Untitled - Dan Galeria

Transcrição

Ferreira Gullar
1ª Edição
2011
São Paulo SP Brasil
2
3
Sumário
4
Homenagem2 /An Homage2 / Flavio Cohn
6/7
Texto / Text / Ferreira Gullar 8/9
Indíce de artistas / obras e biografias
Index of Artists / Works and Biographies
11
5
Homenagem2
Flávio Cohn
6
Quem criou o quadrado?
Será que o quadrado surgiu na história da humanidade como resultado da
intenção do homem de organizar e suplantar a força orgânica da natureza?
Na história a arte, Malevitch, Mondrian e Albers, foram os grandes propulsores do quadrado como expressão artística pura e essencial.
Na natureza não encontramos o quadrado, na sua forma pura, mas esta forma que é universal e atemporal está presente em todas as civilizações, desde as
antigas até a contemporânea e faz parte de quase tudo em nossas vidas.
Escolhi então o quadrado, como tema para organizar esta exposição com
obras de artistas que criaram a partir de, e, com a forma do quadrado.
Cada artista, dentre estes aqui selecionados, busca transformar o quadrado
em uma forma única, própria e individual.
Essa tarefa é, por si só, tão árdua quanto a própria criação do quadrado, porém
é exatamente essa dificuldade que traz sentido ao desafio de ser artista e à missão de criar e de tentar superar-se e ao que já foi criado antes.
Poderemos observar e acompanhar nesta exposição obras que expressam
essa busca individual e coletiva, cujos destacados artistas nos apresentam e
propõem, uma homenagem ao quadrado.
An Homage2
Flávio Cohn
Who created the square?
Could it be that the square arose in the history of humankind as a result of
man’s intention to organize and supplant the organic power of nature?
In the history of art, Malevitch, Mondrian and Albers were key proponents of
the square as a pure and essential artistic expression.
We do not find the square in nature, in its pure form, but this universal and
timeless form is present in all the civilizations, from ancient times up to our days,
and is part of all our lives.
I therefore chose the square as the theme for organizing this exhibition with
works by artists who create based on, and with, the form of the square.
Each of the artists selected here seeks to transform the square into a unique
and individual form.
This task in itself is as arduous as the very creation of the square, but it is
precisely this difficulty that imparts meaning to the challenge of being an artist,
and to the mission of creating and striving to surpass oneself and what has been
created previously.
In this exhibition we can observe and accompany works that express this
individual and collective search, whose outstanding artists present and propose
to us an homage to the square.
7
Ferreira Gullar
8
O quadrado surge na pintura moderna, como elemento temático, em conseqüência do abandono, pelos artistas, da linguagem figurativa.
Esse abandono, de fato, não se deu como um simples salto para transpor
a fronteira entre a figuração e a abstração. Na verdade, ainda que abrupta, a
mudança cumpriu algumas etapas, que começaram com Cézanne e culminaram
com o Cubismo de Picasso e Braque. Embora nenhum deles tenha adotado a
linguagem abstrata, abriram o caminho para ela ao geometrizarem as formas
naturais, “cubificando-as”, para usar a expressão de Matisse, que deu origem ao
nome daquele movimento artístico.
O salto qualitativo foi dado por Mondrian que, ao conhecer as experiências cubistas, iniciou uma espécie de desmaterialização da linguagem figurativa até chegar às
construções geométricas puras, que definiu como Neoplasticismo. Em seus quadros
daquela época, nos quais preponderam os ritmos estruturais da vertical e da horizontal, o quadrado e o retângulo são as únicas formas que constituem sua pintura.
Por outro lado, o russo Malévitch, partindo do Cubismo e do Futurismo, também caminhou para a linguagem abstrata, sem no entanto ater-se a construções
preponderantemente ortogonais; pelo contrário, explorou o dinamismo de formas que se contrapõem e se justapõem nas composições que inventava.
Mas há um momento em que a sua busca formal parece necessitar de algo
essencial: é quando pinta uma tela intitulada Quadrado negro sobre fundo branco. Este é, ao que tudo indica, o momento crítico de sua experiência pictórica,
que o levará a trocar as composições sobre o suporte bidimensional da tela,
pelas “construções suprematistas”, no espaço tridimensional.
A opção dos artistas pela linguagem abstrata, ao mesmo tempo que os liberta da referência ao mundo real e lhes oferece ampla liberdade para compor seus
quadros, põe em questão a validade de uma tal linguagem: trata-se de algo necessário ou de composições arbitrárias meramente decorativas? Esses e outros
questionamentos terão possivelmente conduzido alguns pintores a buscar um
fator essencial para a expressão geométrica. O quadrado parece ter se tornado,
para alguns deles, esse elemento irredutível, talvez porque sua forma regular e
absolutamente simétrica o torne, ao mesmo tempo, essencial e neutro.
Tal vez tenha sido essa a razão por que também, mais tarde, Josef Albers o escolheu como tema de uma célebre série intitulada Homenagem ao quadrado. Essa
minha observação talvez não seja tão despropositada, como poderá parece, se se
leva em conta que, naquela série, o fundamental não é a forma (o quadrado) mas
a cor. Arrisco imaginar que, por ter na exploração da cor o propósito daquela série
de telas, o quadrado tenha sido usado como a forma possível que a cor assume,
uma vez que ela, por si, não tem forma. Enfim, o que pretendo dizer é que, mais
uma vez, afirma-se, na linguagem abstrata da pintura, a essencialidade do quadrado: por desejar mostrar a cor como fenômeno ótico-pictórico, sem ênfase que lhe
alterasse a verdade, Albers se vale do quadrado que, por ser apenas regularidade
e equilíbrio, é o suporte ideal para a cor que quer apenas ser cor.
Ferreira Gullar
The square arose in modern painting as a thematic element, in consequence
of the artists’ abandonment of the figurative language.
This abandonment did not take place in a single leap across the border between
figuration and abstraction. Actually, even though abrupt, the change involved several steps, which began with Cézanne and culminated with the cubism of Picasso
and Braque. Although none of them adopted the abstract language, they opened
the way to it by geometricizing the natural forms, “cubifying” them, to borrow an
expression from Matisse, who coined the name for that artistic movement.
The qualitative leap was taken by Mondrian, who, taking the cubist experiments further, began a sort of dematerialization of the figurative language to arrive
at pure geometric constructions, which he defined as neoplasticism. In his works
from that time, in which the vertical or horizontal structural rhythms predominate,
the square and the rectangle are the only forms that constitute his painting.
On the other hand, the Russian artist Malevich began at cubism and futurism
to take another path into the abstract, without resorting to preponderantly orthogonal constructions; on the contrary, he explored the dynamism of forms that
are counterposed and juxtaposed in the compositions he invented.
But there is a moment at which his formal search seems to require something
essential: this is when he painted a canvas entitled Black Square on White. By
all indications, this was the critical moment of his pictorial experiment, which
brought him to substitute the compositions on the two-dimensional support of
the canvas by “suprematist constructions,” in three-dimensional space.
While their use of the abstract language freed the artists from references to
the real world and offered them a great deal of freedom in composing their paintings, it brought the validity of such a language into question: were these works
necessary, or were they merely arbitrary, decorative compositions? These and
other questions are what perhaps led some painters to search for an essential
factor for geometric expression. For some of them, it seems that the square became this irreducible element, perhaps because its regular and absolutely symmetrical form makes it simultaneously essential and neutral.
This may have been the reason why, at a later date, Josef Albers chose
it as the theme of a celebrated series entitled Homage to the Square. This
observation of mine is perhaps not so far afield as it may appear, if one considers that, in that series, the fundamental thing is not the form (the square)
but rather the color. I dare to imagine that insofar as that series of works was
aimed at the exploration of color, the square was used as a possible form for
the color to assume, since in and of itself it is formless. In short, what I mean
to say is that, once again, the essentiality of the square was affirmed in the
abstract language of painting: for wishing to show color as an optico-pictorial
phenomenon, and without any emphasis that would alter its truth, Albers resorted to the square which, for being nothing more than regularity and balance, is the ideal support for the color that wants only to be color.
9
artistas/artists
obras/works
Indíce de artistas /
Obras /Biografias/
Informações das obras
Index of Artists /
Works/ Biographies/
Works Info
Josef Albers
12/13
83
Max Bill 14/15
90
Franz Weissmann
16/17
78
Lothar Charoux
18/19
86
Hércules Barsotti
20/21
80
Amilcar de Castro
22/23
72
Hermelindo Fiaminghi
24/25
81
León Ferrari
26/27
85
Lygia Clark
28/29
88
Carlos Cruz-Diez
30/31
74
Jesus Rafael-Soto
32/33
82
Geraldo de Barros
34/35
79
Luiz Sacilotto
36/37
87
Almir Mavignier
38/39
70
Dionísio Del Santo
40/41
76
42/51
77
Amelia Toledo
52/53
71
Willys de Castro
54/55
91
Alexandre Wollner
56/57
69
César Parternosto
58/59
75
Ascânio MMM
60/61
73
Adolfo Estrada
62/63
68
Mapacarana
64/65
89
Laura Miranda 66/67
84
Ferreira Gullar
10
bios/info obra
bios/works info
11
JOSEF ALBERS
Bottrop, Alemanha, 1888 - New Haven, Connecticut, EUA, 1976
Bottrop, Germany, 1888 – New Haven, Connecticut, USA, 1976
Study for Homage to the Square: Respected, 1964
12
Homage to the Square: Terrestrial I, 1961
13
MAX BILL
Winterthur, Suíça, 1908 - Berlim, Alemanha, 1994
Winterthur, Swiss, 1908 - Berlin, Germany, 1994
s.t / untitled, 1967
14
15
FRANZ WEISSMANN
Knittefeld, Áustria, 1911 - Rio de Janeiro, RJ, 2005
Knittefeld, Austria, 1911 - Rio de Janeiro, RJ, Brazil, 2005
Nozinho, s.d. / undated
16
s.t. / untitled, 2001-2009
17
LOTHAR CHAROUX
Viena, Áustria, 1912 - São Paulo, SP, 1987
Vienna, Austria, 1911 - Sao Paulo, SP, Brazil, 1987
Composição, 1958
18
s.t. / untitled, déc. 1960
19
HÉRCULES BARSOTTI
São Paulo, SP, 1914 - São Paulo, SP, 2010
São Paulo, SP, Brazil, 1911 - São Paulo, SP, Brazil, 2010
Composição na diagonal, 1959
20
21
AMILCAR DE CASTRO
Paraisópolis, MG, 1920 - Belo Horizonte, MG, 2002
Paraisópolis, MG, Brazil, 1920 - Belo Horizonte, MG, Brazil, 2002
s.t. / untitled, s.d. / undated
22
23
HERMELINDO FIAMINGHI
São Paulo, SP, 1920 - São Paulo, SP, 2004
São Paulo, SP, Brazil, 1920 - São Paulo, SP, Brazil, 2004
Retícula Corluz 2, 1961
24
25
LEÓN FERRARI
Buenos Aires, Argentina, 1920
s.t. / untitled, s.d. / undated
26
27
LYGIA CLARK
Belo Horizonte, MG, 1920 Rio de Janeiro, RJ, Brasil, 1988
Espaço modulado - versão única nº 85, 1958/ 58
28
Espaço modulado - nº 6, 1958/ 82
29
CARLOS CRUZ-DIEZ
Caracas, Venezuela, 1923
Physichromie nº 1545, 2008
30
31
JESÚS RAFAEL SOTO
Ciudad Bolívar, Venezuela, 1923 - Paris, França, 2005
Ciudad Bolívar, Venezuela, 1923 - Paris, France, 2005
Color a la derecha, 1986
32
33
GERALDO DE BARROS
Xavantes, SP, 1923 - São Paulo, SP, 1998
Xavantes, SP, Brazil, 1923 - São Paulo, SP, Brazil, 1998
Composição em branco, 1983
34
Composição em branco com quadrado preto, 1983
35
LUIZ SACILOTTO
Santo André, SP, 1924 - São Paulo, SP, 2003
Santo André, SP, Brazil, 1924 - São Paulo, SP, Brazil, 2003
nº 962, s.d. / undated
36
nº 0389, 1982
37
ALMIR MAVIGNIER
Rio de Janeiro, RJ, 1925
Rio de Janeiro, RJ, Brazil, 1925
Amarelo, 1973
38
39
DIONÍSIO DEL SANTO
Colatina, ES, 1925 - Vitória, ES, 1999
Colatina, ES, Brazil, 1925 - Vitória, ES, Brazil, 1999
s.t. / untitled, 1982
40
nº 3014, 1/1, 1990
41
FERREIRA GULLAR
São Luís, MA, 1930
São Luís, MA, Brazil, 1930
1
Poemas Espaciais
9
1. Ara 2. Noite 3. Onde 4. Quando 5. Não 6. Lembra 7. Pássaros 8. Era 9. Maravilha
42
51
AMELIA TOLEDO
São Paulo, SP, 1926
São Paulo, SP, Brazil, 1926
s.t. / untitled III, 2010
52
53
WILLYS DE CASTRO
Uberlândia, MG, 1926 - São Paulo, SP, 1988
Uberlandia, MG, Brazil, 1926 - São Paulo, SP, Brazil, 1988
Variar as cores, 1958
54
55
ALEXANDRE WOLLNER
São Paulo, SP, 1928
Constelação a1, 2010
56
Constelação a2, 2010
57
CÉSAR PARTERNOSTO
La Plata, Argentina, 1931
Acorde Mínimo: Rojo/Negro, 2010
58
s.t./ untitled, s.d / undated
59
ASCÂNIO MMM
Fão, Portugal, 1941
Caixa 1, 1968
60
Quadrados 19, Tir. 1/5, 1968-2006
61
ADOLFO ESTRADA
62
63
MACAPARANA
Macaparana, PE, 1952
Macaparana, PE, Brazil, 1952
Composição livre para Glenn Gould, set-out / sept-oct, 2009
64
Mapa 2, fevereiro/ february, 2010
65
LAURA MIRANDA
Curitiba, PR, 1958
Curitiba, PR, Brasil, 1958
A céu aberto IV, 2009
66
Lençol de chumbo perfurado, 1996
67
Adolfo Estrada
s.t./ untitled, 2011
óleo/ madeira - oil/ wood
84 x 95 x 9 cm
p.62
óleo/ madeira - oil/ wood
80 x 90 x 4 cm
p.63
Adolfo Estrada
68
Estudou no ateliê de pintura de Ignácio Colombres. Em 1962 se muda para Madrid e segue seu curso em La Real Academia de Belas Artes de San Fernando.
