bildsprache im Allgemeinen. Weiß
man um den Aufnahmeort, etwa Schinkels Altes Museum in Berlin, werden
die Bruchkanten, Löcher und Ausbesserungen in den Säulenkanneluren zu
Zeitspuren, die auf die Frontkämpfe
34
brennpunkt 4/2014
© JENS KNIGGE, Holocaust Monument Plate II, 2005
im Zweiten Weltkrieg verweisen und
nach einer späten, behutsamen Sanierung bis heute bewusst sichtbar geblieben sind. So zeigt uns Jens Knigge versehrte Gebäudeoberflächen in subtilen,
zeitlosen Nahansichten. Berlin ist eine
Stadt mit soviel Geschichte und Metamorphose, dass man gewissermaßen
nur an der Fassade zu kratzen braucht,
um eine frühere Schicht zum Vorschein
zu bringen.
Beim Goetheanum liegt der Fall etwas
anders: Rudolf Steiner plante und erbaute
in den 1920er-Jahren im schweizerischen Dornach diesen außergewöhnlichen Betonsolitär als Anthroposophisches Zentrum. Und Knigge setzt heute
den expressionistischen Sichtbetonbau
kongenial in die Mitteltöne seiner nur
schwer zu datierenden Platinprints um.
In einer Aufnahme blicken wir auf die
an vielen Stellen vor- und zurückspringende Fassade, die ohne rechte Winkel
auszukommen scheint. Das Fenster
im Bildzentrum lässt uns jedoch nicht
nach innen blicken, sondern es spiegelt Bäume und den Himmel. Hier lässt
Knigge Kultur und Natur hart aufeinanderprallen – und verbindet die Bereiche
zugleich. Auch im Goetheanum übersetzt der Photograph die Räumlichkeit
der Eingangshalle geschickt in die räumliche Illusion eines zweidimensionalen
Bildes.
Beton als Werkstoff und Sichtfassadenmaterial interessiert bekanntlich auch
zeitgenössische Architekten und Künstler, man denke etwa an Axel Schultes
Mitte der 1990er Jahre erbautes Krematorium in Berlin-Treptow oder an
Peter Eisenmans 2005 eingeweihtes
Holocaust-Mahnmal. Auch dort photographierte Knigge. Einige der mehr
als 2000 Stelen reduzierte er im engen
Bildausschnitt und im Verzicht auf jeglichen Größenmaßstab zu geometrischen Grundformen in ausdifferenzierten Grauabstufungen, kurz: zu einer formalen Abstraktion. Die scharfen Kanten
und glatten Flächen der tonnenschweren Betonquader, hier aufgenommen
kurz nach der Einweihung des Mahnmals, sind heute, bei täglich Tausenden
von Besuchern, ebenso Geschichte wie
die geradezu majestätische Ruhe, die
Knigges Aufnahmen noch innewohnt.
Schließlich konfrontiert er uns mit einer
interessanten Introspektion. Vor einiger
Zeit entdeckte er, dass großformatige
Röntgenaufnahmen die richtige Dichte
besitzen, um ebenfalls als Platinprint
verarbeitet werden zu können. Und so
eignete sich Knigge solche Negative
eines gebrochenen, mit Stahlstiften verstärkten Ellenbogens oder einer durch
Metalldrähte gefestigten Kniescheibe
an und transformierte sie als Kontaktkopie in wiederum abstrakte photographi-
Galerien
© JENS KNIGGE, Schwangere Auster, 2000
sche Abzüge. Diese Appropriation-Art
bleibt jedoch so eigenständig wie ungewöhnlich in seinem Werk, das normalerweise von der Aufnahme eines Motives bis zur Dunkelkammer in mehreren
hochkonzentrierten und ebenso komplexen Arbeitsschritten zum Bild umgesetzt wird.
In seiner aktuellen Ausstellung in der
Galerie Johanna Breede sehen wir
Architektur und Landschaft, Stillleben
und Röntgenbilder, eine so heterogene
wie spannende Mischung, ein Einblick
in das künstlerische Schaffen der vergangenen 15 Jahre. Die Motive findet
Jens Knigge häufig in Berlin. Er präsentiert uns Beispiele herausragender Architektur, sein enggefasster Blick für das
architektonische Detail und die Materialoberflächen der Gebäude abstrahiert
dabei von der Totale und insofern von
der Arbeit eines traditionell arbeitenden
Architekturphotographen.
Matthias Harder
Johanna Breede
PHOTOKUNST
Fasanenstraße 69
© JENS KNIGGE, Goetheanum Treppe, 2010
Di – Fr
11 – 18 Uhr
Sa
11 – 16 Uhr
brennpunkt 4/2014
35
Galerien
Claire Laude
Katrin Streicher
Lana Abramova
Stephanie Englert &
Tom Licht
»Rückblicke«
Rückblicke sammelt Geschichten, die
wir in der Vergangenheit erlebt haben,
die wir uns und anderen erzählen und
von solchen, die erzählt wurden. In ihrer
persönlichen Färbung sind die Fotografien von Claire Laude, Katrin Streicher,
Lana Abramova, Stephanie Englert und
Tom Licht nicht nur eindrückliche und
atmosphärische Zeitreisen – vielmehr
zeigen sie auf, dass dem Blick zurück
immer auch die gegenwärtige Position
eingeschrieben ist.
Zurückblicken ist eine Selbstvergewisserung darüber, wo wir herkommen, was
uns in der Vergangenheit geprägt hat
und wer wir in Zukunft werden möchten. „Wozu sind Wurzeln gut, wenn man
sie nicht mitnehmen kann?“, fragt Gertrude Stein und beschreibt, dass wir in
der Differenz von den Ursprüngen und
der Gegenwart erfahren, was wir geworden sind. Identität ist kein Zustand, der
durch die Vergangenheit vorherbestimmt ist. Sie ist vielmehr eine Schöpfung aus Möglichkeiten, die sich aus
vergangenen Momenten ebenso ergibt
wie aus gegenwärtigen und zukünftigen
(Wunsch)vorstellungen.
Lana Abramova war neun Jahre alt, als
sie mit ihrer Familie aus Angst vor einem
Krieg 1989 die Heimatstadt Baku, ihre
Freunde und ihre Kindheit verließ. Seither konnte sie nicht dorthin zurückkehren. Auf der Suche nach Verortung fuhr
sie nach Karabakh, einen Ort an dem
viele Verwandte leben und der zahlreiche Kindheitserinnerungen birgt. Hier
entstand die fotografische Arbeit Karabakh. Life without War. Die eindringlichen dokumentarischen Bilder geben
Einblicke in eine Auseinandersetzung
mit den eigenen Wurzeln und sind
gleichzeitig Zeugnisse eines Landes, in
dem die Zeit stillzustehen scheint und
das sich doch im stetigen Wandel befin36
brennpunkt 4/2014
© Lana Abramova
© Tom Licht, (Original in Farbe)
det. Auch Tom Licht widmet sich dem
Ort der Kindheit. Daheim ist eine Spurensuche einer deutschen Kindheit und
Jugend, in der Gegenstände und Plätze
auf alten Familienfotos mit gegenwärtigen fotografischen Bestandaufnahmen
seines Elternhauses verknüpft werden.
Licht wuchs in der Umgebung am Südrand des Thüringer Schiefergebirges
auf, das bis 1989 im direkten Grenzgebiet der DDR zur BRD lag. Persönliche Bilder und Erinnerungen, Geschichten und Zeichnungen Lichts aus seiner
Kindheit und Jugend sowie Auszüge
aus der Stasi-Akte seines Vaters geben
einen vielschichtigen Einblick in die
Geschichte und die Geschichten, die
prägen, wie wir wurden wer wir sind.
Anders nähert sich Katrin Streichers
Arbeit Aren‘t I supposed to look grim?!,
dem Land, das innerlich gespalten
war. Von einem gegenwärtigen Standpunkt eines wiedervereinten Deutschlands, in dem bereits eine ganze Generation in Deutschland aufgewachsen ist,
ohne die Teilung persönlich erfahren
© Lana Abramova
© Claire Laude, (Original in Farbe)
zu haben, fragt das fotografische Projekt nach Spuren der Erinnerung, die
die DDR im deutschen Alltag hinterlassen hat. Madgalene von Stephanie
Englert ist ein Zeugnis von imaginären
und realen Mauern. Ihr Großvater, die
große Liebe ihrer Großmutter, hatte sich
1962 scheiden lassen und ist mit seiner
damaligen Freundin ins Nachbarhaus
gezogen. Zusätzlich zur emotionalen
und häuslichen Trennung zog er eine
Mauer zwischen den Häusern hoch, die
erst nach dem Tod der Großmutter ent-
Galerien
© Tom Licht, (Original in Farbe)
© Claire Laude, (Original in Farbe)
fernt wurde. Die Bilder vom zurückgezogenen Alltag des Großvaters werden
mit Tagebuchauszügen der Großmutter
verdichtet. Die Fotografien von Jahrhundertläden in Berliner Jahrhundertläden von Claire Laude geben Einblick
in versteckte Räume Berlins, die einer
anderen Zeit entstammen. Werkstätten,
Geschäfte und Hinterräume, die der
Geschichte ihrer Umgebung standgehalten haben wirken altertümlich und
modern zugleich – spiegeln sie doch
die Sehnsucht nach dem Vergangenen und der Nostalgie, die Stil prägend
für eine Gesellschaft ist, in der Qualität und Handarbeit einen neuen Aufschwung erleben und modern ist, was
zeitlos wirkt.
Unsere Gegenwart und Zukunft ist von
den Splittern der Vergangenheit geprägt,
die wir aufheben und bewahren und
die uns zu denjenigen gemacht haben,
die wir heute sind und werden möchten. So wird das Finden der Geschichte
immer auch zum (Er)Finden zukünftiger
Geschichten.
Kuratorin: Lena von Geyso
© Katrin Streicher, (Original in Farbe)
© Stephanie Englert, (Original in Farbe)
Vernissage:
am 28. November 2014, 19 Uhr
10. Januar bis 18. Januar 2015
© Stephanie Englert, (Original in Farbe)
aff Galerie
Kochhannstraße 14
Sa + So
15 – 18 Uhr
www.aff-galerie.de
brennpunkt 4/2014
37
Galerien
Stéphane Lelarge
»A Place To Live #1 –
Berlin«
»Mensch sein…heißt Wohnen« – Diese
Feststellung Martin Heideggers gilt auch
heute noch und offenbart im Rahmen
der Fotostudie von Stéphane Lelarge
eine brisante Aktualität.
Heidegger betrachtet das Wohnen als
eine ureigenste Tätigkeit des Menschen
und als »Grundzug des Seins«. Wohnen
meint hier mehr als das bloße Verweilen
an einem bestimmten Ort, es befriedigt
vielmehr zahlreiche Bedürfnisse des
Menschen wie Sicherheit, Beständigkeit, Geborgenheit, Individualität und
Unabhängigkeit. Das Wohnen wird
betrachtet als Wesensbestimmung des
Menschen, die sein ganzes Leben beeinflusst. Keinen Raum zu haben beziehungsweise ihn verweigert zu bekommen, weist hingegen auf eine existenzielle Not des Menschen hin, verhindert
dessen Entfaltung und kann zu psychischen und seelischen Beeinträchtigungen und zu Ausgrenzung führen.
Stéphane hat sich in Berlin mit seinem Fahrrad auf den Weg gemacht,
um nach Formen des nicht alltäglichen
Wohnens zu suchen und sich ein Bild
zu machen von den Lebensumständen
und Einstellungen der Betreffenden.
Bei seiner Recherche stellte er schnell
fest: Was für die einen die Realisierung
des Wunsches nach einem selbst verwalteten und gestalteten Sehnsuchtsort
jenseits der konsumorientierten Gesellschaft bedeutet, stellt für die anderen die
einzige Möglichkeit dar, sich durch menschliche Ordnung einen fragilen Lebensraum zu schaffen, um ihre Existenz an
einem Ort zu verankern.
Ob in Wagendörfern, in verlassenen
Gartenlauben oder in notdürftig errichteten Behausungen auf brachliegenden
Flächen – überall ist Stéphane Menschen
begegnet, die ihrem Bedürfnis gefolgt
sind, sich dauerhaft niederzulassen. Er
ist auf ausgewanderte Europäer gestoßen, die sich in der verheißungsvollen
38
brennpunkt 4/2014
© Stéphane Lelarge, (Original in Farbe)
Fremde ein besseres Leben erhoffen und
Menschen, die sich ohne Aufenthaltsgenehmigungen in Deutschland einzurichten versuchen. Er hat Menschen
getroffen, die es als Privileg verstehen,
ein unkonventionelles Leben führen zu © Stéphane Lelarge, (Original in Farbe)
können und solche, die mit der ständigen Angst leben, ihren Ort der plötzli- nen« eine irritierende Ambivalenz und
chen Räumung preisgeben zu müssen. aktuelle Brisanz. Die globalisierte Welt
Stéphane hat außerdem von der Igno- mit ihren zunehmenden Migrationsranz und Intoleranz erfahren, die ihnen bewegungen und den damit einhergevon der Gesellschaft entgegengebracht henden unberechenbaren Dynamiken
werden.
vor allem in den Großstädten sieht sich
mit drängenden Fragen konfrontiert.
So unterschiedlich die Geschichten Welche Folgen hat eine äußerst instadieser Menschen sein mögen, sie haben bile Lebensform ohne festen Wohneines gemeinsam: Sie alle haben die sitz und ohne Adresse für die Identität
konventionelle Lebensform hinter sich der Betroffenen? Bleibt die Würde des
gelassen, improvisieren sich in den Menschen unangetastet, wenn durch
Zentren der pulsierenden Großstadt und deren Lebensweisen die Teilhabe am
schaffen sich am Rande der Legalität gesellschaftlichen Leben gefährdet ist?
und darüber hinaus ihre Wohn- und Welche Wohnform ist dem Menschen
Lebensnischen.
zumutbar, ohne die Aussicht auf ein
gelingendes Leben einzuschränken?
Während dieser eindringlichen Begeg- Darüber hinaus offenbart sich außernungen hat Stéphane das Vertrauen dem die Frage, inwieweit ein vereindieser Menschen gewonnen. Aus- tes Europa zukünftig in der Lage sein
drucksstarke Portraits sind das Ergeb- wird, unabhängig vom Status des Mennis, die den Betrachter mit dem direk- schen, diesem eine den Grundrechten
ten Blick der Dargestellten konfrontie- angemessene Lebens- und Wohnform
ren und eine emotionale Bindung gen- zu garantieren. Denn das Menschsein
erieren. Die Intensität der Blicke fordern und das Wohnen stehen in einem wechden Rezipienten heraus. Je strenger der selseitigen Verhältnis, dass die Identität
Blick der Dargestellten, desto intensiver des Menschen prägt und dessen Entfalfällt die Selbstüberprüfung der eigenen tungsmöglichkeiten erst hervorruft.
Haltung aus. Mit seinen Bildern gelingt
es Stéphane eindrücklich, Einblicke in
die Gefühlswelt der Portraitierten und
deren Lebensform zu vermitteln und
den Betrachter anzustoßen, sich mit der
Vorstellung eines Lebens am Rand der 15. Oktober bis 11. November 2014
Gesellschaft auseinanderzusetzen.
Im Kontext dieser Photoserie erhält der Fenster61
eingangs erwähnte Zusammenhang Torstraße 61
zwischen »Mensch sein« und »Woh- 10119 Berlin-Mitte
Galerien
Tacheles – Polaroids
Die einhundertste
Ausstellung in
Fenster61 zeigt
einhundert Polaroids
von Udo Lindemann
Für die Jüngeren: »Das Kunsthaus
Tacheles war ein Kunst- und Veranstaltungszentrum in der Oranienburger
Straße im Berliner Ortsteil Mitte. Es
nutzte zwischen 1990 und 2012 einen
vor dem Abriss geretteten Gebäudeteil
des ehemaligen Kaufhauses Werheim.«
(Quelle: http://de.wikipedia.org/wiki/
Kunsthaus_Tacheles)
Zwei Jahrzehnte später steht Udo Lindemann im Flur des 3. Stocks und fotografiert Touristen (und Tachelanten).
Technisch konservativ (Polaroids! FujiFILM! ANALOG! – Was ist denn das?
Auch hier sei den Jüngeren die Wikipedia empfohlen), aber konzeptuell durchaus listig. Ich kenne Udo ja nun auch
schon das eine oder andere Jahr und
bin ihm u. a. über die Galerie Fotoshop
(eine andere Mitte-Legende ...) und
unsere Band The RotTT verbunden.
Ein »gutes Auge«, das »Gefühl für den
richtigen Moment« – was an klischeehaften Phrasen über gute Fotografen
geäußert werden kann, darauf hat auch
Udo Lindemann alle Ansprüche. Einstweilen verweisen wir aber auch auf
sein konsequentes Festhalten am Genre
»Portrait«, auf die (nicht immer schmeichelhafte) analytische Schärfe seiner
Bilder und, ja, auf den von mir jahrelang
immer wieder beobachteten Umstand,
dass sich offensichtlich Frauen (selten
Männer) in seiner Gegenwart freiwillig © Udo Lindemann
und sehr schnell die Kleider vom Leib
reißen. Will sagen: Es ist schwierig, sich
von Udo Lindemann nicht fotografieren
lassen zu wollen.
Steht also im Flur und spielt den Dienstleister für Touristen aus aller Welt.
Eigentlich in professioneller geheimer
Mission geschickt (»Dokumentiere er
die letzten Tage des Tacheles!«), bietet
er ihnen das schnelle Polaroid an, als
Unikat im Format 8,5 x 10,8 cm. Ab und
an behält er eines, hinzu kommen etliche Aufnahmen der Tacheles Künstler.
© Udo Lindemann
So sind Hundert von weit über tausend
Schnappschüssen auf uns gekommen
und jetzt zwischen dem 12. November und 16. Dezember 2014 im FENSTER61 zu sehen. Und auch wenn der
Wikipedia-Eintrag über das FENSTER61
noch auf sich warten lässt, so ist das 12. November bis 16. Dezember 2014
dann schon die 100ste Ausstellung, die
in dem Schaufenster in der Torstraße Fenster61
gezeigt wird.
Torstraße 61
Manuel Bonik, Berlin 2014 10119 Berlin-Mitte
Amélie Lousier
»Stalin Allee vs KarlMarx Allee«
Für ihre Serie »Stalinallee vs. KarlMarx Allee« bekam Amélie Losier freie
Hand von Zeit Online, um das heutige Leben der 4,5 km langen, als eins
der grössten Prestige-Projekt der DDR
gebauten Allee zu dokumentieren. Die
Bilder wurden in einer MultimediaProduktion von Zeit Online präsentiert
Amélie Losier, 1976 in Versailles, Frank- und sind zwischen dem 17. Dezember
reich geboren, studierte Germanistik in 2014 und dem 13. Januar 2015 aus- © Amélie Lousier, (Original in Farbe)
Paris und Berlin, und lernte dokumen- zugsweise im FENSTER61 ausgestellt.
tarische Fotografie bei Arno Fischer
in Berlin. Street Photography, PorträtsReportagen und Photofilme (multimedia
story-telling) sind Schwerpunkte ihrer
17. Dezember 2014 bis 13. Januar 2015
Arbeit. Sie arbeitet als freie Fotojournalistin für die Presse und kulturelle InstituFenster61
tionen und entwickelt ihre eigenen ProTorstraße 61
jekte aus Berlin.
10119 Berlin-Mitte
brennpunkt 4/2014
39
Galerien
CHANGING Realities
– Bilder einer Welt im
Wandel
Europa hat sich in den letzten Jahren
vor allem als ein Europa in der Krise
gezeigt. Interessant ist es jedoch, die
vielen anderen Geschichten zu erzählen: die der kleinen Utopien und der
großen Visionen, die im Alltäglichen
umgesetzt werden. Grenzüberschreitend haben sich Fotografinnen und Fotografen auf Spurensuche nach diesem
anderen Europa begeben.
In ihren Arbeiten begegnen wir Menschen, die sich aktuellen wirtschaftlichen, gesellschaftlichen und sozialen
Herausforderungen mit Courage und
Kreativität stellen. Jenseits herkömmlicher westlicher Lebens- und Konsumgewohnheiten formulieren sie Modelle
für ein nachhaltiges Leben in einer globalisierten Welt.
Alternative Wohnkonzepte, schonender Umgang mit natürlichen Ressourcen, menschenwürdige Migrationspolitik, eine global gerechtere Verteilung
von Wohlstand sowie Protestbewegungen der bürgerlichen Zivilgesellschaft
– die ganze Vielfalt an Ideen, Initiativen und Modellen, die hierzu entwickelt wurden, sind Themen der fotografischen Arbeiten.
Vom 21. Oktober bis zum 3. November 2014 präsentiert die Ausstellung
CHANGING Realities die fotografischen Positionen im U-Bahnhof Alexanderplatz (U8). Auf den Außenwerbeflächen – normalerweise Altäre der westlichen Konsumgesellschaft – schaffen sie
einen überraschenden »Kunst«-Raum
und sind damit nicht nur Ausstellung,
sondern auch Intervention im öffentlichen Raum.
Aus über 160 Einsendungen wählte
eine fünfköpfige internationale Fachjury 20 Arbeiten mit außergewöhnlichen ästhetischen Bildlösungen für die
Ausstellung aus. Der Jury gehörten an:
Angela Hohmann, Freie Kunstkritikerin, Berlin; Gisela Kayser, Künstlerische
Leiterin Freundeskreis Willy-BrandtHaus, Berlin; Ulrike Kremeier, Direk40
brennpunkt 4/2014
© Maria Feck aus der Serie »Lampedusa in Hamburg«
torin Kunstmuseum Dieselkraftwerk
Cottbus; Katharina Mouratidi, Fotografin und Geschäftsführerin Gesellschaft
für Humanistische Fotografie (GfHF),
Berlin; Silvia Omedes, Direktorin Photographic Social Vision, Barcelona.
