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IMAGENS DA CULTURA
textos selecionados do Vi Seminário Imagens da Cultura | Cultura das Imagens
COORDENADORES DA EDIÇÃO:
JOSÉ DA SILVA RIBEIRO, ORTELINDA GONÇALVES E CASIMIRO PINTO
RED_ICCI | 2010
COORDENAÇÃO DA REDE E DO SEMINÁRIO ICCI
José da Silva Ribeiro |CEMRI, Grupo de Antropologia Visual, Universidade
Aberta, Portugal
Pedro A. Hellín Ortuño | Grupo de Investigação em Comunicação Corporativa
e Sociedade da Informação, Área de Estudos Culturais, Universidade de Múrcia
PATROCINADORES
FCT – Fundação para a Ciência e Tecnologia, Ministério da Ciência, Tecnologia e
Ensino Superior
CEMRI – Centro de Estudos das Migrações e das Relações Interculturais, Universidade Aberta
Universidade Portucalense – Instituição de acolhimento do Seminário
COMISSÃO CIENTÍFICA
Ana Paula Beja Horta, Coordenadora Científica do CEMRI, Universidade Aberta
– Portugal
Sylvia Caiuby, Coordenadora científica do LISA, Universidade de São Paulo – Brasil
Cornelia Eckert, Coordenadora científica do BIEV e do NAVISUAL, IFCH, UFRGS –
Brasil
IMAGENS DA CULTURA
Actas do VI Seminário Imagens da Cultura | Cultura
das Imagens
Coordenação Editorial
José da Silva Ribeiro, Ortelinda Gonçalves, Casimiro
Pinto
Concepção Gráfica
Izabel Meister e Rodrigo Saturnino
Carmen Guarini, Documentarista, Antropóloga, Universidade de Buenos Aires –
Argentina
Jacques Ibanez-Bueno, Coordenador do Pólo L’image & l’information - IREGE, Universidade de Savoie – França
Deolinda M. Adão, Directora Executiva. Portuguese Studies Program. University of
California, Berkeley – USA
Isabel Vaz de Freitas, Directora do Departamento de Ciências da Educação e do
Património, Universidade Portucalense – Portugal
Clara Carvalho, Presidente do CEA, ISCTE – Portugal
Revisão de Texto
Joana Pinto e Carlos Miguel Fernandes
Fernando Contreras, Coordenador científico do Grupo de Investigación en Tecnología, Arte y Comunicación, Universidade de Sevilha - Espanha
Edição
Centro de Estudos das Migraçoes e Relações Internacionais - CEMRI - Universidade Aberta | Palácio
Ceia | Rua da Escola Politécnica, nº141-147 | 1269001 Lisboa
César San Nicolás, Coordenador de comunicación do Vicerreitorado de Relaciones
Internacionales y Comunicación Universidade de Múrcia - Espanha
Apoio
FCT, UPT, UM (Múrcia)
ISBN: 978-972-674-699-7
Depósito Legal: 316625/10
Manuela Penafria, Grupo de Trabalho em Estudos Fílmicos da SOPCOM, Diretora
da Revista Doc-online, Universidade de Beira Interior - Portugal
Olívia Maria Marques da Silva, Diretora do Departamento das Artes da Imagem,
ESMAE - Escola Superior de Música, Artes do Espetáculo, IPP, Porto - Portugal
Ana Luiza Carvalho da Rocha, Coordenadora científica do BIEV, NAVI, UFRGS –
Brasil
António Costa Valente, AVANCA – Encontros Internacionais de Cinema, Televisão,
Vídeo e Multimédia, Comunicação e Arte, Universidade de Aveiro – Portugal
ABERTURA
VI Seminário Imagens da Cultura | Cultura das Imagens
Realizou-se nos 1, 2 e 3 de Julho de 2010 na Universidade Portucalense no Porto, o VI Seminário Imagens da Cultura / Cultura das imagens. O Seminário ICCI
nasceu de uma cooperação ERASMUS entre a Universidade Aberta e a Universidade de Múrcia e com a cooperação do Núcleo de Pesquisa em Hipermédia da
PUC-SP (Brasil) tendo como objetivo a Internacionalização da investigação e a
ligação entre investigadores das diversas Universidades envolvidas no projeto.
No âmbito da realização do V Seminário ICCI na Universidade Sevilha foi criada
uma rede de grupos de pesquisa implicada nos mesmos objetivos de cooperação científica internacional no âmbito das ciências sociais e da comunicação
focalizada nas temáticas da imagem e da cultura visual e sonora e nas questões
da interculturalidade e do transnacionalismo numa perspetiva interdisciplinar.
A RED_ICCI é atualmente constituída pelos seguintes grupos de investigação:
CEMRI – Laboratório de Antropologia Visual, Universidade Aberta; Grupo de
Investigação em Comunicação Corporativa e Sociedade da Informação – Área
de Estudos Culturais, Universidade de Múrcia; Grupo de Investigación en Tecnología, Arte y Comunicación, Universidad de Sevilha; Design e Arte, Universidade Mackenzie, São Paulo; Pôle lmage & Information – IREGE, Universidade de
Savoie; Grupo Internacional de Análisis Cinematográfico y Televisivo, Universidade Complutense de Madrid; GEOBINDEL - Grupo de Investigación de Desarrollo Local y Geografia Económica, Universidad de Alicante; VISURB - Grupo de
Pesquisas Visuais e Urbana, Universidade Federal de São Paulo; CEPESE – Centro de Estudos da População, Economia e Sociedade, Universidade do Porto;
Grupo de Investigação em Sociedade, Ambiente e Desenvolvimento, Departamento de Ciências da Educação e do Património, Universidade Portucalense.
A RED_ICCI assume conjuntamente a organização dos Seminários e a dinamização dos diversos grupos locais de pesquisa com vista à realização e apresentação de projetos de investigação conjuntos, a criação de Grupos de trabalho
no Seminário, à apresentação dos trabalhos publicados no intervalo entre seminários e a publicação de uma Revista IMAGENS DA CULTURA |CULTURA DAS
IMAGENS - IMÁGENES DE LA CULTURA | CULTURA DE LAS IMÁGENES
Índice
TEORIA, METODOLOGIA E TECNOLOGIA DA IMAGEM
10
Questões epistemológicas, éticas e políticas da representação
audiovisual em antropologia12
José da Silva Ribeiro
Mergulho na imaginação criadora: antropologia e imagem Ana Luiza Carvalho da Rocha e Cornelia Eckert
Triangulação e Hipermédia: Uma Opção Metodológica para
investigação e exposição de resultados em Antropologia
Sandra C. S. Marques
Imagem, imagens e dispositivos… de que falamos afinal?
Ricardo Campos
32
41
57
A(s) câmara(s) entre mãos: As imagens e as memórias como bens: reflexões
sobre a utilização da câmara e imagens em trabalho de campo entre os Bunak - Timor-Leste
Lúcio Sousa
67
A fotografia enquanto representação do real: AiIdentidade visual criada pelas
imagens dos povos do Médio Oriente publicadas na National Geographic
Daniel Rodrigo Meirinho de Souza
68
Leituras fotográficas: Entre a história da arte e a cultura visual
Rosana Horio Monteiro
79
Uma varinha, um lampião e a nossa mágica diversão
Raphael Dall’Anese Durante
80
Articulações entre Design Gráfico e Poesia Concreta Paulista
Ana Paula Calvo, Zuleica Schincariol e Leila Reinert
81
Interfaces flusserianas entre as imagens técnicas a cultura midiática
Alex F. Heilmair
97
Recontar as verdades das imagens e das palavras
Ana da Palma
PAISAGENS SONORAS URBANAS, SONORIDADES
DAS MIGRAÇÕES, IMAGENS SONORAS DA CULTURA
Diálogos entre a imagem visual e a imagem sonora: A experiência de escritura
do sonoro nos documentários etnográficos
Viviane Vedana
“Se à sua imagem corresponder a beleza da sua voz, é fácil imaginar a razão
pela qual não nos dá o sono nestas duas horas” (ouvinte do programa ‘Boa Noite’):
A co-construção do sentido em programas de rádio nocturnos
Carla Aurélia de Almeida
O pós-campo na etnografia sonora: apontamentos metodológicos acerca do
tratamento dos dados sonoros
Priscila Farfan Barroso e Stéphanie Ferreira Bexiga
104
105
107
122
132
O ambiente musical no Mindelo e a formação de um compositor: o caso de B. Lèza
Gabriel Moacyr Rodrigues
133
O baque virado do Maracatu na cena musical em Lisboa
Claudia Góes
144
O choro na Lapa (RJ) movimento musical e revitalização do Rio Antigo
Claudia Góes
145
O som da cidade
Carlos Miguel Rodrigues
151
Arrefole - Um instantâneo da música tradicional hodierna
Gonçalo Cruz
160
Identidade e interculturalidade - construção e ornamentação de instrumentos
de cordas na música clássica da Índia
Franklin Pereira
161
PUBLICIDADE, IMAGEM CORPORATIVA E CULTURA DE CONSUMO
172
La percepción pública de la marca turística
Pedro Ant. Hellín Ortuño
174
A construção de vínculos de sentido por meio de personagens e mascotes
de marca - uma análise comparativa Brasil x Espanha
Clotilde Pérez
182
Turismo cultural em Guimarães: Da imagem do destino turístico às percepções
dos residentes
Paula Cristina Remoaldo e J. Cadima Ribeiro
199
Paisagem periférica, fragilidades e desafios
Ortelinda Gonçalves e Bruno Martins
213
La ciudad histórica como escenario de una experiencia turística (des)encantada
inducida por el cine: El caso de Escondidos en Brujas
Salvador Martínez Puche e Antonio Martínez Puche
223
As marcas e o carnaval do Rio de Janeiro – uma possibilidade
Bruno Pompeu
233
Imagens da publicidade de alimentos amazônicos: Valores e práticas de consumo sugeridos
Eneus Trindade
247
“Não tem preço” – uma reflexão psicanalítica sobre a imagem da infância
transmitida pela marca mastercard em sua campanha publicitária priceless
Publicidad y cine: Inspiración para la persuasión
Miguel Angel Nicolás Ojeda
260
261
Tendencias publicitarias globalizadas
Pepa Bastida Durán
268
Arquitectura y símbolo: Valencia, imagen en estado de incertidumbre
Mayka Puche Ruiz
281
Construtores de paisagem, uma outra imagem do douro
Fernando Faria Paulino
284
CINEMA E SOCIEDADE285
Práxis e Reflexões nas Margens do Tempo
Ariane Daniela Cole, Regina Lara, Artur Cole e Ana Paula Calvo
288
Apresentação do filme: Kolkatar Mukh – Faces de Kolkata (2009)289
Imagens (re)construidas. O “vídeo participativo” e a questão da
imagem indígena e quilombola no nordeste brasileiro
Peter Anton Zoettl
292
Cinema independente chinês
Maria Fátima Nunes
300
A utopia de Winstanley: Da literatura ao cinema
Alice Guimarães
310
Cinema e Sociedade: O Emigrante Português, Eterno Apátrida
Maria Celeste Henriques de Carvalho de Almeida Cantante
316
Duplo Exílio: A Outra Face da Emigração Portuguesa nos Estados Unidos
Maria do Céu Marques
324
Os Novos Lisboetas
Constança Silva Coelho
328
A produção científica sobre o roteirismo no Brasil
Glaúcia Davino
333
ANTROPOLOGIA VISUAL E HIPERMÉDIA343
A Produção Partilhada do Conhecimento: Universidade & Comunidade
Sérgio Bairon
345
As Ciências Sociais do visual e a Hipermetodologia
Pedro de Andrade
346
Memória Ambiental cosmografia das águas urbanas
Rafael Victorino Devos
361
IMAGENS E SONS EM ARTE E EDUCAÇÃO INTERCULTURAIS
362
Recontar as verdades das imagens e das palavras
Ana da Palma
364
Imagética: estudos junto a uma escola estadual em São Paulo
Sérgio Fabiano Annibal e Raquel Lazzari Leite Barbosa
365
A música popular e tradicional no ensino-aprendizagem da educação musical Fausto Abalroado
378
SECOND LIFE, VIDEOJOGOS E COMUNIDADES DE VIRTUAIS
379
MESA TEMÁTICA I– Modelos de interacção e de comunicação utilizados pelos jogos 380
Estudio etnográfico de la interacción en el videojuego
Fernando R. Contreras
381
Contributos para uma análise etnográfica do Entretenimento Imersivo FPS
Mário Ventura e José Azevedo
391
Serious game en una institución de salud PÚBLICA
Jacques Ibanez Bueno e Ghislaine Chabert
399
Serious games et perception du réel Sebastian Allain
407
Do jogar e do programar: Um novo regime de produção de sentido a partir
das relações entre textolatria e magicização
Fabrizio Augusto Poltronieri
422
MESA TEMÁTICA II – Mundos virtuais, identidade e experiência estética 423
Corpo e identidade no Second Life 424
Paula Justiça
MESA TEMÁTICA III – Mundos virtuais, experiências reais
431
Imaginário e imigração nas Redes Sociais da Internet: o Caso dos Brasileiros em Portugal
Rodrigo Saturnino
432
MESA TEMÁTICA IV - Da Aprendizagem Colaborativa à Comunidade Virtual
453
A terceira margem: Do tempo-espaço da sala de aula presencial ao atemporal
e não lugar – virtual
Maria de los Dolores Jimenez Peña e Izabel Patrícia Meister
455
U-rss >Pour les i-)migrants
Marc Veyrat e Franck Soudan
462
Da Aprendizagem Colaborativa às Comunidades de Prática
Adelina Silva474
WORKSHOP REPRESENTAÇÕES DE GÉNERO487
As masculinidades contemporâneas e sua representação nos media: as revistas de
estilo de vida masculina Men’s Health com edição em Portugal e no Brasil
Soraya Maria Bernardino Barreto Januário
489
MOSTRA DE FILMES E DE PRODUÇÃO CIENTÍFICA
490
Encontros Curtos - Apresentação de Projectos
492
NOTAS BIOGRÁFICAS505
TEORIA, METODOLOGIA E
TECNOLOGIA DA IMAGEM
IMAGENS DA CULTURA | VI Seminário Imagens da Cultura | Cultura das imagens
Coordenadores da temática
Jacques Ibanez-Bueno, Universidade de Savoie, França
José da Silva Ribeiro, Universidade Aberta – Portugal
Pedro Hellin, Universidade de Múrcia, Espanha
Partimos para esta temática de uma interrogação formulada por Marc Augé “terão ainda
sentido certas distinções disciplinares? Quando se fala da antropologia, não estará a evocar
investigações muito próximas das da sociologia ou daquilo a que hoje chamamos ciências da
comunicação?” Estas questões não serão ainda mais pertinentes quando abordamos as imagens
nas suas múltiplas dimensões? Psicologia, a Filosofia, a História, a Antropologia, a Comunicação,
a Sociologia, a Economia, a Tecnologia refletem e agem a partir de múltiplas perspetivas sobre
as imagens. Perece-nos necessário desenvolver uma reflexão interdisciplinar consistente, sobre a
imagem e sobre suas práticas nas diversas culturas ou no processo de hibridação ou miscigenação
cultural de que as imagens são agente ativo. Este parece ser, em nosso entender o grande desafio
desta temática, desta cooperação, deste trabalho conjunto, deste grupo que persiste em realizar
o encontro ritual de cada ano. Trata-se de uma problemática de largo espetro que poderemos
afrontar a partir de múltiplos pontos de vista, tradições académicas, experiências de investigação,
práticas de utilização. Reunimos nesta temática 12 ? comunicações resultantes da pesquisa
realizada em diversos grupos de investigação e de universidades portuguesas, espanholas e
brasileiras sobre a teoria, metodologia e tecnologia da imagem. À consideração e análise crítica
dos leitores.
10
Questões epistemológICas,
éticas e políticas da
representação audiovisual
em antropologia
RESUMO Em Seminários anteriores iniciou-se um animado debate sobre as questões éticas e políticas
da produção audiovisual. Retoma-se esta problemática trazendo-a para o centro da investigação em
antropologia visual associando as questões epistemológicas como inseparáveis das questões éticas e
políticas. A abrangência da temática não nos permite senão explorar e mapear o tema para ulteriores
abordagens mais aprofundadas ou para a sua inclusão em programas de formação e investigação. Há
ainda um desafio na temática proposta - como se articulam as questões estéticas com as questões
acima referenciadas? Como surge então a apropriação da obra?