Desde 1975 vive e trabalha em Sant Martí Vell, Gerona, Espanha.
Exposições individuais 2007 - Dan Galeria, São Paulo Sala Robayera, Miengo,
Cantabria 2005 - Galeria Joanna Kunstmann, Palma de Mallorca Galeria de Rijk,
Haia 2004 - Galeria Jorge Mara, Buenos Aires Galeria Pedro Peña, Málaga Galeria La Nave, Valencia Galeria Alejandro Sales, Barcelona 2003 - Galeria Marborough, Madrid Galeria Alejandro Sales (Blackspace), Barcelona 2002 - Michael Dunev
Art Projects, Gerona Galeria Alfredo Vinãs,Málaga 2001 - Galeria Alejandro Sales,
Barcelona Galeria Sabine Puget, Paris 1999 - Galeria Alejandro Sales (Blackspace),
Barcelona 1998 - Galeria Jacob, Paris Galeria Ruth Benzacar, B;uenos Aires Galeria
Fernando Santos, Oporto Hachmeister Galeria, Münster 1997 - Galeria Jorge Mara,
Madrid Galeria Alejandro Sales, Barcelona Galeria Itália, Alicante 1995 - Galeria Alejandro Sales, Barcelon Galeria Cadaqués, Cadaqués, Gerona 1994 - Art House,
Buenos Aires 1990 - Galeria L’Ollave, Lyon Olivier Dowling Gallery, Dublin 1989 Galeria Guereta, Barcelona 1988 - Galeria L’Ollave, Lyon 1984 - Galeria Cadaqués,
Cadaqués,Gerona 1983 - Jordan Gallery,Londres 1980 - Galeria Paperolls, Angoulême 1975 - Galeria Cadaqués, Cadaqués,Gerona 1974 - Galeria Aele, Madrid 1971 Galeria Vandrés, Madrid Galeria Bonino, Buenos Aires 1966 - Continuum, Córdoba
1965 - Ateneo de Madrid, Madrid 1962 - Galeria Pizarro, Buenos Aires.
Alexandre Wollner
São Paulo, SP, Brasil, 1928
He studied painting in the studio of Ignacio Colombres. In 1962 he moved to
Madrid and continued his studies at La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Since 1975 lives and works in Sant Marti Vell, Barcelona, Spain.
Solo Exhibitions: 2007 - Dan Galeria, São Paulo Sala Robayera, Miengo, Cantabria 2005 - Galeria Joanna Kunstmann, Palma de Mallorca Galeria de Rijk, Haia 2004 Galeria Jorge Mara, Buenos Aires Galeria Pedro Peña, Málaga Galeria La Nave, Valencia Galeria Alejandro Sales, Barcelona 2003 - Galeria Marborough, Madrid Galeria
Alejandro Sales (Blackspace), Barcelona 2002 - Michael Dunev Art Projects, Gerona
Galeria Alfredo Vinãs,Málaga 2001 - Galeria Alejandro Sales, Barcelona Galeria Sabine Puget, Paris 1999 - Galeria Alejandro Sales (Blackspace), Barcelona 1998 Galeria Jacob, Paris Galeria Ruth Benzacar, Buenos Aires Galeria Fernando Santos,
Oporto Hachmeister Galeria, Münster 1997 - Galeria Jorge Mara, Madrid Galeria
Alejandro Sales, Barcelona Galeria Itália, Alicante 1995 - Galeria Alejandro Sales,
Barcelon Galeria Cadaqués, Cadaqués, Gerona 1994 - Art House, Buenos Aires
1990 - Galeria L’Ollave, Lyon Olivier Dowling Gallery, Dublin 1989 - Galeria Guereta,
Barcelona 1988 - Galeria L’Ollave, Lyon 1984 - Galeria Cadaqués, Cadaqués,Gerona
1983 - Jordan Gallery,Londres 1980 - Galeria Paperolls, Angoulême 1975 - Galeria
Cadaqués, Cadaqués,Gerona 1974 - Galeria Aele,Madrid 1971 - Galeria Vandrés,
Madrid Galeria Bonino, Buenos Aires 1966 - Continuum, Córdoba 1965 - Ateneo de
Madrid, Madrid 1962 - Galeria Pizarro, Buenos Aires
Alexandre Wollner
Constelação A1, 2010
plottergrafia
50 x 50 cm
p.56
Constelação A1, 2010
plottergrafia
50 x 50 cm
p.57
Alexandre Wollner, designer gráfico. Inicia seus estudos no curso de design visual
do Instituto de Arte Contemporânea - IAC, criado no Museu de Arte de São Paulo Assis
Chateaubriand - Masp, em 1950, onde estuda com Lina Bo Bardi (1914 - 1992), Poty
(1924 - 1998) e Sambonet (1924 - 1995). Colabora com Pietro Maria Bardi (1900 - 1999)
na montagem da exposição retrospectiva de Max Bill (1908 -1994), no Masp, em 1951.
Interessado no movimento concretista, vincula-se, em 1953, ao Grupo Ruptura, e apresenta suas obras construtivas na 2ª Bienal Internacional de São Paulo. Ainda em 1953
é selecionado por Max Bill para estudar na Hochschule für Gestaltung [Escola Superior
da Forma] em Ulm, Alemanha, onde permanece entre 1954 e 1958. Ao retornar ao
Brasil, inaugura, com Geraldo de Barros (1923 - 1998), entre outros, o Form-Inform, o
primeiro escritório de design do país. Em 1963, participa da estruturação e criação da
Escola Superior de Desenho Industrial - ESDI, no Rio de Janeiro, a primeira instituição
de design de nível superior no país. Na década de 1960, abre o próprio escritório de
programação visual, onde desenvolve logotipos para grandes empresas. Expõe seus
projetos no Masp e no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - MAM/RJ, em 1980,
e faz a opção por uma mostra que enfatize o processo de criação, execução e implementação de um programa de identidade visual. Em 1999, o Centro de Comunicação e
Artes do Senac, em São Paulo, promove a sua segunda exposição individual. Em 2003,
Wollner comemora seus 50 anos de design, com o livro Design Visual 50 Anos, e com
a exposição de suas fotografias no Centro Universitário Maria Antônia, em São Paulo.
Alexandre Wollner, graphic designer. Began his studies with the visual design
course at the Institute of Contemporary Design (IAC), created at the São Paulo Assis
Chateaubriand Museum of Art (Masp), in 1950, where he studied with Lina Bo Bardi
(1914-1992), Poty (1924-1998) and Sambonet (1924-1995). Collaborated with Pietro Maria Bardi (1900-1999) in staging the retrospective exhibition of Max Bill (1908-1994), at
the Masp, in 1951. Interested in the Concretist movement, in 1953, he joined the Grupo
Ruptura [Rupture Group], presenting his constructivist works at the 2nd São Paulo International Bienal. Also in 1953, he was chosen by Max Bill to study at the Hochschule
für Gestaltung [Superior School of Form] in Ulm, Germany, where he remained from
1954 to 1958. Upon returning to Brazil, together with Geraldo de Barros (1923-1998)
and others he inaugurated Form-Inform, the first design consultancy in the country. In
1963, he took part in the structuring and creation of the Escola Superior de Desenho
Industrial (ESDI) [Superior School of Industrial Design], in Rio de Janeiro, the first higher
level design institution in the country. During the 1960s, he opened his own visual programming office, where he developed logotypes for major companies. He exhibited
his projects at the Masp and at the Museum of Modern Art of Rio de Janeiro (MAM/
RJ) in 1980, opting for a show that emphasised the process of creation, execution and
implementation of visual identity programme. In 1999, the Centre of Communication
and Arts of Senac, in São Paulo, held his second individual exhibition. In 2003, Wollner
celebrated 50 years of design with his book Design Visual 50 Anos, and an exhibition of
his photographs at the Maria Antônia University Centre, in São Paulo.
69
Almir Mavignier
Rio de Janeiro, RJ, Brasil, 1925
Amarelo - 1973
óleo/ tela - oil/ canvas
100 x 100 cm
p.39
Almir Mavignier
Rio de Janeiro, RJ, Brazil, 1925
70
Almir da Silva Mavignier, pintor, artista gráfico. Inicia seus estudos com Arpad
Szenes (1897 - 1985), Axl Leskoschek (1889 - 1975) e Henrique Boese (1897 - 1982)
em 1945, no Rio de Janeiro. Entre 1946 e 1951, funda o Ateliê de Pintura e Modelagem da Seção de Terapêutica Ocupacional do Hospital Psiquiátrico do Engenho de
Dentro (atual Museu de Imagens do Inconsciente) com a psiquiatra Nise da Silveira
(1905 - 1999). Acompanha os trabalhos desenvolvidos pelos internos Emygdio de
Barros (1895 - 1986), Raphael (1912 - 1979) e Carlos Pertuis (1910 - 1977), entre
outros. Em 1949, participa do primeiro grupo de arte abstrata do Rio de Janeiro,
com Ivan Serpa (1923 - 1973), Abraham Palatnik (1928) e Mário Pedrosa. Organiza
com Léon Dégand e Lourival Gomes Machado a exposição 9 Artistas do Engenho
de Dentro, no Museu de Arte Moderna de São Paulo - MAM/SP, em 1950, quando
também realiza sua primeira individual, no Instituto dos Arquitetos do Brasil do Rio
de Janeiro - IAB/RJ. No ano seguinte, viaja para Paris, onde frequenta a Académie
de La Grande Chaumière. Na Alemanha, entre 1953 e 1958, estuda com Max Bense e Josef Albers (1888 - 1976) na Hochschule für Gestaltung [Escola Superior da
Forma] em Ulm, e mantém contato com Max Bill (1908 - 1994). Participa do Grupo Zero, entre 1958 e 1964, com Heinz Mack (1931), Otto Piene (1928), Yves Klein
(1928 - 1962), Jean Tinguely (1925 - 1991). Organiza a exposição Novas Tendências,
primeira mostra internacional de op art na Iugoslávia, em 1960. Em 2008, realiza a
exposição Momentos de Luz, na DAN Galeria, em São Paulo, Brasil.