CHANGING Realities ist ein Projekt der
Gesellschaft für Humanistische Fotografie (GfHF). Diese fördert engagierte
Autorenfotografie, die sich mit gesellschaftlich relevanten Themen auseinandersetzt. In Ausstellungen, die sie in
Kooperation mit Museen und Kulturinstitutionen im In- und Ausland realisiert,
präsentiert sie die Arbeiten renommierter und aufstrebender zeitgenössischer
Fotografen. Neben der Konzeption und
Durchführung pädagogischer Kunstvermittlungsprogramme für Jugendliche
und Erwachsene zählt auch die Durchführung von Seminaren und Workshops
für professionelle Fotografinnen und
Fotografen zu ihren Schwerpunkten.
www.humanistischefotografie.de
© Hannes Jung aus der Serie »Dietrich Wagner
gegen Stuttgart 21«
© Gordon Welters aus der Serie »Living on
wheels«
CHANGING Realities wird gefördert
von: Bundesministerium für wirtschaftliche Entwicklung und Zusammenarbeit,
BMZ Brot für die Welt – Evangelischer
Entwicklungsdienst
Hypo-Kulturstiftung
Freundinnen und Freunde der Heinrich- U-Bahnhof
Böll-Stiftung
Berlin-Alexanderplatz (U8)
Galerien
Hans Hansen
»Ein erster Blick«
Hans Hansen geht es in seiner Arbeit um
das Objekt und um die Fotografie. Ihn
interessiert die Materialität, die Gestaltung und die Konstruktion von natürlichen und vorgefundenen Dingen, sowie
das Design und die Formsprache der
Moderne im Fokus des Lichts und der
Kamera.
Die Reduktion auf das Wesentliche ist
zu seinem Markenzeichen geworden,
selbst wenn der Weg der Bildproduktion oft ein sehr aufwendiger ist, was
die Bilder in der Regel nicht erkennen
lassen. Sie scheinen mit leichter Hand
geschrieben zu sein, was ihren besonderen Zauber ausmacht.
Pflanzenmodell, C-Print, 119 x 94 cm, (O.i.F.), © Hans Hansen
Pflanzenmodell, C-Print, 119 x 94 cm, (O.i.F.),
© Hans Hansen
Hans Hansen arbeitet mit den unterschiedlichsten Techniken und die Formate seiner Abzüge variieren entsprechend der thematischen Herausforderung. Die Ausstellung wird ein erster
Blick sein auf einige von Hans Hansens’
Werkgruppen aus mehr als 50 Jahren.
Anlässlich seines 75.ten Geburtstages
werden wir im nächsten Jahr ein retrospektives Buch in unserer Reihe bibliophiler Fotobücher herausgeben.
Sydney 1968, C-Print, 25 x 17 cm, aus der Mappe »Zehn«, (o.i.F.), © Hans Hansen
Zur kommenden Ausstellung editieren wir eine Kassette mit zehn noch
nie gezeigten C-Prints aus den 1960er
Jahren in einer Auflage von 6 Exemplaren.
Roland Angst / Christiane Kuhlmann
only photography
Roland Angst
Niebuhrstraße 78
Los Angeles 1969, C-Print, 25 x 17 cm, aus der
Mappe »Zehn«, (O.i.F.), © Hans Hansen
Mi – Fr 14 – 19 Uhr
Sa
11 – 16 Uhr
www.carpentier-galerie.de
brennpunkt 4/2014
41
Galerien
Magnum.
Contact Sheets
»Contact sheets are mostly a waste of
money. Because it is a waste of money,
I love them.« Leonard Freed
Der entscheidende Augenblick – in der
Fotografie ist dieser alles bestimmend. Er
ist eine Synthese aus Wissen, Sensibilität, Technik, Form, Zufall und purer Intuition. Wenn all diese Elemente zusammentreffen, entstehen so starke, einzigartige Bilder, dass sie über das Alltägliche hinausgehen und etwas vom Wesen
des Lebens enthüllen. Was jedoch ist
ausschlaggebend dafür, dass bestimmte
Fotografien zu Ikonen werden und sich
ins kollektive Gedächtnis brennen?
Was geschah kurz vorher, was folgte
im Anschluss? Der Kontaktbogen dokumentiert weit mehr als die Entstehung
des entscheidenden Moments. Er gibt
einen intimen Einblick in den Arbeitsprozess des Fotografierens. Seine Bildsequenzen zeichnen die Spur einer Bewegung durch den Raum nach und zeugen
zugleich vom Anspruch der Fotografie
auf eine transparente Darstellung der
Wirklichkeit.
Gleichzeitig ist die Veröffentlichung
dieses Rohmaterials ein absoluter Tabubruch. Denn die Publikation dieses
Mediums ist meist nicht vorgesehen
und bleibt als Zwischenprodukt im
geschützten Raum des Ateliers oder der
Fotowerkstatt. Der Kontaktbogen ist in
erster Linie das Logbuch des Fotografen,
eine Entscheidungshilfe bei der Auswahl
und der Index von späteren Negativarchiven. Gleichzeitig ist er jedoch mehr
als ein künstlerisches Skizzenbuch; er
zeigt die misslungenen Schritte auf dem
Weg zum Endprodukt mit all seinen Irrtümern, Fehltritten, Sackgassen – und
glücklichen Fügungen. Hier ist jede Drehung und Wendung, jede Entscheidung
verzeichnet. Mit dieser totalen Transparenz und Entblößung seiner Arbeitsmethode macht sich der Fotograf angreifbar. Er riskiert, die Aura des Einzelbildes zu brechen und den kreativen Prozess zu entzaubern. So entsteht auch
beim Betrachten des Kontaktbogens
42
brennpunkt 4/2014
Susan Meiselas . Carnival Strippers .
Neuengland, USA , 1974
die Faszination, einerseits unmittelbar
am Geschehen teilzunehmen und dem
Fotografen über die Schulter zu sehen,
andererseits damit etwas Verbotenes zu
tun – wie in ein fremdes Tagebuch oder
einen fremden Kleiderschrank zu blicken.
Umso mutiger ist daher der seltene
Einblick, den die legendäre Fotoagentur Magnum mit dieser Ausstellung
gewährt. Sie umfasst aus sieben Jahrzehnten über 100 Kontaktbögen der
renommiertesten Fotografen weltweit –
von Robert Capa, Henri Cratier-Bresson,
Chim, Werner Bischof, George Rodger
und Elliott Erwitt, über Inge Morath,
René Burri, Eve Arnold, Leonard Freed,
Thomas Hoepker, Josef Koudelka und
Gilles Peress bis hin zu Martine Franck,
Martin Parr, Jim Goldberg, Trent Parke,
Jonas Bendiksen, Bruno Barbey, Paolo
Pellegrin und Alec Soth.
In chronologischer Reihenfolge zeigt
die Ausstellung leidenschaftlich engagierte Reportagen aus dem Zweiten
Weltkrieg, Straßenszenen des Prager
Frühlings, Ikonen wie Che Guevara,
Mohammed Ali und Malcom X, Balkankrieg und Blutigen Sonntag, Brennpunkt
Nahost, Porträts der japanischen, brasilianischen und britischen Gesellschaft
sowie zahlreiche, weltweit historische
Ereignisse mehr. Anhand dieser einzig-
Marc Riboud . Eiffel Tower .
Paris, Frankreich, 1953
artigen Zusammenstellung der Kontaktbögen werden in der Ausstellung drei
unterschiedliche Ebenen sichtbar: Die
jeweiligen politisch-sozialen Inhalte
der Fotografien an sich, die allgemeine
Historie der Reportagefotografie sowie
die Entstehungsgeschichte der einzelnen Bilder.
Sämtliche analogen Bildformate sind in
der Zusammenstellung von Magnum
enthalten – vom Standardkleinbild
über Panorama-Aufnahmen bis hin zum
Großformat in Schwarz-Weiß und Farbe.
Oft sind die Kommentare und Markierungen der Fotografen oder Bildredakteure sichtbar, die das beste Motive der
Serie oder den exakten Ausschnitt eines
Fotos bestimmen.
Galerien
Jean Gaumy . Shooting Practice .
Teheran, Iran, 1986
Elliott Erwitt . Kitchen Debate .
Moskau, Russland, Juni 1959
Der Kontaktbogen ist mittlerweile das
Relikt einer Technologie, die heutzutage obsolet ist. Mit der Digitalisierung
haben sich die Arbeitsprozesse und -formate grundlegend geändert. Als Folge
dieser Entmaterialisierung ist der Kontaktbogen nur noch ein Phänomen der
Archivierung, rückt jedoch gleichzeitig
verstärkt inhaltlich in den Fokus und
wird selbst zum Artefakt. Denn er symbolisiert ein eigenes Genre mit enger
Verbindung zum Film, zur Narration
und zur traditionellen Fotoreportage.
So ist diese Ausstellung von Magnum
eine Hommage an die analoge Arbeit
und an die Authentizität des Mediums
Fotografie – oder auch der Abgesang auf
eine verlorene Kunstform.
In einem umfangreichen Begleitprogramm mit Vorträgen und Diskussionen
mit Fotografen und Bildwissenschaftlern
werden zudem Fragen nach den Veränderungen von Arbeitsweise, Wahrnehmung und Umgang mit der Fotografie
durch den Übergang von analog zu digital vertiefend erörtert.
Seit dem Jahr 2000 präsentiert C/O
Berlin ein lebendiges, kulturelles Programm internationalen Ranges. Als
Ausstellungshaus für Fotografie zeigt C/
O Berlin Werke renommierter Künstler, organisiert Veranstaltungen, fördert
junge Talente und begleitet Kinder und
Jugendliche auf visuellen Entdeckungsreisen durch unsere Bildkultur. Nach fast
zwei Jahren ohne eigene Ausstellungsräume eröffnet C/O Berlin am Donnerstag, den 30. Oktober 2014, seinen
neuen Standort, das Amerika Haus am
Bahnhof Zoo. Mit dem Standortwechsel
von Mitte nach Charlottenburg wird C/O
Berlin zusammen mit dem Museum für
Fotografie und der Helmut Newton Stiftung einen in Deutschland einzigartigen
Kultur-Cluster für Fotografie bilden.
Inge Morat . A Llama in Times Square .
New York, USA, 1957
Die Eröffnung findet am Donnerstag,
den 30. Oktober 2014, um 19 Uhr
statt.
C/O Berlin
Hardenbergstraße 22
täglich 11 – 20 Uhr
brennpunkt 4/2014
43
Galerien
Will McBride
»Ich war verliebt in
diese Stadt«
ter Neugier und frischem Blick die Menschen und ihre Lebenslust fotografisch
einfängt – Will McBride. Seine Schwarzweißbilder früher Trümmerlandschaften
bis zum Mauerbau faszinieren durch
ihre Authentizität, Intimität und Dynamik jenseits der bisher bekannten Tristesse der rauen Nachkriegswirklichkeit.
Will McBride war der erste Fotograf,
dessen Werke 1957 im Amerika Haus
gezeigt wurden. Aus diesem Grund
eröffnet C/O Berlin das Gebäude mit
seinen Bildern und präsentiert erstmals
ca. 100 zum Teil nie ausgestellte Fotografien aus seinem Gesamtwerk.
Fotografien 1956 – 1963
Zwischen urbanen Ruinen brodelt
das Leben, inmitten bleiernder Nachkriegszeit blüht erster wirtschaftlicher
Aufschwung. Trotz radikaler, ideologischer Auseinandersetzungen weht
ein jugendliches Freiheitsgefühl in der
Frontstadt des Kalten Krieges. Ein Jahrzehnt nach der Kapitulation befindet
sich Berlin noch immer in einem Ausnahmezustand zwischen Schuttbergen
und Milchbars, politischen Kundgebungen und Bootspartys. In diesen tagtäglichen Gegensätzen wandelt selbstsicher
ein junger Amerikaner, der mit unerhör-
C/O Berlin
Hardenbergstraße 22
© Will McBride
Portraits of
NowMagnum
Photomaton
Martin Parr, Paolo Pellegrin, Bruce
Gilden u. a. ablichten. Was für ein Paradox – Maschinen simulieren perfekt den
individuellen Ansatz der renommierten
Magnum-Fotografen! Wer ist in diesem
Spiel eigentlich der/die Urheber/in?
Und das Beste ist, dass nach jeder Session die Besucherinnen und Besucher
ihr originales Magnum-Porträt direkt als
Print mitnehmen oder als digitale Datei
im Internet verbreiten könne
Elliott Erwitt, Bruce Gilden, Philippe
Halsmann, Steve McCurry, Martin Parr,
Paolo Pellegrin
© Elliott Erwitt
Biometrisch, praktisch, gut. Fotoautomaten sind vor allem eins: technischstoisch. Jeder saß schon einmal in einer
dieser nüchternen Kabinen mit Vorhang
und drehbarem Stuhl, Münzeinwurf,
gleißendem Blitz und Ausgabeschlitz.
Fotoautomaten sind besondere Aggregate autorenloser Fotografie, in denen
der oder die Porträtierte zugleich Akteur
und Objekt ist. In ihrer Statik und Funk-
tionalität sind sie das absolute Gegenteil
einer erzählerisch-individuellen Fotografie, für die die legendäre Agentur
Magnum steht. Und doch gehen diese 31. Oktober 2014 bis 18. Januar 2015
beiden fotografischen Prinzipien kongenial zusammen.
C/O Berlin
C/O Berlin präsentiert weltweit zum Hardenbergstraße 22
ersten Mal sechs eigens konstruierte 10623 Berlin-Charlottenburg
Fotoautomaten, die die Besucherinnen
und Besucher im Stil von Elliott Erwitt, täglich 11 – 20 Uhr
Luise Schröder
»Arbeit am Mythos«
Schwelbrand hat sich durch die Bilder
gefressen, Wasserflecken sind sichtbar. Häuser, Fassaden, Straßen, Menschen und Landschaften überlagern und
durchdringen sich, reißen ab und fügen
44
brennpunkt 4/2014
sich neu zusammen. Es sind Fragmente
fotografischer Dokumente der alten
und neuen Stadt Dresden – ostentativ
beschädigt, aus der Form gebracht und 31. Oktober 2014 bis 18. Januar 2015
nur partiell entzifferbar. Luise Schröder begibt sich in ihrer Serie Arbeit am C/O Berlin
Mythos auf eine visuelle Spurensuche Hardenbergstraße 22
durch die aktuellen und historischen, 10623 Berlin-Charlottenburg
kulturellen und politischen Schichten
der Stadt.
Galerien
Eugenio Novajra
»The Tempelhof
Project«
Seit jeher hatte ich die Leidenschaft für
Lektüre, nicht nur von Büchern - kostbaren Lebensgefährten -, sondern auch
von Tageszeitungen und Zeitschriften.
Das »alles-verschlingende« Lesen aus
diversen Quellen und Sprachen hat mir
sicherlich geholfen, die Entwicklung
einer globalen Gesellschaft zu verstehen und zu deuten, die immer mehr
Schauplatz von Konflikten und Spannungen ist. Gerade so bin ich im Frühjahr 2012 auf einer italienischen Tages- © Eugenio Novajra, (Original in Farbe)
zeitung auf die Geschehnisse des ehemaligen Berliner Flughafens Tempelhof anthropologisch-urbanen Dokumengestoßen. Nachdem ich in Metropo- tation beginnen, nicht nur eine Dokulen gelebt hatte, die unter dem Zement mentation einer von alten Flughaerstickten und ständig ärmer an Grünzo- fenbauten besetzten und von neuen,
nen wurden – wie Mailand, San Paolo... bunten städtischen Obst- und Gemü- und nur in San Francisco ein korrek- segärten durchzogenen Landschaft.
tes Verhältnis der Beziehung Mensch – Heute kann ich sagen, dass die Arbeit
Natur gefunden hatte (Frisco, sehr aktiv über und in Tempelhof nicht nur eines
auf der »grünen« Front, war bedeutend meiner üblichen urbanen und sozialen
für mein jugendliches Bewusstwerden Projekte war, die mich ständig beschäf- © Eugenio Novajra, (Original in Farbe)
von Umwelt-Themen), begeisterte ich tigten, sondern wesentlich mehr darmich unvermeidlich beim Lesen der stellt: ein neues, persönliches kulturel- 1987 Eröffnung seines ersten FotoaGeschichte von Tempelhof, so voller les »Atemschöpfen«. Dort zu arbeiten, teliers, wo er hauptsächlich für Verleaktiver gemeinschaftlicher Präsenz zur hat es mir ermöglicht, meinen intern- ger, Reportagen und Corporate arbeiWahrung des Territoriums.
externen Blick auf einen offenen, auch tet. Häufig unterwegs, seine Meta-Fotogeistigen Horizont »grünen«, heilsamen grafie hat sich zwischen Amerika und
Ich erinnere mich, dass der Artikel Atmens zu öffnen. Im Jahr 2012 zeigte Europa entwickelt. Seit 2007 sind Soziaberichtete, wie die Berliner Bürger ich – begeistert von dieser neuen Erfah- les, Umwelt und urbane Anthropologie
zuerst demonstrierten und dann auch rung – die ersten Aufnahmen Francesco Themen die seine persönlichen Arbeiten
den ehemaligen Flughafen besetz- Jodice, einem von mir geschätzten itali- charakterisieren. Zahlreiche Veröffentliten und so von der Stadtverwaltung enischen Künstler; mit ihm zusammen chungen und Ausstellungen gehören zu
die Umformung des Areals – 386 ha. habe ich das künftige fotografische Pro- seiner Laufbahn.
in Grünzone – zu öffentlichem Park jekt ausgearbeitet, das dann auch in Er lebt in Friaul und Berlin.
erlangten. Berlin hat mich im übrigen multimedialer Form entwickelt wurde.
seit jeher wegen seiner Geschichte und
Eröffnung:
seiner liberalen Atmosphäre bezaubert. Den Foto-Portraits habe ich ein Video 9. Oktober 2014, um 20 Uhr
Tempelhof und seine einzigartige Peri- mit den Interviews der Tempelhof-Protode der Freiheit und Anarchie wurden agonisten beigefügt.
sofort die Motivation für eine neuerliche
Reise fotografischer Nachforschung. Eugenio Novajra, Freelance Fotograf mit
In der ersten Foto-Serie vom Herbst Ausbildung bei der Academy of Art Col- Café Aroma Photogalerie
2012 habe ich Portraits von Bewoh- lege von San Francisco und IED Mai- Hochkirchstraße 8
nern der Stadt auf dem surrealistischen land, Teilnahme am DAMS von Bolo- 10829 Berlin-Schöneberg
Hintergrund einer großen Landebahn gna und Politecnico, Fach Architechture,
gemacht – derselben, die als amerikani- in Mailand. Workshops mit prominen- Mo – Fr 18 – 24 Uhr
sche Luftbrücke ‚48-‘49 genutzt worden ten Fotografen und Assistenz am Super- Sa + So
14 – 24 Uhr
war; ich wollte nämlich das Werk einer studio Mailand ergänzen seine Anfänge. und nach Vereinbarung
brennpunkt 4/2014
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Galerien
Berlin Photography
Erik-Jan Ouwerkerk
Frank Silberbach
Silvia Sinha
Stephanie Steinkopf
© Frank Silberbach. Kynaststraße, 2014
© Erik-Jan Ouwerkerk. Kulturforum, 2008
(Original in Farbe)
Erik-Jan Ouwerkerk
»Short Stories«
Erik-Jan Ouwerkerk erzählt mit seiner
Fotografie kleine Skurrilitäten und
poetische Momente aus dem Alltag.
Er selbst schreibt dazu: »Wer mit
offenen Augen durch die Stadt geht und
ein bißchen Glück hat, kann manchmal
erleben wie sich das Alltagsgeschehen
verdichtet zu einem Moment, der aus
einem Theaterstück oder einem Film
entsprungen zu sein scheint. Fast per
Zufall entstehen kleine Geschichten, die
kurz auftauchen und genau so schnell
wieder verschwinden. Diese Bilder
zeigen einen anderen Blick auf die
Stadt, sie sind wie Fundstücke, worüber
man sich freuen kann und wozu man
sich seine eigene kleine Geschichte
ausdenken kann.«
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brennpunkt 4/2014
Frank Silberbach
»Berlin 140°«
Silvia Sinha
»Brandmauern«
Frank Silberbachs Leidenschaft ist die
Life- bzw. Straßenfotografie. Seit Ende
der neunziger Jahre richtet er sein
Augenmerk zunehmend auf simultanes
Geschehen. In dieser Zeit entdeckte
er die »Widelux«, eine sogenannte
Schwinglinsenkamera für Fotografien im
Panoramaformat. Sie ist für ihn seitdem
das optimale Werkzeug, szenische
Koinzidenzen festzuhalten, die nur
Bruchteile von Sekunden andauern.
Für seine Rubrik »Berliner Blicke«, die
von 2004 bis 2008 ihren festen Platz in
den Wochenendbeilagen der »Berliner
Zeitung« hatte, fotografierte er mit der
»Widelux« Berliner Alltagsszenen.
Das Konvolut dieser Fotos bildete den
Grundstock für sein Straßenfotografie
Projekt »BERLIN 140°«. Hier reihte er
seine Fotografien nicht chronologisch
aneinander, sondern der Abfolge der
Jahreszeiten entsprechend. Auf diese
Weise entstand mit der Zeit aus den
Bildern vieler kalendarischer Jahre
ein imaginäres Jahr. Als Bildband ist
»BERLIN 140°« im vergangenen Jahr in
der Edition Braus erschienen.
Brandmauern gehören zum Stadtbild
des alten wie des neuen Berlin. Sie
trennen Gebäude voneinander und
schützen vor übergreifendem Feuer.
Dass sie nicht nur architektonischen
und brandschutzorientierten Zielen
dienen, sondern auch ein »pittoreskes«
Eigenleben führen, zeigt Silvia Sinha
in ihrer neuen Serie »Brandmauern«.
Ihr Blick richtet sich dabei nicht nur
auf die Versehrtheit architektonischer
Geschichte; vielmehr spürt sie auf
abstrakte Weise den äußeren Anzeichen
des Wandels nach. Sie erforscht die
Spuren der Zeit an freistehenden oder im Zuge von Neubebauung - freigelegten
Brandwänden. Es ist nicht ihr Ziel, die
Architektur im alten, gegenwärtigen und
werdenden Berlin zu dokumentieren,
sondern die Eigenästhetik grafischmalerischer Erscheinungsbilder von
Brandmauern mit all ihren Störfaktoren
wie Verwitterung und Fremdeinwirkung
oder auch in Koexistenz mit Neuem zu
erfassen und festzuhalten. Entscheidend
bei ihrer Bildfindung ist dabei
die gleichberechtigte Erforschung
vorhandener architektonischer Formen
und grafischer Muster, die ihren Arbeiten
zusätzliche Ausdruckskraft verleihen.