Introdução
Em 2008 na quarta edição deste Seminário Imagens da Cultura / Cultura das Imagens iniciou-se um animado
debate sobre as questões éticas e políticas que se colocam à realização de documentário e à produção audiovisual. No âmbito do desenvolvimento destas práticas em ciências sociais acrescentamos a dimensão epistemológica à produção audiovisual e a articulação destas com as questões estéticas. Reconheço que a matéria
é vasta para esta curta apresentação. Urge, no entanto, no âmbito destes seminários abrir perspectivas de
reflexão que possam vir a ser aprofundadas por outros investigadores participantes de modo a criar ciclos
de aprofundamento temático e maior especialização. Tentarei pois sistematizar a problemática e deixar algumas perspetivas de aprofundamento, desenvolvimento e adaptação a novos contextos de investigação.
Constatamos que a actividade dos investigadores e o trabalho de campo está hoje, em qualquer parte do
mundo, sob o olhar atento de uma multiplicidade de instituições e de actores sociais: os actores sociais interlocutores (informantes) intervenientes na pesquisa e suas redes locais; as organizações não-governamentais
e associações internacionais (ecológicas, dos direitos do homem, de saúde, etc.); os jornalistas e os meios
de comunicação social; os poderes públicos locais e nacionais; outros investigadores da mesma área ou de
outra área de investigação e as suas associações profissionais (Associação de Antropólogos, de Sociólogos,
etc., dos países onde decorre a investigação e dos países dos investigadores); Universidades, Departamentos
e Centros de Estudos no âmbito dos quais decorre a investigação, etc.
Por outro lado, a investigação e a passagem ao terreno e às imagens (trabalho de campo e produção audiovisual)
11
deixam marcas indeléveis dos lugares, dos interlocutores, das problemáticas. Os produtos científicos preservam as marcas das pessoas, locais, tempos, instituições que, por muito que sejam mascaradas com mudanças
de nomes, marcas pessoais (corpo e a voz) e outros artifícios frequentemente utilizados, deixam sempre traços
que os tornam identificáveis. Os documentos produzidos no trabalho de campo – notas, diário de campo, fotografias, gravações áudio e vídeo (documentos ou produções mais elaboradas) – que não sendo concebidos
para publicação, acabam por ser publicados. Veja-se Um diário no sentido estrito do termo de Malinowski e as
controvérsias1 que provocou e os extras que por vezes encontramos nas edições em DVD dos filmes. As redes
de convivência e sociabilidade local dos antropólogos ou dos cineastas com características de extensão, proximidade e intimidade muito variáveis são mantidas e, por vezes, desenvolvidas com retorno ao terreno ou com
contactos mais ou menos frequentes acabam por ser posteriormente reconhecidas. O terreno escolhido para
a pesquisa constitui, para o bem e para o mal, uma situação de onde dificilmente se sai. A passagem não é habitualmente uma passagem efémera pelo terreno (local, pessoas, grupos, instituições ou situação estudados)
mas uma passagem ao terreno onde se permanece, senão no local, na produção científica e cinematográfica.
Qualquer um dos traços deixados no terreno pode prevalecer durante muito tempo oculto ou encoberto na
memória e nas conversas das pessoas, nas cartas, nas fotografias, nos documentos mantendo uma potencialidade latente de se tornarem públicos. A publicação pode acontecer de forma descontextualizada, sensacionalista e até, por vezes, de forma perversa. Podem tornar-se públicos não apenas no âmbito do debate
académico entre pares, do ensino ou da divulgação junto da comunidade. Mas podem também passar para
os meios de comunicação social, ser objecto de outras leituras e interpretações e jogados a favor ou contra
os actores sociais, a comunidade, o investigador, a Universidade, a instituição financiadora da pesquisa, a
associação científica, etc .
O que acabamos de referir acontece a investigadores anónimos, iniciados mas também a investigadores
destacados no âmbito de qualquer área científica. As figuras mais conhecidas, investigadores que se tornaram notados, são frequentemente alvo mais apreciado para a divulgação sensacionalista, para o desenvolvimento de controvérsias científicas. Estes documentos podem ainda vir a ser integrados nos processos
de avaliação académica, bem como as controvérsias em que se vêem envolvidos. Perante esta situação o
investigador poderá optar pela abordagem de temáticas e problemáticas inócuas ou isentas de controvérsias, por abordagem meramente ilustrativa ou mesmo celebratória2 ou confrontar-se com uma abordagem
emancipadora e crítica. Sabemos bem quanto esta opção pode constituir um problema para o investigador
na sua vida académica, na relação com a comunidade, com as instituições financiadoras da investigação ou
mesmo com os editores.
Na preparação do trabalho de campo e na utilização dos media na investigação torna-se indispensável ter
em consideração todas estas condicionantes. Assim às questões epistemológicas, teóricas e metodológicas
1 O diário de Malinowski teve uma receção controversa e muitos antropólogos entenderam-no desprestigiante para o autor e para a antropologia. Clifford considera-o porém “um texto polifónico inventivo e um documento crucial na história
da antropologia porque revela a complexidade dos encontros etnográficos”, Firth uma forma de “mapear o transcurso de sua pessoa, emocional, bem como intelectual... crónica periódica de seus pensamentos e sentimentos como forma de ajudar a organizar a vida, e a perceber o seu significado mais profundo” mais que “nota de rodapé da história da antropologia”, uma contribuição altamente significativa para a compreensão da posição e do papel de um pesquisador de
campo como participante consciente numa situação social dinâmica”. No entanto o diário, revelando os bastidores da pesquisa e a experiência vivida pelo autor, não deixaram de causar algum escândalo para alguns antropólogos (Geertz, 1989).
2 Veja-se o caso Egas Moniz, prémio Nobel da medicina em 1949. A investigação que levou à atribuição do prémio deixou ser considerada e a lobotomia de ser praticada pelos médicos há algumas décadas. Familiares de pacientes que sofreram esta intervenção exigiram que fosse anulado o prémio Nobel. Acerca deste tema foram feitos filmes, Na Esteira
de Egas Moniz (2006) de Rui Pinto de Almeida e de Alexandrina Pereira celebrando o Nobel. Noutro filme, Monos como
Becky (1999) de Joaquín Jordá e Nuria Villazan, toma-se a posição das famílias dos pacientes afetados e um olhar crítico sobre os hospitais psiquiátricos, a lobotomia e considerando Egas Moniz como um interveniente polémico na psiquiatria.
12
Questões epistemológicas, éticas e políticas da representação audiovisual em antropologia
juntam-se as éticas e as políticas que, de modo algum, são menos importantes que as anteriores.
Prestaremos, nesta abordagem, particular atenção aos media etnográficos3 ou os media utilizados na investigação e na disseminação do conhecimento em antropologia e nas ciências sociais em geral e mesmo em ciências da comunicação. Estes incluem uma ampla gama de produtos (designs diversificados) desde os meros
documentos visuais e sonoros a produtos elaborados para o ensino, para a comunicação e apresentação no
espaço público mediático (transmissão televisiva, a apresentação em festivais e mostras ou a apresentação
de arquivos (bases de dados de filmes online). Adoptamos as categorias apresentadas pela AAA - American
Anthropological Association por ser possível identificar perfis (designs) específicos de cada um dos produtos
acrescentando ou explicitando outros identificáveis nas práticas desenvolvidas no GI em Antropologia Visual4
(Laboratório de antropologia Visual) pelas suas características específicas e pelos princípios epistemológicos
e metodológicos subjacentes.
Identificamos e descrevemos assim sete categorias:
1. Registos fílmicos (documentos visuais e sonoros) de investigação e documentação que contribuem para o
histórico e/ou a que adiciona o registo histórico e/ou etnográfico podendo ser utilizados como dados de informação para o desenvolvimento de outras análises e noutras áreas científicas, como linguísticas, artísticas,
etc. além daquela para que foram realizados. Podem constituir bancos de dados ou bancos de informação
saindo pois do controlo directo do investigador passando para o de uma instituição científica.
2. Media etnográficos que contribuem para o debate e desenvolvimento teórico ou metodológico. Podem
constituir-se como media experimentais de natureza exploratória quer focalizando a forma ou o conteúdo
ou as duas.
3. Media etnográficos de natureza explanatória ou de apresentação de uma tese ou argumento previamente
elaborado na produção escrita (mediatização dos resultados da investigação).
4. Media (documentos, registos visuais e sonoros e produtos acabados) integrados em novos media – multimédia e hipermédia adquirindo neste contexto formas diversificadas de utilização e interpretação desde a
simples integração no formato PDF ou PPT até processos mais elaborados de integração dos diversos media.
5. Media desenhados para melhorar o ensino (filmes educativos/ filmes científicos /filmes integrados em
museus e exposições).
6. Media produzidos para a transmissão televisiva e outras formas de comunicação de massa (incluímos os
media institucionais, trabalhos por encomenda, etc.).
7. Media aplicados realizados com e/ou para o benefício de uma comunidade, governo ou actividade ecífica (inclui produções orientadas para a comunidade, trabalhos baseados em metodologias participativas ou
mesmo utilização dos media pelos locais decorrente do trabalho do investigador no terreno5).
3 Não apenas os filmes etnográficos mas outros media utilizados na investi gação etnográfica ou que utilizem o método etnográfico ou da etnografia visual e sonora.
4 O GI em Antropologia Visual (Laboratório de Antropologia Visual) é um Grupo do Centro de Estudos das Migrações, Universidade Aberta.
5 Talvez hoje na antropologia como no cinema se possa pensar numa antropologia visual para a nossa época, uma antropologia e
um cinema implicados no desenvolvimento da cultura local por um cinema e antropologia das boas práticas locais. Uma herança
importante a descobrir na história do cinema e integrar na antropologia.
13
1. Avaliação da utilização dos media na investigação e nos trabalhos académicos
A avaliação académica é simultaneamente epistemológica, metodológica, ética e política. Raramente as
questões estéticas são tidas em conta, embora algumas vagas considerações estejam presentes nos processos e nos relatórios de avaliação. Quando nos confrontamos com a avaliação de meios audiovisuais integrados na pesquisa em antropologia e em ciências sociais em geral deparamo-nos com a insegurança e as
dificuldades dos avaliadores e uma ausência de critérios que torna a prática de avaliação frequentemente
arbitrária. São raras a instituições que colocaram este problema à reflexão dos investigadores e os introduziram na avaliação curricular. Em 2001 a AAA - American Anthropological Association, apresentou uma
proposta elaborada SVA - Society for Visual Anthropology que serve de referência à elaboração de critérios
de avaliação que esvaziem as dúvidas (ou o oportunismo) e o cepticismo de muitos cientistas sociais acerca
da utilização das imagens e dos sons no trabalho de investigação em antropologia. Lembre-se a afirmação
de Hans Belting, historiador alemão, “Os filósofos não gostam das imagens e continuam a olhá-las com desconfiança pois são potenciais rivais dos seus escritos” (não são só os filósofos). Afirma-se na declaração que
“os media visuais etnográficos (principalmente o filme, o vídeo, a fotografia e os meios multimédia digitais)
desempenham um papel significativo na produção e na aplicação do conhecimento antropológico, formando
uma parte integrante das ofertas de cursos desta disciplina. Os antropólogos envolvidos na produção de
trabalhos visuais produzem contribuições académicas valiosas para a disciplina. Os antropólogos incluem
também, cada vez mais, produções de media visuais como parte dos seus curricula vitae”. Constata-se, na
referida declaração, por uma lado a necessidades para a disciplina – para a educação, a pesquisa académica
e a antropologia aplicada” por outro inexistência de uma “tradição de avaliação desta produção e integração
do audiovisual no trabalho académico como existe nos trabalhos escritos”.
Apontam-se assim alguns critérios e constatações que se me afiguram relevantes. Critérios que contemplam
as dimensões epistemológica, estética, ética e política do empreendimento audiovisual (e tecnológico) na
pesquisa em ciências sociais. Passemos a enumerá-los dividindo-os em três tópicos fundamentais:
1. Importância dos media em antropologia (e em ciências sociais e da comunicação) e sua contextualização
teórica e metodológica.
Afirma-se na declaração que 1) “O filme e o vídeo, a fotografia e os meios multimédia digitais, desempenham papéis cada vez mais importantes na investigação e na disseminação do conhecimento; 2) enquanto
instrumentos de ensino são cruciais nas ofertas de cursos da disciplina, sendo frequentemente usados em
contextos aplicados. 3) As representações visuais oferecem aos espectadores um meio de experimentar e
compreender a complexidade, riqueza e profundidade etnográfica, as quais são características específicas do
conhecimento antropológico. 4) Os media visuais podem transmitir formas de conhecimento que a escrita
não consegue (conhecimento sensorial). 5) Mais ainda, o conteúdo dos media visuais etnográficos baseia-se
necessariamente na pesquisa: a sua eficácia é aperfeiçoada por técnicas de pesquisa conhecidas, incluindo
os projectos etnográficos de longa duração, as entrevistas e a observação participante (questões metodológicas mas também éticas específicas da produção audiovisual). 6) Embora os media etnográficos permitam
fornecer acesso aos mundos visual e sonoro dos hábitos e da crença, também tornam possíveis as oportunidades de observar e experimentar a relação entre a teoria e as observações do terreno. 7) O impacto da
teoria pode ser mais evidente em trabalhos escritos do que em alguns média visuais, mas trabalhos como
filmes etnográficos são informados pela análise teórica e providenciam oportunidades para a mesma, para
a interpretação e a compreensão. Dito isto, a teorização das relações sociais e dos significados culturais é
por vezes fornecida explicitamente pelo narrador numa voz sobreposta (voz over) e frequentemente pelos
próprios sujeitos do filme. Em qualquer dos casos, a teorização informa sempre o processo de produção e estrutura (enforma) a realização de todos os media etnográficos. A selecção e composição dos registos fílmicos,
14
a montagem visual, a justaposição da imagem / som e as sequências narrativas são todas planificadas para
apresentar a interpretação e análise intelectual do autor. Consequentemente, os media visuais estabelecem
a articulação entre o argumento textual e da imagem. Associam lado a lado, de uma forma intrínseca, a teoria e a documentação tal como na tradição académica da escrita”.
2.Trabalho de campo e trabalho técnico - dificuldades e competências
Recomenda a declaração que além das competências teóricas e metodológicas inscritas na utilização dos
media em antropologia (acrescentamos em ciências sociais e da comunicação) seja considerado “o trabalho
técnico e académico envolvido na produção de media etnográficos”. Isto é, sejam tomados em conta: “1.
Os objectivos, a metodologia, a pesquisa de campo, o projecto e a eficácia dos trabalhos visuais podem ser
julgados (avaliados) através de critérios familiares aos antropólogos. 2. O tempo. Tal como acontece com a
boa escrita, os trabalhos visuais requerem normalmente um esforço grande, envolvendo quantidades substanciais de investimento intelectual e de tempo. Baseiam-se frequentemente num trabalho de campo com
a mesma duração e sofisticação que são exigidos aos trabalhos baseados na escrita. Tal como nos media escritos, também no filme, no vídeo, na fotografia e no multimédia, muito do trabalho desenvolvido é omitido
na publicação final. As Comissões de avaliação deveriam estar conscientes que é utilizado muito menos
material do que o filmado e que todos os registos fílmicos – utilizados e não utilizados – devem ser laboriosamente interpretados e avaliados. Mesmo os trabalhos visuais curtos representam uma quantidade enorme
de trabalho. Por exemplo, além do trabalho preparatório de terreno, a criação (produção) de um filme gasta
facilmente quarenta horas para cada minuto de tempo final do filme. Devido à necessidade de aquisição de
fundos, em alguns casos o trabalho visual requer três ou quatro anos a produzir. A maioria dos trabalhos
visuais é realizada em colaboração e envolvem muitas vezes uma complexa divisão de tarefas.
3. Recomendações
Finalmente a referida declaração da AAA recomenda: 1) “Especialistas visuais dos media para os auxiliarem
nas suas avaliações, uma vez que os cientistas sociais podem não se aperceber da linguagem específica
dos meios visuais”; 2) Dever-se-ia ainda pedir aos candidatos que fornecessem documentação reveladora
da importância académica das suas contribuições para os trabalhos de media visuais, especificando os papéis específicos que desempenharam - como produtor, director/realizador, fotógrafo, editor, assistente de
produção, conselheiro científico ou autor (do guião, do projecto ou dos documentos escritos em que baseou
a produção audiovisual, multimédia ou hipermédia). 3) As comissões de avaliação devem ainda ter em conta
a distribuição (circulação) de trabalhos visuais e a sua inclusão em festivais de media como eventos aceites
pata tornar públicos os filmes e vídeos etnográficos. As cartas dos distribuidores de filmes e os comentários
dos júris de festivais podem ajudar na avaliação da contribuição académica destes trabalhos. As recensões
em publicações académicas constituem provas adicionais da importância de um projecto. 4) Recomenda
igualmente que os candidatos apresentem cartas externas de apoio relativamente ao relevo e amplitude
académica do seu trabalho dos media visuais. As comissões devem considerar estes documentos assim como
as propostas de projecto do candidato e as monografias que dão indicações firmes do valor académico,
da argumentação conceptual e da contribuição antropológica de trabalhos visuais. 3. Consentimento informado (Informed consent). Uma das questões éticas fundamentais a ter em conta na realização do trabalho
de campo e na produção audiovisual é o consentimento informado. Envolvendo e expondo estas envolvem
relações entre o investigador e participantes locais na pesquisa (actores locais, instituições locais, ONG’s,
etc.) exige-se que este tenha em conta o consentimento informado (Informed consent) dos seus interlocutores confirmado por documento escrito (autorizações para a realização e publicação do trabalho realizado).