Almir da Silva Mavignier is a painter and graphic artist. He began his studies with
Arpad Szenes (1897–1985), Axl Leskoschek (1889–1975) and Henrique Boese (1897–
1982) in Rio de Janeiro, in 1945. Between 1946 and 1951, he founded the Painting
and Modeling Workshop of the Occupational Therapy Section of the Engenho de
Dentro Psychiatric Hospital (currently the Museu de Imagens do Inconsciente), with
psychiatrist Nise da Silveira (1905–1999). He accompanied the works developed by
the patients, Emygdio de Barros (1895–1986), Raphael (1912–1979) and Carlos Pertuis (1910–1977), among others. In 1949, he took part in the first abstract art group
in Rio de Janeiro, with Ivan Serpa (1923–1973), Abraham Palatnik (1928– ) and Mário
Pedrosa. Together with Léon Dégand and Lourival Gomes Machado, he organized
the exhibition 9 Artistas do Engenho de Dentro at the Museu de Arte Moderna de
São Paulo (MAM/SP) in 1950, also holding his first individual exhibition at the Institute
of Brazilian Architects of Rio de Janeiro (IAB/RJ) in the same year. In 1951, he traveled
to Paris, where he attended the Académie de La Grande Chaumière. In Germany, between 1953 and 1958, he studied with Max Bense and Josef Albers (1888–1976) at
the Hochschule für Gestaltung in Ulm, maintaining contact with Max Bill (1908–1994).
He took part in the Zero Group, between 1958 and 1964, with Heinz Mack (1931– ),
Otto Piene (1928– ), Yves Klein (1928–1962) and Jean Tinguely (1925–1991), and
organized the exhibition New Tendencies, the first international show of op art in
Yugoslavia, in 1960. In 2008 he held the exhibition Momentos de Luz at DAN Galeria,
in São Paulo, Brazil.
Amelia Toledo
São Paulo, SP, Brasil, 1926
s.t./ untitled III, 2010
óleo/ juta - oil/ jute
130 x 130 cm
p.53
Amelia Toledo
Amelia Amorim Toledo, escultora, pintora, desenhista, designer. Frequenta o ateliê de Anita Malfatti (1889 - 1964), em São Paulo, no fim dos anos 1930. Entre 1943
e 1947, estuda com Yoshiya Takaoka (1909 - 1978) e, em 1948, com Waldemar
da Costa (1904 - 1982). Nesse mesmo ano, trabalha com desenho de projetos no
escritório do arquiteto Vilanova Artigas (1915 - 1985). Em 1958, frequenta a London
County Council Central School of Arts and Crafts, em Londres. De volta ao Brasil,
em 1960, estuda gravura em metal com João Luís Oliveira Chaves (1924), no Estúdio/
Gravura. Obtém, em 1964, o título de mestre pela Universidade de Brasília - UnB.
Desde a metade dos anos 1960, leciona na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo
da Universidade Mackenzie e na Faculdade Armando Álvares Penteado - Faap, em
São Paulo, e na Escola de Desenho Industrial - Esdi, no Rio de Janeiro. A artista
dedica-se também à pintura a óleo e aquarela e ao design de jóias. Realiza obras
para espaços públicos, como o projeto cromático, 1996/1998, para a estação Arcoverde do metrô do Rio de Janeiro. Em 1999, é realizada exposição retrospectiva de
sua obra na Galeria do Sesi, em São Paulo, e, em 2004, é publicado o livro Amelia
Toledo: As Naturezas do Artifício, de Agnaldo Farias.
Amelia Amorim Toledo, sculptress, painter, draughtswoman, designer. Attended
the studio of Anita Malfatti (1889-1964), in São Paulo, at the end of the 1930s. Between 1943 and 1947, studied with Yoshiya Takaoka (1909-1978) and in 1948, with
Waldemar da Costa (1904-1982). In the same year, she worked on project design in
the practice of the architect Vilanova Artigas (1915-1985). In 1958, she attended the
London County Council Central School of Arts and Crafts, in London. On returning
to Brazil in 1960, she studied metal engraving with João Luís Oliveira Chaves (1924),
at the Estúdio/Gravura [Engraving/Studio]. In 1964, she received a master's degree
from the University of Brasília (UnB). From the mid-1960s onwards, she lectured at
the Faculty of Architecture and Urban Planning of Mackenzie University and at the Armando Álvares Penteado Foundation (Faap), in São Paulo, as well as at the School of
Industrial Design (Esdi) in Rio de Janeiro. The artist also devoted herself to oil painting
and jewellery design. She executes works for public spaces, such as the chromatic
project (1996/1998) for the Arcoverde underground station in Rio de Janeiro. In 1999,
a retrospective of her work was held at the Sesi Gallery in São Paulo, with the book
Amelia Toledo: The Natures of Artifice, by Agnaldo Farias, published in 2004
71
Amilcar de Castro
Paraisópolis, MG, Brasil, 1920 Belo Horizonte, MG, Brasil, 2002
s.t./ untitled - s.d./ undated
escultura em aço corten corten steel
250 x 250 x 144 cm
p.23
Amilcar de Castro
Paraisópolis, MG, Brazil, 1920 Belo Horizonte, MG, Brazil, 2002
72
Amilcar Augusto Pereira de Castro, escultor, gravador, desenhista, diagramador,
cenógrafo, professor. Muda-se para Belo Horizonte em 1935, e estuda na Faculdade de Direito da UFMG, de 1941 a 1945. A partir de 1944, frequenta curso livre de
desenho e pintura com Guignard (1896 - 1962), na Escola de Belas Artes de Belo
Horizonte, e estuda escultura figurativa com Franz Weissmann (1911-2005). No fim da
década de 1940, assume alguns cargos públicos, que logo abandona, assim como a
carreira de advogado. Paralelamente, em seus trabalhos, dá-se a passagem do desenho para a tridimensionalidade. Em 1952, muda-se para o Rio de Janeiro e trabalha
como diagramador em diversos periódicos, destacando-se a reforma gráfica que realizou no Jornal do Brasil. Depois de entrar em contato com a obra do suíço Max Bill
(1908-1994), realiza sua primeira escultura construtiva, exposta na Bienal Internacional
de São Paulo, em 1953. Participa de exposições do grupo concretista, no Rio de Janeiro e em São Paulo, em 1956, e assina o Manifesto Neoconcreto em 1959. No ano
seguinte, participa em Zurique da Mostra Internacional de Arte Concreta, organizada
por Max Bill. Em 1968, vai para os Estados Unidos, conjugando bolsa de estudo da
Guggenheim Memorial Foundation com o prêmio de viagem ao exterior obtido na edição de 1967 do Salão Nacional de Arte Moderna (SNAM). De volta ao Brasil, em 1971,
fixa residência em Belo Horizonte. Torna-se professor de composição e escultura da
Escola Guignard, até 1977. Leciona na Faculdade de Belas Artes da UFMG, entre as
décadas de 1970 e 1980. Em 1990, passa a dedicar-se exclusivamente à atividade
artística.
Amilcar Augusto Pereira de Castro, sculptor, engraver, draughtsman, lay out designer, scenographer, lecturer. Moved to Belo Horizonte in 1935, studying at the Law
Faculty of the UFMG between 1941 and 1945. From 1944 onwards, he attended the
open course in drawing and painting with Guignard (1896 - 1962), at the School of
Fine Arts of Belo Horizonte, studying figurative sculpture with Franz Weissmann (1911
- 2005). At the end of the 1940s, he took up a series of political appointments that he
soon abandoned, together with his career as a lawyer. In parallel, his work made the
transition from drawing to three-dimensionality. In 1952, he moved to Rio de Janeiro,
working as a lay out designer for various publications, most notably redesigning the
daily, Jornal do Brasil. After coming into contact with the work of the Swiss artist, Max
Bill (1908 - 1994), he made his first Constructivist sculpture, which was exhibited at the
Bienal Internacional de São Paulo [São Paulo International Bienal], in 1953. He also
took part in the exhibitions of the Constructivist group, in Rio de Janeiro and São Paulo,
in 1956, signing the Neoconcretist Manifesto in 1959. In the following year, he took part
in the International Exhibition of Concrete Art in Zurich, organised by Max Bill. In 1968,
he went to the United States, with the aid of both a Guggenheim Memorial Foundation
scholarship and the foreign travel prize that he had won at the 1967 National Salon
of Modern Art. Upon returning to Brazil in 1971, he settled in Belo Horizonte, becoming a lecturer in composition and sculpture at the Escola Guignard, where he worked
until 1977. In the 1970s and 80s, he lectured at the Faculty of Fine Arts of the Federal
University of Minas Gerais (UFMG), retiring from teaching in 1990 to dedicate himself
exclusively to his art.
Ascânio MMM
Caixa I, 1968
escultura em madeira pintada painted wood sculpture
47 x 47 x 47 cm
p.60
Quadrados 19 - 1/5, 1968-2006
escultura em madeira wood sculpture
123 x 123 cm
Escultor e pintor. Ascânio Maria Martins Monteiro. Português de nascimento,
desde 1959 reside no Rio de Janeiro, Brasil. Cursa a Escola Nacional de Belas
Artes - ENBA, de 1963 a 1965 e a Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da UFRJ,
de 1965 a 1969. Opta pela linguagem abstrata construtiva desde seus primeiros
trabalhos tridimensionais, na primeira metade da década de 1960.
No início, utiliza ripas de madeira, articuladas em torno de um eixo, criando
formas sinuosas e harmônicas, depois as formas retas tomam lugar, utilizando
cores, explorando a tensão entre matéria e forma. Em outros trabalhos com
perfis de alumínio, formando um jogo de cheios e vazios. Cria as Caixas lúdicas
(final dos anos 1960), as Caixas e os Múltiplos (década de 1970) e as Piramidais
(final da década de 1980). Desde 1969, com a exposição individual na Galeria
Celina, Rio de Janeiro, até a exposição em 2005, na Dan Galeria, em São Paulo,
Ascânio completa 24 exposições individuais e 73 coletivas entre 1966 e 2003,
no Brasil, Portugal e Inglaterra.
p.61
Ascânio MMM
A painter and sculptor, Ascânio Maria Martins Monteiro was born in Portugal but
has lived in Rio de Janeiro since 1959. He studied at the National School of Fine Arts
(ENBA) between 1963 and 1965 and at the Federal University of Rio de Janeiro's
Faculty of Architecture and Urban Planning from 1965 to 1969. He has adopted the
language of abstract constructivism since his first three-dimensional works in the first
half of the 1960s.
To begin with, he used strips of wood arranged around an axle, creating sinuous forms and harmonics; subsequently he opted for a more linear approach and
the use of color, exploring the tension between form and substance. In other works
he experimented with aluminum shapes, producing a vivid dynamic between volume and space. He has produced several series, including the Caixas lúdicas (end
of the 60s), the Caixas and Múltiplos (the 70s) and the Piramidais (end of the 80s).
He has held 24 solo exhibitions between his first, at the Galeria Celina, in Rio, in
1969 and his latest, at the Dan Galeria in São Paulo in 2005. He also took part in 73
collective shows between 1966 and 2003 in Brazil, Portugal and the UK.