Galerien
Diese Ausstellung findet statt im
Rahmen des »Europäischen Monats der
Fotografie Berlin«.
www.mdf-berlin.de
Folgende weitere Ausstellungen finden
in der Carpentier Galerie im Rahmen
des Projektes »Berlin Photography«
statt.
© Silvia Sinha, »Bundesallee«, 2013, (Original in Farbe)
Stephanie Steinkopf
»From Somewhere
and Now«
© Stephanie Steinkopf. Die betrogene Frau,
2012 (Original in Farbe)
Vernissage:
Carpentier Galerie
Meinekestraße 13
Di – Fr 16 – 18 Uhr
Stephanie Steinkopf hat Menschen aus
dem heutigen Berlin, deren Biographien einen Bezug zur Geschichte des
»Bötzowviertels« aufweisen, an verschiedenen Orten auf dem Gelände der
ehemaligen »Bötzowbrauerei« fotografisch inszeniert. Die Brauerei war Ende
des 19. Jahrhunderts die größte Privatbrauerei in Berlin. Die Großgrundbesitzerfamilie Bötzow ist Namensgeber für
das Viertel am Prenzlauer Berg. Seit der
Jahrhundertwende bis heute ist die Brauerei unterschiedlichst genutzt worden.
Einige Zeitzeugen wohnten noch lange
nach der Stilllegung Anfang der 90er
Jahre dort. Mit der zunehmenden Gentrifizierung jedoch wurden sie verdrängt
und zogen an den Stadtrand von Berlin.
Stephanie Steinkopf suchte die Zeitzeugen oder ihre Nachfahren auf. Mit ihren
Erzählungen ließen sie die Bötzowbrauerei und ihre Geschichte wieder lebendig werden. Die Brauerei ist seit 2010
im Besitz eines neuen Eigentümers und
mit der Sanierung und Instandsetzung
beginnt nun ein neues Kapitel in der
Berliner Geschichte zur »Bötzowbrauerei«.
Ausstellung 5
Vernissage: 21. November 2014
22. November 2014 - 19. Dezember
2014
Fotografen: Michele Caliari,
Oliver Scholten, Hans Martin Sewcz,
Marga van den Meydenberg
Ausstellung 6
Vernissage: 9. Januar 2015
10. Januar 2015 - 6. Februar 2015
Fotografen: Markus Lehr, Michael H.
Rohde, Jörg Schmiedekind,
York Wegerhoff
Ausstellung 7
Vernissage: 20. Februar 2015
21. Februar 2015 - 20. März 2015
Fotografen: Stefanie Bürkle,
Maximilian Meisse, Jörg Rubbert,
Henrik Vering
Ausstellung 8
Vernissage: 3. April 2015
4. April 2015 - 1. Mai 2015
Fotografen: Jürgen Bürgin,
Thomas Hillig, Frank Machalowski,
Florian Profitlich
BERLIN-PHOTOBOOK
1. Berliner Büchermarkt zur
Stadtfotografie
23. November 2014, 14 – 18 Uhr
Weitere Informationen unter:
www.berlin-photography.de
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Galerien
Berlin Photography
Michele Caliari
Marga van den
Meydenberg
Oliver S. Scholten
Hans Martin Sewcz
© Marga van den Meydenberg. Beer Cellar, 2012 (Original in Farbe)
Marga van den
Meydenberg
»Unstaged«
© Michele Caliari. Konrad, Platz der Republik,
2009, (Original in Farbe)
Michele Caliari
»Habitus«
.
Die Begriffe »Habitat« beziehungsweise
»Abito« bezeichnen auf italienisch
das Lebensumfeld oder das Verhalten
eines Menschen. Umgangssprachlich
bedeutet das Wort »Abito« aber auch
Kleid oder - vielleicht besser ausgedrückt
- Verkleidung. Michele Caliaris Arbeit
handelt von der Stadt als alltägliche
Maskerade, von den bewußten und
unbewußten Verkleidungen ihrer
Bewohner und Räume. Berlin, sagt
Michele Caliari, war schon immer eine
Stadt, die sich selbst inszenierte und in
ihren Bildern versucht, ihrer eigenen
Projektion gerecht zu werden.
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brennpunkt 4/2014
Oliver S. Scholten
»SPLASH«
Oliver S. Scholten schreibt zu seiner
Arbeit »SPLASH«: Strassenfotografie
Für Marga van den Meydenberg bietet ist seit den großen amerikanischen
gerade das alltägliche Leben Situationen, Vorbildern der 70er Jahre ein festes
die viel seltsamer und interessanter Genre auch in der deutschen Fotografie
sind, als alles, was man je planen und geworden. Diese Art der Fotografie ist
inszenieren könnte. Sie betrachtet naturgemäß im Dokumentarismus
die Straßen von Berlin als eine große v e r o r t e t .
Nicht
allzuviel
Bühne und die Menschen, die sich Weiterentwicklung dieses Genres ist mir
darin bewegen als Schauspieler, die die in den letzten Jahren untergekommen.
Stadtszenerie zu einem lebenden und Was lag also näher, als eine generelle
komplexen Gebilde zusammenfügen. Untersuchung zu starten, die bei der
Mit ihrer Kamera ist sie die aufmerksame Wortbedeutung anfängt. Die Straße an
Zuschauerin, die die ungewöhnlichen sich ist hier der Gehweg, auf dem sich
Zufälle und Absurditäten des Alltags Handlungen abspielen. Alltäglichkeit
festhält und »einfriert«.
eben. So habe ich genau diesen
Gehweg, das »Straßenpflaster«zum
Anlaß genommen, die kleinen und
mittleren Alltagskatastrophen unserer
Wohlstandsgesellschaft abzubilden. Es
zeigen sich eigene Choreographien und
Situationen, z.T. mit stillebenhaftem
Charakter, die eine Geschichte der
Möglichkeiten im Kopf des Betrachters
auslösen. Bilder als Katalysatoren von
Geschichten. Damit löst sich das nur :
»so ist es, so war es« auf. Das macht es
interessant. Fotografie bildet ab. Damit
© Oliver S. Scholten, »Splash Nr. 2«, 2011
war und ist das Ende lange nicht erreicht.
(Original in Farbe)
»SPLASH!«
Galerien
Folgende weitere Ausstellungen finden
in der Carpentier Galerie im Rahmen
des Projektes »Berlin Photography«
statt.
Ausstellung 6
Vernissage: 9. Januar 2015
10. Januar 2015 - 6. Februar 2015
Fotografen: Markus Lehr,
Michael H. Rohde,
Jörg Schmiedekind, York Wegerhoff
Ausstellung 7
Vernissage: 20. Februar 2015
21. Februar 2015 - 20. März 2015
Fotografen: Stefanie Bürkle,
Maximilian Meisse, Jörg Rubbert,
Henrik Vering
Ausstellung 8
Vernissage: 3. April 2015
4. April 2015 - 1. Mai 2015
Fotografen: Jürgen Bürgin,
Thomas Hillig, Frank Machalowski,
Florian Profitlich
Weitere Informationen unter:
www.berlin-photography.de
BERLIN-PHOTOBOOK
1. Berliner Büchermarkt zur
Stadtfotografie
23. November 2014, 14 – 18 Uhr
© Hans Martin Sewcz. Barbiedreamhouse - Berlin, Alexanderplatz, 2013 (Original in Farbe)
Vernissage:
21. November 2014, 19 Uhr
Hans Martin Sewcz
»Interventionen«
tifiziert sich emotional mit der Architektur und »porträtiert« sie als »Persönlichkeit«, deren Wesen und Psychologie er
versucht, in seiner fotografischen Arbeit 22. November bis 19. Dezember 2014
zu berücksichtigen. Mit den Fotografien
Hans Martin Sewcz fesseln seine Motive seiner Serie zur Stadtfotografie reflek- Carpentier Galerie
intuitiv. Er sagt von sich, dass er von tiert Hans Martin Sewcz den zeitlichen Meinekestraße 13
gegebenen Situationen »angespro- Wandel der Werte und die grundlegende 10719 Berlin-Wilmersdorf
chen« wird, die er dann spontan mit der Veränderung des öffentlichen Raumes
Kamera »festhält«. Seine Themen entwi- mit seiner Vereinnahmung durch Wer- Di – Fr 16 – 18 Uhr
ckeln sich mit der Auseinandersetzung bung, ideologische Botschaften oder und nach Vereinbarung
über eine lange »Lebenszeit«. Er iden- durch Funktional-Technisches.
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Galerien
insight � out
Die Sucht nach mehr Pixeln, der neuesten Technik - kein Garant für gute Fotografie.
Die Teilnehmer der Klasse 36 haben
gelernt, dieser Verlockung technisch
nicht immer nachzugeben.
Das Wissen, wie und wann welche
Technik eingesetzt wird, ist eine wichtige Voraussetzung.
Damit umzugehen hat sich die Klasse
36 zu eigen gemacht. Bilder nicht nur
von der perfekten Seite zu sehen, sondern den Inhalt herauszufiltern und zu
lesen, der unter Einsatz der entsprechenden Mittel erarbeitet wurde.
Persönliche Bilder, thematische Bildreihen und Einzelbilder entstanden, die
nicht dem nacheilen, was gerade aktuell ist. Dem würde man dann bereits
hinterherhinken.
Es sind Bilder, die jeweils etwas von den
einzelnen FotografInnen mitteilen: von
Erfahrungen, Gefühlen, Erlebnissen und
Erinnerungen, die gleichzeitig für den
Betrachter offen sind für eigene Interpretationen.
Der fotografische Stand der einzelnen Teilnehmer wird hier in den unterschiedlichsten Varianten und Themen
präsentiert.
© Melanie Schwochow
© Michael Schmidt
© Michael Schmidt
© Christine Holk, (O.i.F.)
© Christine Holk, (O.i.F.)
Wie antwortete Helmut Newton auf die
Bemerkung eines Kochs:
»Ihre Fotos gefallen mir, Sie haben
bestimmt eine gute Kamera!«
Helmut Newton (nach dem Essen):
»Das Essen war vorzüglich – sie haben
bestimmt gute Töpfe!«
Ursula Kelm
künstlerische Leitung
Vernissage:
21. November 2014, 19 Uhr
imago fotokunst
Linienstraße 145
10115 Berlin-Mitte
Di – Fr
Sa
50
12 – 19 Uhr
14 – 18 Uhr
brennpunkt 4/2014
© Ariane Höhne
Galerien
© Sara Walker
© Sara Walker
© Jeannine Jirak
© Sara Walker
© Jeannine Jirak, (O.i.F.)
brennpunkt 4/2014
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Galerien
Bruno Schulz
Mariusz Kubielas
»In Transitu«
Fotozyklus von Mariusz Kubielas
Die Fotogalerie Friedrichshain
präsentiert im Rahmen des 6. MdF den
Fotozyklus Bruno Schulz – Mariusz
Kubielas – »In Transitu« des polnischen
Fotografen Mariusz Kubielas, geboren
1953 in Zywiec, Polen.
Das einzigartige kreative Experiment
von Mariusz Kubielas, inspiriert vom
literarischen und bildkünstlerischen
Werk des polnisch-jüdischen Künstlers
Bruno Schulz, wurde 2004 ins Leben
gerufen. Zusammen mit einer Gruppe
von Models und Schauspieler/innen
begann Kubielas, Schulz‘ Werk mittels
Performance und Pantomime zu inszenieren. Die theatralischen und surrealistischen Momente wurden anschließend
fotografisch eingefangen.
Die Bilder halten einerseits Visionen der
heute nicht mehr als solche existierenden
polnisch-jüdischen Realität der Stadt
Drohobytsch (heute der Westukraine
zugehörig) fest, andererseits spiegeln
sie Emotionen und gruppendynamische
Prozesse wider, die sich während des
mehrtägigen Herstellungsprozesses
ergeben haben. Die eindringlichen
Schwarzweißaufnahmen wurden ohne
Anwendung digitaler Bildbearbeitung
realisiert.
Dieses transmediale Fotoprojekt –
ergänzt durch Auszüge aus Schulz‘
Prosa und metaphorische Titel – erinnert thematisch an eine vergessene
osteuropäische Kultur zwischen den
Kriegen und regt die Intensivierung des
internationalen und generationsüberg
reifenden Diskurses über die Vergangenheit und Zukunft des multikulturellen und multikonfessionellen Erbes des
Alten Kontinents an.
Die besondere Magie der Fotografien
wird u. a. durch den »Effekt der Einladung ins Bild« erzeugt. Das große
Format der Abzüge sowie die Fotofolge, realisiert in der alten Synagoge
in Drohobytsch von Jirij Gaschtschak,
verstärkt den Eindruck, man würde sich
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brennpunkt 4/2014
© Bruno Schulz/Mariusz Kubielas, »Kabinett der historischen Fototechniken«
selbst innerhalb der poetisch evozierten
Räume befinden.
Für die Kenner noch beeindruckender
ist sicherlich das »Kabinett der
historischen Fototechniken«, welches
ca. 20 Aufnahmen umfasst. Wie kaum
einem zeitgenössischen Fotografen ist
es Kubielas gelungen, sieben im 19.
Jahrhundert verwendete Techniken
und deren Varianten zu rekonstruieren
und damit Effekte von genauester
Wiedergabe der Wirklichkeit sowie
schärfster Licht-Schatten-Kontraste zu
erreichen.
Mariusz Kubielas begann sein Abenteuer
mit Lichtbildern lange bevor er sein
Studium an der Hochschule für Fotografie in Jelenia Góra (Hirschberg)
© Bruno Schulz/Mariusz Kubielas, »Snored and Slep«
sowie an der Künstlerischen Fakultät
der Universität Zielona Góra (Grünberg) absolvierte. Seit 2004 ist er Mitglied einer Gruppe von Liebhabern alter
Fototechniken und widmet sich deren
Galerien
© Bruno Schulz/Mariusz Kubielas, »Woman punishing«
Fantasy gefeiert. Die neueste deutsche
Übersetzung seiner Erzählungen »Das
Sanatorium zur Sanduhr« und »Die
Zimtläden« von Doreen Daume wurde
mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet.
Die Ausstellungspremiere des »Kabinetts historischer Techniken« von Mariusz Kubielas in der Berliner Fotogalerie
Friedrichshain gehört zweifelsohne zu
einer der größtenAttraktionen des Monats
der Fotografie 2014 sowie des Berliner
Kunst- und Kulturfestivals »Kunstkreuz«.
Die vorangegangene Ausstellungsreihe
»Bei Schulz« wurde mit großem Erfolg
2013/14 in Wrocław (Breslau) im Niederschlesischsen Zentrum für Fotografie,
in der Synagoge Zum Weißen Storch,
in der Galerie Mitte Dresden sowie im
Rahmen des Festivals Kulturbrücke in
Lvov (Lemberg) und des Bruno-SchulzFestivals in Drohobytsch vorgestellt. In
Kürze wird sie auch in Belgrad, Brüssel,
Helsinki, Bratyslava und Prag präsentiert.
Diese magische Ausstellung, die
Grenzen zwischen Raum und Zeit
vergessen lässt, wird von einem polnisch-englischen Fotoband mit Kommentaren begleitet, wodurch die komplexen historischen Kontexte verständlicher und die unvergesslichen Eindrücke
vertieft werden.
Christine Balbach / Lidia Głuchowska
Kuratorin: Dr. Lidia Głuchowska
Begleitpublikation:
Bruno Schulz-Klisza WerkTransgressiones, Hg. Lidia Głuchowska,
Wrocław: OKIS: Zentrum für Kulturund Kunst (Osrodek Kultury i Sztuki
we Wrocławiu), 2013 (in Englisch und
Polnisch)
Vernissage:
© Bruno Schulz/Mariusz Kubielas, »Magic«
Wiederbelebung. Weiter wirkt er im besonderes Interesse gilt dem visuellen
internationalen Kontext als Leiter und und prosaischen Werk des galizischen Fotogalerie Friedrichshain
Mitarbeiter bei etlichen Fotowerkstät- Wort- und Bildkünstlers Bruno Schulz, Helsingforser Platz 1
ten, hält Vorträge und verfasst Fachtexte der, bevor er von den Nazi-Besatzern 10243 Berlin-Friedrichshain
zur Fotografie.
ermordet wurde, ein originelles Idiom
In seiner Praxis befasst er sich häufig des Surrealismus und Expressionismus Di, Mi, Fr, Sa 14 – 18 Uhr
mit Themen aus dem Grenzbereich der geschaffen hat. Heute wird er Do
10 – 18 Uhr
bildenden Kunst und der Literatur. Sein grenzübergreifend als Vorläufer von www.kulturring.org/kunstkreuz/
brennpunkt 4/2014
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Galerien
Barbera Töpper-Fennel
Tobias Raffel
Uli Schaub
»Babel«
»BABEL« – Sprachverwirrung, Kommu-
© Uli Schaub
nikationsverlust, aneinander vorbeireden.
Globale Bewegung erzeugt Aufeinandertreffen kultureller, sozialer und ökonomischer Unterschiede, wo werden sie
als Fortschritt verstanden, wo enden sie
im Missverstehen?
Kann eine gemeinsame Sprache gefunden werden ohne die Vielfalt zu zerstören?
Der Beantwortung dieser Fragen nähern
sich die drei Fotografen/innen in sehr
unterschiedlichen Ansatzweisen.
In der Serie von Barbera Töpper-Fennel
stellen sich in Berlin lebende Jugendliche vor Kamera und Mikrofon so dar,
wie sie sich sehen bzw. gern gesehen
werden wollen.Ihre kulturellen und
nationalen Wurzeln sind vielfältig. Sie
sprechen über Erwartungen, Erfahrungen, Befürchtungen und Träume. Fast
alle verbindet eine hohe Erwartung an
einen selbstbestimmten Lebensweg,
geschürt durch die von einer globalen
Stadt wie Berlin gebotenen vielfältigen
Angebote. Dem stehen Ängste gegenüber, den vermuteten globalen Standards
nicht zu genügen oder angesichts eines
allzu breiten Angebots keine tragfähigen Entscheidungen treffen zu können.
Am Wahltag haben die Bürger das Wort.
Damit ihre Stimme unverfälscht gehört
wird, beobachten internationale Wahlbeobachter die Stimmabgabe vor Ort.
Seit fünf Jahren fotografiert Tobias Raffel,
selbst Wahlbeobachter, die Geschehnisse rund um das Wahllokal. Seine
Serie umfasst Bilder aus Staaten, die am
südlichen und östlichen Rand Europas
liegen. Zu Europa gehören oder nicht –
diese Frage steht oft im Mittelpunkt der
politischen Auseinandersetzung. Wer
seine Stimme für Europa abgibt, hofft auf
mehr Wohlstand, Demokratie, Rechtsstaatlichkeit und Menschenrechte.
54
brennpunkt 4/2014
© Barbera Töpper-Fennel
Mit seiner Jodel-Installation »Hau Dri
Lei Ho«, bestehend aus Porträtaufnahmen und Klangbeispielen, zeigt der
Fotograf Uli Schaub dem Ausstellungsbesucher, dass jodeln weit mehr als
Musikantenstadl ist. Es war und ist eine
Form der Kommunikation, u.a. um sich
über große Distanzen zu verständigen,
um mit Tieren und Göttern zu kommunizieren oder um seinen Gefühlen Ausdruck zu verleihen. Gejodelt wird in vielen Regionen weltweit und der Berliner
Chor »urban yodeling« bringt diesen
textlosen Gesang in die Großstadt.
© Tobias Raffel, (Original in Farbe)
© Barbera Töpper-Fennel, (O.i.F.)
imago fotokunst
Linienstraße 145
10115 Berlin-Mitte
Vernissage:
Di – Fr
Sa
12 – 19 Uhr
14 – 18 Uhr
Galerien
ARWED MESSMER REENACTMENT MFS
Spurensuche – ein künstlerischer Blick
auf die visuelle Hinterlassenschaft des
Geheimdienstes der DDR
In den Akten des Ministeriums der
Staatssicherheit der DDR MfS finden
sich unzählige Fotodokumente über
gescheiterte Fluchtversuche an der
Mauer. Arwed Messmer (*1964) trug
für seine Bildcollage Fotos und fotografierte Asservate aus der Stasiunterlagenbehörde BStU zusammen. Es entstand eine eindrucksvolle, komplexe
Collage aus gefundenen, bearbeiteten
oder neu kontextualisierten Bilddokumenten und eigenen Fotografien. Eine
Arbeitsmethode, die der Fotokritiker
Gerry Badger »eine künstlerische Neubewertung von Geschichte« nannte.
25 Jahre nach dem Fall der Mauer thematisiert Reenactment MfS einen wichtigen Aspekt der jüngeren deutschen
Geschichte neu, in alternativer Position zur zeithistorischen Betrachtung
und Verwendung von Fotografie. Mit
»dokumentarischer Empathie«, wie
Florian Ebner formulierte, stellt Messmer die Frage nach der Authentizität des
dokumentarischen Bilds, das nie ganz
frei von Inszenierung sein kann.
© Arwed Messmer, unter Verwendung von Asservatenfotos der Signatur BStU MfS AU 5977/84
© Arwed Messmer, Revisited Places #15 Normannenstrasse, Ruheraum des Ministers, 2014, (O.i.F.)
Eröffnung
Sonntag, 19. Oktober 2014, 17 Uhr
HAUS am KLEISTPARK
Grunewaldstraße 6-7
10823 Berlin-Schöneberg
Di – So
10 – 19 Uhr
© Arwed Messmer, Revisited Places #7,
Alexandrinenstrase, 2014, (O.i.F.)
© Arwed Messmer, unter Verwendung von
Fotoabzügen mit den Signaturen BStU MfS AIM 281
brennpunkt 4/2014
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Galerien
From one place to
another...
Anke Schüttler, Anna Meschiari,
Claire Laude, Dagmar Kolatschny,
Dido Baxevanidis, Elena Capra,
George Papacharalambus, Ina
Schoenenburg, Isabel Kiesewetter,
© Elena Capra, (O.i.F.)
© Anke Schüttler, (O.i.F.)
Ulrike Schmitz, Yann Tostain
Von einem City-Light-Plakat schaut ein
junges Mädchen ins Dunkel der Nacht.