O princípio do consentimento informado foi explicitado nos julgamentos de guerra de Nuremberga na sequência da Segunda Guerra Mundial, quando foi argumentado que: “O consentimento voluntário em ma-
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térias relacionadas com o homem é essencial. Isto quer dizer que a pessoa envolvida deverá ter capacidade
legal para dar consentimento; deverá situar-se de modo a poder exercer a livre escolha, sem a intervenção de
qualquer elemento de força, fraude, falsidade, dureza, ameaça ou qualquer outra forma de constrangimento
ou coerção; e deve ter suficiente conhecimento e compreensão dos elementos de uma dada matéria de
modo a torná-lo capaz de tomar uma decisão esclarecida e com conhecimento de causa. (Código de Nuremberga, 1949, reeditado in Reiser et al: 272-273).
Tal como muitos dos princípios éticos envolvidos na pesquisa social, o conceito de “consentimento informado” deriva da pesquisa biomédica e, enquanto tal, suscitou problemas quando foram feitas tentativas
para aplicá-lo à pesquisa social. Em alguns países, EUA, Canadá, etc., as comissões de avaliação não só exigem consentimento informado, como também obrigam a formas de consentimento escrito que devem ser
assinadas antes da pesquisa começar. Noutros países, como em Portugal, não há indicações e regras precisas,
nem as associações se têm pronunciado sobre esta matéria. Referiremos os princípios da BSA (British Sociology Association). Os investigadores deveriam familiarizar-se detalhadamente com os códigos éticos promulgados pelas associações profissionais e informar-se das implicações do “consentimento informado” e das
dificuldades da sua aplicação na prática de investigação “Tanto quanto possível a pesquisa sociológica deve
ser baseada naqueles que se oferecem livremente para ser estudados – consentimento informado (informed
consent). Isto implica a responsabilidade do sociólogo de explicar o mais pormenorizadamente possível e em
termos acessíveis aos participantes, sobre o que trata a pesquisa, quem a está a levar a cabo e a financiar, o
porquê de estar a ser feita e como vai ser disseminada” (Associação Sociológica Britânica, 1996).
Decorrente destes princípios surge a necessidade de: 1) Informar os participantes, de uma forma compreensível, acerca da natureza e prováveis consequências da sua participação na pesquisa; 2) Obter o consentimento baseado na compreensão da informação da explicação prévia e na opção livre de qualquer coerção
ou influência indevida.
Dificuldades subsequentes do modo de apresentar a pesquisa a potenciais participantes: 1) A dificuldade
técnica decorrente do modo de apresentação da pesquisa de uma forma compreensível à audiência específica dos participantes; 2) dificuldades relacionadas com o resultado da pesquisa e com a sua divulgação; 3)
dificuldades decorrentes da explicação, aos participantes, interlocutores locais, da investigação aberta, das
características dos métodos etnográficos, pois, os investigadores no início, não sabem quais são todos os
aspectos pertinentes.
A focalização teórica pode mudar, diferentes tipos de informação podem tornar-se relevantes à medida que
a pesquisa avança, os informantes podem vir a ganhar ou perder importância durante o trabalho de campo.
Com certeza que os participantes não precisam de ser consultados sobre todas as perspectivas teóricas
em desenvolvimento ou sobre as reformulações do projecto. De qualquer forma, devem ser informados de
que a pesquisa é sempre um processo de descoberta, por isso as suas consequências não podem ser completamente previstas no início. No entanto, se acontecerem mudanças substanciais na pesquisa (tanto no
seu enfoque como no seu objectivo) que possam afectar os resultados inicialmente previstos, as condições
iniciais ou a vontade de participação, o consentimento dos participantes precisa de ser renegociado. Os participantes deverão ser informados de que mesmo nos encontros informais, nas interacções do quotidiano,
poderá haver recolha de informação.
1. O “Consentimento em estudos de trabalho de campo é um processo, não é um acontecimento único, e
pode exigir nova renegociação” (ASA). Pode acontecer que durante uma série de entrevistas com os mesmos
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indivíduos, a sua disposição para participar se altere. Esta deve, então, ser renegociada e assegurada antes
de cada sessão. Ao entrevistar pessoas com problemas de dificuldades de tomada de decisão, decorrentes
da sua personalidade, situação, ou da natureza das questões abordadas, deve ser regularmente perguntado,
mesmo durante o decorrer de uma só entrevista, se elas estão dispostas a continuar;
2. Outra dificuldade está relacionada com a informação sobre o uso do gravador nas conversas com os participantes e com os grupos. Deve ser assegurada a compreensão das razões e o uso do registo, nomeadamente para ouvir as conversas anteriores antes de começar a nova entrevista;
3. Finalmente têm de ser bem explicados todos os aspectos que têm a ver com a utilização da imagem. É
necessário mostrar como a imagem vídeo torna pública a actividade privada, documenta o encontro com o
investigador e impossibilita manter a sua confidencialidade quando usada na comunicação final dos resultados da pesquisa. O controlo da informação também poderá eventualmente escapar ao investigador que
realiza o trabalho de campo.
4. Confidencialidade
A confidencialidade diz respeito, essencialmente, ao tratamento da informação obtida sobre os indivíduos no
decurso da pesquisa. Abrange considerações de privacidade e de garantia de anonimato.
As pessoas sentirão que a sua privacidade é invadida se a informação sobre elas for obtida sem o seu conhecimento e consentimento (ver investigação oculta e consentimento informado) ou usada de formas que elas
desaprovem. A ideia ou a crença que as pessoas têm sobre o que é a actividade privada não é uniforme, depende de um conjunto de factores – por exemplo, o background cultural, a crença religiosa, a idade, o sexo,
a classe social. Os investigadores devem estar conscientes destas diferenças e responder consequentemente.
Muita da investigação em Antropologia depende da capacidade do investigador obter a informação sobre
as áreas da vida que são consideradas privadas e há inúmeros exemplos, onde se tem sido bem sucedido. A
razão habitualmente apontada para tal sucesso, é que os investigadores têm sido capazes de oferecer aos
informantes a garantia de confidencialidade em relação ao uso da informação que lhes é dada e ao anonimato na publicação final dos resultados. Normalmente, essa garantia é assegurada no início da recolha de
informação, particularmente no caso das entrevistas. As resistências que possam surgir, nomeadamente no
processo de registo das entrevistas, poderão ser superadas pela confiança no investigador. Esta é, no entanto
e sempre, resultante de um equilíbrio precário, continuamente construído e qualquer indício pode levantar
dúvidas e suspeitas comprometendo a investigação.
Na pesquisa baseada na observação participante, decorrente de uma longa estada no terreno e de relações
sociais mais próximas, as discussões sobre confidencialidade são normalmente inapropriadas nas fases iniciais da pesquisa, visto que os investigadores, nesta fase, têm somente acesso à vida pública dos seus informantes. É, contudo, necessário incluir, nesta fase, informação sobre a natureza da investigação e negociar as
condições de participação das pessoas contactadas e envolvidas na pesquisa.
Os investigadores devem ser cautelosos acerca do grau de confidencialidade que prometem e realistas quanto à possibilidade de protecção do anonimato dos participantes. Não podem ignorar que práticas habituais
de protecção do anonimato, como usar um pseudónimo e alterar alguns detalhes biográficos do indivíduo,
ao referir-se aos sujeitos da pesquisa, evitam realmente a sua identificação, mas não são totalmente eficazes.
O uso de extensas citações directas torna os informantes identificáveis, pelo menos por eles próprios e, muitas vezes, por outros que os conhecem bem. Os informantes devem ser informados deste facto bem como
ser-lhes mostrado o modo como a confidencialidade vai ser mantida. Também nem sempre é possível man-
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ter o anonimato de figuras públicas na medida em que, por vezes, torna-se necessário que os informantes
sejam identificados em termos da sua posição pública – presidente da associação local, director da escola,
reitor da universidade, presidente da câmara, membro do governo, candidato ao parlamento, etc. Mesmo
quando haja intervalo de tempo antes da publicação e mudanças das pessoas que ocupam estes cargos, os
seus antigos ocupantes continuam a poder ser identificados com facilidade. Nesses casos, deve ser claramente explicado que o anonimato não é possível ser mantido.
Quando se usam registos fotográficos, videográficos ou fonográficos, sobretudo quando estes se destinam a
publicação (filmes, discos e produtos multimédia) não é possível manter o anonimato nem a confidencialidade da informação. Nestes casos, é necessário especificar o modo e os fins para que vão ser usados, negociar a sua aceitação, dar a conhecer as consequências dessa aceitação. T. Asch (1992) acentua a importância
de obter o controlo sobre a distribuição e subsequente uso de qualquer filme, assinalando que o fracasso
num dos casos, quando filmava entre um grupo de nómadas no Afeganistão, decorreu do facto de o filme
nunca ter sido usado para fins educativos como prometido, mas em noticiários depois da invasão pelo exército soviético, podendo pôr em perigo alguns dos informantes. O mesmo acontece com materiais recolhidos
no âmbito da investigação que possam vir a ser incluídos em processos de formação, ou de ensino aberto, à
distância, sem o assentimento das pessoas filmadas e dos autores da pesquisa (Ribeiro, 2000).
Uma outra dificuldade em garantir confidencialidade é que a informação recolhida pelos investigadores sociais não tem o mesmo estatuto que as conversas entre o médico e o doente ou o advogado e o cliente. Os
participantes na investigação devem ser avisados contra a própria incriminação se houver alguma hipótese
de que tal possa acontecer. Por outro lado, os investigadores devem tornar claro junto dos seus responsáveis,
no início da investigação, de quem será o depositário das notas de campo, dos registos áudio e vídeo, das
fotografias, de outros materiais recolhidos e de outras informações, de forma a garantir o seu controlo sobre
toda a informação recolhida (Cassal e Jacobs, 1987).
Esta mesma questão deve ser colocada às pessoas que colaboraram na entrada no terreno e na identificação
dos informantes, “gatekeepers”; isto é, não se deve esperar que os investigadores lhes forneçam informação
sobre os informantes, por vezes seus subordinados. Goffman (1961) foi cuidadoso na clarificação do seu
estudo sobre asilos / hospitais psiquiátricos, apesar de adoptar um papel clandestino nas enfermarias. Da
mesma forma, é necessário recusar divulgar aos pais aquilo que os seus filhos ou filhas discutiram com o
investigador nas entrevistas, aos professores os depoimentos dos alunos, aos patrões os depoimentos dos
empregados, aos dirigentes os depoimentos dos associados, aos maridos os depoimentos das mulheres ou
às mulheres os depoimentos dos maridos.
Novas considerações éticas decorrem da viabilidade de garantias de confidencialidade de dados entregues
aos arquivos das instituições, ao consequente processo de informatização ou classificação e disponibilização
de acesso público às fontes de informação em bruto, tais como transcrições completas de entrevistas, registos de sons e imagens, fotografias e até objectos doados pelos informantes (correspondência e outros
documentos). Razões evocadas de que a informatização da informação é anónima não são convincentes, na
medida em que através de cruzamentos de informação se poderá com alguma facilidade permitir a identificação dos informantes. Na informação etnográfica, as características pessoais tais como os maneirismos de
discurso, a forma de exprimir opiniões, o uso de material com a descrição de casos ou lugares e narrativas
pessoais detalhadas, permitem a identificação fácil dos participantes na investigação. Além disso, pode ter-se
levado os informantes a pensar que a informação recolhida se destinava a ser utilizada num único projecto
com determinados objectivos e pelo investigador ou investigadores envolvidos numa determinada pesquisa
e num determinado trabalho de campo. A utilização desta mesma informação noutros projectos com outros
objectivos ou por outros investigadores rompe esse compromisso. Também não poderá o investigador que
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realizou o trabalho de campo aceitar argumentos de que o informante nunca terá conhecimento de posteriores utilizações, por outros investigadores, com diferentes objectivos.
Uma última consideração sobre o anonimato tem a ver com o facto de, algumas vezes, ele não ser desejado.
Nesta situação, os participantes na investigação podem ficar decepcionados e sentir que o benefício da sua
participação ficou prejudicado por não serem identificados ou por não lhes ter sido dada toda a importância
necessária. Obviamente que se a investigação é sobre a comunidade, então os desejos dos indivíduos podem entrar em conflito, a este respeito, e o assunto pode ter de ser resolvido pelo investigador se possível
negociando com os participantes. Contudo, mesmo que todos os indivíduos, que directamente participaram
na pesquisa, declinem o anonimato, é obrigação do investigador ter em consideração qualquer possível consequência, imediata ou proveniente de futuras publicações relativas à informação, que pode afectar adversamente a colectividade.
5. Pesquisa encoberta
Entenderemos por pesquisa encoberta a investigação na qual os investigadores escondem deliberadamente
a sua identidade, ocultam a intenção de realizar uma pesquisa e o seu carácter, utilizam métodos que lhes
permitam recolhas secretas ou dissimuladas de dados para uma investigação não reconhecível pelos seus
interlocutores no terreno. Vejamos como é que estas questões se colocam no debate entre K.T. Erikson e N.
Denzin:
O ataque de Erikson aos métodos de pesquisa oculta assenta em quatro pontos particulares. Em primeiro
lugar, os sociólogos têm responsabilidades para com aqueles que investigam. Em segundo lugar, os sociólogos têm responsabilidades para com os seus colegas, e é certo que o trabalho oculto compromete
a reputação da sociologia e o futuro da pesquisa. Em terceiro lugar, muita pesquisa oculta é feita por
estudantes graduados que sofrem tensões pessoais no envolvimento do seu trabalho e, finalmente, a investigação oculta é má ciência. Em resumo, a posição de Erikson é que: (1) não é ético para um sociólogo
falsear deliberadamente a sua identidade com o propósito de entrar num domínio privado para o qual ele
não foi escolhido; e (2) não é ético para um sociólogo falsear deliberadamente o carácter da pesquisa a
que está vinculado. (Erikson, 1967: 373).
Entretanto, Denzin responde a Erikson ponto por ponto. Primeiro, relativamente à intromissão na privacidade, Denzin refere que alguma distinção deve ser feita entre contextos privados e públicos (cf. Roth, 1962).
Segundo, na medida em que o comprometimento é analisado em relação à comunidade profissional, Denzin
sustenta que um qualquer método constitui alguma ameaça potencial aos colegas. Terceiro, ele coloca a
questão de saber se os papéis disfarçados são mais desconfortáveis do que os papéis abertos e, por fim, que
os sociólogos devem assumir a disrupção que lhes trazem as situações sociais. Na sua réplica, Erikson (1968)
responde a cada um dos pontos de Denzin, referindo que está em desacordo com o juízo de valor básico de
que “aquilo que é bom para o sociólogo, é intrinsecamente ético” (Denzin, 1968: 506)” (Burgess, 1997: 216).
Numa primeira abordagem parecer-nos-á que a pesquisa encoberta só pode ser levada a cabo usando a
observação ou a observação participante, não sendo possível, por exemplo, fazer uma entrevista de uma
forma encoberta. No entanto, poderá haver muitos outros métodos de pesquisa encoberta decorrentes da
utilização de tecnologias (registo de som e imagem, utilização de microfones encobertos e ultra-sensíveis,
utilização de teleobjectivas, telefones, computadores, salas de chat), utilização de informação indirecta (conversas com crianças, familiares, redes de amigos ou frequência dos espaços de sociabilidade das pessoas
que queremos inquirir), dissimulação da presença do investigador (agentes de negócios, turistas, jornalistas,
amantes) em situações semelhantes aos de um agente secreto, roubo ou receptação de documentos, outros
métodos e estratégias que mais se aproximam de um inquérito de uma polícia secreta.
A pesquisa encoberta pode ser parcial quando no consentimento informado se oculta, intencionalmente, a
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informação induzindo os informantes em erro de forma a manter um determinado grau de encobrimento
acerca da pesquisa. Mesmo nas pesquisas mais abertas, quando as relações estabelecidas atingem relevância e maior intimidade, pode o observador ser colocado em situações em que o seu papel de investigador se
torne irrelevante ou imperceptível, favorecendo assim formas de acesso a informação mais íntima, à margem
dos objectivos do projecto de investigação e, muitas vezes, inscrita no processo de cumplicidades e das
relações sociais criadas. A pesquisa encoberta constituiu-se assim como um caso limite, fim de um espectro,
que apresenta gradações variadas entre si e o consentimento informado. Esta gradação constitui um espaço
de abertura ao plano e objectivos de pesquisa, de negociação com os informantes e de gestão das relações
criadas no trabalho de campo.