73
Carlos Cruz-Diez
Physichromie nº 1545, 2008
técnica mista - mixed media
100 x100 cm
p.31
Carlos Cruz-Diez
74
Nasceu em Caracas - Venezuela a 17 de Agosto de 1923. Estudou na Escola
Superior de Artes Plásticas e Artes Aplicadas em Caracas e deu início a uma profunda investigação da cor. Além de Caracas, viaja por várias cidades européias, Paris,
Barcelona, Londres, etc. Em Caracas, instala o seu ateliê de design, realiza várias
obras e excelentes exposições, tendo a seu cargo as aulas de desenho na Escola
de Artes Plásticas Cristóbal Rojas em Caracas. Volta depois a Paris, onde é um dos
responsáveis pela iniciação do movimento que pretende uma maior aproximação do
público com a arte e faz parte do grupo Nouvelle Tendence.
A Arte Cinética ou Cinetismo é uma exploração das cores e seus efeitos visuais
por meio do movimento, é a chamada ilusão ótica, que resulta do posicionamento
das peças e das cores utilizadas, Carlos Cruz-Díez é considerado um dos pais desta
arte, explorando outras vertentes, a Fisicromia que transforma um espaço, uma sala,
um corredor, uma parede, utilizando as várias junções da cor e a sua disposição
num determinado espaço.
A sua obra é reconhecida em todo o mundo, tendo sido convidado para expor
em: São Paulo, Paris, Londres, New York, Zagreb, Madrid, Barcelona, Bogotá, México, La Habana, Buenos Aires e, claro, por toda a Venezuela onde, em várias cidades,
existem obras permanentes.
Carlos Cruz-Diez was born in Caracas, Venezuela, on August 17, 1923. He studied at the Escuela Superior de Artes Plásticas y Artes Aplicadas in Caracas and
began a profound investigation of color. He traveled to various European cities, including Paris, Barcelona, and London. He set up a design studio in Caracas, creating
artworks, holding excellent exhibitions, and serving as a professor of drawing at the
Escuela de Artes Plásticas Cristóbal Rojas in Caracas. He later returned to Paris,
where he was a key figure in the initiation of the movement aimed at a closer approximation of the public with art, and joined the Nouvelle Tendence group.
Kinetic art is an exploration of colors and their visual effects through movement;
it is the so-called optical illusion, which results from the positioning of the pieces and
the colors used. Carlos Cruz-Díez is considered one of the fathers of this art, having
also explored other trends, such as physichromie, which transforms a space, a room,
hallway, or wall, using the various conjunctions of color and their arrangement in a
determined space.
His work is recognized around the world, and he has been invited to show his
work in São Paulo, Paris, London, New York, Zagreb, Madrid, Barcelona, Bogotá,
Mexico, La Habana, Buenos Aires and, of course, throughout Venezuela, where his
works have been permanently installed in various cities.
César Paternosto
Acorde mínimo, 2010
técnica mista/ tela - mixed media/
canvas
150 x 150 cm
p.58
Escultura Acero Corten, s.d./ undated
escultura em aço corten corten steel sculpture
120 x 120 x 35 cm
p.59
César Paternosto
Pintor, escultor e escritor viveu em Nova Iorque de 1967 a 2004. Atualmente vive
na Segóvia, Espanha. Expôs individualmente na Galeria Denise René (Düsseldorf,
1972: Nova Iorque, 1973 e 1976; Paris, 1974); na Fuji TV Gallerie (Tokio, 1982).
Exposições individuais recentes: White/Red (Arte em Geral e Cecília Torres Ltda.
Nova Iorque, 2001); com Cecília Vicuña Dissolving, Threads of Light and Water, The Drawing Center, Nova Iorque (2002); Galeria Jorge Mara/La ruche, Buenos Aires (2002) e a
mostra antológica no Museu de Arte Contemporânea Esteban Vicente (Segóvia, 2004).
Sua obra foi incluída nas exposições El Taller Torres García y su Legado, inaugurada no Museu Nacional Centro de Arte Rainha Sofia, Madrid (1991, itinerante);
América, Novia del Sol, Museu Real de Amberes, Bélgica (1992); Artistas Latinoamericanos del Siglo XX, Museu de Arte Moderna de Nueva Iorque, 1993; e em Next to
Nothing: Minimalist Works in the Albright-Knox Art Gallery Collection (Perto do Nada:
Obras minimalistas na coleção da Albright-Knox Art Gallery), Buffalo, NY, 1999.
Em 1972 foi agraciado com o título de membro da Guggenheim e também recebeu
bolsas de estudo da Pollock-Krasner Foundation (1990) e da Gottlieb Foundation (1991).
Documentou em fotografia e estudou os sítios arqueológicos do Peru, Bolívia e
México e ministrou cursos sobre os sistemas simbólicos abstratos da América Antiga.
Seu livro Piedra abstracta-La escultura inca: una visión contemporánea (Fundo de
Cultura Econômica, Buenos Aires, 1989), foi traduzido para o inglês como The Stone
and the Thread: Andean Roots of Abstract Art (University of Texas Press, 1996).
Painter, sculptor and writer César Paternosto lived in New York from 1967 to
2004. He currently lives in Segovia, Spain. He has held solo shows at Denise René
Gallery (Dusseldorf, 1972; New York, 1973 and 1976; Paris, 1974), and at Fuji TV Gallerie (Tokyo, 1982).
Recent solo shows: White/Red (Arte em Geral e Cecília Torres Ltda., New York,
2001); with Cecília Vicuña, Dissolving, Threads of Light and Water, The Drawing Center,
New York (2002); Galeria Jorge Mara/La ruche, Buenos Aires (2002); and an anthological show at the Museu de Arte Contemporânea Esteban Vicente (Segovia, 2004).
His work has been featured in prestigious exhibitions that include El Taller Torres García y su Legado, opened at the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia,
Madrid (1991, traveling); América, Novia del Sol, Royal Museum of Amberes, Belgium
(1992); Latin American Artists of the 20th Century, at the Museum of Modern Art, New
York, 1993; and Next to Nothing: Minimalist Works in the Albright-Knox Art Gallery
Collection, Buffalo, NY, 1999.
In 1972 he was awarded a Guggenheim Fellowship, and he has also received study
grants from the Pollock-Krasner Foundation (1990) and the Gottlieb Foundation (1991).
He has studied and photographically documented archaeological sites in Peru, Bolivia and Mexico, and has given courses on the abstract symbolic systems of Ancient
America. His book Piedra abstracta-La escultura inca: una visión contemporánea (Fundo
de Cultura Econômica, Buenos Aires, 1989) was translated into English with the title The
Stone and the Thread: Andean Roots of Abstract Art (University of Texas Press, 1996).
75
Dionísio del Santo
Colatina, ES, Brasil, 1925 Vitória, ES, Brasil, 1999
guache e nanquim/ cartão - gouache
and india ink/ cardboard
70 x 50 cm
p.40
nº 3014 - 1/1, 1990
serigrafia - silk screen
70 x 50 cm
p.41
Dionísio del Santo, pintor, desenhista, gravador, serígrafo. Estuda no Seminário São Francisco de Assis, em Santa Teresa, Espírito Santo, entre 1932 e 1939.
Transfere-se para o Rio de Janeiro em 1946, onde começa a pintar. Frequenta aulas
de modelo-vivo e de teoria das cores na Associação Brasileira de Desenho - ABD.
Em 1952, passa a trabalhar com xilogravura e serigrafia. Do fim dos anos 1950 até a
metade da década seguinte, suas obras se aproximam dos princípios do movimento
concreto. No entanto, mantém-se afastado do debate entre concretos e neoconcretos. Entre 1964 e 1966, produz trabalhos a guache, nos quais associa geometria e
figura. Realiza sua primeira exposição individual, em 1965, na Galeria Relevo, no Rio
de Janeiro. Desde a metade da década de 1960, dedica-se à arte abstrata, realizando principalmente obras em serigrafia. Em 1967, recebe o prêmio aquisição na
9ª Bienal Internacional de São Paulo. Na década de 1970, destaca-se em sua produção pictórica a série Cordéis, na qual se nota a influência da arte cinética. Em 1975,
recebe o Prêmio de Melhor Exposição de Gravura do Ano, da Associação Paulista
dos Críticos de Arte - APCA. Realiza mostras retrospectivas no Paço Imperial, no
Rio de Janeiro e no Museu de Arte Moderna de São Paulo - MAM/SP, entre 1989 e
1990, e no Museu de Arte do Espírito Santo - Maes, em 1998. Mais de 70 obras do
artista, entre serigrafias e xilogravuras, integram o acervo do Maes.
Ferreira Gullar
São Luís, MA, Brasil, 1930
Poemas espaciais
Onde - b. 40 x 40 x e. 33 mm -cubo: 5 x 5 x 5 cm, cubo
fixo: 3,5 x 3,5 x 3,5 cm, prisma: 3,5 x 3,5 x 10 cm
Era - b. 40 x 40 x e. 33 mm, pirâmide: 7 x 7 cm x h=7 cm
Maravilha (paradoxon) - b. 40 x 40 cm x e. 33 mm pirâmide 7 x 7 cm x h=7 cm
Quando - b. 40 x 40 cm x e. 33 mm e cubos 5 x 5 x 5 cm
Lembra - b. 40 x 40 cm x e. 33 mm, cubos 5 x 5 x 5 cm
Noite - b. 30 x 30 cm x e. 33 mm e disco de 26 cm de
diâmetro e espessura 9 mm
Ara - b. 30 x 30 cm x e. 30 mm tampo triangular preso
com dobradiças e espessura de 9 mm
Não - b. 30 x 30 cm x e 21 mm dois tampos presos
com do bradiças e espessura de 12 mm com rebaixo de
6 mm objeto interno quadrado de 20 x 20 cm e espessura de 9 mm
Pássaro - caixa 30 x 30 x 30 cm e espessura 9 mm
Dionísio del Santo
Colatina, ES, Brazil, 1925 Vitória, ES, Brazil, 1999
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Dionísio del Santo, painter, draughtsman, engraver, screenprinter. He studied at
the Seminary of Saint Francis of Assisi, in Santa Teresa, Espírito Santo, between
1932 and 1939. He moved to Rio de Janeiro in 1946, where he took up painting.
He attended live model sessions and classes on theory of color at the Associação
Brasileira de Desenho - ABD [Brazilian Association of Drawing]. In 1952, he began to
work with woodcuts and silkscreen. From the late 1950s to the mid-60s, his works
were attuned to the tenets of concrete art. However, he distanced himself from the
controversy between concrete and neoconcrete artists. Between 1964 and 1966, he
made works in gouache, associating geometry and figure. He held his first individual
exhibition in 1965, at the Galeria Relevo [Relevo Gallery], in Rio de Janeiro. As of the
mid-1960s, he devoted himself to abstract art, producing primarily silkscreens. In
1967, he was awarded the acquisition prize at the 9th Bienal Internacional de São
Paulo [São Paulo International Biennial]. A standout from the 1970s is the series,
Cordéis [Thin ropes], where the influence from kinetic art is apparent. In 1975, he
was awarded the Prize for Best Engraving Exhibition of the Year, from the Associação
Paulista dos Críticos de Arte - APCA [São Paulo Art Critics Association]. He held retrospective exhibitions of his work at the Paço Imperial [Imperial Court], in Rio de Janeiro, and the Museu de Arte Moderna de São Paulo - MAM/SP [São Paulo Museum
of Modern Art], between 1989 and 1990, as well as in the Museu de Arte do Espírito
Santo - Maes [Museum of Art of Espírito Santo], in 1998. The Maes has incorporated
more than 70 of his works, among silkscreens and woodcuts, to its collection.
duas placas internas 29 x 29 cm e espessura de 2 mm
Ferreira Gullar
São Luís, MA, Brazil, 1930
José Ribamar Ferreira é poeta, crítico de arte, jornalista, escritor, dramaturgo e tradutor. Dedica-se à poesia a partir de 1943. No mesmo ano, adota o nome Ferreira Gullar.