Kein Model... Auf der Werbetafel ist statt
eines Mittelklassewagens eine Gruppe
von Roma zu sehen. Yann Tostain zeigt in
seiner Fotoarbeit in Absentia die prekäre
Lebenssituation der Roma ganz anders,
als es uns aus Magazinreportagen
bekannt ist. Er platziert seine Bilder dort,
wo sie am wenigsten erwartet werden:
auf den Werbeflächen europäischer
Großstädte. Ein provokanter Kommentar
in Zeiten der Angst vor Armutszuwanderung. Seine Arbeit ist eine von 11 Positionen des Kollektivs exp12, die sich in
der Gruppenausstellung from one place
to another... auf differenzierte Weise mit
dem Aufbrechen und Ankommen im
sich im Umbruch befindenden Europa
befassen. Ob wandlungsbedingte
Menschenströme, die Angst vor Fremden oder dem Fremdsein: Gemeinsam
nehmen die Fotografinnen und Fotografen, die selbst unterschiedlicher
europäischer Herkunft sind, das aktuelle Europa in den Blick und nähern sich
ihren Themen in sehr persönlichen Bildern.
© Anna Meschiari, (O.i.F.)
© Ulrike Schmitz, (O.i.F.)
© Ina Schoenenburg, (O.i.F.)
© Claire Laude, (O.i.F.)
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brennpunkt 4/2014
Galerien
© Dido Baxevanidis, (O.i.F.)
© Isabel Kiesewetter, (O.i.F.)
© Dagmar Kolatschny
© Yann Tostain, (O.i.F.)
© George Papacharalambus, (O.i.F.)
Vernissage:
18. Oktober 2014 um 19 Uhr
exp12 / exposure twelve
Greifswalder Straße 217
10405 Berlin-Prenzlauer Berg
Sa
16 – 20 Uhr
So
14 – 18 Uhr
www.exp12.com
brennpunkt 4/2014
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Galerien
»OSTKREUZ
CROSSROADS«
– People of(f)
FhainXberg
The Districts History of Tomorrow
Das nächste Kapitel im photographischen Berlin-Zyklus von Günther Schaefer ist mit den jetzt vorliegenden Arbeiten aufgeschlagen. Nach der 25-jährigen Langzeitbeobachtung der Metropole unter dem Titel »Berlin - Bilder
aus zwei Jahrtausenden«, erfolgt nunmehr unter dem Projektnamen »OSTKREUZ CROSSROADS« – People Of(f)
FhainXberg ein weiterer konsequenter
photo-graphischer Abschnitt, begleitet
von einem neuen Expositionskonzept.
In der zurückliegenden 25-jährigen
Schaffensperiode widmete sich Günther Schaefers Schwarzweiß-Photographie überwiegend der so genannten
Wende- und Nachwendezeit, den Menschen der Stadt und den Spuren, die sie
hinterließen sowie den Kuriositäten und
Phänomenen, die der Melting Pot Berlin
produzierte.
2014, im fünfundzwanzigsten Jubiläumsjahr des Berliner Mauerfalls, erfolgen nun die Erstpräsentationen des
neuen photographischen Konzepts, das
sich hauptsächlich der »Next Generation« dieser Metropole widmet. Künstler aller Genres stehen stellvertretend für
die diversen Kunstszenen dieser Stadt
aus dem Kreativ-Dreieck Friedrichshain, Kreuzberg und Neukölln Modell.
Diese neue Avantgarde Kunstschaffender verlangt photographisch geradezu
nach Farbe. Um diesem Aspekt gerecht
zu werden, schloss Günther Schaefer als
leidenschaftlicher Schwarzweiß-Photograph nach mehr als zwei Jahrzehnten wieder »Frieden« mit dem Medium
Farbe.
Ein weiterer inhaltlich wichtiger
Bestandteil des neuen Konzepts von
Günther Schaefer behandelt die
zunehmende Gentrifizierung, die
unübersehbar auch von diesen Stadtteilen
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brennpunkt 4/2014
© Günther Schaefer, »Kathy Kreuzberg«, 2014, (O.i.F.)
© Günther Schaefer, »Mathieu Sylvestre«, 2014, (O.i.F.)
© Günther Schaefer, »Melodie Duchesne«, 2014, (O.i.F.)
Besitz ergreift. Die Beispiele der
Nachwendezeit in den 90iger Jahren im
Bezirk Mitte sowie in den 2000er Jahren
im Prenzlauer Berg mögen als Exempel
dienen wie die rapide Gentrifizierung
junger Kreativschaffende, die das Flair
und das Straßenbild dieser Bezirke
maßgeblich geprägt haben vom »TurboKapitalismus« gesellschaftlich an den © Günther Schaefer, »Melodie Duchesne«, 2014, (O.i.F.)
Rand gedrückt und letztendlich, einer
existenziellen Problematik folgend, tionaler Gäste, die auch unter diesen
aus diesen Bezirken verdrängt wurden. Aspekten Berlin erkunden, sich inspirieSeit geraumer Zeit lässt sich diese ren lassen und das Erlebte global verbreiEntwicklung tendenziell auch in den ten. Günther Schaefer: »Diese aktuelle
erwähnten drei Stadtteilen erkennen.
Form von »Streetart« wird ebenso der
fortschreitenden Gentrifizierung zum
Die photographischen Kulissen Gün- Opfer fallen wie es zuvor an anderen
ther Schaefers im öffentlichen Raum Stellen geschah. Ergo, behandelt mein
wurden nachdrücklich von der Gene- neues photographisches Thema bereits
ration, die seit dem Mauerfall heran- heute einen gewichtigen Teil der Kunstwuchs, künstlerisch gestaltet und sind geschichte Berlins von morgen. Die
ein fester Bestandteil der heutigen Iden- Locations, ein faszinierendes Kaleidostität dieser Bezirke - ebenso in der Wahr- kop aus Trash, Edel-Trash, Graffiti, mornehmung eines Besucherstroms interna- bider Architektur, letzten Rudimenten
Galerien
© Günther Schaefer, »Anna Aliena«, 2014, (O.i.F.)
© Günther Schaefer, »Suzanne Audibert«, 2014, (O.i.F.)
© Günther Schaefer, »Selbstportrait«, 2014, (O.i.F.)
© Günther Schaefer, »Mark Grotjahn«, 2014
einer DDR-Vergangenheit und schrill,
attraktiven Individualisten werden auch
hier schon sehr bald der Vergangenheit angehören. Alles wird glatt, sauber
aufgeräumt und für den jungen Kreativen kaum noch bezahlbar sein. All
dies wird einhergehen mit dem Verlust
eines extraordinären Zaubers, den diese
Stadtteile bei Tag und vor allem während eines pulsierenden Nachtlebens
verströmen.«
sowie ein oder mehrere Special-Events
gehören bei Schaefer zukünftig zum
Programmstandard. Der Grundgedanke
sei nicht nur die Präsentation möglichst
vieler Kreativgenres, sondern deren
Verschmelzung. Literatur, Film, Musik
und Performance-Art nehmen dabei
einen breiten Raum ein und zeugen
in Live-Darbietungen vom kreativen
Spektrum der Kulturmetropole Berlin.
Überwiegend kommen bei diesen
Events Künstler zum Zuge, die auch als
Modell in den Ausstellungsexponaten
vertreten sind und im Porträt vorgestellt
werden. Im weiteren Sinne verschaffe
dies jeder Exposition eine spezifische
Form von »Dreidimensionalität«: das
Photo werde sozusagen mittels LiveAct und Publikumsdialog »hör- und
erlebbar« - im Gegensatz zum aktuellen
»Digitalen-3D-Hype« dieser Tage in
einer natürlichen Fasslichkeit für die
Besucher.
Günther Schaefer: »Ein weiterer Anker
im Konzept der »Dynamischen Ausstellung« ist die kontinuierliche Ergänzung der jeweils laufenden Exposition mit aktuellem brandfrischen Photomaterial; das heißt, keine Präsentation endet mit der gleichen Bild-Dramaturgie wie sie während der Vernissage anfänglich zu sehen war. Von
Event zu Event wird die Ausstellung
mit Werken aus jeweils neuesten PhotoSessions stammend, ergänzt und modi-
Nach Schaefers Ausstellungskonzept
entstehen zum Zweiten Aufnahmen im
Studio; Bilder, die die Persönlichkeit des
Modells pur und in klassisch photographischer Technik würdigen und zum
Ausdruck bringen. Stetiges Ziel dieser
Sessions sei die Realisation und handwerkliche Umsetzung gemeinsam entwickelter Ideen - Impulse, die die ureigene Handschrift des Photographen
und das Kreativpotential des jeweiligen Modells als Ergebnis des gemeinsamen Schaffensprozesses in einer photographischen Synthese vereinen.
Konzeptionell werde auch in künftigen
Präsentationen diesen Aspekten in Form
von »Dynamischen Ausstellungen«
Rechnung getragen. Die kommenden
Expositionen sehen stets mehrere
Events vor, die über eine pure
Präsentation von Photographie
hinausgehen: Vernissage, Finissage
fiziert. Bei allen beteiligten Akteuren
und Rezipienten wird somit ein zusätzliches Spannungsmoment erzeugt und
visuelle Abnutzungserscheinungen seitens des Publikums können vermieden werden. Diese Multi-Media-Events
werden darüber hinaus kontinuierlich
mit Slide-Shows und Filmdokumenten
zu meinem Werk und seinem kreativen
Umfeld begleitet. Berlin, seit Generationen eine stetige Inspiration und unerschöpfliches Elixier für alle Sinne. Denkend sehen – sehend denken«.
Günther Schaefer Juni 2014
(Lektorat: C. Balbach)
VERNISSAGE:
Donnerstag 20. November 2014,
19 Uhr
Laudatio: Dr. Carola Muysers /
Kunsthistorikerin
Eröffnung der Exposition:
Christine Balbach
Live Music: Kathy Kreuzberg
(Chanson) + DJ: Andre Pahl
ARTIST TALK:
Freitag 5. Dezember 2014, 19 Uhr
Talk: Dr. Carola Muysers im Gespräch
mit Günther Schaefer
Live Music: Phil Cooksey (Piano)
Photo-Slide-Show by Günther Schaefer
LITERATUR:
Donnerstag 18. Dezember 2014, 19 Uhr
Lesung: Katharina E. Schumann,
Anna Kittel, Laura Stresing &
Cris Olano.
Live Music: Anna Aliena
FINISSAGE:
Freitag 9. Januar 2015, 19 Uhr
Live Music: Mathieu Sylvestre (Guitar)
DJ: Andre Pahl + Photo-Slide-Show
by Günther Schaefer
Film-Dokumentation:
Frédéric Krauke / Günther Schaefer
20. November 2014 bis 9. Januar 2015
Fotogalerie Friedrichshain
Helsingforser Platz 1
Di – Sa
14 – 18 Uhr
Do
10 – 18 Uhr
http://www.artinfusionfactory.blogspot.de/
brennpunkt 4/2014
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Galerien
MfG – Movement for
Galleries
ROAD TO EUROPE
Am Potsdamer Platz reichen die Spuren
der Geschichte bis in die Gegenwart
hinein. Anfang des 20. Jahrhunderts
wurde er zum Symbol für das großstädtische Leben und Treffpunkt aller Nationalitäten, nach dem Zweiten Weltkrieg
zum Schauplatz deutscher und europäischer Weltpolitik. Heute ist er wieder
ein Kreuzungspunkt im Zentrum der
Stadt, von dem aus die Straßen in alle
Himmelsrichtungen führen.
Die Fotoausstellung »Road to Europe«
zeigt Innen- und Außenansichten von
einem Europa, das sowohl als geografischer Kontinent wie auch als politischer und wirtschaftlicher Staatenbund
verstanden werden kann.
Die Straße ist die Metapher für die ständig fortschreitenden gesellschaftlichen
und sozialen Entwicklungsprozesse und
der Ausgangspunkt für die verschiedenen Perspektiven, welche die teilnehmenden Fotografen mit ihren Bilderwelten einnehmen. Gezeigt werden Arbeiten von Eva Brunner, Michele Caliari,
Marion Elias, Jeroen Goulooze, Christine Kisorsy, Susanne Leibold, Stephanie Neumann, Nicole Woischwill.
© Christine Kisorsy »A propos de Nice«
© Jeroen Goulooze, »Standing outside –
Looking in«, (O.i.F.)
© Eva Brunner »Alphaville«
© Michele Caliari »Chlopaki / Jungs«, (O.i.F.)
© Marion Elias »Faces of Poverty«, (O.i.F.)
© Susanne Leibold »Ampeln für Drohnen«, (O.i.F.)
»Road to Europe« ist ein Projekt von
MfG - Movement for Galleries Berlin,
Künstlerische Leitung: Christine
Kisorsy. Mit der Ausstellung werden die
historischen Schaukästen im S-Bahnhof
Potsdamer Platz im Rahmen des 6.
Europäischen Monats der Fotografie
erstmals wieder bespielt.
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brennpunkt 4/2014
© Nicole Woischwill »Jetztzeitmonologe«,
(O.i.F.)
17.Oktober bis 16. November 2014
© Stephanie Neumann »Wenn ich irgendwo hinkomme, bin ich Berlinerin«, (O.i.F.)
S-Bahnhof Potsdamer Platz,
Gleis 13/14
10785 Berlin-Mitte
S-Bahn (Mo. – Fr. 4.30 Uhr – 1.30 Uhr
Sa + So durchgehend
www.berlin-mfg.de
www.mdf-berlin.de
Galerien
Norman Behrend
»Burning down the
house«
Der Fotokünstler zeigt Auszüge aus
einer mehrjährigen Reportage über die
Graphity-Szene in Berlin. Am Abend der
Ausstellung kann auch das gleichnamige
Buch erworben werden, welches im
Verlag Seltmann+Söhne erschienen ist.
© Norman Behrend, (O.i.F.)
Vernissage:
6. Dezember 2014, 19 Uhr
6. Dezember 2014 bis Mitte Januar 2015
Galerie ALLES MÖGLICHE
Odenwaldstraße 21
12161 Berlin-Friedenau
täglich ab 10 Uhr
Terminvereinbarung unter
0173 342 80 83 ist zu empfehlen.
www.allesmoegliche.com
brennpunkt 4/2014
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Galeriebericht
Milch und Honig
Menschen, die ihrer Freiheit beraubt
sind, hat Peter Granser im ländlichen
Frankreich besucht, in einer psychiatrischen Klinik, früher sagte man Irrenhaus
dazu. Er will uns »ein Fenster öffnen in
Ist es die Muttermilch, mit der sich eine unbekannte und damit gefürchtete
Hedwig Hoppe bekleckertund die ihr Welt«. Bei den Porträts führt er sichtbar
ausdem Mund rinnt wie Speichel?»Alles Regie, sonst überlässt er es seinen Persoim Eimer, alles vorbei« nennt sie sarkas- nen, wieweit sie sich outen wollen. Die
tisch ihre sieben großen Selbstporträtsin respektvolle Distanz spricht für den Fotoder OCA Gallery Berlin an der Potsda- grafen. Sie überträgt sich allerdings auf
mer Brücke. Die Brustprothese verweist den Betrachter und erschwert die Anteilauf den ollen Griechen Phidias und die nahme. Selbstlos ist Gransers Tun nicht. © Andreas Krufczik
Pferdemilch, die solcherart amputierte Die Robert Morat Galerie bietet die
Amazonen der Sage nach ihren Kindern Inkjetprints für satte zwei- bis sechstau- der polnischen Seele näher zu kommen
ersatzweise zu schlürfen gaben. In ihrer send Euro an. Dazu gibt es einen üppi- mit seiner Abschlussarbeit bei Ostkreuz.
Fotoarbeit »over& out« hält Hoppe eine gen Bildband, der von der Stiftung Buch- Seine farbigen Impressionen mit dem
Pappe mit Loch vor ihren Körper und the- kunst gerade zu einem der »schönsten Titel »Kreuzweg« von der Wallfahrt nach
matisiert damit die »Übergriffigkeiten«, deutschen Bücher 2014« gekürt wurde. Tschenstochau wirken unentschieden, er
misstraut offenbar dem frommen Antrieb
wie sie es selbst nennt, in ihrer Jugend. Bisschen makaber, oder?
der
Teilnehmer, findet fotografisch
Sowas tut weh, aber nicht nur mensch(noch)
keine Form für den Widerstreit
lich, weil man ein Kalkül vermutet, wie
der
Gefühle
in unserer säkularen Welt.
bei Charlotte Roche. Hoppe liegt damit
Da
ist
ihm
die
rumänische Fotografin
allerdings im Trend, wie die »Selfies« der
Loredana
Nemes
über,die im Rahmen
Teenies im Internet. Dennoch: Mit einer
eines
»Dekalogs
zur
Reformation« in
seriösen Zielsetzung kann die Selbstentder
Guardini-Galerie
Menschen in
blößung Sinn machen.Das PhotoWerk
ihrer
Geburtsstadt
Sibiu
aufgenommen
Berlin zeigt in der Kommunalen Galerie
hat zum Thema »Du sollst den Feiertag
Wilmersdorf die beklemmenden Bilder
heiligen«. Ihre eindringlichen Porträts
von sechs FotografInnen aus dem Staund
Szenen erinnern an Cristina Garcia
siknast Hohenschönhausen. Den stärksRodero
und Sebastiao Salgado. Dabei
ten Eindruck hinterlassen die der Perforspielt
immer
das Handwerkliche eine
mance-Künstlerin Tanya Ury, die sich © Peter Granser
Rolle,
die
solide
Bildgestaltung, auch
jeweils im selben schmucklosen Raum
Diesmal
hat
sich
auch
die
Galerie
im
Schnappschuss.
zeitgleich als Täterin (in Amtskleidung)
und als Opfer (nackt und schutzlos) »exp 12«, die sonst auf abgehobene Bei den strengen Architektur-Details
inszeniert. Eine positive Provokation, Fotokunst steht, einem sentimentalen von Jens Knigge, bis 8. November bei
die sich einprägt. Zur Finissage am 12. Thema gewidmet, vielleicht schon im Johanna Breede, dominieren Form und
Oktober um 12 Uhr bietet Lisa Jung- Hinblick auf den Monat der Fotografie, Material die Bildaussage. Die kostbaren
nämlich dem Trauma deutscher Soldaten »Platinum Prints« auf selbstbeschichtehanß eine Performance.
nach dem Einsatz in Afghanistan. tem Archespapier geben die Struktur der
»Flashback« nennt Ina Schoenenburg Baustoffe wunderbar plastisch wider,
ihre einfühlsame Reportage. Sie will in feinst abgestimmten Grautönen. Bei
uns zeigen, wie sehr Kriegserlebnisse Knigge wird Beton richtig schön.Vor 2
Menschen verändern können. Für den Jahren waren bei Johanna Breede seine
Psychologen ist das eine PTBS, eine Edeldrucke von der Abtei Le Thoronet
posttraumatische Belastungsstörung. aus dem 12. Jahrhundert zu sehen, die
Wieweit der Betrachter heute den Le Corbusier zu seinem Alterswerk La
Nachhall des Schreckens in den Tourette inspiriert hat. Diesmal ist die
Gesichtern der Veteranen wiederfinden Spannweite größer, von Rudolf Steiners
kann, hängt sicher von seinen jeweiligen Schweizer Goetheanum bis nach Berlin,
Erfahrungen ab. Seit jeher versuchen mit dem Schwung der »Schwangeren
Fotografen, geistige Vorgänge zu Auster«, dem Stelenfeld zum Holocaust
visualisieren. Emotionen zeigen wir ja und den Kriegsspuren auf den Säulen
auch optisch. Sie sind vielleicht besonders des Alten Museums. Das ist lebendige
deutlich bei religiösen Anlässen. Im Geschichte, mit historischen Mitteln.
neuen Projektraum für Fotografie»world Der Autor scheut sich nicht, auch mal
© Hedwig Hoppe
in a room« versuchte Andreas Krufczik zertretenen Plastikmüll am Saum des
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brennpunkt 4/2014
Galeriebericht
© Walker Evans
Marathonlaufs in hochaufgelösten Panoramen zu veredeln.
Bei den großen Retrospektiven, so
verdienstvoll sie sind, hängen die
stolzen Kuratoren oft auch Bilder, die
der Autor vermutlich nie freigegeben
hätte. So schien es mir schon in der
Akademie der Künste bei Gisèle Freund,
der wir so schöne Porträts der kulturellen
Prominenz des letzten Jahrhunderts
verdanken. Und nun bei Walker Evans,
noch bis 9. November im MartinGropius-Bau. Weniger wäre mehr.
Wogegen seine Arbeit über die Große
Depression ab 1935 im Auftrag der
Farm Security Administration in dieser
Ausstellung deutlich unterrepräsentiert
ist. Die ausgelegten Bücher, die
in den Vitrinen nicht zugänglich
sind, enthalten sicher viel mehr
Material. Text der Veranstalter: »Evans
vereinte den ungeschönten Blick des
Fotojournalisten mit einem subjektiven
künstlerischen Bewusstsein«. Ja, das hat
er versucht. Und es ist ihm nicht immer
gelungen. Viele seiner Bilder kommen
über das Dokument nicht hinaus.
»Richtungsweisend« sollen seine späten
Polaroids gewesen sein. Sie wurden
uns aus konservatorischen Gründen
vorenthalten. Eigentlich war Farbe nicht
sein Ding. »Ich bin ein grauer Mann«
sagte er gern, und das MoMA stellte
ihn als ersten Fotografen überhaupt aus.
Der Berliner Michael Schmidt »Grau
ist meine Farbe« folgte ihm später ins
MoMA, als erster Deutscher mit einer
Einzelausstellung. Das Grau in der
© Katja Gragert
Fotografie als Kunstkriterium? In Berlin an an ihre »ArtificialLandscapes« aus
war Evans übrigens schon 2006 zu ihrer Heimat Brandenburg, die am
sehen, bei argusfotokunst, mit schönen selben Ort, nämlich in der Fotogalerie
Menschenbildern aus Alabama und von Potsdam im Treffpunkt Freizeit 2012
der viktorianischen Architektur, die der zu sehen waren. Sie geht aus von der
Autodidakt ab 1930 als Anfänger mit Erkenntnis, dass die Landschaft ihre
einer Großbildkamera brillant ins Bild Menschen formt. Aber sie interessiert
setzte. Einen anderen Blick auf Amerika sich für die Umkehrung, für das, was
finden wir bei Joel Meyerowitz, der die der Mensch aus der Landschaft macht.