O assumir deliberado de um outro papel social com o objectivo primário de conduzir uma investigação,
escondendo-a ao mesmo tempo daqueles que são os seus sujeitos (objectos), é, qualitativamente, muito
diferente das dificuldades inerentes ao consentimento informado totalmente garantido que se discutiram
acima, ou mesmo de desonestidades menores neste campo, como fazer de conta que se é mais velho ou
casado para assegurar melhores relacionamentos. Há inúmeras razões fortes para que tal “encobrimento”
deva ser evitado na conduta da pesquisa social (Bulmer, 1978). O papel social do investigador, ainda que não
encoberto e resultante de consentimento informado pode, por qualquer razão, tornar-se suspeito e comprometer o trabalho de campo. No trabalho de campo que realizámos no Alto da Cova da Moura6 a presença
de um operador de câmara da Universidade levou à recusa generalizada e ostensiva de participação, à nossa
identificação como jornalistas e à classificação da nossa actividade como suspeita. Esta situação envolvia,
segundo a representação local, uma ruptura com o anteriormente acordado, a perda de controlo da informação recolhida contra os que reagiram (Ribeiro, 2000).
Em primeiro lugar, é uma violação clara e não ambígua do princípio do consentimento informado, que é um
pilar central da maior parte dos códigos de ética que dizem respeito a relações com participantes em pesquisas.
Em segundo lugar, a recolha de informação encoberta é também uma forma de exploração assim como uma
traição da confiança das relações pessoais. Apesar de poder haver uma analogia com a obtenção de dados
através de laços pessoais de amizade no decurso do trabalho de campo a longo prazo, o uso de métodos
encobertos envolve uma intenção deliberada de esconder e de enganar enquanto aquela que suscita, por
vezes, sentimentos de traição, é mais resultado de um mal-entendido do que propriamente de um engano
premeditado.
A pesquisa encoberta, como qualquer outra, também envolve riscos: para os sujeitos nela envolvidos, na medida em que, como objecto da pesquisa encoberta, não têm a oportunidade de determinar, por si próprios,
se estão dispostos a aceitar tais riscos; para os investigadores na medida em que, ao optarem pela pesquisa
encoberta, se expõem a uma variedade de riscos – retaliações como pesquisador, ser induzido e até pressionado a adoptar comportamentos de risco, tais como actividades ilegais, de forma a proteger o seu próprio
disfarce.
Será, em qualquer situação, a pesquisa encoberta uma estratégia prática ou eficaz de pesquisa? A impossibilidade de registar observações abertamente ou de fazer perguntas aos informantes, limita bastante a
fiabilidade e o espectro dos dados obtidos. O argumento de que há muitas situações que, simplesmente, não
poderiam ser estudadas através de métodos mais abertos, não é totalmente convincente. Há estudos que
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foram levados a cabo com sucesso em áreas delicadas como o tráfico de drogas, sem se recorrer a métodos
encobertos ou mesmo sem se fazerem promessas irrealistas ou quaisquer representações... Além disto, a
distorção que se pensa ser introduzida pela presença do investigador não deve ser excluída e pode, assim,
ser considerada como um elemento reflexivo inerente a toda a investigação. Também o argumento de que
a pesquisa encoberta é necessária para fazer investigação de grupos poderosos ou secretos não convence.
De facto, a pesquisa encoberta tem sido, talvez, com mais frequência, conduzida em colectividades relativamente menos poderosas e as possibilidades de um investigador penetrar com sucesso em organizações
poderosas são muito limitadas.
Um conjunto final de considerações sobre a pesquisa encoberta tem a ver com os seus efeitos nas disciplinas
que o permitem e nos próprios investigadores:
- O uso alargado de métodos encobertos poderia rapidamente prejudicar o ambiente de pesquisa, tornando
os métodos mais abertos altamente suspeitos e menos passíveis de terem a adesão e cooperação de sujeitos
potenciais;
- Nem mesmo podemos esquecer o efeito da decepção constante no indivíduo investigador como sendo
desgastante. A habituação à decepção, seja por que razões forem que se cultive, pode encorajar um cinismo
maior e uma dureza, nas relações humanas, não desejáveis em indivíduos que estudam outros seres humanos, individual ou colectivamente (Mead, 1969).
Uma forma de pesquisa encoberta é a análise retrospectiva de experiências do investigador como participante num contexto social: pesquisa realizada em colectividades ou instituições a que o investigador legitimamente pertence – clube de dança, bar, escola, universidade, hospital, associação profissional, empresa;
ou situações pontuais de passagem na vida do investigador – internamento hospitalar, tratamento médico,
conflito profissional, resolução de questões burocráticas – aquisição de casa, etc.. Esta forma de pesquisa
não tem que ser, ou permanecer, clandestina. Poder-se-á optar pelo princípio de obtenção do consentimento
a posteriori, antes da publicação ou do plano de investigação que vai ser levado a cabo.
Há, ainda, formas de pesquisa que também são encobertas, mas que não têm as mesmas objecções éticas.
A investigação em lugares públicos, por exemplo, a observação de rituais ou de espectáculos, não requer a
notificação da presença nem as intenções do investigador, embora algumas formas de registo desses eventos
possam requerer a autorização dos organizadores. Mesmo assim, o anonimato de quem está a ser observado,
à parte dos actores publicamente identificados, tem de ser preservado. Também é importante reconhecer
que as definições do que é público variam de cultura para cultura e que, por vezes, as pessoas praticam, em
público, actos do domínio considerado privado que devem ser tidos em conta e respeitados.
Era necessário definir uma estratégia de inserção no terreno e desenvolvimento de uma pesquisa simultaneamente balizada por princípios éticos e epistemológicos. Optei por uma relação aberta que não ocultasse
aos observados o ponto de partida da observação e a escolha privilegiada dos actores sociais em relação às
estruturas, das suas vozes em relação aos relatórios oficiais. Expus objectivos gerais da investigação, a metodologia, ou atitude no terreno, que desejava a mais partilhada possível.
Esclareci a Associação (local) de que o antropólogo, na sua actividade, não julgava, avaliava ou examinava
acções e programa de acção, tentava descrever e interpretar comportamentos, gestos, atitudes, relatórios,
documentos, etc., e que os resultados da pesquisa logo que elaborados ficariam disponíveis para uso ou
debate com todos os intervenientes. Informei que a base de dados sobre que trabalhava, as confidências e
relações de terreno eram exclusivamente minhas e de cada pessoa com quem trabalhei, não havendo pois
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nenhuma forma de a Associação romper a invulnerabilidade desta informação ou de exercer controlo sobre
os informantes, as suas afirmações, o processo de investigação, a redacção deste trabalho, a montagem do
filme. Disponibilizei-me para colaborar com a Associação Local dentro deste quadro de relacionamento. A
negociação explícita, a explicação detalhada acima referida e a recusa do controlo (praticado em relação a
outros investigadores) agravou o conflito.
Era, no entanto, a partir destes princípios que iria desenvolver todo o trabalho. O conflito tornava-se um lugar
de observação, uma “situação de investigação particularmente produtiva” (Hammersley e Atkinson, 1994:
120). Tinha, todavia, de informar claramente a associação desta intenção de transformar desconfianças em
situação de pesquisa, de atribuir ao conflito o mesmo valor heurístico de outras relações estabelecidas. A
interacção conflituosa tornou-se situação privilegiada de observação. Esta intenção era do conhecimento
explícito da instituição [...] As imagens, como os boletins, os relatórios, as folhas volantes, os documentos de
trabalho, os depoimentos na imprensa, etc. constituem hoje a matriz complexa de representações alternativas existentes da qual o antropólogo “retira poder crítico e reflexão [...] refaz e representa outras representações” (Marcus, 1995: 45). Estes materiais tinham a vantagem de serem do domínio público e encontraremse à venda na instituição. Era através deles substituída a voz da Associação, repetidamente pedida e negada
ou finalmente concedida, em forma de relatório escrito, lido por um dos jovens em formação” (Ribeiro, 2000:
111-112).
6. Patrocínio e trabalhos por encomenda
Os princípios éticos que orientam os investigadores no trabalho de campo, nas interacções decorrentes dos
projectos de investigação e da publicação dos trabalhos científicos em antropologia confrontam-se, por vezes, com interesses exteriores decorrentes de autorizações, encomenda, patrocínio ou financiamento. Esta
situação cria verdadeiros dilemas éticos, processos de negociação e de tomada de decisão complexos, com
os quais os investigadores se confrontam no dia-a-dia e que retomaremos mais adiante quando abordarmos
as relações entre política e investigação. Ética e política de investigação revelam-se frequentemente de forma
inseparável.
Esta problemática põe-se, em primeiro lugar, em relação ao Estado como financiador da investigação e à
definição desta como «serviço público», como missão de interesse geral e como tal a realizar no âmbito
deste, independentemente dos interesses locais e da ética do trabalho de campo. Coloca-se, também, no
âmbito das organizações e das empresas que condicionam os objectivos, o acesso e o desenvolvimento da
pesquisa aos seus interesses. “É frequente que os anfitriões queiram dar uma imagem favorável da organização que o etnólogo vai estudar” e exercer “algum grau de vigilância e controlo, tanto para bloquear certas
linhas de investigação como para guiar o investigador em terreno numa direcção ou noutra”; que tenham
expectativas em relação às intenções e identidade do investigador e ajam a partir delas; que esperem que o
investigador seja um «perito» e um «crítico»” (Hammersley e Atkinson, 1994: 80-90).
Esta problemática tem sido frequentemente debatida em alguns países como os EUA, sobretudo em projectos de investigação social financiados pela CIA ou por outras instituições, como no caso que referenciamos e documentamos ao longo deste capítulo, Agência de Energia Nuclear. Em Inglaterra, não há casos
documentados de envolvimento do governo na investigação social a não ser na pesquisa social relacionada
com as prisões (Burgess, 1997). Em Portugal, “há uma falta de comunicação efectiva entre os cientistas e a
Administração. Talvez isso possa explicar a relativa escassez, até há pouco tempo, de controvérsias públicas”
(Gonçalves, 1996: 123). Esta situação pode ter-se alterado ligeiramente com o surgimento de algumas controvérsias que marcaram as agendas políticas e a participação dos cientistas: imagens rupestres de Foz Côa,
a BSE e a Co-incineração de resíduos tóxicos.
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Muitos investigadores chamam também a atenção para outros agentes no patrocínio da pesquisa social.
Dingwall (1980) nota que no desenvolvimento de uma pesquisa há frequentemente uma hierarquia de consentimento que tem implicações para o investigador. Argumenta que é usual os investigadores hierarquicamente mais bem colocados actuarem como agentes de controlo, pois entendem ter o direito de autorizar,
orientar, condicionar, promover ou menosprezar o trabalho dos que se situam abaixo na hierarquia. Refere,
ainda, que qualquer subordinado, que rejeite participar em pesquisas aprovadas por um superior, está a
assumir o risco de incorrer no desfavor da hierarquia. Tais questões necessitam de ser efectivamente consideradas e ponderadas pelos investigadores na condução das suas investigações.
Em Portugal, o debate acerca desta matéria poderá ser brando, fechado ou encoberto, o conflito frequentemente mal entendido (entrave à eficácia) ou desvalorizado. No entanto, os processos de influência, o paternalismo e as redes clientelares são, como noutros processos sociais nacionais, frequentes. Isto não parece
acontecer só por cá.
“Outra maneira de colocar este problema é referir-se à conversa de corredor. Por muitos anos, os antropólogos discutiram seus trabalhos de campo informalmente entre si. Mexericos acerca destas experiências eram uma componente importante da reputação do antropólogo. Mas até há pouco tempo não se
escrevia seriamente sobre tais questões; os mexericos permaneciam nos corredores e nos clubes docentes.
Os domínios que não podem ser analisados ou refutados, ainda que sejam centrais à hierarquia, não deveriam ser considerados como inocentes ou irrelevantes. Sabemos que uma das tácticas mais comuns de um
grupo de elite é a recusa em discutir questões que lhe são desconfortáveis, classificando-as de vulgares ou
desinteressantes. Quando as conversas de corredor sobre as pesquisas de campo se tornarem discursos,
isto é, quando estes domínios privilegiados de alguns poucos se tornarem objectos científicos, certamente
aprenderemos bastante” (Rabinow, 1999: 94-95).
7. Posição do investigador (honestidade e modéstia na investigação) – o etnólogo
responsável
Será a etnologia um luxo das nossas sociedades ricas, devoradora de recursos naturais limitados? O etnólogo, um Assalariado do Estado, que pretende ultrapassar as contingências e gozar de uma neutralidade científica, de uma espécie de extra-territorialidade moral? Deverá contentar-se em olhar do exterior ou poderá
permitir-se criticar, como se fosse membro da sociedade? Fixando conservadorismos como se dá conta do
movente, do não habitual, dos comportamentos fora das normas, dos contestatários, dos que mexem com o
sistema existente da sua sociedade? Estas são algumas das perguntas de Bernard Dupaigne (1997).
São muito diversificadas as respostas a estas perguntas e múltiplos os percursos intelectuais e morais dos
investigadores. Uns centrados nos percursos académicos, outros comprometidos com interesses económicos
e políticos, outros ainda implicados nas problemáticas sociais das pessoas, povos e sociedades estudadas.
Propomos a reflexão sobre a responsabilidade do etnólogo a partir de duas referências. Pierre Centlivres,
Museu de Etnografia de Neuchatel.
“O percurso de Pierre Cent livres permite interrogarmo-nos sobre o que é a etnologia. Contemplar os outros
do exterior, depois entrar no seu escritório e construir a propósito deles teorias calibradas seguindo o nosso
gosto de belas máquinas, de raciocínio lógicos, de frases bem alinhadas? Ou então observá-las mantendo no
espírito o desejo de compreender as individualidades que, reunidas, formam esta sociedade; tentar imaginar
os seus pensamentos, o que fazem ou o que queriam fazer da sua vida?
Testemunhas privilegiadas, poderemos limitar-nos a sínteses egoístas e desenquadradas? Deveremos “fazer
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um terreno”, como se diz, para redigir uma tese e obter um lugar, depois desinteressarmo-nos daqueles com
quem vivemos, que nos acolheram com paciência ou enfado? O etnólogo observa os humanos, não estuda
fenómenos abstractos, sociedades teóricas.
Pierre e Micheline Centlivres ficaram no movimento da sociedade. Seguiram-na onde foi levada e descreveram
os seus mecanismos de conservação, de adaptação ou de sobrevivência. Outros preferiram afastar-se do seu
objecto de estudo instável, tornado inacessível ou muito perigoso para as carreiras universitárias a estabelecer.
A etnografia actual, prudente, hesita diante da vertigem que a leva a ter de descrever sociedades que mudam tão depressa. Por causa de contactos e das influências exteriores mas também porque os indivíduos que
a compõem querem evoluir. A etnologia queria desenvolver regras de que os indivíduos se libertam hoje:
como analisar portanto uma sociedade se ela se transformou radicalmente entre duas visitas do etnólogo?
Pierre e Micheline Centlivres souberam passar de uma descrição estável que parecia imutável, a uma análise
de mudança. Toda a sua obra desde 1980 participa na etnologia da mudança, que será preciso praticar bem
nas nossas épocas de instabilidade.
“Fronteiras e fenómenos migratórios”, “A organização política nas aldeias de refugiados afegãos”, “Os refugiados afegãos no Paquistão: uma nação em exílio”, eis alguns títulos recentes. Em 1988 cumpriram o seu
papel de testemunha reunindo num volume os seus artigos sobre funcionamento da sociedade afegã. E se
falássemos do Afeganistão? Fazia ouvir a voz de etnólogos num momento em que era preciso explicar o que
se passava num país com reacções desconcertantes e que poucos podiam compreender...
Pierre Centlivres continuou a lógica dos seus trabalhos ao realizar estudos de casos, por conta do Comité Internacional da Cruz Vermelha nos campos de refugiados afegãos do Paquistão, sobre as novas estruturas de
poder de organização que preservavam a coesão nos campos imensos. Com Micheline, estuda agora as redes
de solidariedade, para se perguntar ainda o que faz a personalidade destes Afegãos, como preservam a sua
identidade e o que faz realmente a identidade dos que estão mergulhados num outro mundo. Assim, entra
na lógica, ambígua e contraditória, da acção humanitária internacional.” (Dupaigne, 1997: 14-15).
A construção da avaliação da investigação faz-se frequentemente pelo produto imediato (e sua encenação)
suscetível de ser avaliado na academia ou pela moda, performance do investigador ou projeção mediática.