Transfere-se para o Rio de Janeiro em 1951. Em 1954 publica o livro de poemas A Luta
Corporal. Participa da Exposição Nacional de Arte Concreta, realizada no MAM/SP em
dezembro de 1956 e no Ministério da Educação e Cultura (MEC), no Rio, em 1957.
Rompe com os concretistas e por ocasião da 1ª Exposição Neoconcreta, Rio de
Janeiro, 1959, escreve o Manifesto Neoconcreto. Publica ainda em 1959, a Teoria do
Não-Objeto, com os fundamentos do neoconcretismo.
Em 1961, dirige a Fundação Cultural, em Brasília e elabora o projeto do Museu de
Arte Popular. É presidente do Centro Popular de Cultura (CPC) da União Nacional dos
Estudantes (UNE), em 1962.
Em 1976, exilado, sem sua presença, Poema Sujo é lançado no Rio de Janeiro e
tem grande repercussão. Volta ao Brasil em 1977. Em 1980, comemora seus 50 anos e
lança Toda Poesia, reunião de sua obra poética. Consolidando a carreira como crítico e
teórico de arte, publica, em 1985, Etapas da Arte Contemporânea: do Cubismo à Arte
Neoconcreta. A partir de 1990, consagrado, recebe diversos prêmios e homenagens,
entre os quais o Prêmio Jabuti, em 1999; a indicação ao Prêmio Nobel de Literatura,
em 2002; o Prêmio Machado de Assis, da Academia Brasileira de Letras (ABL), pelo
conjunto da obra, em 2005; e o Prêmio Camões, concedido pelos governos do Brasil e de Portugal, em 2010.
José Ribamar Ferreira is a poet, art critic, journalist, writer, playwright and translator. He began to dedicate himself to poetry in 1943. In that same year he adopted the
name Ferreira Gullar. He moved to Rio de Janeiro in 1951. In 1954 he published the
book of poems A Luta Corporal. He participated in the National Exhibition of Concrete Art held at MAM/SP in December 1956 and at the Ministry of Education and
Culture (MEC), in Rio, in 1957.
He broke away from the concretists, and on the occasion of the 1st Exposição Neoconcreta, Rio de Janeiro, 1959, he wrote the “Manifesto Neoconcreto.” Also in 1959, he
published his “Teoria do Não-Objeto,” one of the foundational texts of neoconcretism.
In 1961, he directed the Fundação Cultural, in Brasília, and elaborated the plans
for the Museu de Arte Popular. He served as president of the Centro Popular de Cultura (CPC) of the União Nacional dos Estudantes (UNE), in 1962.
In 1976, in exile, without his presence, the collection of poems Poema Sujo was
released in Rio de Janeiro, with great repercussion. He returned to Brazil in 1977. In
1980, he celebrated his 50th birthday and released Toda Poesia, a collection of his
poetic works. Consolidating his career as an art critic and theorist, in 1985 he published Etapas da Arte Contemporânea: do Cubismo à Arte Neoconcreta. From 1990
on, he has received various awards and honors, including the Prêmio Jabuti, in 1999; a
nomination for the Nobel Prize in Literature, in 2002; the Prêmio Machado de Assis, from
the Academia Brasileira de Letras (ABL), for his overall oeuvre, in 2005; and the Prêmio
Camões, conferred by the governments of Brazil and Portugal, in 2010.
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Franz Weissmann
Knittefeld, Áustria, 1911 Rio de Janeiro, RJ, Brasil, 2005
Nozinho, s.d./ undated
escultura em ferro Iron sculpture
50 x 50 x 17,3 cm
p.16
s.t./ untitled, 2001-2009
escultura em aço inox stainless steel sculpture
133 x 306 x 107 cm
p.17
Franz Weissmann
Knittefeld, Áustria, 1911 Rio de Janeiro, RJ, Brazil, 2005
78
Weissmann chegou ao Brasil em 1924, fixando-se no interior de São Paulo e
posteriormente na capital. Entre 1939 e 1941 frequentou os cursos de arquitetura,
escultura, pintura e desenho da Escola Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro.
Mudou-se para Belo Horizonte, onde participou com Guignard, em 1948, da fundação da primeira escola de arte moderna da cidade, tendo Amilcar de Castro e
Farnese de Andrade como alunos. Expôs suas primeiras esculturas geométricas na
I Bienal de São Paulo, em 1951. Integrou o Grupo Frente, participou da Exposição
Nacional de Arte Concreta, em 1957, e foi um dos fundadores do Grupo Neoconcreto, em 1959. Participou de inúmeras exposições, destacando-se entre as mais
recentes a I Bienal de Artes Visuais do Mercosul (Porto Alegre, 1997), Arte Construtiva no Brasil: Coleção Adolpho Leirner (MAM/SP, 1998), Espelho da Bienal (MAC/
Niterói, 1998), Franz Weissmann: Uma Retrospectiva (MAM/RJ, 1998 e MAM/SP,
1999), Mostra do Redescobrimento (Fundação Bienal de São Paulo, 2000) e Brazil:
Body and Soul (Guggenheim Museum, Nova York, 2001).
Pesquisador meticuloso da forma e do espaço, Weissmann soube unir à questão
escultural um cromatismo intenso, em obras de grande força e presença.
Geraldo de Barros
Xavantes, SP, Brasil, 1923 São Paulo, SP, Brasil, 1998
Weissmann arrived in Brazil in 1924, first establishing himself in the interior of
São Paulo, then in the capital. He studied architecture, sculpture, painting and
drawing at the National School of Fine Arts in Rio de Janeiro from 1939 to 1941.
In 1948 he moved to Belo Horizonte, where he was involved in founding the city's
first school of modern art with Guignard and had Amilcar de Castro and Farnese
de Andrade as his students. His first geometric sculptures were exhibited in the I
Bienal de São Paulo in 1951. He was a member of the Frente Group, took part in
the Exposição Nacional de Arte Concreta in 1957, and was one of the founders of
the Neoconcreto Group in 1959. He participated in innumerous exhibitions, some
of the most important of recent years being the I Bienal de Artes Visuais do Mercosul (Porto Alegre, 1997), Arte Construtiva no Brasil: Coleção Adolpho Leirner (São
Paulo Museum of Modern Art, 1998), Espelho da Bienal (Museum of Contemporary
Art, Niterói, 1998), Franz Weissmann: Uma Retrospectiva (Rio de Janeiro Museum
of Modern Art, 1998, and São Paulo Museum of Modern Art, 1999), Mostra do
Redescobrimento (Fundação Bienal de São Paulo, 2000) and Brazil: Body and Soul
(Guggenheim Museum, New York, 2001).
A meticulous researcher of form and space, Weissmann was able to infuse sculptures with intense color, creating works of great power and presence.
Geraldo de Barros
Xavantes, SP, Brazil, 1923 São Paulo, SP, Brazil, 1998
Composição em branco, 1983
montagem/plástico laminado composition on plastic laminate
90 x 90 cm
p.34
Composição em branco com
quadrado preto, 1983
montagem/plástico laminado composition on plastic laminate
90 x 90 cm
p.35
Pintor, fotógrafo, gravador, artista gráfico e designer de móveis, Geraldo de Barros estudou desenho com Clóvis Graciano, Yoshiya Takaoka e Colette Pujol. Em
1947, fundou o Grupo 15, com Ataíde de Barros e Antônio Carelli. Membro do Foto
Cine Clube Bandeirante, criou o laboratório e os cursos de fotografia do Museu de
Arte de São Paulo com Thomaz Farkas, em 1949. Sua individual Fotoformas, no ano
seguinte, coloca-o na vanguarda da foto experimental brasileira. Em 1951, estudou
litografia e gravura em Paris, frequentando ainda a Hoschule für Gestaltung (Escola
Superior da Forma) de Ulm, na Alemanha.
De volta a São Paulo, participou da fundação do Grupo Ruptura, desenvolvendo
a partir de 1954 importante papel no campo do desenho industrial. Em 1966 participou da criação do Grupo Rex. Suas obras estiveram em exposições como Geraldo
de Barros: Peintre et Photographie (Musée de L'Elysée, Lausanne, 1993), Fotoformas
(Galeria Camargo Vilaça, São Paulo, 1995), Geraldo de Barros: Precursor (Centro
Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro, 1996), The Joaquim Paiva Collection (FotoFest 1998, Houston, Texas), O Papel da Arte (Galeria de Arte do Sesi, São Paulo,
2000) e Trajetória da Luz na Arte Brasileira (Itaú Cultural, São Paulo, 2001).
Painter, photographer, engraver, graphic artist and film-set designer, Geraldo de
Barros studied design with Clóvis Graciano, Yoshiya Takaoka and Colette Pujol. In
1947, he founded the Group of 15 with Ataíde de Barros and Antônio Carelli. A member
of the Bandeirante Photo Cine Club, he set up a developing lab and created photography courses for the São Paulo Museum of Art with Thomaz Farkas in 1949. His solo
exhibition Fotoformas, in the following year, established him in the forefront of Brazilian
experimental photography. In 1951, he studied lithography and engraving in Paris, also
frequenting the Hoschule für Gestaltung (School of Design) in Ulm, Germany.
On his return to São Paulo, he helped found the Ruptura Group and, from 1954
onwards, played an important role in the field of industrial design. In 1966, he helped
found the Rex Group. His works have been shown at the following exhibitions: Geraldo de Barros: Peintre et Photographie (Musée de L'Elysée, Lausanne, 1993), Fotoformas (Galeria Camargo Vilaça, São Paulo, 1995), Geraldo de Barros: Precursor
(Banco do Brasil Cultural Center, Rio de Janeiro, 1996), The Joaquim Paiva Collection (FotoFest 1998, Houston, Texas), O Papel da Arte (Galeria de Arte do Sesi, São
Paulo, 2000) and Trajetória da Luz na Arte Brasileira (Itaú Cultural, São Paulo, 2001).
79
Hércules Barsotti
São Paulo, SP, Brasil, 1914 São Paulo, SP, Brasil, 2010
Composição na diagonal,1959
guache - gouache
19,5 x 19,5 cm
p.16
Hércules Barsotti
São Paulo, SP, Brazil, 1914 São Paulo, SP, Brazil, 2010
80
Pintor, desenhista, programador visual e gravador, iniciou seus estudos de desenho em 1926 com Enrico Vio e no Instituto Mackenzie. Forma-se químico industrial
em 1937, mas dedica pouco tempo a essa profissão. A partir de 1940, quando descobre a pintura, por dez anos desenvolve seu trabalho até firmar-se na vertente da
arte não-figurativista de conotação geométrica e realiza suas primeiras pinturas concretas em meados da década de 1950. Conquista a pequena medalha de prata e a
grande medalha de outro no Salão Paulista de Arte Moderna em 1958 e 1959, respectivamente, bem como o certificado de isenção de júri no Salão Nacional de Arte
Moderna de 1960. Ainda em 1958 realiza viagem de estudos à Europa. Em 1960
passa a integrar o movimento de arte neoconcreta juntando-se ao grupo neoconcretista do Rio de Janeiro participando das mostras nacionais de arte neoconcreta
de 1960 (RJ) e 1961 (SP). Nesse período é notável em seus trabalhos o predomínio
das pesquisas óticas sob a influência da op art. A partir de 1954, trabalhando como
desenhista têxtil, funda com Willys de Castro, o Estúdio de Projetos Gráficos, onde
cria e desenvolve desenhos para padronagens de tecidos. Participa da fundação da
Associação de Artes Visuais Novas Tendências (São Paulo, 1965) e é membro da
Associação Brasileira de Desenhistas Industriais.
Presente em coletivas como Bienal de São Paulo (1957 a 1965), Bienal Interamericana do México (1960), eventos em Israel, Espanha, EUA, etc e diversas mostras individuais a partir de 1962. Em 2004, o MAM/SP organiza uma retrospectiva do artista.