Streetphotogaphyin den Sechzigern Das ist oft schrecklich. Und doch erfährt
um die Farbe bereichert hat und bis das Land in der konsequenten grafisch11. Oktober in der Galerie Springer geometrischen Gestaltung im immer
in der Fasanenstraße zu besichtigen gleichen quadratischen Rahmen eine
ist, auch mal mit dem sonst verpönten andere ästhetische Dimension, auf
Blitz. Um bei Amerika zu bleiben: Die einer geistigen Ebene, die von einer
Potsdamer Fotografin Katja Gragert Postkarte undenkbar weit entfernt ist.
ist für »Milk and Honey« durch den Mein Problem dabei ist, dass ich mir
Südwesten der USA gestreift, durch die Fotografie wie jede Kunst nah am
das Land, in dem Milch und Honig Menschen wünsche, auf Tuchfühlung.
fließen, und hat höchst skurrile Motive Eine Tugend, die einst ganz besonders an
gefunden, ausgediente Flugkörper, der Leipziger Hochschule für Grafik und
ein Ufo, Zypressen, die wie Raketen Buchkunst gepflegt wurde, die gerade
in den leeren Himmel ragen, räudige ihr 250-jähriges (!) Jubiläum feiert.In
Palmwedel über weißgrauen Stränden, den weiten, lichterfüllten Räumen der
alles wie überbelichtet, ertrunken in »Vertretung des Freistaates Sachsen«
der Helle, die wenigen Menschen wie in Mitte hingen die »analytischen
Spielfiguren verteilt. Sie knüpft damit und konzeptionellen Perspektiven auf
brennpunkt 4/2014
63
Galeriebericht
© Christian Reister
urbane Landschaften« mit dem Titel
»Bright Spots«, technisch allesamt vom
Feinsten, aber ohne jeden direkten Bezug
zum Menschen. Die 6 Autoren sind
Meisterschüler der HGB. Mit Wehmut
denke ich an die vielen großen Namen
früherer Jahrgänge.Ein wenig versöhnt
bin ich allerdings durch die urbanen
Perspektiven in Manfred Carpentiers
Reihe »Berlin Photography« und deren
wirklich breitgefächerte Spots. Die
Menschen kommen nicht zu kurz, vor
allem nicht bei Christian Reister, dessen
beglückende »New Yorkers« mir noch
in bester Erinnerung sind. Er hat sich
am Alex rumgetrieben und aus nächster
Nähe Passanten und Heimatlose, Hektik
und Müßiggang auf erfrischende Weise
festgehalten. Auch Frank Schirrmeister
ist dem Leben in der Großstadt auf der
Spur, hier am Sonntag. Er entdeckt die
ungewöhnlichsten Szenen, heitere und
besinnliche, die für Berlin durchaus
typisch sind. Mit ihm noch einmal
Volker Wartmann mit seinen schon
besprochenen »Geheimnisvollen
Orten im Rathaus Schöneberg« und
Thomas Graichen mit den »Secrets«,
auf Spurensuche in den stillen Winkeln
der Stadt, oft nah am Trubel, aber
gut versteckt, ästhetisch und formal
vollkommen ausgewogen. Im September
dann nur in Schwarzweiß Julia Baiers
sehr ausgefallene und überraschende
Blickwinkel zur »Wetterlage Berlin«,
David Hornback entdeckt das pralle
Leben in den Berliner Hinterhöfen,
Holger Biermann beobachtet mutig das
Treiben am Bahnhof Zoo und Thorsten
64
brennpunkt 4/2014
© Thomas Graichen
© Julia Baier
Kirchhoff, geplagt von schwerem
Leiden, fängt seinen Kreuzberger Kiez
ziemlich düster und skizzenartig mit
dem Handy ein.
Von Kreuzberg nach Neukölln, ein
kleiner Schritt. Die Fotogruppe Continuo 27 hat mit der Dozentin Ulla Kelm
den Bezirk aufs Korn genommen und
ist dann mit dem Ergebnis fremdgegangen in die Brotfabrik am Caligariplatz.
Bezeichnenderweise wohnt keine/r
der 10 FotografInnen in Neukölln. Das
macht unbefangen. Larissa Honsek traf
mit ihren spontanen Porträts »Fremder« auf der Karl-Marx-Straße voll den
multinationalen Charme des Bezirks.
Wolfgang Zummack war in den stillen
Nachtstunden unterwegs und Gabriele
Summen fand tolle Perspektiven für das
Hochhaus 120. Ein schönes, facettenreiches Porträt des Bezirks.
Aus Friedrichshain berichtet die »Chronik« seit 10 Jahren, gewürdigt in der
Alten Feuerwache mit z.T. großen Konterfeis der Kulturmenschen, Handwerker und Verkäuferinnen. Auch im bürgerlichen Zehlendorf gibt es rührige
Aktive. Ludwig Stein leitet seit Jahren
die Gruppe »Mensch und Kamera« und
stellt mit ihr regelmäßig aus im Rathaus, diesmal zum Thema »Glas-StahlBeton«. Das ist ein kantiges Konzept,
nicht eben typisch für den Bezirk, aber
das Leben in diesem Ambiente ist dennoch lebenswert, das wissen die Mitglieder der Gruppe sehr wohl ins Bild
zu setzen, mit Fantasie und Ironie.
Einer der großen Chronisten vor dem
Glas-Stahl-Beton-Zeitalter war MaxMissmann (Märkisches Museum). Er
fotografierte Berlin von der vorigen Jahrhundertwende bis in die dreißiger Jahre.
Seine wunderbaren Aufnahmen aus
der Mitte der Hauptstadt im Großformat sind historische Schätze und bieten
eine traumhafte Detailschärfe, meisterlich gesehen und vom Standpunkt her
akribisch ausgeklügelt. Diese Meisterschaft wird so richtig deutlich, wenn
sich fast 100 Jahre später Jochen Wermann daranmacht, vom annähernd gleichen Ort die heutige Ansicht einzufangen, nach einem Weltkrieg und 40
Jahren DDR.Mit der – ich provoziere
jetzt mal – kläglichen Technik von heute
und in Farbe. Bei den historisch getreu
restaurierten Gebäuden sind die Vergleichsaufnahmen von Wermann adä-
Galeriebericht
© Nina Rosar
quat. Den schönsten Platz Berlins, den
Gendarmenmarkt, hat er genauso gut
ins Bild gesetzt wie Missmann, nur die
Botanik zeugt vom Zeitensprung. Das
ist auch ein Kompliment an die Meister, die ihn wieder aufgebaut haben.
Höhepunkt der Ausstellung ist ein riesiges dreiteiliges Panorama vom alten
Schloss und dem Lustgarten, mit hunderten von Menschen, deren Gesichter
man studieren kann. Ob Jochen Wermann den Vergleich wagen wird, wenn
das neue alte Schloss fertig ist?
Zu einem anderen Vergleich laden uns
Nina & Walter Rosar ein, bis 26. Oktober
im »Café K« am Georg Kolbe Museum.
Die unterschiedlichen Sichtweisen von
Vater und Tochter auf ihre Stadt Berlin
äußern sich vordergründig in der Technik: Papa ganz klassisch schwarzweiß
und analog, die Tochter locker digital in
Farbe. Eine hübsche Idee ist der Dialog
allemal, die Auswahl ist schön im Wechsel gehängt, nur ist in dem kleinen Café
nicht Raum genug für eine angemessene Darstellung dieses reichen Spannungsfelds.
Schon 1989, zum 150. Geburtstag der
Fotografie, forderte Joachim Schmid
angesichts der Bilderflut: »Keine neuen
Fotos mehr, bis die alten aufgebraucht
sind«. Das mag Thomas Anschütz angeregt habenzu seiner »Arbeit mit Fotografie« mit dem Titel Prado 250, bis 10.
Oktober in der Galerie im Rathaus Tempelhof. Der Künstler mixt eigene Aufnahmen mit fremden Werken, meist
sind es technische Motive wie Dampfloks, Gleisanlagen, Maschinenteile
und Apparate. Das Ergebnis sind kraftvolle schwarzweiße Kompositionen
mit großer Ausstrahlung. Anschütz sagt
dazu: »Ziel meiner Arbeit ist es, die einzelnen Bildlagen zu einem Akkord zu
verschmelzen, der einen Wohlklang
bildet.« Das klingt ein bisschen altmodisch, aber es gibt genügend Störfakto-
© Thomas Anschütz
ren im optischen Cocktail, die für fruchtbare Unruhe sorgen.
Im letzten Heft hatten wir eine Ausstellung von Günther Schaefer angekündigt, die am 14. August in der Fotogalerie Friedrichshain eröffnet werden
sollte. Der Termin ist verschoben auf
den 20. November. Dafür zeigte der
Kulturring die »Artist’s Prints« von Birgit
Faust und Christian Ruhm. Beide arbeiten mit Unschärfen und Verfremdungen,
Faust sehr impressionistisch, in weichen
Farben, auch mal grafisch strukturiert
wie die verschlungenen Gleise der Achterbahn. Ruhm macht aus harten Wolkenkratzern Softies, lässt Passanten im
Park verschwimmen, steigert sich aber
mit Mehrfachbelichtungen bei gedrehter Kamera in einen optischen Strudel,
in dem die Monumente der Welt untergehen und mit neuer Bedeutung auferstehen. Der trendige Titel der Serie:
»World_ DISorder«. Das ist wohl am
ehesten mit Unordnung oder Aufruhr
der Welt zu übersetzen.
Glatt und wohlgefällig ist dagegen der
Starkult, der stets auf höchstem Niveau
von Camera Work und der Dépendance CWC in Mitte betrieben wird. In
der Kantstraße sind es die hochkarätigen Porträts der Formel 1-Champions
und ihres Bosses Eccleston, der gerade
eine Million Lösegeld an die Bayerische Staatskasse zahlen musste, alle
aufgenommen von Zenon Texeira in Silverstone 2006, mit einer spektakulären
Kamera von 100 Kilo Gewicht. Mehr
geht nicht. In der Auguststraße waren
dagegen schöne Frauen zu besichtigen,
all die weltbekannten Namen, von Nadja
Auermann bis Claudia Schiffer. Interes-
sant ist, dass die oft ebenso berühmten
Fotografen immer mal ihren Job hinterfragen und im »Model« den Menschen
suchen. Peter Lindbergh (alias Brodbeck) gelingen besonders lockere und
anrührende Konterfeis. Auch MarcHispard entdeckt die Charaktere hinter
der Schminke und Paolo Roversi ist ein
Poet mit der Kamera. Eine schöne Ergänzung bot die Galerie Hiltawsky mit Peter
Brüchmanns Porträts aus den 50er bis
80er Jahren, von Sharon Tate, Veruschka,
der Knef, Romy Schneider und Horst
Buchholz, in leuchtendem Schwarzweiß. Brüchmann ist gebürtiger Berliner und lebt jetzt wieder in der Stadt.
Nun eine Frage an den Leser: Was haben
Sie am 19. August gemacht? Haben Sie
an den 175. Geburtstag der Fotografie
gedacht? Haben Sie ihn vielleicht bei
den »Fotopionieren« in der Karl-MarxAllee gefeiert? Nein? Von 11 bis in die
Nacht hätten Sie das tun können, hätten
die Vernissage von Elena Ternovaja miterlebt und ihre malerischen »Pflanzlichen Analogien« (bis 10. Oktober) nebst
einer Einführung in die Geschichte der
Fotografie, Andreas Kesberger ist einer
der Geschäftsführer, auch Autor für
Photo News. Zuvor war bei den Pionieren Esther Rappsilber zu sehen mit
ihren »Lochfotografien«, aufgenommen
auf Rollfilm in einer präparierten PouvaStart Kamera, Kultobjekt der DDR. Die
Autorin schreibt: Weniger geht nicht.
Nein. Aber etwas mehr Fantasie in der
Auswahl der Motive hätte ich mir schon
gewünscht. Die Pioniere sagen es auf
ihrer Homepage so schön: Fotografie
heißt, für das Licht immer wieder empfindlich zu sein.
Nun dürfen wir gespannt sein, wie der
bevorstehende Monat der Fotografie
sein Versprechen einlöst, uns das Sentimentale zurück zu bringen, das wir nie
vermisst haben, weil es immer da war.
Die zentrale Ausstellung im Gropiusbau
heißt nämlich »Memory Lab: The Sentimental Turn«. Vom 16. Oktober bis 16.
November erwarten uns »125 Locations,
250 Events, 500 Künstler«. Na denn! Ich
wünsche schon mal vorsorglich schöne
Weihnachten!
Klaus Rabien
brennpunkt 4/2014
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Buchbesprechung
Vera Mercer
»Particular Portraits«
Die Fotografin Vera Mercer hat ihr
neues Buch »Particular Portraits« vorgestellt. Es ist im Berliner DISTANZ Verlag
erschienen, herausgegeben von Matthias Harder, und enthält faszinierende
Porträts von Künstlern und anderen Zeitgenossen, die im Zeitraum der letzten
50 Jahren entstanden sind.
Seit 1960 fotografiert Vera Mercer Menschen, für deren innere und äußere
Werte sie sich gleichermaßen interessiert. In Pariser Cafés beobachtet sie,
einer Soziologin vergleichbar, andere
Gäste und studiert deren Verhaltensweisen. Mercers Kamerablicke sind mal
beiläufig, mal konzentriert und immer
voller Empathie. Es sind Augenblicksbilder – oder im Sinne von Cartier- Bressons Credo »entscheidende Augenblicke«, ähnlich Standbildern eines imaginären Filmes.
Den Künstlerporträts der 1960er-Jahre
wohnt ein anderer Aspekt inne: Die
Künstler werden von Mercer weitaus
mehr exponiert, wobei die bühnenartige Situation variiert. Andy Warhol hält
in seiner New Yorker Factory jemandem
ein Mikrofon zum Interview hin, während Daniel Spoerri ein sogenanntes
Fallenbild im Hof seiner Pariser Wohnung mit großer Körperspannung an
der Wand abstützt. Ihm begegnen wir
auch ein halbes Jahrhundert später in
Wien wieder, inmitten seiner Kunstsammlung. Auf einem anderen Bild
schmaucht Marcel Duchamp genüsslich eine Zigarre, im Hintergrund des
Ateliers sieht man seine ikonischen
Werke.
Solche Porträts haben Vera Mercer
zu einer wichtigen Dokumentaristin
der internationalen Kunstavantgarde
gemacht. Dabei hatte alles ganz simpel
begonnen: Ihr damaliger Ehemann
Daniel Spoerri hatte ihr um 1960 eine
Kamera geschenkt, und Jean Tinguely
sie nach Aufnahmen seiner Skulpturen
gefragt. So entstanden Freundschaftsbilder, die die persönliche Verbindung zwischen den Porträtierten und der Fotografin offenbaren, keine Repräsentationsbilder. Sie symbolisieren die gemeinsam
verbrachte Zeit, Lebenszeit.
66
brennpunkt 4/2014
Symbolen bestanden, werden nun um
Menschen ergänzt. Die Protagonisten
lassen sich auf ihr Bühnenspektakel ein
als seien sie Charakterdarsteller.
Heute lebt Vera Mercer abwechselnd in
Paris und Omaha, Nebraska. Ihre Werke
befinden sich in zahlreichen öffentlichen und privaten Sammlungen.
Daniel Spoerri, Wien 2013, (O.i.F.)
© Vera Mercer, courtesy: Werkhallen
Obermann Burkhard, Remagen-Oberwinter
Galerie Jordanow, München
Johanna Breede, Photokunst, Berlin
Sherry Leedy Contemporary Art, Kansas City
Andy Warhol, Factory, New York 1968
Vera Mercer studierte zunächst Tanz und © Vera Mercer, courtesy: Werkhallen
lernte dabei Daniel Spoerri kennen. Sie Obermann Burkhard, Remagen-Oberwinter
gingen nach Paris und fanden sich als Galerie Jordanow, München
Autodidakten inmitten der Künstlerbe- Johanna Breede, Photokunst, Berlin
wegung »Nouveaux Réalistes« wieder. Sherry Leedy Contemporary Art, Kansas City
Auch nach ihrer Trennung von Spoerri
blieb sie, meist unter ihrem Mädchennamen Vera Mertz, als Fotografin aktiv,
in Paris und anderswo. Im Auftrag von
Theater Heute oder skandinavischen
Magazinen besuchte sie unter anderem Samuel Beckett, Eugène Ionesco
und Norman Mailer.
In den späteren Farbporträts, die meist
in Omaha, Nebraska aufgenommen
werden, entdecken wir eine intensivere
Auseinandersetzung mit den Modellen.
Dort sitzen sie in Vera Mercers riesiger Marcel Duchamp, Paris 1960
Loft-Wohnung, mal ohne weitere Acces- © Vera Mercer, courtesy: Werkhallen
soires auf alten Holzstühlen, mal inner- Obermann Burkhard, Remagen-Oberwinter
halb arrangierter Stillleben. Die Porträ- Galerie Jordanow, München
tierten sind befreundete Künstler und Johanna Breede, Photokunst, Berlin
Kuratoren, Filmverleiher oder Regis- Sherry Leedy Contemporary Art, Kansas City
seure; sie schlüpfen in neue Rollen, trotz
ihrer Alltagskleidung, gelegentlich mit
aufgeknöpftem Hemd oder auch gänzlich unbekleidet. So entstehen experimentelle und autonome Bildnisse von
großer Individualität. Auch der Arbeitsprozess Mercers variierte im Laufe der Zum Buch:
Zeit: früher analog, inzwischen digital Vera Mercer – Particular Portraits, hg.
mit anschließender computergestützter v. Matthias Harder,
Postproduktion. Wie eine späte Surre- erschienen im DISTANZ Verlag,
alistin kombiniert Vera Mercer eigent- Deutsch/English, 30 x 24 cm,
lich Unkombinierbares. Ihre Stillleben, 152 Seiten, ca. 65 Farb- und S/W-Abbildie bis dato überwiegend aus Gemüse, dungen, Hardcover,
Obst, Blumen in allen Verwelkungs- ISBN 978-3-95476-067-1
stadien, brennenden oder erloschenen Preis: Euro 39.90 (D) / £ 37.50 /
Kerzen und toten Tieren, also Vanitas- $ 60.00
Buchbesprechung
UND ALLES IST WEG
Orte des
1. Weltkrieges in
Polen
Eric Pawlitzky führt uns in harmonische Landschaften, wir tauchen in diese
hinein, in denen man sich eigentlich
wohl fühlen könnte.
Er fotografierte mit der Sonne am
Morgen, im Herbst und Winter, Wege,
eine Holzbrücke, ein umgebrochener
Acker. Die Bilder geben uns ein
beruhigendes Gefühl. Dieses bleibt
einem im Halse stecken, wenn man
den Kontext zu den Fotos begreift.
Nachdenklich liest man die Texte,
Wortfetzen wie Artilleriefeuer, Verluste,
Schrappnellhagel, Schlachtfelder graben
sich in unsere Gedanken. Wir befinden
uns mitten im 1. Weltkrieg. 1914/15.
All die harmonischen Landschaften
waren Schlachtfelder, die der Fotograf
aufsuchte und in ihrem heutigen Zustand
fotografierte.
Er recherchierte die Orte anhand historischer Quellen. Sie sind authentisch.
Das Buch enthält 26 großformatige farbige Bildtafeln mit polnischen Landschaften, kombiniert mit den Ereignisbeschreibungen in Gestalt zitierter
Quellentexte, jeweils auf Deutsch und
Polnisch. Ein Bildband voller Zeitgeschichte.
Zum Autor: Eric Pawlitzky arbeitet als
freiberuflicher Fotograf in Berlin. Zahlreiche Reisen haben seinen Blick für
Landschaften geformt. Dabei interessieren ihn stets die Dinge hinter dem
Sichtbaren. Mit dem vorliegenden Buch
will er einen Beitrag zur deutsch-polnischen Erinnerungskultur leisten.
Eric Pawlitzky, (Original in Farbe)
Eric Pawlitzky, (Original in Farbe)
UND ALLES IST WEG Orte des 1. Weltkrieges in Polen
Autor und Fotograf: Eric Pawlitzky
Übersetzungen: Mateusz J. Hartwich
HörBild Verlags- und
Produktionsgesellschaft oHG
Berlin 2014
72 Seiten, Deutsch und Polnisch
26 farbige Bildtafeln
ISBN: 978-3-9816590-0-9
27 Euro
brennpunkt 4/2014
67
Buchbesprechung
Ute Mahler
»Zusammenleben«
Der über zwei Jahrzehnte entstandene
Fotozyklus zum menschlichen Zusammenleben in der DDR wurde erstmals
vollständig publiziert – mit drei verschiedenen, stimmungsvollen Covermotiven
Ute Mahler (* 1949 in Berka) zählt zu
den stilprägenden Fotografinnen des
Ostens. Nach dem Mauerfall gründete
sie mit weiteren Chronisten der DDR
Ostkreuz, die erfolgreiche Agentur
für Autorenfotografie. Eine ausgesprochen humanistische Weltsicht bestimmt
sowohl die künstlerischen Arbeiten der
Fotografin als auch ihre Mode- und Porträtaufnahmen für Magazine. Vor über
40 Jahren begann Mahler ihre Reihe
»Zusammenleben«, die verschiedene
Weisen, in denen Menschen miteinander Alltag erfahren, subtil einfängt und
zeigt, was zwischen den Zeilen ungesagt bleibt: Die Schwarz-Weiß-Aufnahmen erzählen sanft und doch ungeschönt vom Leben zu DDR-Zeiten. Es
sind faszinierende Fotografien mit einer
dichten Atmosphäre. Ihre Sammlung
unzähliger Möglichkeiten einer immer
wieder gefundenen Anordnung von
Männern, Frauen, Kindern, Freunden
und Fremden vollendete Mahler 1988
mit dem Gefühl, Wesentliches gesehen
zu haben. Jetzt erscheinen ihre Bilder als
wahrhaftige Zeitzeichen erstmals vollständig in Buchform.
© Ute Mahler
© Ute Mahler
Ute Mahler
Zusammenleben
Text von Sibylle Berg, Gestaltung von
Clara Bahlsen, Johannes Siemer
Deutsch, Englisch, Französisch
2014. 144 Seiten, 78 Abb. in Duplex
23,70 x 30,50 cm, gebunden
ISBN 978-3-7757-3822-4
Preis: 35 Euro
68
brennpunkt 4/2014
© Ute Mahler
© Ute Mahler
Buchbesprechung
VERSCHLUSSSACHE
Geheimnisvolle
Orte im Rathaus
Schöneberg
Volker Wartmann
Der hochwertige Fotobildband gewährt
Blicke hinter verschlossene Türen, in
geheimnisvolle Winkel und auf Details,
an denen fast jeder achtlos vorbeigeht.