Estas, parafraseando o economista Ernâni Lopes referindo-se à insustentabilidade de Estado Social e que
nos parece adequado à investigação científica e à produção audiovisual, são formas superficiais de produção
que visam o imediato e nele se esgotam, ou como a bolha financeira só se não esgotam por ser o sistema
instituído. A investigação e a produção audiovisual em antropologia, assim como a formação, dever-se-iam
centrar mais num horizonte temporal mais alargado que ultrapasse a circunstância ou “o presente etnográfico” e num espaço em que se desenvolve apenas o mero acontecimento, a curiosidade no espaço limitado
em que acontece mas o espaço estratégico da ação. Não é possível abordar os rituais e a cultura negra na
América Latina – a interculturalidade afro atlântica, sem a localizar num espaço mais amplo que o Brasil ou
cada uma dos países da América Latina mas a triangulação Europa, África, América Latina e uma contextualização temporal que vai muito para além do processo de escravatura iniciada com os primeiros contactos dos
“descobridores” ou da expansão europeia (portuguesa em particular). Mais que isto a investigação assenta
em teoria e fluxos informativos subjacentes à pesquisa e à produção audiovisual nem sempre perceptíveis
pelo espectador e pelo leitor mas assenta sobretudo em valores, atitudes, padrões de comportamento que
a marcam (ou deveriam marcar) e credibilizam. Valores que são o das pessoas que fazem, das sociedade e
das instituições e não do mero jogo mediático ou imediatista de ascensão ou carreira académica. O caso de
Pierre Centlivres é paradigmático nesta consideração sobre a honestidade e modéstia na investigação, do
24
etnólogo responsável, sobre as questões de exigência, seriedade, trabalho, honra e honestidade na investigação mas também das ambiguidades que as situações mediáticas acarretam.
8. Política e investigação
O papel da política na investigação em antropologia pode ser entendido numa multiplicidade de sentidos.
Estes podem, também, levantar sérias questões éticas aos investigadores em todas as etapas do processo
de pesquisa, desde a determinação do foco, objecto ou sujeito da pesquisa, às questões de acesso aos informantes e a outras fontes de dados e mesmo à publicação final dos resultados. Inter-relações entre ética e
política na investigação.
1. No sentido técnico restrito diz respeito às questões práticas de obtenção de suporte financeiro e autorização oficial para realizar a investigação. Tem, pois, como objectivo convencer aqueles que estão nas
posições do poder a financiar a investigação ou a usar da sua influência no sentido de conseguirem as permissões necessárias à sua realização numa determinada instituição pública (associações, laboratórios, escolas,
universidades hospitais, governo, etc.) ou num determinado local. Este sentido de política tem a ver com
processos de negociação e obtenção de contactos ou patrocínios, mas também com a obtenção de autorizações de acesso a instituições e locais de pesquisa, a individualidades específicas (directores de laboratórios
científicos, escolas, hospitais, presidente de autarquias, conselhos de administração de empresas, clubes
desportivos, de associações, membros do governo, dirigentes partidários, artistas, etc.) e a documentos particulares (relatórios, informação classificada, correspondência).
2. Há ainda um sentido mais restrito (micro-política) que respeita ao estabelecimento de contactos, de modo
a conseguir que o projecto de investigação seja aceite pelas instituições e participantes locais na pesquisa.
Tem, ainda, a ver com as relações estabelecidas com os intervenientes locais na pesquisa; as redes de pares
com quem o investigador debate, troca informações, obtém apoios e encorajamento; os orientadores, coordenadores ou responsáveis pela pesquisa; e até com a família e amigos cujas relações irão ser afectadas
pela ausência ou pela maior atenção e disponibilidade dada à pesquisa. A Política entendida desta maneira
não é específica da investigação, nem a investigação em antropologia faz parte da configuração e por vezes
reconfiguração7 das relações sociais.
3. Num sentido mais lato, a relação entre política e investigação em antropologia tem a ver com a relação que
os investigadores e a pesquisa que se propõem realizar têm com os que exercem o poder político e com as
ideologias do poder; a influência que a investigação tem nas políticas ou nas práticas sociais que essas políticas geram; a utilização e instrumentalização dos cientistas e da ciência na justificação pública (nos media, nas
campanhas, etc.) das políticas.
Debates sobre a relação entre investigação e política social questionam se a investigação social pode ou
deveria ser directamente aplicável à definição de políticas e práticas afins ou ser útil para a sua avaliação. A
questão central é de saber se projectos de investigação específicos deveriam ser desenvolvidos com o intuito
expresso de responder a perguntas relevantes de política ou, se a pesquisa se deveria preocupar com temas
teóricos mais gerais, mais relacionados com a chamada investigação pura ou fundamental e, simplesmente,
fornecer um leque de conhecimentos sociais baseados na pesquisa, conhecimentos a partir dos quais os
políticos poderiam formular decisões fundamentadas.
25
Bulmer apresenta três modelos de pesquisa política, rejeitando os dois primeiros e advogando a favor do terceiro. No modelo empirista, os investigadores recolhem factos para que os administradores os utilizem nas
suas decisões de política; tal modelo está alicerçado no reconhecimento de que esses factos não são teoricamente neutros e que essa abordagem desperdiça todos os pontos de vista que a investigação social tem para
oferecer, assim como se arrisca a sérias distorções na sua convicção de que os factos não são problemáticos.
No modelo de engenharia, os políticos fornecem questões específicas e os investigadores efectuam a pesquisa, fazendo recomendações. O problema deste modelo é que tal formulação precisa de questões, tende a
limitar as respostas possíveis, restringindo basicamente a pesquisa a uma escolha entre poucas opções conhecidas, escolha essa que pode ser melhor realizada na base do conhecimento “clínico” (muito específico)
do que da pesquisa social. Em todo o caso, este modelo elimina essencialmente a componente central da
pesquisa, ou seja, a sua capacidade de surpreender, de produzir descobertas inesperadas.
O terceiro modelo de Bulmer, de esclarecimento, vê a finalidade da pesquisa social como uma forma de
proporcionar possibilidades alternativas e de esclarecer os políticos através da sua interacção com os pesquisadores e com a exposição de novas perspectivas. Hammersley concorda com este modelo, defendendo
que a investigação deveria ser “de uma significância geral e não específica”. (1992:131-2). Posteriormente,
defende que a pesquisa social é essencialmente um processo colectivo, mais do que uma questão de resolução individual de um problema, sendo a investigação submetida a uma comunidade profissional mais ampla, para uma observação crítica e um desenvolvimento posterior. Assim, a escala temporal da investigação
social obsta a sua aplicabilidade aos objectivos a curto prazo dos políticos.
Por mais atractivo que o modelo de esclarecimento possa parecer, em termos de desenvolvimento da investigação social intelectualmente independente e de procura de possibilidades alternativas (ver teoria crítica),
enfrenta algumas reversas por parte do poder político e da ideologia do poder.
Em primeiro lugar, é impraticável e ingénuo pensar que os políticos teriam tempo, recursos, interesse ou vocação para consultar as descobertas, os debates profissionais ou as perspectivas alternativas, provenientes
da investigação, que poderiam apresentar uma relevância potencial para as suas preocupações.
Na mais remota das hipóteses, os investigadores têm que estar preparados para apresentar questões
relevantes, num formato acessível e numa linguagem não técnica. Na realidade, os investigadores terão
mais probabilidades de contribuir na formação da política quando realizam pesquisas direccionadas para
determinados temas políticos e, quando são, consequentemente patrocinados por organizações envolvidas na feitura e implementação da política social. Por mais imperfeita que esta abordagem da investigação
social possa ser, ela é indiscutivelmente melhor quando levada a cabo por aqueles que possuem um treino
profissional e uma experiência de pesquisa mais extensa, do que por investigadores especialistas, pertencentes a organizações. Pode ser alegado que, apenas através de tais laços, o esclarecimento, disponibilizado por via da investigação social generalizada, será trazido à cena pública da política.
Haverá, também, quem argumente que tal investigação política produzirá conclusões mais sólidas não só
porque tende a ser interdisciplinar e a utilizar uma multiplicidade de métodos e fontes, mas também porque
tem que enfrentar o teste imediato e rigoroso das suas recomendações pela implementação na política e
pela prática (Hakim, 1987).
No quadro da relação entre antropologia e política, poderemos situar projectos de investigação específicos
como o abaixo descrito por Davies (1999) acerca das experiências desenvolvidas por Okely (relações entre a
política e a investigação no âmbito de um projecto ou do itinerário intelectual de um investigador – nível micro), acerca de ciganos nómadas, mas também a origem e desenvolvimento da antropologia focando o caso
26
específico da «antropologia aplicada» (relações historicamente instituídas entre a política e a investigação¬
– nível macro).
9. Questões estéticas
Quando falamos de documentário ou do filme antropológico algumas considerações me parecem relevantes.
Em primeiro lugar tanto a etnografia como o cinema se interrogam sobre o que é a realizade e como se relacionam com a realidade e com o imaginário (interrogam-se sobre o real imaginado) ou como o cinema e a antropologia modela a realidade. Cinema e antropologia partem ou prestam particular atenção ao detalhe (ver
etnografia como atenção ao detalhe) a partir do qual e com o qual se constrói o argumento ou a narrativa.
Poderemos tanto no cinema como na antropologia encontrar duas polaridades – 1) uma representação mais
instrumental, didáctica, demonstrativa ou resolutiva, organizada a partir de um sentido unívoco, deixando
uma limitada liberdade de interpretação ao espectador, criando um espectador mais receptivo que activo;
2) outra representação mais estética cinematográfica ou literária que deixa mais espaço ao espectador para
a procura e construção de sentido como experiência do sensível (visual e o sonoro mais que isso). Cinema
poder-se-á dizer que é um produto da indústria cultural mas com uma forte componente artística como a
antropologia se define frequentemente como arte – mais artística das ciências (arte de realização de trabalho
de campo, da escrita e da produção audiovisual, mas também porque baseada na observação, no olhar/ver
e no escutar/ouvir).
Singularidade do cinema é ter à sua disposição imagens e sons juntos no que denominamos por plano ou
o que poderemos denominar em antropologia o ver e o escutar (a observação visual e auditiva), meios de
expressão, artes do tempo e do movimento. No plano como se concentra uma forma de “descrição densa”,
fragmento tirado da realidade e da representação pelo enquadramento e pela duração. A criação cinematográfica é assim a tensão entre o plano e a relação, o racord, com outro plano. No plano é mostrada a
relação do realizador com o sujeito (as pessoas e as suas circunstâncias) filmado, na montagem a relação do
material filmado, com a ideia e o projecto do montador ou do realizador e deste e com o público. Muitos
destes processos resultam da planificação e controlo mas também e sobretudo do que lhe escapa a essa
planificação e controlo – a espontaneidade, imprevisibilidade, o acaso. Também neste caso antropologia e
cinema se encontram como poderemos verificar na metodologia de montagem preconizada por Vertov8 e
que em tudo se assemelha ao processo de investigação.
As questões éticas e políticas no filme implicam assim a presença e as relações com as pessoas, acontecimentos, circunstâncias e documentos filmados e o espaço-tempo da sua realização, mas também as escolhas no
tratamento da tensão, da relação entre planos – a montagem. Ocultos a teoria, os fluxos de informação, a
sensibilidade que informam o processo.
No que se refere à relação de política e cinema Laplantine refere o que poderemos referir em relação à antropologia e à produção científica em geral é que ambos se podem colocar do lado do poder (ou da ideologia), do espectáculo (o cinema ou o outro exibido como espectáculo) ou do lado da resistência ou seja “ao
contrário de um mundo hoje saturado de imagens obscenas e de seus sons ensurdecedores convergindo
tudo no mesmo sentido” (Laplantine, 2007:22). Como resistir, subverter ou contrapor ao “bulldozer comercial que visa parecer, lisonjear, seduzir, convencer, adormecer do espectador tomado numa relação de clientelismo”? (Laplantine, 2007:22).
A história do cinema aponta três formas de resistência – o cinema de autor, transformação geográfica
composição sonora e finalmente de elaboração da obra final como resultado deste complexo processo. Constitui um paralelismo
perfeito às metodologias de investigação envolvendo todo o percurso de pesquisa do terreno ao espetador (ver o O Homem da
Câmara de Filmar (1929).
27
(geopolítica) pela multiplicidade das cinematografias a partir de múltiplos continentes e a desideologização sobretudo do documentário. A reflexão sobre estas formas de resistência levar-nos-ia muito longe.
A jovem realizadora iraniana Samira Makhmalbaf afirma: “três métodos de controlo externos reprimiram o
processo criativo dos cineastas do passado: o político, o financeiro e o tecnológico. Hoje, com a revolução
digital, a câmara pode ignorar essas formas de controlo e ficar à disposição do realizador”. Seremos assim
tão otimistas?
De forma resumida tentamos abordar as questões éticas e políticas decorrentes do trabalho de campo e
da produção audiovisual em ciências sociais e da comunicação (que entendemos cada vez mais comuns),
estas inseparáveis das estéticas e das epistemológicas. Um amplo campo de trabalho que urge explorar em
paralelo à realização do trabalho de campo em antropologia e cinema. Na verdade como refere Aumont “os
cineastas e os teóricos do cinema entendem não ser possível o estudo do cinema sem o recurso às ciências
sociais e à antropologia” (Aumont,1989).
Se as questões epistemológicas são importantes na construção do conhecimento, os valores na investigação
é onde tudo se joga. Vivemos, tomamos partido, cremos numa multiplicidade de valores éticos, estéticos e
políticos que hierarquizamos e que definem o sentido da nossa existência mediante opções que ultrapassam
incessantemente as fronteiras do conhecimento efetivo e da sua utilização. Refletir sobre estas questões é
prolongar o conhecimento e desenvolver um esforço crítico para melhor conhecer as suas fronteiras e legitimar a hierarquização dos valores que o ultrapassam.
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30
Mergulho na imaginação
criadora: antropologia e
imagem
Ana Luiza Carvalho da Rocha
Cornelia Eckert
Persuasão
A Antropologia caracteriza-se por uma disciplina de palavras. Em 1975, Margareth Mead sustentou este argumento pela forma privilegiada com que a disciplina transforma palavras ouvidas e ações observadas em
textos escritos. Não obstante é em Margareth Mead que encontramos os primeiros incentivos concretos de
repercussão na comunidade antropológica para uma visualização da antropologia. Essa é a opção pela inserção de imagens em etnografias que encontramos na obra de Gregory Bateson e Margareth Mead, Balinese
character. A photo analysis (1942), na de Bronislaw Malinoski, Os argonautas do Pacífico Ocidental (1976),
na de Evans-Pritchard, Os Nuers (1978), assim como em Claude Lévi-Strauss, na obra Tristes Trópicos (1995),
entre outros. Na produção etnográfica, no processo de construção dos dados empíricos, o antropólogo incorpora, em seus relatos de viagem e diários de campo, desenhos, mapas, gráficos, fotografias, filmes, figuras
pictórias e sonoras como formas de registro e exposição dos dados de campo tanto quanto forma de comunicação de suas etnografias.
Se acompanharmos a trajetória da disciplina sob a perspectiva de suas tradições de produção de conhecimento nos séculos XIX e XX, poder-se-á argumentar que a Antropologia tem voltado suas costas ao tema da
estética ao não enfocar em suas reflexões o jogo complexo de relações entre o conhecimento sensível do
mundo e a busca interior de sentido pelo homem.
Nessa trajetória da antropologia, muitas vezes refugiada no agnosticismo, a forma lapidada pelos etnógrafos
tende a reduzir a imagem a uma analogia do realismo etnográfico descrito e em geral adequado ao lugar de
anexo ilustrativo. A opção pela visibilidade não adere o ponto de vista da imaginação que tem, de acordo
com Gaston Bachelard, uma relação inseparável da palavra que a cria (Bachelard, 1996). Não é sem relutância que no campo antropológico há compreensão das funções da imaginação criadora como diferentes da
imaginação reprodutora (Bachelard, 2001). Para muitos pesquisadores, a imagem ainda tem uma função
secundária, sem que busquem “sobre a realidade, a positividade da imagem” (Bachelard apud Pessanha,
1988, p. 154), sem que consigam aderir a uma produção de conhecimento em que a imaginação não se
restrinja “a dar vida à causa formal” caindo nas amarras de um imperialismo da ocularidade. Uma vez que
todos sabemos que as imagens “são a matéria de que somos feitos” (Manguel, 2006, p. 21), por que então
31
Ana Luiza Carvalho da Rocha e Cornelia Eckert
a resistência em evocar na pesquisa “a imaginação que dá vida à causa material”, buscando na narrativa da
imagem a superação dos vários obstáculos epistemológicos (Bachelard apud Pessanha, 1988, p. 155)?
Qual nossa meta com essa persuasão introdutória? É conceber o trajeto do recalque da imaginação em
detrimento dos sentidos da “inserção do corpo do homem no corpo do mundo” (Bachelard apud Pessanha,
1988, p. 156).