Painter, draftsman, graphic designer and engraver, Barsotti began his studies
in drawing in 1926 with Enrico Vio and at the Mackenzie Institute. He graduated
in Industrial Chemistry in 1937, but spent little time in his profession. As of 1940,
when he discovered painting, he spent the next ten years developing his work until
he began specializing in non-figurative geometric art, producing his first concrete
paintings in the mid-50s. He won the silver medal and the gold medal at the Salão
Paulista de Arte Moderna in 1958 and 1959, respectively, as well as the jury exemption certificate at the Salão Nacional de Arte Moderna in 1960. In 1958, he undertook a study trip to Europe and two years later joined the Neo-Concrete movement
in Rio de Janeiro, taking part in national exhibitions of Neo-Concrete art in 1960
(Rio) and 1961 (São Paulo). This period was also notable for his experiments with
optics, influenced by Op Art. As of 1954, he began working with fabric design and
founded the Graphic Project Studio with Willys de Castro, where he designs textile
patterns, an activity which led him to take part in setting up the Novas Tendências
Visual Arts Association (São Paulo, 1965). He is also a member of the Brazilian Industrial Designers' Association.
He has taken part in various collective exhibitions, such as the Bienal de São
Paulo (1957 to 1965), the Bienal Iberoamericana de Arte (Mexico, 1960) and events
in Israel, Spain and the USA, among others. He has held several solo exhibitions as
of 1962 and MAM/SP held a retrospective of his work in 2004.
São Paulo, SP, Brasil, 1920 São Paulo, SP, Brasil, 2004
Retícula Corluz 2 - 1961
têmpera ovo/ tela - egg tempera/
canvas
75 x 75 cm
p.25
São Paulo, SP, Brazil, 1920 São Paulo, SP, Brazil, 2004
Fiaminghi estudou no Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo, entre 1936 e 1941,
tornando-se aluno de Waldemar da Costa. Trabalhou com litografia entre 1938 e
1946, dedicando-se também à publicidade. Suas primeiras pinturas eram de cunho
racionalista. Em 1955, iniciou pesquisas em novos suportes cromáticos e ligou-se
ao Grupo Ruptura. Entre 1958 e 1959 integrou o Ateliê Coletivo do Brás. É desse
período sua série de obras mais apreciada - os Virtuais. Fundador em 1963 da Associação de Artes Visuais e da Galeria Novas Tendências, criou em 1969 o Ateliê
Livre de Artes Plásticas de São José dos Campos. Em 1978 viajou para Paris com
Luiz Sacilotto, hospedando-se no ateliê de Kazmer Féjer. Participou, entre outras
mostras, da Exposição Nacional de Arte Concreta (MAM/SP, 1956), Konkrete Kunst
(Zurique, Suíça, 1960), Projeto Construtivo Brasileiro na Arte (Pinacoteca do Estado
de São Paulo e MAM/RJ, 1977), Tradição e Ruptura: Síntese da Arte e Cultura Brasileiras (Fundação Bienal de São Paulo, 1984), Bienal Brasil Século XX (Fundação
Bienal de São Paulo, 1994) e diversas edições da Bienal Internacional de São Paulo
entre 1955 e 1975.
Fiaminghi attended the School of Arts and Crafts in São Paulo between 1936 and
1941, where he was a student of Waldemar da Costa. He worked with lithography
between 1938 and 1946, a period when he was also involved in advertising, and his
first paintings were of a rationalist nature. In 1955 he began to study new chromatic
possibilities and joined the Ruptura Group. Between 1958 and 1959 he was part of
the Brás Studio Collective, a period when he also produced his most appreciated
work, the Virtuais series. He founded the Visual Arts Association and the Galeria
Novas Tendências in 1963 and the São José dos Campos Free Visual Arts Studio in
1969. In 1978 he went to Paris with Luiz Sacilotto and stayed at the studio of Kazmer
Féjer. Among other exhibitions, he took part in the Exposição Nacional de Arte Concreta (MAM/SP, 1956), Konkrete Kunst (Zurich, 1960), Projeto Construtivo Brasileiro
na Arte (São Paulo State Art Gallery and MAM/RJ, 1977), Tradição e Ruptura: Síntese
da Arte e Cultura Brasileiras (Fundação Bienal de São Paulo, 1984), the Bienal Brasil
Século XX (Fundação Bienal de São Paulo, 1994) and several editions of the Bienal
Internacional de São Paulo between 1955 and 1975.
81
Jesús Rafael Soto
Ciudad Bolívar, Venezuela, 1923 Paris, França, 2005
Color a la derecha, 1986
103 x102 cm
p.33
Jesús Rafael Soto
Ciudad Bolívar, Venezuela, 1923 Paris, France, 2005
82
Jesús Rafael Soto, ingressa em 1942 na Escola de Belas Artes de Caracas e, em
1947, com apenas vinte quatro anos, torna-se diretor da Escola de Belas Artes de
Maracaibo. Após uma primeira exposição individual no Atelier Livre de Arte de Caracas, em 1949, Soto se instala em Paris. Avançando no uso de novos materiais e a
tridimensionalidade, suas obras da série Métamorphose são admiradas em 1954 por
Vasarely, que o leva a expor em 1955 na Galerie Denise René junto de nomes como
Calder, Marcel Duchamp, Tinguely e do próprio Vasarely, entre outros. Em 1956 expõe pela primeira vez individualmente em Paris e participa do Festival d'Art d'AvantGarde, na Unité d'habitation de Le Corbusier em Marselha, onde toma contato com
Yves Klein. Presente na exposição de arte cinética Bewogen Beweging, no Stedelijk
Museum de Amsterdam, em 1961, Soto continua participando das manifestações
em torno do grupo Zéro, aproximando-se também do grupo Nouvelle Tendance.
Expondo em Nova York em 1965, na Kootz Gallery, Soto vê pela primeira vez, no Museum of Modern Art, a obra Quadrado branco sobre fundo branco, de Malévitch, e
em 1966 realiza na Bienal de Veneza um de seus primeiros Penetráveis, participando
em 1967 da exposição Lumière et Mouvement, no Musée d'Art Moderna de Paris.
Em 1968 é realizada sua primeira retrospectiva internacional, que percorre Suíça,
Alemanha, Bélgica e França. Em 1987 o artista tem uma obra sua instalada de modo
permanente na entrada do Centre Georges Pompidou, em Paris, e em 2002 a DAN
Galeria (São Paulo, Brasil) realiza uma exposição sobre sua obra
Jesús Rafael Soto entered the Escuela de Belas Artes de Caracas in 1942, and
five years later, at the age of just 24, he became the director of the Escuela de Belas
Artes de Maracaibo. After his first solo show at Atelier Livre de Arte de Caracas, in
1949, Soto set up residence in Paris. Advancing in the use of new materials and
tridimensionality, the works of his Métamorphose series were admired in 1954 by Vasarely, who brought him to participate in an exhibition in 1955 at Galerie Denise René
together with names that included Calder, Marcel Duchamp, Tinguely, and Vasarely
himself. In 1956 he held his first solo show in Paris and participated in the Festival
d’Art d’Avant-Garde, at the Unité d’habitation de Le Corbusier in Marseille, where
he had contact with Yves Klein. He also participated in the exhibition of kinetic art
Bewogen Beweging, at Stedelijk Museum of Amsterdam, in 1961, and from then on
Soto participated in manifestations involving the Zero Group, also establishing connections with the Nouvelle Tendance Group. While exhibiting at Kootz Gallery in New
York in 1965, on a visit to the Museum of Modern Art, Soto saw for the first time the
work White Square on White by Malevitch. At the 1966 Venice Biennale he presented
one of his first Penetrables, participating in 1956 in the exhibition Lumière et Mouvement, at the Musée d’Art Moderna de Paris. In 1968 his first international retrospective was held, a traveling exhibition that was presented in Switzerland, Germany, Belgium and France. In 1987 one of his works was permanently installed at the entrance
of the Centre Georges Pompidou, in Paris, and in 2002 an exhibition concerning his
oeuvre was held at DAN Galeria (São Paulo, Brazil).
Josef Albers
Bottrop, Alemanha, 1888 New Haven, Connecticut, EUA, 1976
Study for Homage to the Square:
Respected,1964
óleo/masonite - oil/masonite
81,3 x 81,3 cm
p.12
Homage to the Square -Terrestrial,1961
óleo/masonite - oil/masonite
81 x 81 cm
p.13
Josef Albers
Bottrop, Germany 1888 New Haven, Connecticut, USA, 1976
O germano-americano, pintor e professor de arte, Josef Albers nasce em Bottrop
em 1888. Inicialmente, estuda e trabalha como professor antes de se matricular na
Kunstschule Königliche em Berlim, onde estuda de 1913 a 1915. Muda-se para Essen, em 1916, onde frequenta a School of Arts and Crafts até 1919. Mais tarde, estuda desenho com Franz von Stuck na Munich Academy. Matricula-se na Bauhaus em
Weimar, em 1920. Lá, lhe é dada uma missão de ensino por Walter Gropius em 1923,
tornando-se um Jungmeister (Jovem Mestre) em 1925. Assume the glass workshop
e conduz o curso preparatório, juntamente com László Moholy-Nagy.
Após a Bauhaus ser fechada, emigra para os EUA, onde atua como chefe do
departamento de arte no Black Mountain College, na Carolina do Norte, até 1949.
De 1933 a 1936 torna-se membro do grupo Abstraction-Création, e junta-se aos
American Abstract Artists em 1938. É nomeado diretor do Departamento de Design
da Universidade de Yale em 1950.
Suas variações da Homenagem ao Quadrado, cujo trabalho ele começou em
1949, tornam-se famosas e determinam suas obras posteriores. Elas surgiram de
suas ponderações sobre as teorias da recepção, sobre a qual ele também faz uma
série de escritos, lança a Interaction of Color em 1963 e a Formulation: Articulation,
em 1972.
Nas décadas de 1960 e 70, recorre cada vez mais a técnicas gráficas, especialmente serigrafia e litografia
The German-American painter and art teacher Josef Albers was born in Bottrop
in 1888. He initially trained and worked as a teacher before enrolling at the Königliche
Kunstschule in Berlin, where he studied from 1913 to 1915. He moved to Essen in 1916,
where he attended the School of Arts and Crafts until 1919. He later studied drawing
with Franz von Stuck at the Munich Academy. He enrolled at the Bauhaus in Weimar in
1920. There, he was given a teaching assignment by Walter Gropius in 1923, becoming
a Jungmeister [Young Master] in 1925. He took over the glass workshop and led the
preparatory course along with László Moholy-Nagy.
After the Bauhaus was closed, he immigrated to the USA, where he served as
head of the art department at Black Mountain College in North Carolina, until 1949.
From 1933 to 1936 he was a member of the Abstraction-Création group, and
joined the American Abstract Artists in 1938. He was appointed as director of the
Department of Design at Yale University in 1950.
His variations of the Homage to the Square, which he started working on in 1949,
became famous and also determined his later works. They arose from his ponderings
on theories of reception, on which he also made a number of writings; he released
Interaction of Color in 1963 and Formulation: Articulation in 1972.
He increasingly resorted to graphic techniques, especially silkscreen and lithography, in the 1960s and ’70s.
83
Laura Miranda
Curitiba, PR, Brasil, 1958
A céu aberto IV, 2009
fragmentos de papel dobrados,
tingidos e costurados - pieces of
paper folded, dyed and sewn
116 x 116 cm
p.66
Lençol de chumbo, 1996
35 x 35 cm
p.67
Laura Miranda
Curitiba, PR, Brazil, 1958
84
Laura Steff Miranda, graduada no curso de pintura em 1981 e pós-graduada em
História da Arte do Século XX em 1999 pela Escola de Música e Belas Artes do Paraná. No período de 1998 a 2000 foi contratada por esta instituição como professora
na área de expressão bidimensional.
Sua formação inclui também a dança (Nikolais/ Louis Foundation for Dance) com
Rocio Infante e educação somática (AlexanderTechnique)com Joel Kendall. De 1989
a 1994 integrou a Tempo Companhia de Dança como performer, coreógrafa, cenógrafa e figurinista.
Desde 1980 participa de várias propostas de grupo com mostras de trabalhos, vídeos, workshops e encontros. Com outros artistas de sua geração criou a Associação
Profissional de Artistas Plásticos do Paraná e foi sua diretora cultural por dois anos.