Der Fotokünstler Volker Wartmann hat
das Rathaus Schöneberg viele Male
durchstreift und aus Perspektiven fotografiert, die Besuchern normalerweise
verborgen bleiben.
© Volker Wartmann, (Original in Farbe)
Diese geheimnisvollen Orte werden
gelüftet und entpuppen sich als faszinierende und interessante Einblicke in
dieses Gebäude.
Mit Liebe und dem Blick zum Detail
und auch mit verschmitztem Humor in
vielen Bildern lichtete Volker Wartmann
das Innenleben dieses Ortes ab.
In der ehemaligen Telefonzelle, die Tür
zur Hälfte geöffnet, erblickt man am
Boden stehend, ein Bild von Richard
von Weizsäcker (1981 bis 1984 Regierender Bürgermeister von Berlin) und
fragt sich, was dieses Bild ausgerechnet in einer Telefonzelle zu suchen hat.
Heimlich abgelegt oder einfach vergessen? Rechts im Foto ein grüner leerer
Papiereimer, ausgestattet mit einer Plastikfolie. Ist das eine Verbindung zum
Bild?
Eindrucksvoll wurde auch der Goldene
Saal mit streng ausgerichteten Stühlen,
die aus einer anderen Zeit an der Decke
hängenden Kristallleuchter, das große
Gemälde von Matthias Koeppel, das die
ganze Breite einer Wand beansprucht
abgelichtet. Als wäre dieser Saal eine
Installation oder ein Museumsstück.
Das Rathaus Schöneberg wurde zwischen 1911 und 1914 erbaut. Wartmanns Bilder zeugen von 100 Jahren
bewegter Geschichte. Seien Sie herzlich eingeladen zu einer Entdeckungsreise der besonderen Art.
© Volker Wartmann, (Original in Farbe)
VERSCHLUSSSACHE
Geheimnisvolle Orte im Rathaus
Schöneberg
Autor:
Volker Wartmann
60 Seiten, Fotobildband mit 86
Farbfotografien, Hardcover
ISBN 978-3-944836-08-9
24,90 EUR
brennpunkt 4/2014
69
Ausstellungen
Johannes Barthelmes
»Aus dem Stegreif«
»Ich bin in den gut zwanzig Jahren,
in denen ich weltweit Ausstellungen
für die anerkanntesten Museen und
Galerien organisiert habe (darunter
zwei für und mit Barthelmes in der
Nationalgalerie Kuala Lumpur/Malaysia
und in der Galerie »Space 2324«, selten
auf Künstlerpersönlichkeiten gestossen
wie Barthelmes. Seine Fotos, Porträts
und Akte, sind nicht nur ein ästhetischer
Genuss, sie sind Ausdruck der Liebe
und Verehrung für die Menschen, die
Barthelmes mit seiner Kamera festhält.
Kunst ist immer Abstraktion von Realität
und nie die versuchte Kopie von
Realität. Barthelmes Porträts und Akte
sind keine platten Ablichtungen. Seine
Porträts dokumentieren keine Gesichter,
sie erfassen den Charakter der Person.
Seine Akte beschreiben die Schönheit
des weiblichen Körpers als ästhetischer
Ausdruck.«
GERHARDT ENGELKING, (Leiter
Goethe-Institut Kuala Lumpur,
Malaysia), Bangkok, den 25.11.2002
Ein wichtiger Teil der Fotografien in
dieser Ausstellung sind Bilder aus der
Serie »the unvarnished mirror« (der
ungeschminkte Spiegel).
In dieser Serie erscheint das Modell
des öfteren auch im Spiegel, oder der
Fotograf oder beide. Es muss aber kein
Spiegel im Spiel sein, der Betrachter
spiegelt sich, sein Seelenleben, was
seine Einstellung zur Sinnlichkeit
anbelangt. Das Modell spiegelt sich im
Fotografen und umgekehrt. Es ist kein
»making of«, soll es auch nicht sein und
dennoch kann man einiges über die
Entstehung des Bildes erkennen.
© Johannes Barthelmes, »the unvarnished mirror«, (Original in Farbe)
© Johannes Barthelmes, »the unvarnished mirror«
© Johannes Barthelmes, »la cieguita desnuda«
© Johannes Barthelmes, »the unvarnished mirror«
»... weil die Blicke der Frauen von
unübersehbarem Stolz künden und ihre
bloßgestellten Körper so inszeniert sind
wie architektonische Meisterleistungen.
...«
FRANKFURTER ALLGEMEINE
Vernissage:
ZEITUNG, 22. Dezember 2001
Dienstag, dem 7. Oktober 2014,
20 Uhr
70
brennpunkt 4/2014
Galerie Kunstkeller Dresden
Radeberger Straße 15
01099 Dresden
Di – Fr 16.30 – 18.30 Uhr
und nach telefonischer Absprache
0162 682 93 79
Ausstellungen
Dieter Matthes
»New York Blues«
»Life is bare, gloom and mis´ry everywhere, stormy weather, just can´t get
my poor self together, I´m weary all the
time, the time, so weary all the time.
When she went away, the blues walked
in and met me, if she stays away, old
rockinćhair will get me, all I do is pray
the lord above will let me, walk in the
sun once more.«
Für das Empfinden des Fotografen Dieter
Matthes kommen die Lyrics des wunderbaren Blues-Songs Stormy Weather von
Harold Arlen und Ted Koehler seinen
Bildern der Serie »New York Blues«
atmosphärisch sehr nah. Die Fotos sind
in den Jahren 1987 und 1989 entstanden. Sie sind analog auf Kunstlicht-Diafilm belichtet. In melancholisch blauer
Monochromie spiegelt sich die Sicht des
Künstlers auf New York und auf die Vereinzelung des Menschen im Ballungsraum der Großstadt.
Geboren in Berlin, ist Dieter Matthes
promovierter Mediziner und Facharzt
für Innere Medizin und Allgemeinmedizin mit einer Zusatzausbildung in
klassischer Homöopathie. Aber schon
in seinen Zwanzigern wandte er sich der
Fotografie zu. Auch wenn er bis heute
als Arzt praktiziert, hat sich sein beruflicher Schwerpunkt in den späten 1980er
Jahren immer mehr in Richtung professioneller journalistischer Fotografie verschoben.
Publikationen in zahlreichen Zeitschriften und Magazinen geben ein
eindrucksvolles Zeugnis davon. Seine
Arbeiten waren zudem in bislang weit
über 20 Einzelausstellungen im In- und
Ausland zu sehen.
© Dieter Matthes, (Original in Farbe)
Stiftung Schloss Neuhardenberg
Foyer Großer Saal und Orangerie
Schinkelplatz
15320 Neuhardenberg
Di – So 11 – 19 Uhr
brennpunkt 4/2014
71
Ausstellungen
»Lost Wallpapers«
Tapeten haben seit Jahrhunderten die
Aufgabe den Wohnbereich des Menschen zu individualisieren und einem
ästhetischen Grundbedürfnis Rechnung
zu tragen. Tapezierte Räume erzählen
viel über den kulturellen Zeitgeist einer
Epoche und ihre Menschen.
Was passiert aber nun, wenn die Räume
verlassen werden und ohne Nutzung vor allen Dingen Nutzern - dem Verfall
preisgegeben sind?
Nach einer gewissen Zeit der Zerstörung durch Umwelteinflüsse geht der
ursprüngliche ästhetische Aspekt verloren - aber es entsteht ein neuer... Diese
»Neue Ästhetik« erschließt sich nicht
so offenkundig wie in den vorherigen
unversehrten Räumen. Mein Ziel ist es
die Kraft der Photographie zu nutzen,
um diese entstanden »Ästhetik der Vergänglichkeit« für jedermann sichtbar zu
machen.
Manfred Kriegelstein, 1951 geboren, fotografiert intensiv seit 1977, ist
Preisträger internationaler Wettbewerbe,
Autor zahlreicher Bücher zur Ästhetik
der Fotografie, seit 1984 Mitglied der
Deutschen Gesellschaft für Photographie
(DGPh), er erhielt 1987 den Ehrentitel
»Maitre Photographe De La FIAP«
(MFIAP) der Federation Internationale
De L‘Art Photographique und gehört seit
2006 dem Bundesverband Bildender
Künstler (BVBK) an.
© Manfred Kriegelstein, (Original in Farbe)
KUNSTraum Saarow e.V.
Bahnhofsplatz 4a
15526 Bad Saarow
Telefon 033631 / 40 46 77
Di, Do, Sa 14 – 17 Uhr
So
11 –17 Uhr
72
brennpunkt 4/2014
Ausstellungen
Barbara Töpper-Fennel
Sibylle Meister-Holzfuß
»Es geht voran«
Almut Staeglich, Piano, Rezitation
Hanno Fennel, Malerei
Klaus Roemer, Saxophon, Rezitation
Nils Fennel, Zeichnung
Peter Fennel, Objekte, Gartenkunst
Sarkin Kwano, Objekte, Skultpturen
Suse Rumland, Malerei
Im Rahmen der Ausstellung »Es geht
voran« zeigen wir in diesem Jahr in
der Galerie Barsikow die Fotoarbeit
von Sibylle Meister-Holzfuß und Barbara Töpper-Fennel »Begegnung im
Bannwald«.
© Sibylle Meister-Holzfuß, Barbara Töpper-Fennel
Es handelt sich um eine Gemeinschaftsarbeit aus farbigen Porträts und Selbstporträts, z.T. Montagen.
Dabei geht es um die Geschichte
eines langen und nervenaufreibenden
Suchprozesses auf unübersichtlichem
und teils bedrohlichem Gelände, der
schließlich in einer geglückten Begegnung sein Ziel findet.
© Sibylle Meister-Holzfuß
Galerie Barsikow
Dorfstraße 35
16845 Barsikow
© Barbara Töpper-Fennel
Sa + So
15 – 18 Uhr
(nur nach telefonischer Vereinbarung)
brennpunkt 4/2014
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Ausstellungen
Christian Borchert
Familienporträts
1974 – 1994
Christian Borchert (1942 – 2000) fotografierte seine ersten »Familienbilder«
in den 70er Jahren. Später, 1982 – 1985,
entstand nach einem wohlüberlegten
Konzept eine umfangreiche Serie, in der
er mehr als 130 Familien in verschiedenen Regionen der DDR, aus unterschiedlichen sozialen Milieus und Berufen in ihrem heimischen Umfeld porträtierte. Diese Blicke in die Wohnzimmer,
in die Privatsphäre ostdeutscher Familien, offenbaren, wie die Menschen aussahen, wie zuversichtlich, entschlossen,
heiter oder verbittert sie waren, welche
Kleidung sie trugen, was ihnen wichtig war, was sie trennte und verband.
Zehn Jahre danach besuchte Christian
Borchert viele Familien ein zweites Mal
und fotografierte sie – nach dem Zusammenbruch der DDR und dem beginnenden Wandel – erneut. So eröffnet die
Gesamtschau von Borcherts Familienporträts dem Betrachter das Panorama
einer vergangenen Zeit. Die Fotografien
sind, wie es Borchert absichtsvoll wollte,
Dokumente seiner fotografischen Annäherung an die Wirklichkeit ohne Übertreibung und Effekte und zugleich, nachdem Jahrzehnte ins Land gingen, einzigartige Zeugnisse der Geschichte.
Die EINEARTGALERIE zeigt in diesem
Herbst, da sich der Fall der Mauer zum
25. Mal jährt, eine Auswahl davon: erste
Familienporträts der 70er Jahre, Fotografien der konzeptionellen Serie der 80er
Jahre und Bildpaare mit einer Gegenüberstellung von Aufnahmen aus den
80er und 90er Jahren.
Familie M. (Diplomingenieur für Elektrotechnik, Stenotypistin/Ökonomin), Cottbus, 1983,
© Deutsche Fotothek, Dresden
Familie M./T. /Fleischerin, Fleischer) in der Küche, Letschin (Oderbruch), 1983,
In Zusammenarbeit mit der Deutschen
Fotothek der Sächsischen Landesbiblio- »Christian Borchert ist der unspektakuthek – Staats- und Universitätsbibliothek läre Chronist seiner Zeit mit ihren stilDresden (SLUB) und dem Lehmstedt len Dramen und verborgenen LebensliVerlag Leipzig
nien. Und je rasanter die sich überstürzende Gegenwart sich vorwärts wälzt,
Eine umfangreiche Sammlung der Foto- desto wertvoller wird dieses facettengrafien erschien 2014 unter dem Titel reiche, respektvolle Dokument als ein
»Familienporträts Fotografien 1974 – optisches Kompendium sozialer Befind1994« im Lehmstedt Verlag Leipzig. Der lichkeit unserer Jahrzehnte.«
Foto-Band liegt in der Ausstellung vor.
Richard Pietraß, 1999
74
brennpunkt 4/2014
Familie S./S. (Melkerin, Melker) auf ihrem Grundstück, Steinhagen-Krummenhagen (Mecklenburg), 1983, © Deutsche Fotothek, Dresden
Ausstellungen
Adolf Endler (Schriftsteller) und Elke Erb (Schriftstellerin), Hochkirch 1976,
Bert Papenfuß-Gorek (Schriftsteller) und seine Frau (Telefonistin/Hausfrau),
Berlin-Friedrichshain, 1984, © Deutsche Fotothek, Dresden
Familie W. (Transportpolizist, Montiererin),
Berlin-Lichtenberg, 1983,
Herbert Sandberg (Grafiker und Publizist) mit seiner Familie, Berlin-Pankow, 1975,
Buchcover
Vernissage:
EINEARTGALERIE
Seebadallee 50
15834 Rangsdorf
Zur Einführung spricht Richard Pietraß
Eine Edition der Galerie bietet ausgewählte Fotografien zum Kauf an.
Mi – Fr 14 – 18 Uhr
So
14 –18 Uhr
www.eineartgalerie.de
brennpunkt 4/2014
75
Fotoszene
Masterclass Fotografie
Der Stuttgarter Fotograf und Dozent
Rüdiger Schestag leitet vom 24. bis 26.
Oktober 2014 in Esslingen einen exklusiven Fotografie-Workshop:
Der Masterclass Fotografie ist ein zweieinhalb-tägiger Intensiv-Fotoworkshop
in entspannter, privater Atmosphäre. Im
Mittelpunkt des Kurses steht die individuelle Förderung der Teilnehmer. Aufbauend auf eine vorhandene Grundausbildung (grundlegende Kenntnisse der
Kameratechnik und Fotografie) wird
hier vermittelt, wie man an fotografische Aufgaben und Projekte herangeht,
eigene Ideen entwickelt, plant und optimal umsetzt.
Der Feinschliff in der Lichtsetzung
gehört ebenso zu einer fundierten Herangehensweise wie die Planung der Bildidee, Umsetzung und Kommunikation
sowie die Bildauswahl und Mappenbesprechung. Der Schwerpunkt liegt auf
den Inhalten, die über den Stoff einer
Fotoschule hinaus gehen und die individuelle Handschrift eines Fotografen
ausmachen.
Mit Modellen wird die Portrait-Fotografie geübt - jedoch auch für Stilleben,
Makround Architekturfotografie bietet
die historische Location im Herzen von
Esslingen am Neckar zahlreiche Motive
und Inspirationen.
Insgesamt ist der Kurs darauf ausgelegt,
sicherer und professioneller mit Fotografie umzugehen und seine eigene
„fotografische Persönlichkeit“ zu finden
und zu stärken.
Es wird ein Platz an einen Auszubildenden oder Studierenden im Bereich der
Fotografie kostenlos per Ausschreibung
an Hochschulen und Ausbildungsplätzen vergeben. Eine Mappe oder spezielle Qualifikationen ist erforderlich.
Informationen und Anmeldung unter
www.sl-mediapro.de
Kontakt:
SL Media, Uwe Leiber
Robert-Koch-Str. 33, 73730 Esslingen
Telefon 0711-4698678 Fax -79,
[email protected]
76
brennpunkt 4/2014
© Uwe Leiber, (Original in Farbe)
Dozent
Zusammenstellung der Arbeiten. LernRüdiger Schestag, Fotograf, Bildbearbei- ergebnisse werden besprochen, Fragen
ter, Dozent
erläutert und das Präsenieren der eigenen Fotografien erlernt.
Freitag, 24. Oktober 2014, ab 17 Uhr
Location
Anreise, Kennenlernen, Besprechen der
Ideen und Wünsche aller Teilnehmer, Das Faulhabersches Haus im Herzen
Diskussion über Fotobeispiele bekann- von Esslingen bietet ein inspirierendes
ter Fotografen (Wie machen es die Ambiente mit vielen schönen Räumen,
Profis...?) und Einsimmung bei einem Wintergarten, Terrasse und AussenbeGläschen auf den Samstag.
reichen.
Das historische Gebäude ist aus der
Samstag, 25. Oktober 2014
zweiten Hälte des 18. Jahrhunderts.
ist der Arbeitstag mit verschiedenen Modellen. Hier werden individuelle Lichtsetups aufgebaut und in kleinen Gruppen gearbeitet. In prakischen
Übungen zeigt Rüdiger Schestag seine
Herangehensweise an die gestellte
fotografische Aufgabe. Die Teilnehmer
setzen Ihre Bildideen um und werden in
ihrer Arbeit beraten und unterstützt. Den
Tag lassen alle gemeinsam in Gesprächen bei einer Weinprobe (geplant) ausklingen.
Kosten & Anmeldung
950,- Euro inkl. MwSt. (exkl. Übernachtung) pro Teilnehmer
SL Media, Tel. +49.711.46986-78,
Fax -79, sl-mediapro.de
Studierende und Auszubildende
Es wird ein Platz an einen Auszubildenden oder Studierenden im Bereich der
Fotografie kostenlos per Ausschreibung
Sonntag, 26. Oktober 2014
an Hochschulen und Ausbildungsplätzen vergeben. Eine Mappe oder speziist der Tag der Bildauswahl, Korrek- elle Qualifikaionen ist erforderlich.
tur und Zusammenstellung der besten
Arbeiten zu einem individuellen Porfolio, in einer Serie oder einer Sequenz.
Hier lernt man das Finden der stärksten Fotos, die richige Auswahl und
Fotoszene
»990 Faces«
Hans-Michael Koetzle
Interviewt
Hans-Jürgen Raabe
Koetzle: Das Portrait ist ein klassisches
Thema der Fotografie. Gab es Vorbilder
für das Projekt 990 Faces?
© Hans-Jürgen Raabe, »Face 24«, (O.i.F.)
Raabe: Ja, das Oeuvre von August Sander
zum Beispiel, aber auch das in den
50iger Jahren von Edward Steichen initiierte Projekt Family of Man. Ich gehe mit
meinem Projekt jedoch einen sehr eigenen Weg. Sander musste aufgrund der
damaligen Technik viele seiner Motive
stellen, bei Family of Man bestimmte ein
Kurator, welches Foto welchen Aspekt
darstellte und gaben so vor, wofür die
einzelnen Gesichter standen. Ich ordne
die von mir fotografierten Menschen
nicht nach einem Beruf oder einem
sozialem Stand ein. Ich zeige Gesichter ohne Kommentierung und bin überzeugt, so am ehesten das darzustellen
zu können, was mir wichtig ist – das
Menschenbild meiner Zeit.
Koetzle: Sie fotografieren an ausgewählten Orte. Derzeit sind 390 Portraits aus
13 Orten fertig, am Ende sollen es 990
Portraits oder Faces aus 33 Orten sein.
Wie definieren Sie die Orte, die Sie für
ihr Werk auswählen?
Raabe: Dank modernster Technik reisen
wir in wenigen Stunden in die Südsee,
aber auch nach Amerika, Afrika oder
Asien. Mein Menschenbild ist daher
international, global. Die Orte, die ich
aufsuche, sind entweder Orte, die mit
meinem ganz persönlichem Leben zu
tun hatten oder haben, wie etwa die 5th
Avenue in New York, das Brandenburger Tor in Berlin oder auch der Eiffelturm
in Paris. Oder es sind Orte, an denen
ich einen uns Menschen verbindendenen Geist spüre, wie etwa in Lourdes,
Myanmar oder auch in Grönland. Am
deutlichsten kann ich die Frage am Beispiel des Werkes Bosporus beantworten. Auf den Fähren in Istanbul fotografierte ich Menschen, die ein Ufer verlassen, das andere Ufer aber noch nicht
erreicht hatten. Diese Situation habe ich
als Metapher für die gesamte Situation
© Hans-Jürgen Raabe, »Face 14«, (O.i.F.)
der Türkei und daher als spannend emp- diese Faszination und ihre Blicke wanfunden.
dern mit großem Erstaunen von Gesicht
zu Hans Jürgen Raabe.
Koetzle: Das klingt, als würde sich auch
eine politische Botschaft hinter dem Koetzle: Das Fotomuseum in Istanbul
Projekt verbergen. Ist das so?
organisierte zur Ausstellung 990 Faces
auch ein Symposium zur Bedeutung des
Raabe: Bei allem was mich als Foto- Portraits in der modernen Medienwelt.
graf und Künstler beschäftigt, steht stets Wissenschaftler, Kuratoren, Galeristen
der Mensch im Mittelpunkt. Ich beob- und Journalisten diskutierten, was das
achte mit großer Sorge, dass Politiker, fotografische Portrait heute überhaupt
Manager aber auch wir selbst die Men- noch zu leisten vermag und ob es den
schen aus den Augen verlieren. Die Charakter oder auch nur eine Maske
Menschenrechte werden selbst in den zeigt. Wie sehen sie das?
angeblich noch intakten Demokratien
immer geringer geachtet. Die Industrie Raabe: Das Symposium hat auch die
hat nicht mehr den Verbraucher, son- aktuell verbundenen Erwartungen
dern den Aktienkurs im Blick. Und wir an die Portraitfotografie aufgearbeiselbst schauen bei einer Fahrt in der U- tet. Das war spannend. Mich hat es in
Bahn nicht mehr auf unser Gegenüber, der Überzeugung bestärkt, dass ich mit
sondern auf ein Tablet-PC oder auf ein dem Projekt 990 Faces meine Zeit mit
Handheld. Ich will dazu beitragen, dass all seinen Umbrüchen und Herausfordas Interesse am Menschen nicht gerin- derungen erfasse und mit meinem Tun
ger, sondern möglichst wieder größer richtig liege.
und damit menschlicher wird. Wenn
Sie dies politisch nennen wollen, ist das Koetzle: August Sanders Arbeiten wurde
sicher nicht falsch.
posthum gefeiert. Ihre Arbeiten haben
schon jetzt viel Aufmerksamkeit. Wie
Koetzle: Diane Arbus oder auch Bruce erklären Sie sich dieses große InterGilden schufen mit Portraits ein eher esse?
schockierendes, abschreckendes Menschenbild. Sie gehen mit den von ihnen Raabe: Wir sind im Umbruch, niemand
Fotografierten eher sanft um, warum?
weiß mehr so recht, ob man den Bildern
und der Fotografie noch trauen kann.