A segregação e classificação de imagens no interior da inteligência lógica do discurso tende a reduzir as estruturas figurativas configuradoras das peripécias semânticas que encobrem o uso da imagem em Antropologia
Visual. Gravitando em torno de um cogito formal e passivo, repleto de categorias vazias, a produção de etnografias estaria, assim, perigosamente presa às armadilhas de uma ordem lógica linear, distanciando-se de
uma gnose espiritual que encerra toda a construção do conhecimento no homem.
Podemos agora desdobrar nossa reflexão inicial buscando tratar da forma de se compreender o uso da imagem numa pesquisa em Antropologia. Não só lemos palavras; lemos, sobretudo, imagens e a ela “atribuímos
o caráter temporal da narrativa” (Manguel, 2006, p. 27). Partimos de um entendimento: de tal forma traída
em seu arsenal simbólico, o recurso da visualidade da imagem em Antropologia perde de perspectiva o fato
de que ela é fonte de significação, em sua anterioridade à língua e, principalmente, à escrita. (Leroi-Gourhan,
1964).
As mensagens pictural, plástica e musical, o ritual, os gestos, a construção arquitetural retêm um simbolismo
que não é domínio “reservado” da língua falada ou escrita. Como afirma Gilbert Durand, “no reino da Imaginação, a imagem é ela mesma portadora de sentido que não pode ser buscado fora do Imaginário” (Durand,
1984).
Desfigurações
No intuito de se precisar ainda os termos em que se coloca o campo de investigação de uma Antropologia da
Imagem, há que se tematizar a controversa do monoteísmo da Grande Tradição do Ocidente judeu-cristão
face à polissemia da Imagem.
Na base desse processo, é necessário remarcar a orientação monista e dualista acerca da figura do homem.
De um lado, o mundo das aparências é tomado como único mundo existente, sendo a Verdade e a própria
razão humana criadas pelos indivíduos humanos no decorrer de sua interação com o mundo. De outro, anuncia-se uma dicotomia entre o mundo das formas e das essências. Nesse sistema de pensamento, toma-se
como ponto de partida a figura do homem segundo uma separação entre a realidade e a percepção, havendo
uma dicotomia entre forma e matéria.
Da Antiguidade à Renascença, passando pela filosofia oculta e a teosofia árabe, conforme Gilbert Durand
(1984, 2008), é necessário se assinalar que o Ocidente judeu-cristão debateu-se com desconfiança em torno
da Imagem como topos fantástico (como reino da imaginação e da fantasia), topos espiritual (que anunciadenuncia a presença do mistério da criação divina no homem). Tal processo, tendo como preocupação o
trajeto de construção da figura do homem no Ocidente, resultou em efeitos nocivos para o caso do lugar que
hoje ocupa a Imagem e a Imaginação como centro do dinamismo organizador do conhecimento das sociedades humanas. Seguindo Durand, isto ocorre porque o processo de secularização e desencantamento do
Imaginário que tomou vulto na Grande Tradição ocidental, relaciona-se com as intimações sociais veiculadas
pelo fenômeno da criação do magistério dogmático da Igreja, da formação do Estado, da configuração da
ideologia do individualismo moderno e do crescimento de uma consciência e crítica histórica em detrimento
32
Mergulho na imaginação criadora: antropologia e imagem
de uma hermenêutica espiritual no Ocidente moderno. O que nos conduz até o Ocidente moderno e a sua
descoberta de um novo instrumento de pensamento: o Cogito, liberto das sensações e opiniões, das percepções e do dado sensível.
Pensar sobre os temas da Imagem, da Imaginação e do Imaginário na construção do pensamento antropológico, conforme apontam inúmeros filósofos (Cassirer, Foucault, Durand, entre outros) implica retomar o trajeto
de consolidação do Ocidente no mundo a partir de um novo paradigma que se pergunta: afinal, o que é o
homem, uma vez que, há algum tempo, o Ocidente moderno vem se devotando a idéia de que o Cogito
protege o indivíduo humano das ilusões, estabelecendo distinção real entre a alma e o corpo iniciada com a
afirmação: "Eu penso, logo existo". Um pensamento em conformidade com o movimento de secularização e
que rejeita todo o imamentismo das cogitações humanas, o cartesianismo como escola terá a preocupação
de libertar o sujeito humano da idéia de Cosmos. Sua consciência sendo, enfim, confrontada a sua finitude e
a sua temporalidade.
Pontue-se igualmente que a desfiguração da Imagem aqui, no caso de nossas raízes culturais judeu-cristãs
(associada ao tema dos mistérios da Revelação), implicou a perda da idéia do sentido tradicional de uma
dialética especulativa presente à Imaginação humana onde o semantismo da Imagem traz em si o tema da
transcendência da Alma humana e de sua essência divina.
No humanismo da modernidade triunfante, expressão cara a Alain Touraine (1994), será a visão racionalista
do universo e da ação humana que prevalece. Nessa pedagogia da Imagem, opõe-se sujeito descido do céu a
terra, e humanizado, ao mundo dos objetos. Substitui-se a unidade de um mundo criado pela vontade divina,
adota-se a Razão e a História como norma de inteligibilidade da Imagem, abdica-se de uma hermenêutica
espiritual pela dualidade racionalização e subjetivação.
Nessa tradição intelectual, apela-se à idéia de natureza humana secularizada: origem e fundamento das verdades. Visto que a Razão, o Cogito tem função de unir o homem e o mundo, qual é, então, o lugar da Imagem
e da Imaginação?
Como alguns autores apontam, a Imagem acaba por ser reduzida aos avatares das filosofias do Cogito ou das
filosofias da história. Constrangida ao racionalismo da Ilustração, a transcendência do simbólico contido na
Imagem cessa de estruturar do interior as relações da pessoa humana ao mundo.
Sabemos que o recalque pedagógico sobre a imaginação humana contém em si um movimento compensatório em termos de energia cognitiva: a consciência acabará por atribuir a si mesma o papel de realizar a
integridade plena de sentido no homem na busca da realização simbólica de aspirações frustradas que são
da ordem da Imaginação.
Nesse ponto, o racionalismo e positivismo triunfantes aparecem aqui como parte das constelações de imagens e regimes míticos que configuram a civilização ocidental, podendo ser vistos como um tributo ao
mecanismo de recalcamento e negação da Imaginação humana, influenciado (mas não determinado) por
fatores históricos, situacionais ou sociais que, do exterior, apelam a certos encadeamentos de símbolos e
suscitam constelações de imagens determinadas para o campo das produções científicas.
Não se trata aqui de continuar a temática central do pensamento clássico que insiste na oposição crença/
verdade, imaginação/Cogito, perpetuando-se no campo de controvérsias de uma Antropologia da Imagem.
E preciso estar atento, no contexto da pesquisa em Antropologia Visual, aos perigos de sistematizações fáceis
onde os estudos em torno da Imagem e do Imaginário se aliam aos vícios do comportamento pragmático de
uma ciência positivista no âmbito da história da nossa disciplina.
33
Desdobramentos
Para se precisar os termos em que se coloca o campo conceitual da Antropologia Visual, se torna necessário
tematizar a controversa da atomização do homem no corpus do Ocidente judeu-cristão e no nascimento do
homem unidimensional que se origina nas especulações evolucionistas e positivistas, escolas do pensamento antropológico que se constituíram no triunfo das explicações científicas histórico-causais. Na sua compreensão do homem, retira as formas sensíveis das obras da cultura humana do gueto formal de categorias
de pensamento vazias de significação.
Há, portanto, incidentes históricos que exercem pressão sobre a imaginação criadora humana, responsáveis
pela realização de certos sistemas de idéias de uma civilização, com base no predomínio do pensamento
lógico-racional, aquela da qual o próprio antropólogo participa. Todavia, se nossas referências antropológicas
nos alertam para o fato de que se o contexto social colabora na modelagem da universalidade da imaginação
humana em símbolos, através delas também se tem afirmado constantemente que a Imagem transcende aos
incidentes históricos que a modelam.
Em virtude disso, a Antropologia não deve prescindir do estudo das formas sensíveis através das quais o pensamento humano opera sentido para o mundo: uma Antropologia da Imagem não deve esquecer que a busca
de seu sentido não está dissociado da matéria que configura sua presentificação-manifestação fenomênica.
Ora, não se pode negar que há relações mútuas entre o ambiente psicossocial e a natureza da gênese das
imagens com as quais interpretamos o mundo e através das quais o mundo se "deixa ver" aos nossos olhos
humanos.
O resultado do repensar as temáticas centrais da Antropologia deveria ser o abandono da conversão do semantismo dos símbolos e da imagem numa estrutura formal vazia, retornando-se ao estudo aprofundado
da co-naturalidade da linguagem humana e ao instrumento de sua descrição (as técnicas da escrita e de
audiovisuais), ambas tomadas como parte do processo de objetivação do pensamento humano. Retomando
algumas pistas abandonadas por muitos pensadores que situam a imagem como reveladora de algo mais
do que ela encerra como "coisa", surge a necessidade de se investigar os paradoxos e as dificuldades de um
"pensamento por imagens" que contempla toda a pesquisa em Antropologia.
Começa-se aqui com uma afirmação de Gilbert Durand (1984) no domínio da Imaginação: a imagem é ela
mesma portadora de sentido que não pode ser buscado fora do Imaginário. Nesse contexto, há uma conjunção complexa entre a Imagem, a Imaginação e o Imaginário. Arqueologia ou tipologia, qual a forma de se
enfrentar o tema da Imagem numa pesquisa em Antropologia? Isso implica que se discuta a possibilidade
de se construir tipologias do imaginário no contexto dos estudos e das pesquisas através e com a Imagem.
Na perspectiva de uma tipologia, muitos mitólogos e historiadores da religião nos ensinam que a segregação
e classificação de imagens podem atingir muitas vezes um racismo caracteriológico da parte do investigador.
Estaríamos, assim, perigosamente tentados a trabalhar com a estética do imaginário do próprio antropólogo
sem nos darmos conta da gramática visual que estrutura o nosso universo de pesquisa: as culturas e as sociedades humanas e o conjunto de suas obras.
Gestuais, ritmos e formas de comportamentos dos diferentes humanos estariam constrangidos à interpretação de determinadas fases culturais das sociedades humanas. Dessa forma, teríamos como resultado uma
perspectiva culturalista na abordagem da Imagem, perspectiva ainda impregnada de traços de herança de
um evolucionismo. De acordo com tal perspectiva, a Imagem é uma representação miniaturizada do mundo
social, passível de se classificar segundo as visões de mundo aí contidas, sem considerar as eras míticas
psicossociais que configuraram as sociedades humanas. De fato, uma incultura que as ciências humanas con-
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temporâneas enfrentaram como um impasse buscando ultrapassar “a unilinearidade, a unidimensionalidade
e o totalitarismo do Tempo e da História”, exorcizando o progresso grosseiro, (Durand, 2008, p. 204 e 205).
Supera-se, pois, com um novo espírito científico, a “epistemologia totalitária do Ocidente que desde Kant,
confundiu a causalidade com um tempo abstrato, newtoniano e sideral” (Durand, 2008, p. 207).
Contra a fábula ideológica de uma história linear única e causal eleva-se a visão de um “novo espírito científico”. Na busca de um cogito sonhador, nos termos do subjetivismo bachelardiano, a Imagem é ao mesmo
tempo evento singular e trans-subjetivo. (Bachelard, 1996). É ela que permite à pessoa humana a sua reconciliação com o mundo. Segundo Bachelard, o onirismo intelectual é, assim, condição da integridade do
conhecimento. Dessa forma, o pensamento humano operando através das imagens é conhecimento de si;
fruto de uma atividade onírica. (Bachelard, 2001).
Há, portanto, estruturas subjacentes fundamentais que são constitutivas do processo de construção do conhecimento humano que dizem respeito ao profundo reservatório de imagens e dos mitos no qual a Imaginação criadora da pessoa humana se faz sujeito epistêmico. Deixa-se aqui entrever “os diversos caminhos
que o espírito segue em seu processo de objetivação, em sua revelação a si mesmo” (Durand, 2008, p. 216).
Assim, o simbolismo presente à Imagem é processado traduzindo-se num acordo, ou equilíbrio, entre desejos imperativos do sujeito e das intimações da ambiência objetiva que o cerca, como nos elucida Gilbert
Durand (1984).
Não podemos ignorar, então, que a própria démarche intelectual não está livre das inter-relações entre saber
científico e o reino da Imaginação e do Imaginário, isto é, não podemos anular o nosso próprio processo de
construção do pensamento científico acerca do universo onírico de um pensamento que opera por imagens.
Nesse sentido, tanto a razão científica quanto a inteligência humana navegam nas águas da grande corrente
de um pensamento fantástico humano que veicula idéias e pensamentos às imagens. Da mesma forma, ciência e mito não podem ser dissociados como supõe o corpo de um sistema de crenças de base evolucionista
que tende a hierarquizá-los de acordo com um processo de maturação progressiva do trajeto antropológico
do sujeito humano. Conforme demonstrou Claude Lévi-Strauss, o pensamento mítico e o pensamento científico são lógicos, seja mais próximo, ou seja mais afastado da intuição sensível, magia e ciência correm paralelos “como duas formas de conhecimento” (Durand, 2008, p. 213).
Da ocorrência de tal cisão entre ciência e mito no corpo do pensamento ocidental que acompanha o ponto
de vista circunscrito ao contexto social ao qual pertence o próprio pesquisador, resultou, finalmente, o lugar
da Imaginação como moeda sem valor nas trocas simbólicas.
Com este “novo espírito antropológico” (expressão de Gilbert Durand, 1984), apresentam-se certas correntes atuais da famosa crise epistemológica das “ciências do homem” que se voltam “para” o homem e
onde a Imaginação atua no interior dos diversos sistemas de pensamento. Ela, inclusive, é quem impulsiona
a consciência do homem da Ciência a afinar seus conceitos.
Védrine (1990), explorando as idas e vindas do problema da Imaginação nos termos do pensamento filosófico ocidental, aponta para duas formas basilares de se conceber as relações entre as figuras da Imaginação
e o mundo dos objetos. Uma perspectiva anuncia a relação direta entre a imaginação criadora humana e os
objetos: o mundo das coisas é apresentado ao espírito, através das percepções e sensações, problema que,
sob o primado da mimese, foi abordado por Platão e Aristóteles. Outra perspectiva anuncia a relação indireta homem-mundo a partir da construção-de-si. O mundo das coisas é representado à consciência através
de pensamentos-imagens que acompanham o movimento do ser, como no caso de Spinoza cuja teoria do
conatus relaciona desejo, imaginação humana e a contrução-de-si, abrindo as vias da modernidade com
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Kant e seu esquematismo transcendental que reconhece à imaginação um lugar privilegiado no processo de
construção de conhecimento.
Na tradição de pensamento ocidental, a visibilidade e a lisibilidade do mundo aparecem como fenômenos
não apenas associados às figuras da imaginação como corpo e alma, mito e ciência, matéria e espírito, etc.,
mas solidários da figura de homem que encerram. Nesse âmbito, a Imagem desempenha o papel de trânsito
entre o crer e o ser. Imagem enquanto síntese ou esquema, Imagem enquanto veículo de construção e de
desconstrução.
Considerando-se pela maneira mais ou menos fiel com que tal imagem se adequa à coisa representada, há,
entretanto, diferentes graus de se trabalhar a Imagem de acordo com a forma como ela se constitui como
fenômeno. Nesse ponto, reside uma diferença entre as explicações semiologistas (que assimilam à visibilidade da Imagem uma longa cadeia de fatos de explicações positivas que se encerram em si mesmos) e uma
perspectiva hermenêutica (que enfrenta o tema do símbolo, pensamento-imagem sempre indireto, que preside a lisibilidade do mundo das coisas e que não se fecha sobre si mesmo).
Ao conhecimento indireto, os pragmáticos vão opor um pensamento direto que opera com a Imagem enquanto signos arbitrários, Assim, submetida ao método de redução às evidências empíricas, a Imagem é
enfocada enquanto o duplo das coisas cuja essência pode, finalmente, ser tocada.
Recuperação da imaginação
Como já se afirmou acima, a Imagem reina soberana no campo da Imaginação criadora e, atuando sobre
a linguagem, nos limites que separam o dado empírico e a sua re-presentificação, ela é revelação de outra
coisa que não ela mesma. Nessa perspectiva, a imagem enquanto símbolo evoca, em relação ao referente
natural, alguma coisa ausente ou impossível de o sujeito humano perceber.