Frequentou vários ateliês, entre os quais o de escultura do Centro de Criatividade
e Casa da Gravura em Curitiba e a Escola de Artes Visuais do Parque Laje no Rio de
Janeiro. Nesses espaços foi orientada por importantes artistas e críticos como Eivo
Benito Damo, Waltércio Caldas, João Carlos Goldberg e José Rezende.
Atuando como desenhista, escultora e performer tem participado de importantes
salões, mostras e eventos em todo o país e no exterior e merecido várias premiações.
Atualmente dedica-se à pesquisa e produção de trabalhos que conectam os
campos da moda e da arte, promovendo cursos e projetos coletivos de criação.
Laura Steff Miranda earned her BA in painting in 1981, and a postgraduate degree in the history of 20th century art in 1999, from the Escola de Música e Belas
Artes do Paraná, where she also served as a professor in the area of bidimensional
expression from 1998 to 2000.
She has also received training in dance (Nikolais/Louis Foundation for Dance)
with Rocio Infante, and in somatic education (Alexander Technique), with Joel Kendall. From 1989 to 1994 she was a member of the Tempo Companhia de Dança as a
performer, choreographer, scenographer and costume designer.
Since 1980 she has participated in various group proposals with shows of artworks, videos, workshops and meetings. With other artists of her generation she
created the Associação Profissional de Artistas Plásticos do Paraná and served as
its cultural director for two years.
She has attended various studios, including the sculpture studio of the Centro
de Criatividade e Casa da Gravura in Curitiba and the Escola de Artes Visuais do
Parque Laje in Rio de Janeiro. In these spaces she was oriented by important artists and critics such as Eivo Benito Damo, Waltércio Caldas, João Carlos Goldberg
and José Rezende.
In her work as a drawer, sculptor and performer, she has participated in important
exhibitions and events throughout Brazil and abroad, and has won various prizes.
She is currently dedicating herself to research in the production of works that
link the fields of fashion and art, holding courses and projects for collective creation.
León Ferrari
s.t./ untitled, s.d./ undated
escultura em metal/ metal sculpture
74,5 x 35,5 x 35,5 cm
p.27
León Ferrari
Pintor, gravador, escultor, artista multimídia. Inicia seu trabalho como escultor na
Itália, onde reside por três anos. Em 1955, realiza individual na Galeria Cariola, em
Milão. Em 1960, começa a fazer esculturas de arame e aço inoxidável e, dois anos
depois, produz desenhos caligráficos e colagens. Em 1965, engaja-se no movimento cultural e político do Instituto di Tella de Buenos Aires, e abandona a produção
abstrata. Entre 1968 e 1969, participa dos eventos Tucuman Arde e Malvenido Rockefeller, em Buenos Aires.
Muda-se para São Paulo, em 1976, e retoma a produção de escultura de metal.
Em 1977, passa a fazer esculturas sonoras em barras metálicas e interessa-se por
novos meios expressivos, incentivado pela convivência com Regina Silveira (1939) e
Julio Plaza (1938 - 2003). Realiza obras em videotexto, microfichas, arte postal, cria
livros de artista e trabalha com litografia. Recebe prêmio da Associação Paulista de
Críticos de Arte - APCA de melhor exposição do ano, em 1983. No ano seguinte
volta a residir em Buenos Aires. Passa a utilizar também o meio digital em suas proposições, como em Electronicartes, 2002/2003.
Em paralelo às atividades em artes visuais, publica livros como Nosotros No
Sabíamos, em 1976; Cuadro Escrito, em 1984; Exégesis, em 1993, e La Bondadosa
Crueldad, em 2000. Nesse ano, recebe o Prêmio Costantini.
Ao longo de sua vida, participa de inúmeras exposições individuais e coletivas
por todo o mundo.
Painter, printmaker, sculptor and multimedia artist Leon Ferrari began his work
as a sculptor in Italy, where he lived for three years. In 1955, he held a solo show at
Galeria Cariola, in Milan. In 1960, he began to make sculptures made of wire and
stainless steel and, two years later, produced calligraphic drawings and collages. In
1965, he became engaged in the cultural and political movement of the Instituto di
Tella de Buenos Aires, and abandoned his abstract production. In 1968 and 1969, he
participated in the events Tucuman Arde and Malvenido Rockefeller, in Buenos Aires.
He moved to São Paulo in 1976, and reassumed his production of metallic sculptures. In 1977, he began to produce sonic sculptures made with metal bars, and
became interested in new expressive media, inspired by his shared experience with
Regina Silveira (1939) and Julio Plaza (1938–2003). He produced works in videotext,
microfilm, mail art, artist’s books and lithography. He received the prize for best exhibition of the year from the Associação Paulista de Críticos de Arte (APCA) in 1983.
The following year he moved back to Buenos Aires. He began to also use digital
media in his propositions, as in Electronicartes, 2002/2003.
In parallel with his activities in the visual arts, he has published a number of books,
including Nosotros No Sabíamos, in 1976; Cuadro Escrito, in 1984; Exégesis, in
1993; and La Bondadosa Crueldad, in 2000. That same year, he received the Premio
Costantini.
Throughout his life, he has participated in countless solo shows and group exhibitions around the world.
85
Lothar Charoux
Viena, Áustria, 1912 São Paulo, SP, Brasil, 1987
Composição,1958
nanquim/ papel - indian ink/ paper
40 x 40 cm
p.18
s.t./ untitled, déc.1960
acrílica /papel Fabriano acrylic /Fabriano paper
120 x 120 cm
p.19
Lothar Charoux
Vienna, Austria, 1912 São Paulo, SP, Brazil, 1987
86
Iniciando-se nas artes com seu tio, o escultor Siegfried Charoux, Lothar Charoux
emigrou para o Brasil em 1928. Fixou-se em São Paulo e estudou no Liceu de Artes
e Ofícios. Conheceu Waldemar da Costa, com quem estudou pintura na década de
1940. Foi professor de desenho no Liceu de Artes e Ofícios e no Senai, realizando
sua primeira individual em 1947. Junto com Waldemar Cordeiro, Geraldo de Barros
e Anatol Wladyslaw, foi um dos fundadores do Grupo Ruptura, em 1952. Em 1963
criou a Associação de Artes Visuais Novas Tendências, com Fiaminghi e Sacilotto.
Foi eleito pela Associação Paulista dos Críticos de Arte o melhor desenhista de
1972. No ano seguinte, integrou a sala especial Arte Construída, na Bienal Internacional de São Paulo.
Depois de experimentações cubistas e expressionistas, Lothar Charoux tornou-se fiel aos questionamentos concretistas, criando espaços virtuais nos quais
as formas interagem constantemente com o olhar do público. Sua arte manifesta
surpreendentes ritmos visuais em elaboradas simetrias e ordenações de cores,
linhas e planos.
Introduced to the arts by his uncle, the sculptor Siegfried Charoux, Lothar Charoux emigrated to Brazil in 1928, settling in São Paulo and studying at the School of
Arts and Crafts, where he subsequently taught. He became acquainted with Waldemar da Costa, under whom he studied painting in the 40s. He also gave lessons at
Senai (a vocational learning institute) and held his first solo exhibition in 1947. Together with Waldemar Cordeiro, Geraldo de Barros and Anatol Wladyslaw, he founded
the Grupo Ruptura in 1952. In 1963 he set up the Association of New Tendencies in
the Visual Arts with Fiaminghi and Sacilotto. In 1972 he was elected best draftsman
by the São Paulo Art Critics' Association. In the following year, his work was part of
the special exhibit, Arte Construída, within the Bienal Internacional de São Paulo.
Following experiments with cubism and expressionism, Lothar Charoux became faithful to the precepts of concretism, creating virtual spaces within which the
forms ínteract constantly with the eye of the observer. His art shows surprising visual
rhythms in elaborate symmetries and arrangements of colors, lines and planes.
Luiz Sacilotto
Santo André, SP, Brasil 1924 São Paulo, SP, Brasil, 2003
nº 962 - s.d./ undated
guache - gouache
50 x 50 cm
p.36
nº 0389 - 1982
guache - gouache
45 x 45 cm
p.37
Luiz Sacilotto
Santo André, SP, Brazil 1924 São Paulo, SP, Brazil, 2003
Filho de imigrantes italianos, Sacilotto começou a pintar por volta de 1940. Entre
1944 e 1947, estudou desenho na Associação Brasileira de Belas Artes. Trabalhou
como publicitário e desenhista de arquitetura. Depois de uma primeira fase figurativa
de teor expressionista, participou da exposição 19 Pintores, na Galeria Prestes Maia,
em 1947. Integrou o Grupo Ruptura, em 1963. No ano seguinte foi um dos fundadores da Associação de Artes Visuais Novas Tendências. Participou de diversas
edições da Bienal Internacional de São Paulo, da Bienal de Veneza, da Exposição
Nacional de Arte Concreta (São Paulo e Rio de Janeiro, 1956-1957), Konkrete Kunst
(Zurique, 1960) e Projeto Construtivo Brasileiro na Arte: 1950-1962 (Pinacoteca do
Estado de São Paulo e MAM/RJ, 1977).
Considerado por Waldemar Cordeiro como a "viga mestra da arte concreta",
Sacilotto foi um dos principais precursores do movimento no Brasil. Afeito à sensibilidade de uma cultura industrial e adepto da economia dos meios plásticos, o artista
articulava em seu trabalho elementos da op art e do minimalismo, ultrapassando
as fronteiras da abstração geométrica em objetos que rompiam os limites do plano
bidimensional.
The son of Italian immigrants, Sacilotto started painting in around 1940. From 1944
to 1947 he studied drawing at the Brazilian Association of Fine Arts. He was employed
in advertising and as an architecfs draftsman. After an early expressionist-figurative
phase, he took part in an exhibition entitled 19 Pintores at the Prestes Maia Gallery in
1947. He helped set up the Grupo Ruptura in 1963. The following year he co-founded
the Associação de Artes Visuais Novas Tendências. He took part in the Bienal Internacional de São Paulo on several occasions, as well as the Biennale di Venezia, the
Exposição Nacional de Arte Concreta (São Paulo and Rio de Janeiro, 1956-1957),
Konkrete Kunst (Zurich, 1960) and Projeto Construtivo Brasileiro na Arte: 1950-1962
(São Paulo State Art Gallery and the Rio de Janeiro Museum of Modern Art, 1977).
Considered by Waldemar Cordeiro as "the mainstay of concrete art", Sacilotto
was one of the movemenfs forerunners in Brazil. Attuned to the sensitivity of an industrial culture, and advocate of the economy of artistic means, the artist blended
elements of op art and minimalism in his work, going beyond the bounds of geometrical abstraction in objects that break the limits of two-dimensionality.
87
Lygia Clark
Belo Horizonte, MG, Brasil, 1920 Rio de Janeiro, RJ, Brasil, 1988
Espaço modulado versão única nº 85, 1958/ 58
colagem de cartão - collage card
20 x 19,5 cm
p.28
Espaço modulado nº 6 - 4/5,1958/ 82
tinta industrial/ madeira - industrial
paint on wood
90 x 30 cm
p.29
Lygia Clark
Belo Horizonte, MG, Brazil, 1920 Rio de Janeiro, RJ, Brazil, 1988
88
Pintora e escultora, mudou-se para o Rio de Janeiro em 1947 e iniciou aprendizado artístico com Burle Marx. Em 1952 viajou para Paris, onde estudou com
Léger, Arpad Szenes e Dobrinsky. Expôs no Institut Endoplastique de Paris e no
Ministério da Educação e Saúde, no Rio de Janeiro. Em 1954 integrou o Grupo
Frente. Entre 1954 e 1958 realizou as séries Superfícies Moduladas e Contra-Relevos, sendo uma das fundadoras do neoconcretismo, em 1959. Substituiu progressivamente a pintura pelos objetos tridimensionais e pelas experiências sensoriais,
realizando obras interativas como as da série Bichos, de 1960. Residiu em Paris
entre 1970 e 1976 e lecionou na Sorbonne. Na volta ao Brasil, dedicou-se ao estudo das possibilidades terapêuticas da arte sensorial e a seus Objetos Relacionais.