Raabe: Arbeitet man wie Arbus oder Meine Arbeiten zeigen den Menschen
Gilden, stellt man meines Erachtens die anders als in Illustrierten oder auf PlakaTechnik und die Sehweise der Dinge in ten. In meinen Portraits spürt man eine
den Vordergrund, was auch sehr reiz- unaufdringliche, unspektakuläre Norvoll sein kann. In meiner Arbeit steht der malität. Dies wirkt im Photo-Shop-ZeitMensch im Vordergrund. Der Mensch alter irritierend, wird aber auch als neuwie er ist - nicht durch künstliches Licht artig und spannend empfunden. Meine
in Szene gesetzt, nicht durch Retusche Bilder transportieren optisch forciert die
oder gar durch digitale Eingriffe verän- Ansicht, dass jeder von uns auf seine
dert. Jeder Mensch ist auf spannende Art ganz persönliche und einmalige Art die
einmalig und faszinierend. In meinen Kamera nicht scheuen.
Ausstellungen spüren die Betrachter
brennpunkt 4/2014
77
Fotoszene
Ein großer Mensch.
Zum Tod des
Fotoreporters Robert
Lebeck.
Seine Zeit hat ihn geprägt. 1929 in
Berlin geboren, musste er sehr jung für
Hitler in den Krieg und »rettete« sich
1945 in die US-Gefangenschaft. Das
infizierte ihn wohl mit dem Amerikanischen Traum, er jobbte zunächst als
Aufseher über die Putzkolonnen in den
Kasernen der Besatzungsmacht, bis
ihm seine erste Frau zum 23. Geburtstag eine Retina 1 a schenkte und er bald
darauf das »unverschämte Glück« hatte, 85 Jahre Robert Lebeck am 21 März 2014, © Thomas Lingens, (O.i.F.)
das ihm sein Leben lang treu bleiben
sollte. Er erwischte nämlich in BadenBaden zufällig Kanzler Adenauer und
den badischen Ministerpräsidenten
Leo Wohleb. Die Rhein-Neckar-Zeitung
druckte zwei Fotos auf der Titelseite.
Das Glück ist ein Samen, der aufgeht
auf fruchtbarem Boden. Der bestand
bei Lebeck aus einem intensiven Interesse am Menschen, verbunden mit
großer Achtsamkeit. Nach den Sternen
hat er nie gegriffen, aber der STERN sehr
bald nach ihm. Immer wieder schuf er in
der Hochzeit des Blattes eindrucksvolle
Fotostrecken, brachte uns die Welt ins
Wohnzimmer und war glücklich, wenn
er etwas bewirken konnte. Sein aufrüttelnder Bericht über tibetische Flüchtlinge in Nordindien brachte 300.000
DM Spenden. Außerdem hat er sich als
Sammler von Fotografie und illustrier- © Robert Lebeck, Klaus Kinski
ter Presse einen Namen gemacht. Eine
Fotoschule hat er nie besucht. Von Herbert Tobias ließ er sich zeigen, wie man
Filme in heißem Entwickler pusht. Er hat
sich immer als Handwerker gesehen,
als Fotoreporter eben, nicht als Künstler. Im neuen Jahrtausend begegnete
uns sein Lebenswerk in Berlin immer
wieder, und Johanna Breede brachte
das Kunststück fertig, ihm punktge- © Robert Lebeck, Cayar
nau zu seinem 85. Geburtstag am 21.
März 2014 eine anrührende Ausstel- kaum jemand konnte an diesem glück- © Robert Lebeck, Konrad Adenauer
lung zu eröffnen, ein großes Geschenk seligen Abend glauben, dass der Schalk
für Lebeck und alle seine Fans. Obwohl in seinen Augen schon am 14. Juni für Video unter:
https://www.youtube.com/watch?v=3
schon leidend, blühte er im Kreis der immer erlöschen würde.
iD3qF0gzsA&feature=youtu.be
Gäste auf mit all seinem Charme und
Klaus Rabien
78
brennpunkt 4/2014
Fotoszene
Die Adams-Kalender
für das Jahr 2015
Der Ansel-Adams-Kalender ist der
Klassiker unter den Fotokalendern.
Er erscheint seit 1983 Jahr für Jahr
im gleichen, noch von Ansel Adams
festgelegten Layout und bringt 13 Motive
aus den überragenden Landschaftsfotografien des Meisters der klassischen
Schwarz- weißfotografie. Der KalenBegeisterung für Natur und Landschafder überzeugt durch guten Druck, die
ten und ein Höchstmaß an technischer
großformatige Abbildung und natürlich
Präzision bei der Umsetzung der Bildideen
durch die faszinierenden Fotografien:
Adams‘ schier unerschöpflichen Oevre zeichnen Adams‘ Fotografien aus. Dank
zeigt und dazu noch Raum für tägliche dieser Zutaten haben sie über Jahrzehnte
Ansel Adams: 2015 Calendar
Notizen bietet:
hinweg nichts von ihrer Faszination
Monatskalender mit 13 Duoton-Fotos
verloren.
(Januar 2015 bis Januar 2016), Kalenderformat 39,5 x 32 cm, (aufgeklappt
In Deutschland sind beide Kalender
39,5 x 64 cm), Kalendarium englisch, Ansel Adams:
erhältlich bei:
Spiralbindung, Euro 17,50
2015 Engagement Calendar
Wochenkalender. 112 Seiten mit 53 Lindemanns Buchhandlung
Neben dem Wandkalender erscheint ganz- seitigen Duoton-Fotos, Format Tailfingerstraße 7, 70567 Stuttgart
für 2015 auch wieder ein Buchkalender, 24 x 21 cm, Kalendarium englisch, http://www.lindemanns.de/shop/titel.
der gleich 53 Fotografien aus Ansel Spiralbindung, Euro 17,50
php?wgr=13
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79
Pepper´s Photo Chat
»Die mystische
Atmosphäre, die
ich [in Indien]
kennenlernen
durfte, hat mich im
Leben und in meiner
künstlerischen
Arbeit nachhaltig
beeinflusst.« – Ein
Gespräch mit André
Wagner.
André Wagner. »Vibrations« (aus der Serie Romance of Elements), Indien 2004 (Original in Farbe)
graf beginnen. Als Jugendlicher hast weile weltbekannten Sprüher TASSO
du dich vor allem mit Graffiti beschäf- gemacht. Ich war auch derjenige, der
tigt. Zusammen mit deinem damaligen unsere Wände fotografisch dokumenPepper: Mit deinem aktuellen Buch Kumpel Lars Teichmann, der inzwi- tiert hat. Die habe ich dann immer als
»Visions of Time« ist eine Werküber- schen ein erfolgreicher Maler gewor- Collagen aus den einzelnen Bildern
sicht erschienen, die einen schönen Ein- den ist, hast du viele Jahre Bilder auf zusammen gesetzt.
blick in dein bisheriges Schaffen gibt. Wände gesprüht. Wie bist du dann zur In dieser Zeit wurde mir klar, dass die
Wieso hast du darin auf eine Chrono- Fotografie gekommen?
Fotografie mich inspirierte und sie wurde
logie verzichtet und die Arbeiten aus
zu meiner großen Leidenschaft. Es war
mehr als zehn Jahren durchmischt prä- André Wagner: In der 6. Klasse sind auch die Zeit, in der eine Entscheidung
sentiert?
Lars und ich in dieselbe Klasse gesteckt für Ausbildung oder Studium anstand.
worden. Da wir beide während der Leider konnte meine Familie sich überAndré Wagner: Weil Gedanken und Unterrichtsstunden gerne vor uns hin haupt nicht vorstellen, was die FotograVisionen bzw. Ideen auch nicht linear zu gemalt haben, sind uns unsere Gemein- fie für mich bedeutete und steckte mich
einem kommen, zumindest geht es mir samkeiten schnell aufgefallen. Daraus über familiäre Kontakte erst einmal in
so. Ich wollte meine eigene Ordnung ist dann die Idee entstanden, etwas mit eine Maurerlehre. Das war wie ein
im Buch finden und nicht diese intel- Graffiti zumachen. Und so haben wir Straflager, und nach 6 Monaten habe
lektuelle Idee von einem So-muss-es- angefangen, täglich gemeinsam in einer ich diese Lehre abgebrochen und habe
sein umsetzen. Mir geht es bei »Visions alten Fabrikhalle in der Nähe von unse- noch am selben Tag ein sechsmonatiof Time« nicht primär um die Darstel- rer Schule zu sprühen. An diesem Ort ges Praktikum bei einem Fotografen
lung linearer Zeit, auch nicht um Belich- haben wir uns dann ca. 4 bis 5 Jahre lang begonnen. Dieser Fotograf hat mich
tungszeiten usw. Diese Dinge möchte mit hunderten von kleinen und großen dann später auch ausgebildet.
ich eher hinterfragen. Es geht mir um bunten Bildern verwirklicht. Mit ca. 16
querdenkerische Prozesse und wie man Jahren habe ich von einem Aldi Markt Ich habe übrigens schon während
diese fruchtbar macht. Oftmals denke in der Nähe von Chemnitz eine legale meines zweiten Lehrjahres private Aufich einige Jahre über Ideen nach und Fläche bekommen, die dann unsere träge erhalten und u.a. Laura Bielau für
entsage dabei dem Drang diese sofort erste eigene »Hall of Fame« wurde. Die das Cover des UNI Spiegels fotografiert.
umsetzen zu wollen. Daher begleiten Wand war um die 300 Meter lang. Der Sie war später langjährige Assistentin
mich einige Inspirationen oder Visionen optimale Ort, um viele Graffiti-Künst- bei Michael Schmidt. Und 2000 war
eine ganze Weile lang. Ich kann sie so ler zum gemeinsamen Sprayen einzu- ich Preisträger beim Deutschen Jugend
für mich überprüfen und testen, also, ob laden.
Fotopreis.
sie Bestand haben.
Während dieser Sessions habe ich Pepper: Wow, toll. Wer war der FotoPepper: Das klingt sehr komplex. Lass auch mit dem Fotografieren angefan- graf, bei dem du in die Lehre gegangen
uns all dieses ein wenig aufschlüsseln. gen. Mein erstes bewusstes Portrait habe bist? Hatte er dein Talent erkannt und
Lass uns mit deinen Anfängen als Foto- ich mit einer Praktica von dem mittler- dich dann entsprechend gefördert?
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das Licht gehalten. Diese Lampe hatte ich auf der Photokina einigen Leute
eine offene Stromleitung und irgend- aus der Fotografie-Szene geben wollte.
wann während des Shootings wurde Eine CD hat Edith Stier-Thompsen von
mir klar, dass das lebensgefährlich war, der DPA von mir bekommen. Sie hat
auch durch die hohe Luftfeuchtigkeit im meine Arbeiten verschiedenen KontakBadezimmer. Ich werde dieses Shoo- ten gezeigt und so bin ich dem Fotograting nie vergessen, wir hätten alle ster- fen Stephan Gabriel aus Hamburg aufben können. Cartell Citycards hat von gefallen. Er war damals Redakteur bei
diesem Motiv damals zehntausende von einer Hamburger Zeitschrift. Er wiePostkarten gedruckt und Deutschland- derum kannte meine Agentin und so ist
weit verteilt.
schnell der Kontakt entstanden.
Pepper: Wie ging es nach der Ausbildung weiter?
Pepper: Wer war denn Cartell City
Cards?
André Wagner. »Spiritual Architecture - Durga
and Hanuman«, Indien 2014 (Original in
Farbe)
André Wagner: Für mich war es schon André Wagner: Eine Agentur, mit der ich
damals klar, dass ich nie ein guter zusammengearbeitet habe.
Angestellter sein würde, sondern dass
André Wagner: In den ersten Monaten ich mein eigener Boss sein musste. Ich Pepper: Mit was für einer Kamera oder
lief alles super, als er aber mal im Kran- habe es immer geliebt, meine eigenen welchen Kameras hast du damals gearkenhaus war und ich einspringen musste Ideen umzusetzen. Ca. ein Jahr nach beitet?
um Babyaufnahmen zu machen, verän- meiner Ausbildung habe ich mich im
derte sich die Situation total. Ich habe November 2002 als Fotograf selbststän- André Wagner: Mit einer Mamiya 645
das Baby damals nicht so fotografiert dig gemacht.
Pro und einer Canon 500N.
wie es Standard war, sondern mit einem
Weitwinkel, mit den Füßen ganz groß Pepper: Erzähle mir davon.
Pepper: Analog ist Dir heute auch noch
im Vordergrund. Das Gesicht hat man
sehr wichtig, oder?
nur noch klein im Hintergrund gesehen. André Wagner: Zu diesem Zeitpunkt,
Die Eltern waren geschockt und mein mit zwanzig, war ich mir ehrlich gesagt André Wagner: Ja, ich liebe es analog zu
Chef nicht glücklich darüber. Ich fand noch gar nicht bewusst darüber was es fotografieren und ich mag speziell den
es dagegen innovativ. Er reagierte sehr bedeutet, selbstständig zu sein. Einfach analogen Film Fuji Reala 100. Leider ist
wütend und ich durfte ab diesen Moment waren die ersten Jahre nicht. Meine die Produktion dieses Films eingestellt
nie wieder Kundenbilder machen. Im damalige Agentin aus Berlin, mit der ich worden.
Nachhinein empfinde ich das als großes schon während meiner Lehrzeit zusamGlück. Ich konnte danach meine eige- mengearbeitet hatte, hat mir die Selbst- Pepper: Gibt es digitale Kameras, mit
nen Shootings umsetzen, weshalb ich ständigkeit vorgeschlagen; auch weil denen du das erreichst, was du fotogradie restlichen zwei Jahre meiner Aus- ich ja schon während der Ausbildung fisch anstrebst?
bildung eigentlich eher als Autodidakt für Magazine gearbeitet hatte.
verbrachte. In der Berufsschule kamen
André Wagner: Ich finde analog und
meine selbstproduzierten Bilder aber Pepper: Kannst du das näher erläu- digital ist überhaupt nicht dasselbe. Jede
super gut an und ich wurde in meiner tern? Was hast du für Magazine foto- Kamera und vor allem jedes Objektive
eigenen Sicht bestärkt.
grafiert? Und wie bist du zu einer Agen- hat seinen eigenen Charakter. Es gibt
tin gekommen, wie hat sich das erge- Bilder, die ich nur machen konnte, weil
Pepper: Was für Themen haben dich in ben?
ich genau die eine Kamera dabei hatte.
dieser Zeit interessiert?
Manche Bilder mache ich nur digital, da
André Wagner: Mein erstes Shooting weiß ich ganz genau, das ich mit einer
André Wagner: Ich war sehr experi- für ein Magazin war eine Fotostrecke Analogen gar nicht erst anfangen muss.
mentell unterwegs. Ich habe Menschen über Brian Molko von der Band Placebo. Umgekehrt ist es genauso.
angemalt und in Landschaften fotogra- Und dann habe ich Matthias Schweigfiert, Nackte bei minus 20 Grad posie- höfer fotografiert. Es waren immer Por- Pepper: Wofür verwendest du bevorren lassen und ich habe gerne Selbst- traits, die sehr schnell gehen mussten. zugt analog und wofür digital?
portraits gemacht. Mein erstes Shoo- Für ein Shooting hatte ich oft nicht mehr
ting habe ich mit zwei nackten Frauen als zwanzig Minuten Zeit. Ergeben hatte André Wagner: Ich arbeite sehr intuiin einer Badewanne gemacht, die sich sich das alles nach meiner Preisverlei- tiv und habe auf Reisen oft vier Kamein einem alten Haus ohne Heizung hung 2000 auf der Photokina.
ras dabei: ein bis zwei digitale, sowie
befand. Das war im Winter. Der kleine Ich hatte damals mit Cartell City Cards meine Mamiya 7 und eine Panoramaca. zehn Jahre alte Bruder der Freundin, aus Chemnitz eine Bewerbungs-CD kamera mit 6 x 17 cm. Außerdem bis
die mir Modell stand, hat eine Lampe für mit meinen Bildern vorbereitet, die zu zwölf Objektive. Ich hab es noch
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nie geschafft nur eine einzige Kamera
zu verwenden. Ich würde mich eingeengt und in meiner Kreativität limitiert
fühlen. Es wäre natürlich eine Form
von Freiheit mit nur leichtem Gepäck
zu reisen, doch das ist zurzeit nicht das,
was ich möchte. Mir gefällt es auch, bei
meinen Ausstellungen all die verschiedenen Formate zu sehen.
Pepper: In deinen Ausstellungen dominieren die Landschaften, teilweise kombiniert mit Aufnahmen von deinen Lichtperformances, die ja auch in oft weiten
Landschaften inszeniert wurden. All
diese Fotos sind Resultate deiner vielen
Reisen. Wenn ich mich jetzt richtig
erinnere bist Du bereits mit 18 Jahren
das erste Mal nach Indien gereist. Das André Wagner. »Coming Down«,
heißt, dass die kommerziellen Aufträge New York 2010 (Original in Farbe)
parallel zu diesen eher freien Arbeiten
entstanden sind. Ist es jetzt auch noch Vordergrund steht. Ansonsten möchte
so, dass es ein Miteinander von freier ich mich als Fotograf vom kommerziund Auftragsarbeit bei dir gibt? Oder ellen Angebot her nicht mehr so breit
hast Du Dich irgendwann entschieden aufstellen. Ich möchte lieber genug Zeit
nur künstlerisch tätig zu sein?
für die Organisation meiner inzwischen
zahlreichen Ausstellungen haben und
André Wagner: Anfangs gab es beides. für die Kommunikation mit Galeristen
Ab 2006 aber, als ich für vier Monate in und Sammlern usw.
Neuseeland war, um dort an meiner Feuerserie »Romance of Elements« zu arbei- Pepper: Was war Deine erste Reise, die
ten, hat sich einiges verändert. Wäh- Du vor allem wegen einer fotografirend dieser Zeit konnte ich ja keine Auf- schen Idee unternommen hast?
träge in Deutschland annehmen, weshalb andere Fotografen meine regelmä- André Wagner: 2004 nach Indien.
ßigen Aufträge bekommen haben, die
ich dann auch los war. Ich selbst hatte Pepper: Weshalb Indien? Und was hast
nach der Reise auch nicht mehr so rich- Du dort fotografiert?
tig Lust auf Magazinaufträge. Auch weil
ich der Ansicht bin, dass Fotos in Maga- André Wagner: Ich habe eine Pilgerzinen wie Graffitis in Berlin sind: sie reise gemacht und dabei ebenfalls an
sind nicht lange von Bestand. Bei der »Romance of Elements« gearbeitet.
künstlerischen Fotografie ist es genau
das Gegenteil. Man fotografiert bei- Pepper: Was für eine Pilgerreise und
spielsweise einen Moment in der Natur, aus welchem Anlass?
hält diesen aber für die Ewigkeit fest.
Wenn ein solches Foto in einer Kunst- André Wagner: Ich war an verschiesammlung landet, dann wird es wahr- denen Orten, in Vrindavana, Navadscheinlich ein langjähriger Begleiter für vip, Rishikesh. In Mayapur, einer spiriden Menschen. Dafür mache ich Fotos tuellen Stadt im Westen Bengalens, war
und das ist für mich persönlich sinnvol- ich in einem Tempel, in dem eine große
ler als bloß einen Modetrend zu illust- Einweihungszeremonie für die Gottheit
rieren und zu bewerben.
Sri Pancha-Tattva stattfand, die von hunderttausenden Pilgern besucht wurde.
Ich liebe es aber für Kunst-am-Bau-Pro- Dort bin ich für ca. zwei Wochen gebliejekte zu arbeiten. Das sind kommerzi- ben und habe das Fest fotografiert. Dort
elle Aufträge, die ich auch heute noch habe ich auch sehr viele inspirierende
gerne mache, weil dort meine Kunst im Menschen getroffen. Die mystische
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Atmosphäre, die ich dort kennenlernen durfte, hat mich im Leben und in
meiner künstlerischen Arbeit nachhaltig beeinflusst.
Pepper: Wie hat sich dein Leben und
deine Arbeit dadurch verändert?
André Wagner: Ich habe das Kiffen für
die Meditation aufgegeben [lacht]. Ja
wirklich. Durch Berauschung verliert
man Entschlossenheit. Wenn man nicht
mehr kifft, hat man auf einmal viel mehr
Zeit für seine Kunst und für das Leben.
Alles wird dadurch ehrlicher. Außerdem bin ich in Indien zum Vegetarier
geworden. Ich habe ein anderes Weltbild gewonnen und ein größeres Mitgefühl entwickelt.
Pepper: Erzählst du mir etwas über die
Bildserie »Romance of Elements«? Wie
ist die Idee dazu entstanden und wie
bzw. wo hast du sie umgesetzt?
André Wagner: Es geht mir in dieser Serie
um die fünf Elemente: Feuer, Wasser,
Luft, Erde und Raum. Jedes dieser Elemente ist in allen Lebewesen vorhanden. Zum Beispiel das Feuer, das ich
durch den Raum trage und mittels Langzeitbelichtung fotografiere, symbolisiert
die Seele bzw. die Energie, die wir wahrnehmen. Es sind für mich Selbstportraits, nicht im Sinne von einer Darstellung des Körpers sondern von menschlicher Energie.
Pepper: Kannst du mir noch etwas zu
den fünf Elementen sagen?
André Wagner: Das Feuer ist Träger
von Farbe und Licht, die Erde trägt den
Geruch, das Wasser den Geschmack,
der Raum den Klang und die Luft ist
die Berührung.
Pepper: Weshalb hast Du für uns Europäer exotische Orte aufgesucht, um
Deine Bildideen zu realisieren?