Assim, é da Imagem simbólica de que trata este artigo, Imagem cuja visibilidade e lisibilidade são transfiguração de uma representação concreta de uma "coisa" por um sentido eternamente encoberto. Sua parte
visível, aqui no caso, tem ao mesmo tempo um sentido cósmico, onírico e poético, infinitamente aberto. A
imagem simbólica é em si mesma "figura", veículo entre coisas e "idéias", cuja natureza do significado é inacessível; aparição, pelo e no significante, do indizível.
Na delimitação de um campo de pesquisa para uma Antropologia da imagem, trata-se aqui da necessidade
de se reconhecer uma abordagem antropológica do Imaginário que não abandona o sonho, o devaneio como
conteúdo e forma da Imagem; mas, ao contrário, toma-os como base.
Dessa forma, o intuito é particularmente afastar-se do problema de um enfoque determinista da Imagem, da
Imaginação e sua conseqüente análise reducionista do Imaginário no campo da pesquisa em Antropologia
solidária de uma particular agregação de esquemas de pensamento, paradigmas e tradições de sua matriz
disciplinar.
Olhando pelo ângulo de um tempo arqueológico e adotando-se uma opção fenomenológica na análise e na
classificação dos conteúdos possíveis das obras humanas, o que se depreende é que as riquezas expressivas
contidas nas suas formas constituem semanticamente a consciência imaginante humana e seu cortejo simbólico.
Daí sustentar-se aqui, ao lado de inúmeros filósofos da cultura, que a imaginação não se opõe ao real, uma
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vez que função fantástica que ela realiza acompanha o engajamento mais concreto das ações do homem no
mundo, sendo centro de dispositivos de saber, da estética ao conhecimento e dos seus dispositivos que se
prolongam rumo à ética e à política. Do ponto de vista de uma filosofia antropológica, insiste-se que o pensamento humano é nutrido por imagens, onde a Imaginação desponta não como lugar de alteridade do ser,
mas de sua positividade na medida em que ela impõe-se como possessão do mundo. É através da evocação
das imagens na luta contra o esquecimento que teóricos da Imagem, como Walter Benjamin, abordam a
qualidade ética da imagem que reverbera na memória.
Assim, é a Imaginação criadora que autoriza o sujeito humano o seu poder infinito de fazer variar as imagens
com as quais e através das quais ao moldar o mundo, molda-se a si mesmo. A Imagem antecipa-se e se realiza no conhecimento do homem acerca do mundo e de-si pelo mergulho que ela autoriza nas faculdades
humanas ilimitadas de criação de sentido. Em sua visibilidade e lisibilidade, a Imagem é ao mesmo tempo
enraizamento e abertura; ela é, principalmente, arranjo e modelagem do ser-para-si, criação não aquisição.
Refiguração
“O que a antropologia deve recusar”, aconselha Gilbert Durand (2008, p.255), “é se deixar aprisionar no triedro da épisteme decadente do positivismo desesperado extremos ocidente”. A dificuldade que sempre se
tem em relacionar Imaginário, Imagem e Imaginação não são, portanto, de todo sem sentido uma vez que se
possa correlacionar tais embaraços com a ortodoxia iconoclasta de um pensamento científico racionalista e
positivista calcado na função da Imaginação elaborada pela Modernidade triunfante.
Nesse ponto, o próprio campo conceitual da Antropologia Visual aparece impregnado com tal tradição de
pensamento onde a Imagem aparece desligada do simbolismo imaginário presente ao indivíduo humano.
Fruto de uma tentativa de separar as teorias científicas das produções do imaginário “nativo” pesquisado e
do esforço em obter-se, finalmente, o cumprimento do métier de antropólogos, a descrição "naturalista" das
sociedades humanas avança rumo a uma valorização exacerbada de um pensamento lógico.
Na visão de Bachelard, todo o caso de empobrecimento de Imagem acompanha a produção de conhecimento que se orienta para um individualismo narcisista. Diferentemente, o subjetivismo bachelardiano propõe
a construção de um conhecimento orientado para um narcisismo cósmico. Fator de unidade e amplidão do
conhecimento humano (Bachelard, 1996).
Conforme inúmeros autores, o problema acerca da depreciação do Imaginário e da Imagem nas diversas formas do pensamento humano processar conhecimento aparece justamente nas teorias “modernas” quando
a Ciência tratou-os como fenômenos de uma vacuidade essencial da consciência orientando-se progressivamente na busca de um pensamento purificado de imagens.
Nessa ótica, nunca é tarde para se resgatar alguns princípios fundamentais de um humanismo politeísta
abandonado pelo Ocidente judeu-cristão onde a Imaginação criadora e suas estruturas polimórficas estavam
na raiz de todos os processos de consciência e anunciava as marcas do Espírito humano no Tempo.
Antropologia imagética
Podemos constatar na contemporaneidade uma adesão à antropologia imagética, como definiu Roberto Cardoso de Oliveira (2005), autor que associa as práticas do trabalho do antropólogo de olhar, escutar e escrever
à construção da imagem, no ato do saber e fazer etnográfico (2000) em que se pode reassociar a imaginação
e a memória, por uma antropologia do visual. Interrogar-se a cerca do mundus imaginalis que preside as
formações das categorias de interpretação na produção e geração de pesquisa antropológica através da imagem pode evocar, em muitos de nós, a presença de certos mitos e imagens já construídos e veiculados no
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trajeto antropológico que nos constitui.
A produção etnográfica no advento da pós-modernidade e a construção de novos experimentos etnográficos
têm privilegiado a produção de imagens e a perspectiva conceitual da imagem dialética, como preconizava
Benjamin, no processo etnográfico em seu potencial imagético. Seja no procedimento da configuração narrativa de imagens fotográficas e acervos digitalizados impressos no papel, seja capítulos em suporte digital
(CD, DVD, vídeos), seja ainda o recurso das redes digitais e eletrônicas, dispõem-se a experiência de interlocução do processo de pesquisa de campo na forma narrativa de imagens. Em hipertextos, por exemplo,
com é o caso da pesquisa no Banco de Imagens e Efeitos Visuais1, os dados e informações são organizados na
forma de uma rede e dentro de um formato de textualidade não linear, de acordo com os múltiplos acessos,
trazendo à luz outras reflexões inovadoras para o próprio fazer antropológico no mundo contemporâneo. O
fazer etnográfico que se concilia com a imagem dialética, seja na etnografia interpretativa, crítica, narrativa
e/ou hipertextual, nos desafia a abandonar a idéia clássica do conhecimento como um sistema regido pelo
princípio de ordem, uma vez que esta ordem de conhecimento é sempre reversível por ser sistema incompleto e até certo ponto desordenado. Na criação de novas formas de escrita e divulgação etnográfica, há
todo um extenso trabalho de definição da natureza dos laços entre esses dados e informações, do conteúdo
de seus nós e da sua estrutura segundo as escolhas de percurso que sua utilização permite ao leitor.
Um leitor, nossa motivação, o Outro, que emerge em uma nova epistemologia, a de uma antropologia compreensiva, cuja paternidade se dá ao filósofo alemão Wilhelm Dilthey. Chega-se a uma antropologia pós-moderna de inúmeras inovações reflexivas e críticas, a produção imagética segue “a constelação do despertar”
inspirado em Walter Benjamin (1993, 1994). O antropólogo na figura do narrador concebe a etnografia como
produção de sentido de uma vida compartilhada pela magia da linguagem, em que múltiplas experiências
ocorrem e lançam, no tempo, suas marcas que estetizam as formas de interagir no espaço social. Cada gesto,
cada marca, cada rastro é imagem que desperta na memória (involuntária) dos interlocutores na experiência
etnográfica. Benjamin dirá que despertam as imagens dialéticas que estão na base de conhecimento da comunidade de troca, da memória compartilhada que se oferece em imagens. Na obra do etnógrafo que narra,
o fato etnográfico não adquire o caráter de uma mera informação a ser traduzida a uma comunidade lingüística particular, a dos antropólogos. Dessa forma, podemos afirmar que os efeitos de realidade que presidem
a etnografia como instâncias narrativas abrangem a “biografia cognitiva” do antropólogo na história do percurso objetivo de seu pensamento, na ordem dramática a partir da qual ele atribui um sentido a uma série
de acontecimentos e situações vividas durante seu trabalho de campo.
Nesse ponto, um (texto escrito) e outros (registros sonoros e visuais) acabam sendo reconhecidos como depositários do próprio “encontro etnográfico” do antropólogo com o grupo e/ou comunidades pesquisadas,
no sentido de evocarem o “testemunho” da voz do Outro no contexto. É nesse mergulho da atividade de imaginar que propomos a criação da obra antropológica imagética. Produção que em sua narrativa conta uma
história, prenha do caráter temporal da experiência humana. Seguimos Paul Ricoeur (1994), para conceber
na tríplice mimese a articulação da experiência etnográfica com imagens em sua pré-figuração, configuração
e reconfiguração. A mediação simbólica tem agora uma textura, densidade, sempre em deslocamento e
aberta à interpretação dos leitores, usuários, receptores, apreciadores, interlocutores, etc. Nossa produção
imagética pode agora configurar como um ato da intriga que por certo remeterá a antropologia que repousa
na imagem a mediar mundos, interseccionar diversidades, fusionar projetos, como no ato de restauração
almejado por Benjamin, de durar na memória do mundo.
1. BIEV, projeto do Laboratório de Antropologia Social do PPGAS, IFCH, e ILEA, UFRGS. Sede sala 108 no ILEA, UFRGS. Apoio
CNPq, FAPERGS, CAPES, UFRGS.
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Triangulação e Hipermédia:
Uma Opção Metodológica para
investigação e exposição de
resultados em Antropologia
Resumo A utilização de materiais visuais pela Antropologia e outras ciências sociais é não só conhecida como é corrente e constante. Já menos frequente é o reconhecimento desses materiais enquanto
tal e a sua aceitação como elementos centrais de produção e análise na investigação. A triangulação de
metodologias de investigação com recurso a técnicas visuais participativas consente uma diversidade
de aproximações a temáticas e objectos a que, por um lado, não seria possível aceder de outro modo
e sobretudo, em primeiro lugar, nunca teriam adquirido visibilidade podendo, assim, ser interpelados.
Este artigo revisita a versatilidade e potencial deste tipo de metodologias e expõe a experiência da
investigadora, descrevendo pressupostos teóricos e procedimentos implicados, gestão prática da implementação no terreno, tratamento e apresentação formal dos materiais.
Palavras-chave: Triangulação; Metodologias visuais participativas; Photovoice; Análise de imagens; Hipermédia; Formatos reflexivos.
Abstract The use of visual materials in Anthropology and other social sciences is well known, widespread and steady. Less frequent, however, is the recognition of these materials as such and their
acceptance as central elements for research production and analysis. The process of research triangulation including visual participatory techniques consents a diversity of approaches to themes and
objects, to which it would not have been possible to have access in any other way and, most important, that would never have acquired visibility, in the first place. This paper revisits the versatility and
potentiality of this kind of methodologies and displays the experience of the researcher, providing a
description of theoretical premises and implied procedures, field implementation management, data
analysis and formal presentation.
Keywords: Triangulation; Participatory visual methodologies; Photovoice; Image analysis; Hypermedia;
Reflexive formats.
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Introdução
Triangulation has been touted as one way of strengthening the robustness and completeness of research
data and data interpretations. “The most effective way to ensure reliability and validity of ethnographic
data is to obtain comparable, confirmatory data from multiple sources from different points in time, and
through the use of multiple methods. This is the process of ‘triangulation’” (Trotter & Schensul 1998:
7191). Including a photographic component in a research study replete with other investigative methods
is one way of accomplishing methodological triangulation (Clark e Zimmer 2001: 326).
O uso da imagem e a Antropologia
A utilização de materiais visuais pela Antropologia e outras ciências sociais é não só conhecida como é também corrente e constante. Já menos frequente é o reconhecimento desses materiais enquanto tal e a sua
aceitação como elementos centrais de produção e análise na investigação. Por esta razão, acontece na Antropologia uma compartimentação das chamadas metodologias visuais e a ramificação de uma área específica denominada por “Antropologia Visual” que, até há duas décadas, foi confinada quase exclusivamente
à produção de filmes etnográficos, com um lugar pouco significativo na disciplina. Este estatuto de pouca
relevância e algo marginal é ainda mais incompreensível quando atentamos à relação estreita entre os dois
fenómenos.
Entre a Fotografia, o Cinema e a Antropologia existe um paralelo de história e desenvolvimento e na sua base
encontram-se os mesmos fundamentos intelectuais e culturais da Europa e América do Norte novecentistas.
Na primeira metade do séc. XIX surge a fotografia e em 1895, os irmãos Lumiére fazem a primeira projecção
de cinema em Paris do filme La Sortie des Usines Lumiéres. Em Portugal, um ano depois, filmes de autoria
de Aurélio Paz dos Reis são projectados no Teatro Sá da Bandeira no Porto e em Outubro de 1896 surge a
primeira sala de cinema em Lisboa, o Real Coliseu dos Recreios (Ferreira 1986). O cinema estende-se a todos
os continentes e em 1905 chega aos EUA pela mão de Thomas Edison (que desde 1893 projectava imagens
em movimento com cinetoscópio). Em 1928, foi já possível combinar som e imagem (Warner Brothers) e
apenas outra década foi necessária para transmitir estas imagens audiovisuais a todo o globo, através do ar,
por ondas hertzianas2. Pela primeira vez julga-se ser possível reproduzir imagens que (aparentemente) não
constituem ícones - imagens aproximadas da realidade objectiva - mas antes um índice do real. Como defendido logo na primeira metade do séc. XIX por François Arago (1786-1853) à Câmara dos Deputados francesa, a fotografia pela sua “vocação cognoscitiva” seria da maior utilidade como meio de registo e suporte
da investigação científica (Frade 1992: 47); ou na mesma altura, por William Fox Talbot (1800-1877) na sua
apresentação sobre o processo fotográfico à Royal Society em Londres: «sobre a arte do desenho fotogénico,
ou processo pelo qual os objectos podem ser levados a desenharem-se a si mesmo sem a ajuda do lápis do
artista» (in ibid.: 57, 216), é finalmente possível obter a descrição precisa e a replicação microscópica da ordem e regularidade da natureza.
A imagem fotográfica (fotogramas estáticos) e depois a imagem fílmica (fotogramas em movimento), entendidas como signos indicadores, adquirem por isso o estatuto de substituto do real, de registo de realidades
de espaços, pessoas, comportamentos e vozes passíveis de serem enviadas e partilhadas a distâncias impensáveis em pequenas fracções de tempo. Hoje, a difusão de imagens fotográficas e audiovisuais é de tal forma
1 Conforme referenciado em Clark e Zimmer (2001): TROTTER, R. T. e J. Schensul (1998) “Methods in Applied Anthropology”, em
BERNARD, H. R. Bernard (ed.), Handbook of Methods in Cultural Anthropology. Walnut Creek, CA AltaMira: 691–735.
2 Alguns autores defendem que a TV foi inventada pelo português Adriano Paiva Faria Leite em 1876-78, pelo seu contributo inventivo da “telescopia eléctrica”. Apesar de ter publicado precocemente o seu trabalho nesta área, o seu nome persiste até hoje
obliterado na maioria das publicações internacionais sobre a história da televisão (ver: Vaz Guedes 1999; Lange 2002).
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Triangulação e Hipermédia: Uma Opção Metodológica
para investigação e exposição de resultados em Antropologia
trivial que tendemos a esquecer o quanto é recente e experimental, quer no seu processo de difusão quer
no da sua fabricação.
Na fotografia, como declara Pedro Frade, a partir de então: «o olho e a representação são colocados sob a
alçada das leis que se preocupam quase nada com quem vê e desprezam, igualmente, a natureza daquilo que
é visto» (Frade 1992: 66); a camera lucida prossegue o seu caminho na consolidação do estatuto de mediador de representação mecanizada com a intervenção mínima do sujeito operador. Um caminho que aponta
para um isomorfismo entre o desenvolvimento (e a percepção) desta técnica de produção de imagens e o
de validação de prova (e percepção de “verdade” e “objectividade”) na produção de conhecimento no “ocidente”. Ou seja, o primeiro é uma extensão ou parte do segundo e não apenas o resultado de um percurso
paralelo3.
Em resultado disso, similar à ascrição de uma separação entre o registo para a “foto-reportagem” e a simulação para a “fotografia artística”, um duplo caminho foi tomado pelo filme: uma corrente motivada pela
preocupação do registo etnográfico simples - “Documentário”, e outra motivada pelo impulso de criação da
magia pelas histórias contadas em movimento - “Cinema Ficção”. Na Alemanha, na primeira década de 1900,
os etnógrafos levam já para o terreno o novo instrumento para registo e reprodução dos “exóticos” comportamentos e rituais dos “primitivos”. As premissas de distanciamento e neutralidade relativamente ao objecto
são consideradas incontestáveis pelos primeiros documentaristas e a câmera de filmar é apreendida, desde
logo, por estes investigadores como um instrumento científico de captação de índices do real, de documentação científica objectiva. Mas, duas décadas depois, Jean Vigo quebra esta regra introduzindo a ironia de
discurso através da linguagem de montagem e entre outros, Walther Ruttmann e Robert Flaherty introduzem
a subjectividade narrativa4. Nos anos de 1930, autores como Luís Buñuel, Basil Wright ou John Grierson (criador do termo “documentário”) introduzem a dimensão de intervenção política pela denúncia social e Leni
Riefenshtal como veículo de propaganda do poder vigente (ver Barsam 1974, Barnow 1983, Aitken 1990).