Participou de várias edições da Bienal de Veneza e da Bienal Internacional de São
Paulo, além de mostras como Opinião 66 (MAM/RJ, 1966), Brazil Projects (Institute
for Art and Urban Resources, Nova York, 1988), Documenta de Kassel (Alemanha,
1997), Lygia Clark (Paço Imperial do Rio de Janeiro, 1998) e Experimentí Experiência: Art in Brazil 1958-2000 (The Museum of Modem Art, Oxford, 2001). Lygia
Clark é reconhecida como uma das mais importantes artistas da transição entre o
moderno e o contemporâneo no Brasil.
A painter and sculptress, Lygia Clark moved to Rio de Janeiro in 1947 and began her artistic apprenticeship with Burle Marx. In 1952 she went to Paris, where
she studied under Léger, Arpad Szenes and Dobrinsky. Her work was shown at the
Institut Endoplastique de Paris and at the Ministry of Education and Health in Rio de
Janeiro. In 1954, she joined the Frente Group. Between 1954 and 1958 she produced
the series Superfícies Moduladas and Contra-Relevos and was one of the founding
members of the Neo-Concrete movement in 1959. She gradually began to replace
painting with three dimensional objects and sensory experiences, producing works
such as the Bichos series of 1960. She returned to Paris, where she lived between
1970 and 1976, lecturing at the Sorbonne. On her return to Brazil, she dedicated herself to studying the therapeutic possibilities of sensory art and to her Objetos Relacionais series. She took part in several editions of the Biennale di Venezia and the
Bienal Internacional de São Paulo, as well as such exhibitions as Opinião 66 (MAM/
RJ, 1966), Brazil Projects (Institute for Art and Urban Resources, New York, 1988),
Documenta Kassel (Germany, 1997), Lygia Clark (Paço Imperial do Rio de Janeiro,
1998) and Experimentí Experiência: Art in Brazil 1958-2000 (The Museum of Modem
Art, Oxford, 2001). Lygia Clark is recognized as one of the most important artists
marking the transition between modern and contemporary art in Brazil.
Macaparana
Composição livre para Glenn Gould,
set/out - spt/oct, 2009
mista/ cartão - mixed media/cardboard
70 x 80 cm
p.64
Mapa II, fev/ feb, 2010
mista/ cartão - mixed media/ cardboard
100 x 100 cm
p.65
Macaparana
Pintor, desenhista e escultor, José de Souza Oliveira Filho, o Macaparana, é autoditada. Começa, ainda na adolescência e admirador de Frans Post, como pintor
figurativo. Realiza sua primeira individual em Recife (1970), na Galeria da EMPETUR.
Em 1972, muda-se para o Rio de Janeiro e em 1973 para São Paulo. Por cerca de 10
anos expõe nas duas cidades seus trabalhos, com tons surrealistas e tendo como
tema o ex-voto. Mas seu encantamento não é com a religiosidade e sim com a madeira, cujas texturas reproduz com maestria e espontaneidade. Em 1983, conhece
Willys de Castro, expoente do neoconcreto. E dá-se a transição: o assunto, no caso
o ex-voto, perde a importância e o formal assume como valor central. Diferentemente
de muitos outros artistas, essa transição não se dá pelo estudo teórico, fruto puramente de esforços intelectuais, nem de fazer parte de qualquer grupo ou tendência,
o que não é seu caso. Bem observou Olívio Tavares de Araújo quando lhe confere
o status de "um dos grandes geômatras sensíveis do país". Suas exposições, individuais e coletivas, além da participação na XXI Bienal Internacional de São Paulo
(1991), ocorreram em São Paulo, Rio de Janeiro, Recife, Brasília, Buenos Aires, México, Japão, Nova York e Londres. Em 2009, é lançado o livro macaparana - formas
cortadas, na DAN Galeria (São Paulo) e em 2011 expõe individualmente na Galerie
Denise René, Paris, França.
José de Souza Oliveira Filho, known as Macaparana, is an entirely self-taught painter, drawer and sculptor. A great admirer of Frans Post, he began producing figurative
paintings when still in his teens, and held his first solo exhibition at the Galeria da EMPETUR in Recife in 1970. In 1972 he moved to Rio de Janeiro, and in 1973 to São Paulo.
For around ten years, he exhibited his work in both cities, specializing in ex-voto subjects with surrealist overtones. But the chief attraction of his work lay not in its religiosity
but in the masterly and spontaneous way in which the artist reproduced the textures of
the wood. In 1983, he met Willys de Castro, a leading light in the neoconcrete movement, and his work underwent a radical change. Henceforth, the subject matter, in the
case of the ex-votos, lost its central importance to be replaced by form. Unlike in the
case of many other artists, this transition did not come about through the study of theory, the fruit of pure intellectualism, nor by being part of any group or tendency. Olívio
Tavares de Araújo put it best when he described him as “one of the country’s greatest,
and most sensitive geometers.” In addition to the XXI Bienal Internacional de São Paulo
(1991), his work has been shown in group exhibitions and solo shows. In 2009, the
book macaparana – formas cortadas was released at DAN Galeria (São Paulo) and in
2011 had an individual exhibition at the Galerie Denise René, Paris, France.
89
Max Bill
Winterthur, Suíça, 1908 Berlim, Alemanha, 1994
untitled,1967
óleo/tela - oil/canvas
60 x 60 cm
p.15
Max Bill
Winterthur, Switzerland, 1908 Berlin, Germany, 1994
90
Max Bill, artista plástico, escultor, arquiteto, designer gráfico, Bill estudou na
Bauhaus em Dessau, e foi mais tarde docente na hochschule für gestaltung, a escola
superior de design em Ulm, vocacionada para continuar o legado da Bauhaus. Em
1929, Bill estabeleceu-se em Zurique, onde começou uma atividade multifacetada. Em
1930/31 surgem os seus primeiros posters, como, por exemplo, o cartaz da Exposição de Arte Rupestre Africana no Kunstgewerbemuseum Zürich. Em 1933 elabora as
suas primeiras esculturas.
No desenho gráfico e editorial, Max Bill foi um dos primeiros a aplicar o conceito
de organização racional dos espaços com o auxílio de uma grade. Em 1938, Max Bill
arquiteto, associa-se ao CIAM (Congrès International d’Architecture Moderne, associação de arquitetos impulsionada por Le Corbusier). Viajou ao Brasil e à Argentina
(1941), onde apresentou suas idéias e obras ao público dos dois países. Influenciou
fortemente a criação do movimento concretista brasileiro. Uma de suas esculturas
mais representativas, Unidade tripartida, ganhou o grande prêmio de escultura na
I Bienal de São Paulo (1951).
A partir de 1944, começa a fazer design industrial. No ano letivo 1944-1945 leciona
a disciplina «Formlehre» na já famosa Kunstgewerbeschule Zürich. Em 1947, Bill fundou o seu institut für progressive cultur. Em 1951, junto com Otl Aicher , foi co-fundador
da hochschule für gestaltung em Ulm, Alemanha.
A visual artist, sculptor, architect and graphic designer, Max Bill studied at the Bauhaus in Dessau, and later served as a professor at the Hochschule für Gestaltung, the
superior school of design in Ulm, destined to continue the legacy of the Bauhaus. In
1929, Bill set up residence in Zürich, where he began a multifaceted activity. In 1930/31
he produced his first posters, as, for example, the one for the Exhibition of African Rupestrian Art at the Kunstgewerbemuseum Zürich. In 1933 he created his first sculptures.
In the field of editorial and graphic design, Max Bill was a pioneer in applying the
concept of rational organization of the graphic space with the aid of a grid.In 1938, as
an architect, Max Bill joined CIAM (Congrès International d’Architecture Moderne, an
association of architects whose main leading light was Le Corbusier). He traveled to
Brazil and Argentina (1941), where he presented his ideas and works to the public of
the two countries. He strongly influenced the creation of the Brazilian concrete movement. One of his most representative sculptures, Tripartite Unity, won the First Prize in
sculpture at the I Bienal de São Paulo (1951).
In 1944 he began to work in the area of industrial design. In 1944–1945 he taught
the discipline of formlehre at the renowned Kunstgewerbeschule Zürich. In 1947, Bill
founded the Institut für Progressive Cultur. In 1951, together with Otl Aicher, he cofounded the Hochschule für Gestaltung in Ulm, Germany
Willys de Castro
Uberlândia, MG, Brasil, 1926 São Paulo, SP, Brasil, 1988
Variar as cores - 1958
guache/ papel - gouache/ paper
11 x 11 cm
p.55
Willys de Castro
Uberlândia, MG, Brazil, 1926 São Paulo, SP, Brazil, 1988
Willys de Castro mudou-se para São Paulo em 1941 e estudou desenho com André Fort. Trabalhou como desenhista técnico e, em 1948, formou-se em química. Foi
ainda cenógrafo, figurinista, programador visual e desenhista, além de pintor. Fez os
primeiros desenhos abstrato-geométricos em 1950 e, em 1953, iniciou-se na pintura
concreta. Em 1954, fundou o Estúdio de Projetos Gráficos, com Hércules Barsotti.
Foi também co-fundador do movimento Ars Nova e do grupo Novas Tendências. Em
1958 empreendeu viagem de estudos à Europa. Aproximando-se do neoconcretismo, expôs na Galeria de Arte das Folhas (1959), na Konkrete Kunstde Zurique (1960),
na Bienal de Paris (1961), nas exposições de arte neoconcreta do MAM/SP e do
Ministério da Educação e Cultura (1961), em Brazilian Art Today, em Londres (1965),
e em várias edições da Bienal Internacional de São Paulo. Na década de 1980 iniciou
pesquisa de construção em materiais como madeira, metal e aço inox com efeitos
de cor e movimentos - os objetos ativos e os pluriobjetos.
De Castro moved to São Paulo in 1941 and studied drawing under André Fort. He
worked as a technical designer and took a degree in Chemistry in 1948 before working in several areas of design, including sets, costumes and graphics, while continuing
as a draftsman and painter. He made his first abstract-geometric designs in 1950 and
began concrete painting in 1953. In the following year he founded the Graphic Project
Studio with Hércules Barsotti. He also co-founded the Ars Nova movement and the
Novas Tendências Group. In 1958 he undertook a study trip to Europe. He was associated with the Neo-Concrete movement and his work was shown at the Galeria de Arte
das Folhas (1959), Konkrete Kunst (Zurich, 1960), the Biennale de Paris (1961), exhibitions of Neo-Concrete art at MAM/SP and the Ministry of Education and Culture (1961),
Brazilian Art Today (London, 1965) and various editions of the Bienal Internacional de
São Paulo. In the 1980s he began experimenting in structures made of wood, metal
and stainless steel combined with the effects of color and movement - the so-called
objetos ativos and pluriobjetos.
91
DAN GALERIA
Projeto gráfico e produção gráfica /
Diretores / Directors
Graphic Design and Graphic Production
Peter Cohn
Maína Junqueira - Mai Design
Gláucia Cohn
Tratamento de imagens /
Flavio Cohn
Treatment of Images
Coordenação / Coordination
Mai Design
Ulisses Cohn
Provas digitais e Impressão /
Digital Proofs and Printing
Pancrom
Livro / Book
Tiragem / Print Run
Introdução / Introduction
2000 exemplares
Flavio Cohn
Texto Crítico / Critical Essay
Press Relations
Ferreira Gullar
A4 Comunicação
Biografias / Biographies
Cauê Alves / DAN Galeria / Itaú Cultural /
www.venehat.blogspot.com /
www.albers.josef.com
Tradução / Translations
John Norman
Revisão de textos / Text Editor
Mario Sergio A. Maríngoli
Fotografia / Photograph
Sergio Guerini
92
Assessoria de Comunicação/

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