André Wagner: Ich habe Indien für mich
aufgesucht, weil ich dieses Land kennenlernen und erfahren wollte. Viele
Bildideen haben sich dann vor Ort entwickelt.
Für mich sind die Orte auch gar nicht
exotisch. Es sind Orte, die mich emoti-
onal inspirieren. Und die liegen bei mir Vorstellung wie groß diese sein müssen.
eben häufig in der Ferne. Ich mag Orte, Was für Präferenzen hast du beispielsdie mystisch und geheimnisvoll sind.
weise bei den Landschaften?
Pepper: Im Frühjahr warst du auf Island. André Wagner: Da gibt es keine VorMystisch und geheimnisvoll ist die Insel züge, egal ob es sich um Landschaftsja auf jeden Fall. Was hast du dort foto- aufnahmen oder Stadtaufnahmen hangrafiert?
delt. Zum Beispiel: das Panoramaformat
lasse ich in drei Größen, in 40 x 120 cm,
André Wagner: Vor allem Gletscher, die 60 x 180 cm und 100 x 300 cm als limiLandschaften und Steinkegel.
tierte Edition produzieren.
Pepper: Reine Landschaftsfotografie? Pepper: Und auf was für Papierarten
Was war dir bei den Aufnahmen wich- fertigst du die Arbeiten bevorzugt?
tig? Wolltest du ein bestimmtes Bild von
Island zeigen?
André Wagner: Ich stimme jedes Bild
individuell ab und mache verschiedene
André Wagner: Nein, ich bin nicht nach Proofs auf mehreren guten Papierarten.
Island gereist, um ein bestimmtes Bild Dann entscheide mich für das geeigzu produzieren. Für mich stellte sich netste.
eher die Frage: was macht das Land mit
mir? Das war eine neue Erfahrung; diese Pepper: Welche Rolle spielt Licht in
Ruhe dort, diese weiten Landschaften Deinen Arbeiten? Sowohl in Deinen
und dann vor allem diese hellen Nächte. Aufnahmen, in denen performative
Um in dieser ungewohnten Situation Elemente die Grundlage darstellen, als
fotografieren zu können habe ich das auch in den meisten Landschafts- und
Land auf mich einwirken lassen, habe Stadtaufnahmen ist es von elementarer
mir erst einmal ein Bild gemacht.
Bedeutung. Du arbeitest ja auch bevorzugt in der Nacht.
Pepper: Wie muss ich mir das vorstellen,
wenn du sagst, dass du dir erst einmal André Wagner: Ja, Du hast schon recht.
ein Bild machst bevor du loslegst? Reist Licht ist die Farbe in meinen Bildern
du umher, suchst geeignete Orte und und es ist mir wichtiger als die Orte an
kehrst dann zu diesen Orten zurück um sich. Manchmal ist es mir auch wichtidie Aufnahmen zu machen?
ger als die Personen. Licht, oder auch
die Abwesenheit davon, macht ein Bild
André Wagner: Das ist jedes Mal anders. in meinen Augen oft besonders.
Manchmal komme ich nach Jahren
wieder zurück, ein anderes Mal kommt Pepper: Ich merke in vielen Deiner Antmein erster Besuch genau zur richtigen worten, dass Du beinahe spirituell an
Zeit. Ich meine übrigens, dass wir nicht Deine Fotografie herangehst. Es kommt
nur mit den Augen sehen. Manchmal Dir eigentlich gar nicht so sehr auf die
kann man ein Motiv erst durch eine Motive an. Dich interessiert eher das,
gewisse Erfahrung, oder durch hinzu- was dahinter steckt, Dinge, die Dich
gewonnenes Wissen erkennen.
in irgendeine Weise persönlich berühren, bewegen, zum Nachdenken anrePepper: Kannst du noch mal auf deine gen. Die Motive scheinen Vehikel zu
Motivsuche in Island zurückkommen? sein, die Dir behilflich sind, irgendetwas dahinter zu entdecken, das mit
André Wagner: Nach Island bin ich Deinen Gefühlen und Empfindungen
komplett ohne eine visuelle Idee für einhergeht. Liege ich mit dieser Intermeine Fotos gekommen. Ich hatte nur pretation daneben?
ein bestimmtes Gefühl, eine Emotion.
Und es war ein Land, das ich bis dahin André Wagner: Nein, das hast Du absonoch nicht kannte.
lut richtig beobachtet. Ich versuche ohne
Zwang an meine Arbeit heranzugehen.
Pepper: Wenn du die Bildergebnisse in
Prints umsetzt, hast du bestimmt eine
Pepper: Du wirst in diesem Spätsommer
auf der Photokina in Köln einer Einladung folgen und eine umfangreiche Präsentation deiner Fotos zeigen. In 2016
wirst du eine erste große Einzelausstellung im Museum Moritzburg Halle an
der Saale haben. In beiden Ausstellungen werden die Besucher begeistert
und angerührt vor deinen Aufnahmen
aus Indien und Island stehen und vor
all den anderen Bildern, die du möglicherweise zeigen wirst. Denkst du,
dass diese Betrachter wirklich in der
Lage sind, das, was du eigentlich zeigen
möchtest, auch zu sehen bzw. zu erleben? Bleibt das, was du mit deinen Aufnahmen für dich selbst anstrebst, nicht
eigentlich allen anderen verborgen?
André Wagner: Ich würde mich natürlich freuen, wenn ich die Besucher mit
meinen Arbeiten begeistern kann. Aber
letztendlich hängt es von jedem einzelnen Betrachter und seinen persönlichen
Interessen ab. Ich habe darauf keinen
Einfluss und ich finde, dass das auch
gut so ist. Ein schönes Erlebnis hatte
ich mal bei einer Ausstellung meiner
Serie »Romance of Elements«. Da ist
eine Gruppe von Kindern total inspiriert gewesen und die sind dann direkt
auf mich zugekommen und haben mir
ihre Wahrnehmungen und Kinderphantasien als Reaktion auf meine Bilder mitgeteilt. Das fand ich toll. Ein anderes
Mal stand eine Frau weinend vor einem
Indienbild und hat mir erzählt, wie stark
sie diese Arbeit berührt.
Ein Kunstwerk trägt meist eine Spannung in sich, hat eine gewisse Energie,
die meiner Meinung nach ein Spiegel
des Bewusstseins des Künstlers ist.
Das Gespräch wurde im August 2014
geführt.
www.andre-wagner.com
www.pepperproject.de
www.obstundmuse.com
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Ausstellungen
Siegfried Utzig
»Stolper Heide«
Die Landschaft der Stolper Heide ist
an sich wenig spektakulär, wie wahrscheinlich 95 Prozent der Landschaften in denen wir leben, wenig spektakulär sind. Das Photoprojekt Stolper Heide will daher zunächst zeigen,
dass auch alltägliche und banale Landschaften ein lohnendes Objekt für die
Landschaftsphotographie sein können.
Es belegt aber vor allem: Für attraktive
Landschaftsphotographie muss man
nicht weit reisen.
Die Stolper Heide – ein Landstrich zwischen der nördlichen Stadtgrenze von
Berlin-Frohnau und den Gemeinden
Hohen Neuendorf im Nordosten, Stolpe
im Norden und der Autobahn A111 im
Westen – liegt für den in Frohnau lebenden Fotografen vor der Haustür. Mit den
Worten des berühmten amerikanischen
Fotografen Paul Strand zu sprechen, handelt es sich hier also um »the world on
my doorstep« im besten Sinne.
© Siegfried Utzig
Zwischen Dezember 2012 und Dezember 2013 erschloss Siegfried Utzig im
Abstand von wenigen Tagen kontinuierlich das nur wenige Quadratkilometer umfassende Gebiet von unterschiedlichen Standpunkten, aus verschiedenen Blickwinkeln, zu den sich
wandelnden Jahreszeiten und bei unterschiedlichen Wetter- und Lichtverhältnissen. Auf diese Weise entstand ein
lebendiges und vielfältiges Portrait von
insgesamt mehr als 70 Schwarz-WeissPhotographien dieses kleinen Landstriches am Rande Berlins.
Das Photoprojekt Stolper Heide soll
aber auch einem weiteren Zweck
dienen. Durch die kontinuierliche photographische Erfassung über ein ganzes
Jahr ist ein photographisches Archiv entstanden. Dieses Archiv kann nun dazu
dienen, zukünftige Veränderungen –
etwa bedingt durch Klimawandel oder
veränderte Landschaftsnutzung – zu
dokumentieren.
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© Siegfried Utzig
9. Januar bis 27. Februar 2015
Rathaus Hohen Neuendorf
Oranienburger Straße 2
16540 Hohen Neuendorf
Ausstellungen
© Siegfried Utzig
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Ausstellungen
Siegfried Utzig
wurde 1955 in St. Wendel/Saar geboren. Er lebt und arbeitet seit mehr als 15
Jahren in Berlin. Er beschäftigt sich seit
über drei Jahrzehnten mit der Fotografie. Über die Zeit haben sich verschiedene Vorlieben bezüglich der Themenwahl herausgebildet und weiterentwickelt. Neben der Landschaftsfotografie,
die in ihren unterschiedlichen Formen
sicherlich im Zentrum der fotografischen Arbeit steht, gehört dazu auch
die Architektur.
Obwohl Siegfried Utzig der digitalen
Fotografie nicht abgeneigt ist, blieb er
über die Jahre dem Film als Aufnahmemedium treu. Als überzeugter SchwarzWeiß Fotograf nutzt er für seine Portfolios ausschließlich Rollfilm und die Formate 6x6 bis 6x9. Die digitale Seite der © Siegfried Utzig
Fotografie kommt ins Spiel, wenn es um
die Herstellung von Kontaktnegativen
für die Anwendung historischer photographischer Verfahren geht. Neben dem
Bromöldruck nutzt Siegfried Utzig vor
allem die Verfahren der Cyanotypie, der
Kallitypie und des Salzdrucks für seine
Arbeit. Sie sind für ihn wichtige Elemente der Bildgestaltung, da durch die
Kombination von alter Technik und zeitgenössischer Photographie eine unverwechselbare fotografische Ästhetik entsteht. Für eine Auswahl aus dem Port- © Siegfried Utzig
folio Stolper Heide ist eine Umsetzung
als Kallitypie in Vorbereitung.
2007 Abschied aus dem Ferrozän,
Bromöldrucke, Galerie Freiraum, Glückstadt
2008
Photographische Edeldrucke,
Galerie im Mobilcenter Potsdam, Potsdam.
2011
Spree-Veduten, Café Aroma
Photogalerie, Berlin
2013
Bromöldrucke, Galerie Fototreppe 42, Hanau
Einzelausstellungen
2003
Lava und Eis, Landschaftsfotografien aus Island, Bromöldrucke, Galerie für Fotografie
Georg Eichinger, Berlin.
2004
Lava und Eis, isländische
Impressionen, Bromöldrucke,
Robert-Koch-Institut, Berlin
2005
Abschied aus dem Ferrozän,
Bromöldrucke, Monochrom,
Berlin
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Website:
www.siegfriedutzig.eu
© Siegfried Utzig
© Siegfried Utzig
Ausstellungen
© Siegfried Utzig
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Manfred Claudi
Seit Manfred Claudi in den 70er Jahren
als Lehrer nach Berlin kam, fotografiert er regelmässig und hat sich an der
»Werkstatt für Fotografie Kreuzberg«
u.a. bei Wilmar Koenig und bei Ingo
Taubhorn (derzeit Kurator Deichtorhallen Hamburg) fort- und weitergebildet.
In den 90ern hat er auch Fotografie als
Nebengewerbe kommerziell betrieben.
Seit seiner Pensionierung als Schulleiter in Kreuzberg arbeitet Manfred
Claudi ehrenamtlich als Fotograf z.B.
im Rahmen der Mendelssohn-Gesellschaft und fotografiert dort seit fünf
Jahren Konzerte. Aber auch in seinem
Kiez ist er ständig unterwegs. So fotografiert er auch die Lesungen in der Buchhandlung »Ferlemann & Schatzer«. Die
Fotos werden öffentlich im Netz gezeigt
und über einen jeweiligen Verteiler dem
interessierten Publikum zur Kenntnis
gebracht.
Die »Stolperstein-Aktion« aus dem Jahr
2012 in der Trautenaustraße in Wilmersdorf, in der in einem Abschnitt der
Strasse alle Stolpersteine am selben Tag
verlegt wurden, hat er dokumentarisch
begleitet.
In der Kreuzberger Fotografen Vereinigung ist Manfred Claudi aktiv und
hat dort Workshops z.B. zu folgenden Themen initiiert und geleitet: digitale SW Fotografie, Bildgestaltung und
Street-Fotografie.
Schwerpunkte der fotografischen Arbeit
von Manfred Claudi:
• Mendelssohn-Remise, Konzerte z.B.
von Studenten und Absolventen der
Hochschule für Musik (HfM), der Universität der Künste (UdK) und des Jazz
Institut Berlin und andere Veranstaltungen/Events der MG
• Lesungen in der Buchhandlung
»Ferlemann + Schatzer«
• Kreuzberger Fotografen Vereinigung:
digi SW + Bildgestaltung + Street
• Kiezfotografie z.B. Stolpersteine,
Strassenfeste im Kiez etc
• Unterstützung junger Musiker/innen
mit Fotografie
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© Manfred Claudi, »H. Lange«, Schriftsteller
© Manfred Claudi, »Michael Maar«, Schriftsteller
© Manfred Claudi, »Monika Maron«,
Schriftstellerin
© Manfred Claudi, » Rafael Seligmann«,
Schriftsteller
Weitere langfristige Projekte (zum Teil
über Jahre hinaus):
• Dorfkirchen im Osten Deutschlands
Übergang - Stadt – Land
• Der Rote Schirm
• Wellen + Wald
• radius 2000m / kiezspaziergänge
Ein amerikanischer Fotograf hat mal
sinngemäß gesagt, Fotos in Farbe spiegeln die Oberfläche, in Schwarz-Weiß
die Seele wider. Soweit muss man nicht
gehen, aber der Ausdruck einer Person,
vielleicht sogar ihr Charakter, lassen
sich in Schwarz-Weiss – nach Meinung
von Manfred Claudi - leichter sichtbar
machen. Daran arbeitet er.
© Manfred Claudi, »K. Wagenbach«, Verleger
© Manfred Claudi, »H. v. Berenberg«, Verleger
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© Manfred Claudi, »Aurélie Olivéros«, Musikerin
© Manfred Claudi, »Diana Tishchonko«, Musikerin
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© Manfred Claudi, »Ruiko Matsumoto«, Musikerin
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© Manfred Claudi, »Ni Fan«, Musikerin
© Manfred Claudi, »Seoyoung Jang«, Musikerin
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© Manfred Claudi, »Christiana B. Jesperson«, Musikerin
© Manfred Claudi, »Shal&Uromov«, Musiker
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© Manfred Claudi, street-workshop # 1
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Fotoszene
Jugendfotografie
- juvenil oder
avantgardistisch?
Der Autor dieser Zeilen ist nicht verdächtig noch der Gruppe der Jugendlichen
anzugehören - was ja per se noch kein
Unglück wäre.
Bedauerlich ist es aber durchaus, dass
es in der Fotografie auch keine wesentlichen Berührungspunkte zwischen Jung
und Alt gibt - die Szenen bleiben irgendwie unter sich. Das mag sicherlich auch
an den sehr unterschiedlichen fotografischen Kommunikationswegen liegen.
Die »Alten« haben meistens feste Gruppen mit denen sie ihre Arbeiten besprechen und eine öffentliche Präsentation
erfolgt eher durch Fotoausstellungen in
entsprechenden Galerien.
Die Jugendlichen nutzen überwiegend
soziale Netzwerke und den Datentransfer per Smartphone.
Dadurch entsteht eine unglaubliche
Spontanität und zeitnahe Kommunikation über die Bilder. Eine wichtige Frage
stellt sich unabhängig von den Kommunikationswegen:
Gibt es Unterschiede bei Inhalt und Form
zwischen Jugend- und Erwachsenenfotografie?
Ich war vor einigen Wochen in der Jury
des Jugendfotowettbewerbs des Deutschen Verbandes für Fotografie. Im
Gegensatz zu früheren Wettbewerben
dieser Art, waren diesmal keine Einzelbilder, sondern zusammenhängende
Bildstrecken gefordert. Ich war gespannt,
wie die Jugendlichen - zum Teil ja auch
noch Kinder - mit der Anforderung einer
Bildstrecke zurecht kommen würden.
Michelle Wollscheid, (14 Jahre), »Selfies«, DVF-Deutsche Jugendfotomeisterin 2014
Als die Bilder auslagen, war ich absolut überrascht über den Ideenreichtum Sämtliche Autoren der Spitzengruppe Viele erwachsene Fotografen sind sehr
und vor allem auch die Spontanität der zeigten eine ganz individuelle Hand- »final«, das bedeutet, zielorientiert ausPortfolios. Eine große Zahl der Teilneh- schrift die authentisch und emotional gerichtet, immer vor Augen wie das Bild
mer hat Themen aus ihrem unmittelbaren war - bei den Erwachsenen eine fast wirkt. Sei es, dass erfolgreiche BildspraUmfeld gewählt, also Dinge und Ereig- schon verlorene Eigenschaft...
chen kopiert werden oder der kommerzinisse, mit denen sie besonders konfron- Um die Eingangsfrage zu beantworten: elle Gesichtspunkt, wie sich das Bild vertiert waren. Besonders unter die Haut Ich empfand viele Serien dieses Wett- kaufen lässt, im Vordergrund steht.
ging eine Serie, die sich mit dem Thema bewerbs durchaus als avantgardistisch. Ich hoffe, dass diese »Ursprünglichkeit«
»Mobbing« beschäftigte - konsequent bis Sie zeigten in der Regel ungewöhnliche der Fotografie, die ich bei der Juriezur Suiziddarstellung im letzten Bild...
Sichtweisen und bewiesen eine »kau- rung des Jugendwettbewerbs empfunAuch die sogenannten »Selfies«, also sale« Motivation der Teilnehmer, das den habe, den Teilnehmern noch lange
Selbstporträts, sind spezielle fotografi- heißt, die Bilder kamen von innen und erhalten bleibt...
sche Ausdrucksformen der Jugend.
transportierten Emotionen der Autoren.
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Buchbesprechung
Fotokurs Straßenfotografie
Schwarzweiß-Fotografie.
Makrofotografie
Die große Fotoschule
Gestaltung, Licht und Technik in Natur
und Studio
Szenen, Menschen und Orte im
urbanen Raum fotografieren
Cyrill Harnischmacher
André Giogoli
Meike Fischer / Rudolf Krahm
Verlag: dpunkt.verlag
ISBN: 978-3-86490-084-6
358 Seiten, Festeinband, komplett in
Farbe, 2. erweiterte Auflage
39,90 Euro�
Im brennpunkt 2/2014 bin ich bereits
auf die Schwierigkeiten der Streetfotografie eingegangen. Um so mehr freue
ich mich, hier ein empfehlenswertes
Lehrbuch zu diesem Thema vorstellen
zu dürfen.
Die beiden Autoren beschreiben ihr
Buch als Anleitung zum Fotografieren
des »urbanen Raumes« - gewissermaßen als eine visuelle Wiederspiegelung
des Lebens vor der eigenen Haustür.
Mir hat an diesem Buch besonders
gefallen, dass die Autoren nicht nur auf
die technischen Erfordernisse eingehen,
sondern auch die mentalen Voraussetzungen beschreiben, die der Fotograf für
sich schaffen muss, um sich auf das Straßengeschehen einzulassen.
Selbstverständlich setzen sie die Autoren auch mit den rechtlichlichen Aspekten der Straßenfotografie auseinander leider ein immer unverzichtbarer Aspekt.
Alles in allem eine Fundgrube an Tricks
für »fotografische Herumtreiber«.
Verlag: Galileo Design
ISBN: 978-3-8362-1962-4
322 S. 2014, gebunden, in Farbe
39,90 Euro�
Die Schwarzweißfotografie als älteste und nach Meinung vieler - auch edelste
Form der Fotografie hat nicht nur die
digitale Revolution unbeschadet überlebt, sondern auch von ihr profitiert.
Der Autor ist ausgebildeter Fotograf
und lehrt am Lette-Verein in Berlin. In
seinem aufwändig produziertem Werk
stellt er analoge und digitale Technik
nebeneinander und widmet sich den
jeweiligen Vor- und Nachteilen.
Sehr interessant ist auch die Gegenüberstellung von farbigen und schwarzweiß Interpretationen des gleichen
Motivs - hier wird deutlich, wie häufig
aus monochromer Sicht wirklich das
bessere Bild resultiert.
Das Buch ist nicht nur fachlich eine
absolute Empfehlung, sondern auch
ein bibliophiler Leckerbissen hinsichtlich Druck und Aufmachung.
Verlag: dpunkt.verlag
ISBN: 978-3-86490-086-0
334 Seiten, Festeinband,
komplett in Farbe
36,90 Euro �
Makrofotografie ist ja häufig ein Interessengebiet von fotografischen Einsteigern
- meistens beschränkt sich die Motivauswahl dann auf Blumen und Insekten.
Auch darauf geht der Autor in seinem
Buch ausführlich ein und zeigt beeindruckende Bildbeispiele.
Ich persönlich fand aber beim Studium
dieses Werkes andere Motivbereiche
viel spannender, zum Beispiel die Anleitung zum Fotografieren von Rauch. Der
übrigens mitnichten von einer »Cohiba«
stammt, wie man bei vielen bisherigen
Veröffentlichungen denken könnte, sondern von einem weihnachtlichen Räucherkegel!
Auch diverse Anleitungen zum Bau eines
heimatlichen Makrostudios zeigen eindringlich, dass man gute Naturfotografie gelegentlich auch im heimischen
Wohnzimmer praktizieren kann.
Für fotografische Liebhaber kleiner
Dinge gehört dieses Buch unbedingt
dazu!
brennpunkt 4/2014
101
Vorschau 1/2015
brennpunkt 1-2015
erscheint am
7. Januar 2015
Auf
ein
Neues
2015
© HIACYNTA JELEN, »mystic skycraper«
© Nadja Siegl
© HIACYNTA JELEN
© HIACYNTA JELEN, »franfurt«
Leserfotos
© Frank Kirchner
102
brennpunkt 4/2014
© Frank Kirchner
Vorschau 1/2015
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Vorschau 1/2015
104
brennpunkt 4/2014

Brennpunkt - edition dibue

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