Dziga Vertov, ainda na década de 1920, inicia a produção de filmes Kino Pravda (“cinema verdade”) e desenvolve a teoria kino-glaz (“câmera-olho”) (Vertov 1984) que servirão de base ao movimento Cinéma Vérité que
se expandirá nos anos 1960-70, mantendo-se ainda hoje como um dos estilos mais utilizados na disciplina. A
teoria de Vertov, o método de Flaherty e a inspiração do antropólogo Marcel Griaule convertem Jean Rouch
numa das maiores referências deste género de documentário etno-sociológico, com uma aproximação que
oscila entre o documentário não ficcionado e a ficção etnográfica. Rouch utiliza a analogia, o comentário
poético, o psicodrama e o lúdico, marcado pela preocupação permanente das consequências do contacto
entre investigador, personagens filmadas e câmera (ver Rouch 1974). Na mesma altura, uma outra corrente
emerge, distanciando-se do Cinéma Vérité através de uma aproximação de carácter activista de envolvimento em direitos civis, de minorias, contestação política, movimentos anti-guerra, feministas ou homossexuais.
Destaca-se na antropologia o uso do filme pela escola “Cultura e Personalidade”, em particular por Margaret
Mead e Gregory Bateson, de olhar direccionado e narrativa interpretativa (ver Ruby 1980). As duas correntes,
vulgarmente distinguidas entre “europeia” e “norte-americana”, persistem em paralelo na actualidade.
As novas técnicas e suportes, particularmente o vídeo e o formato digital, permitiram a acessibilidade a este
recurso de registo e expressão, alargando ainda mais o âmbito da sua utilização mesmo pelos que não entendem a imagem visual como suporte ou formato válido de investigação e o filme etnográfico é utilizado, hoje,
3 A analogia olho-câmera-realidade objectiva (Sontag 1986) ou o enquadramento conceptual da imagem fotográfica como índice
do real, não obstante a sua consagração inquestionável, são apenas uma “verdade particular” contextualizada por este enquadramento ideacional; não sendo aplicáveis nem uma nem outra, por exemplo, ao contexto da sua produção e apreensão na Índia, e
designadamente entre residentes em Kolkata, a cidade onde conduzi a minha actividade de investigação.
4 Em Portugal, o primeiro filme do género “etnoficção” (cuja criação é atribuída a Robert Flaherty), é realizado em 1930 por José
Leitão de Barros: Maria do Mar.
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em todos os continentes por antropólogos e não-antropólogos. Todavia, examinando também o percurso
dos estudos antropológicos na sua dimensão fílmica, embora muito precocemente tenha surgido a preocupação com a exposição dos elementos de carácter reflexivo, na sua maioria, o posicionamento adoptado
relativamente à utilização da imagem manteve-se marcado pela antropologia positivista que dominou até à
década de 1970. E como tal, também marcado pela introdução do positivismo associado ao jornalismo de
investigação e à teoria do realismo fotográfico. Entre as excepções, referencio na disciplina em Portugal, por
exemplo Catarina Mourão, com o filme A Dama de Chandor (1998), pela interligação entre a expressão pessoal e emocional das personagens com a história social e política; no contexto internacional, Trinh Minh-Ha,
pela dimensão artística e exploração da linguagem visual como veículo de experiência intelectual e sensual;
os prolíferos David e Judith MacDougall, pela exploração das técnicas e significados das representações fotográficas e fílmicas; ou, Dennis O’Rourke (não-antropólogo, mas incontornável referência na disciplina) com
os seus filmes Cannibal Tours (1988) ou The Good Woman of Bangkok (1991), pela exploração crítica das
representações e gestão prática das identidades no encontro com a alteridade.
A apresentação deste pequeno quadro sinóptico pretende relembrar que não só a etnografia e o documentário possuem origens similares como semelhantes são os seus objectivos e metodologias. Ambos fazem recurso de observação participante e trabalho de campo e ambos experimentaram, paralelamente, a necessidade de dar voz às personagens-objecto, significando isso que o elemento reflexivo surgiu ao mesmo tempo
no filme documental e na antropologia escrita, demonstrando um elo relacional inequívoco de princípio e
método. Todavia, a crença na objectividade da colecção de artefactos fotográficos e índices do real é ainda
dominante na actividade de investigação, negligenciando o conhecimento de que na imagem tal como na
língua, não existe uma relação intrínseca com o referente. Como declarou Bruner, não é possível ignorar a
distinção crítica «between life as lived (reality), life as experienced (experience), and life as told (expression).
Only a naive positivist would believe that expressions are equivalent to reality» (Bruner 1986: 6); independentemente da forma de expressão a que se recorre.
As metodologias visuais participativas aplicadas à investigação
Apesar de ainda algo marginal, um número crescente de investigadores tem vindo a considerar a centralidade do estudo das imagens na disciplina. Nos últimos vinte anos, a Antropologia Visual expandiu-se aos
estudos visuais e análise de mediadores pictóricos abrangendo temas que vão desde o estudo de fotografias históricas (Edwards 1992; Scherer 1992; Mellinger 1994; Buszek 1999; Carvalho 2008) e contemporâneas
(Pinney 1990; Hutnyk 2004; Thurlow et al 2005) até aos estudos das imagens (estáticas e em movimento)
dos meios de comunicação de massa, consumo e mercado publicitário (Riley et al 1998; Clawson & Trice
2000; Gupta 2001; Merskin 2001; Kim & Richardson 2003; Wright 2004; Chouliaraki 2006; Dillon 2006). Por
outro lado, a utilização de fotografias e outras metodologias visuais no processo de investigação tem obtido
também crescente visibilidade e aceitação e, embora apresente ainda contornos de experimentalidade,
tem vindo a ser submetida a um refinamento progressivo do seu enquadramento teórico.
O conceito de Photo-elicitation terá sido usado pela primeira vez por John Collier Jr. e Malcolm Collier, em
1957, para designar um método experimentado durante o decurso de uma investigação sobre comunidades
em mudança no Canadá. Foram feitas entrevistas sem e com o apoio de fotografias, tendo sido concluído
pela equipa de que, para o segundo caso, os resultados das declarações dos informantes eram mais precisos,
mais ricos e estimulantes. Os resultados desta experiência terão sido publicados pela primeira vez em artigo
nesse mesmo ano e expandidos para a versão em livro de 1986 Visual Anthropology: Photography as a Research Method5. Desde então, e particularmente nas ciências sociais, diversos autores têm vindo a assumir
esta metodologia como central à investigação (são exemplos Calderola 1985, Harper 2001, Beilin 2005).
5 John Collier Jr. terá editado uma primeira versão desta obra em 1967, todavia é esta versão de 1986 que se converte na obra de
referência de introdução às metodologias visuais aplicadas à investigação.
43
A partir deste conceito de inserção de fotos em entrevistas como agentes catalizadores de “extracção” de
informação, emergem as metodologias que a combinam com as preocupações de reflexividade e técnicas
de participação dos indivíduos em estudo. Alguns exemplos de estudos nas últimas duas décadas são os de
Johnson e Griffith (1998) em que alguns pescadores foram dotados de câmeras com a indicação de fotografar o que desejassem da sua actividade. A hipótese testada, com resultados significativos, foi a da afectação
dos conteúdos fotografados à identidade étnica dos pescadores. Magilvy et al (1992) terão desenvolvido o
mesmo conceito num estudo sobre o envelhecimento em ambiente rural.
Caroline Wang e Mary Ann Burris (1996) forneceram câmeras a mulheres camponesas da província de Yunnan na China para fotografarem as suas vivências diárias e darem voz às suas críticas sobre a inadequação
das estratégias políticas face às suas necessidades. O êxito desta experiência conduziu ao desenvolvimento
da metodologia de investigação definida como Photovoice. No seu esquema pioneiro elaborado por Wang
e Burris em 1992, foi definido como um processo através do qual os sujeitos entendidos como objecto de
estudo são dotados de um papel activo e catalizador de mudança na utilização combinada do imediatismo da
imagem visual com as histórias contadas. Ou seja, são fornecidas câmeras fotográficas a elementos do grupo
ou comunidade em estudo para que ajam como documentadores e intervenientes activos na reflexão sobre
as imagens captadas, permitindo ao investigador: «the possibility of perceiving the world from the view point
of the people who lead lives that are different from those traditionally in control of the means for imaging the
world» (Caroline Wang in Photovoice6).
Por sua vez, Lauren Clark e Lorena Zimmer (2001), partindo do conceito desenvolvido por Wang e Burris,
utilizam uma metodologia combinada de três tipos de técnicas fotográficas: material fotografado pelos investigadores em visitas programadas, material fotografado pelos investigadores em contexto de observação
participante prolongada e photovoice pelas mães das crianças em estudo, no âmbito de uma investigação sobre a relação entre cuidados maternos e saúde infantil entre famílias hispânicas residentes nos EUA. A partir
da análise diferenciada do material recolhido, terão concluído que além da maior riqueza e consubstanciação
de dados, os dois últimos métodos, e em particular o photovoice, terão permitido obter informação a que
não teriam acesso de outro modo.
Na aplicação dos mesmos princípios com recurso ao vídeo, destaco como exemplo os trabalhos de Richard
Chalfen (que desde 1966 já vinha desenvolvendo o conceito de Socio-documentary filmmaking) e Michael
Rich no desenvolvimento da metodologia que designam como VIA (Video Intervention/Prevention Assessment) na área da antropologia médica aplicada, sustentada pela aproximação ao objecto através de vídeo-diários ou vídeo-narrativas de doença gerados pelos pacientes em estudo (Chalfen & Rich 2004).
Photofeedback, Photointerviewing, Photoessays, Photovoice ou Participatory video são algumas das designações circunscritas pela versatilidade das metodologias visuais participativas. Comprovado o seu mérito nos
últimos anos, são diversos os projectos que as utilizam de forma simples ou combinada, nomeadamente em
programas de desenvolvimento ambiental, saúde pública, sociologia e antropologia aplicada. Pela implicação
dos indivíduos na reflexão de si, do seu quotidiano e da sua comunidade, pelo seu envolvimento na representação de si e dos outros, este modo de aproximação ao terreno não só minimiza a tendência de modelação
dos factos etnográficos ao arquétipo teórico como permite também um acesso privilegiado a diferentes modos de expressão da experiência vivida pelo “outro” sujeito. Como descrito por Michael Jackson:
[N]arrative description is a crucial and constitutive part of the ongoing activity of the lifeworld, which
is why narrative plays such a central role in phenomenological description. Moreover, narrative activity
6 Caroline Wang possui um “website” exclusivamente dedicado ao Photovoice. Além da divulgação de trabalhos que utilizam esta
metodologia, são também apresentados os seus princípios teóricos, éticos, fases do processo de planeamento, implementação
no terreno, problemas a antecipar, etc. Disponível em: <http://www.photovoice.com>. Ver também: Wang & Burris 1994, 1996.
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reveals the link between discourse and practice, since the very structure of narrative is pregiven in the
structures of everyday live. As Alisdair MacIntyre puts it, “stories are lived before they are told”7 (Jackson
1996: 39).
O uso destas técnicas consente também uma diversidade de aproximações a temáticas e objectos a que, por
um lado, não seria possível aceder de outro modo e sobretudo, em primeiro lugar, nunca teriam adquirido
visibilidade podendo, assim, ser interpelados enquanto objectos de exploração representacional e analítica.
Cabe ainda dizer que esta ênfase colocada na exposição das narrativas individuais implica uma tomada de
posição política na aproximação à investigação antropológica. Como observou Lila Abu-Lughod, o uso das
histórias contadas por indivíduos comuns colide com o uso ainda dominante do conceito de cultura; ao
revelar os conflitos e estratégias de negociação individuais, subverte os pressupostos de homogeneidade,
coerência e intemporalidade de cultura de grupo, comunidade ou nação (Abu-Lughod 1993).
Triangulação com metodologias participativas visuais reflexivas na investigação
do fenómeno do turismo
Inspirada pelos conceitos da “antropologia da experiência”, pelo pressuposto epistemológico de reflexividade e sucesso na implementação das metodologias visuais participativas, entendo que a introdução das
imagens na investigação antropológica se deve desprender do propósito clássico de tipo meramente descritivo e documental. Assumindo as contingências de confinação, redução e arbitrariedade da linguagem visual
(próprias dos códigos de ordenação do real como é também a linguagem textual) entendo como frutífera a
aproximação à câmera como técnica de investigação e ao filme, fotografia e outros mediadores pictóricos
como modos de (des)construção representacional dos objectos e mediação da experiência.
E se o entendo como válido para qualquer terreno, ao empreender um projecto de estudo antropológico
no âmbito do Turismo - objecto profundamente embebido pela linguagem visual e mediado na sua forma
mais imediata pelas fotografias e histórias orais e escritas contadas - foi óbvia, para mim, a opção de uma
aproximação através da didáctica combinada às metodologias visuais reflexivas e múltiplas técnicas representacionais. Como afirmou John Hutnyk: «The camera is the international signifier of tourism» (Hutnyk
1996: 145). Com o desenvolvimento do turismo de lazer, acumula-se um compêndio de imagens em casas
por toda a parte. As fotografias de férias converteram-se no “testemunho” de espaços e pessoas de lá, não
obstante a redução assombrosamente óbvia do que estava lá ao que foi registado fotograficamente. Como
também refere o mesmo autor: «That photography has a place within the economy of tourism will be readily recognized. The extent to which it is one of the major framing devices of all “tours” is perhaps less clear»
(ibid.: 146).
O primeiro objectivo a que me propus com a investigação “As Câmeras e o Turismo em Kolkata: Representações em Photovoice” foi o de contribuir para um estudo alargado das práticas de turismo internacional
num destino imaginado como distante, exótico (“não ocidental”), através da análise das tecnologias e técnicas de representação que medeiam este processo – fotografias, filmes e histórias contadas. Propus-me a
documentar e analisar, em particular, os modos de desempenho das narrativas fotográficas e textuais nas relações Turista/Anfitrião, os significados que traduzem e transportam, o seu impacto ao nível das percepções
não só dos conteúdos do turismo, mas de uns para os outros como elementos “estranhos”. Efectivamente,
o turismo internacional arrasta consigo as complexas problemáticas de partilha de espaços culturais, permitindo a documentação das consequências imediatas ao nível da actualização de identidades socialmente
marcadas, distintas e potencialmente contraditórias, com consequências materiais de inclusão, exclusão,
hierarquização e inscrição de desigualdades.
7 MacIntyre 1984: 212. Conforme referenciado em Jackson (1996): MacINTYRE, Alasdair (1984) After Virtue: A Study in Moral
Theory. Notre Dame, University of Notre Dame Press.
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Um problema de assimetria na relação que é também inerente ao investigador. Pensei, por isso, ser necessária uma lógica alternativa de teorização de identidades e aproximação aos significados dos outros que
permitisse uma evasão aos condicionalismos deste modo de oposição binária Eu/Outro, em que o primeiro e
o segundo se estrutura e é estruturado pela posição relativa que ocupa na relação. Daí, resulta a escolha da
metodologia de triangulação. Métodos clássicos associados à observação participante de trabalho de campo
prolongado e extensivo foram combinados com a utilização de metodologias participativas visuais reflexivas,
dando particular ênfase à utilização do photovoice aplicado às duas partes envolvidas na relação Turista/
Anfitrião. Quanto à tradução dos resultados obtidos na construção dos formatos narrativos para exposição
da investigação, dada a multiplicidade de materiais e meios de expressão envolvidos, foi também óbvia para
mim a exploração de recursos hipermediáticos, desdobrada ao nível da “hiperescrita” (não linear, com recurso a diferentes meios discursivos), exposição clássica de fotografia e documentário (sobre “hipermédia” e
Antropologia ver: Ribeiro 2005).
O trabalho de campo
Anders Sorensen no seu artigo «Backpacker Ethnography» (2003), descreve como contornou as suas dificuldades metodológicas na aproximação ao estudo de turistas enquanto objecto etnográfico, dada a sua
inadequação ao ideal de uma circunscrição espacial ou possibilidade de estabelecimento de interacção social
continuada e coesa com um grupo mais ou menos estável de indivíduos:
Backpackers fit neither of the two demarcations. Instead of prolonged social interaction within a stable
group, whether mobile or settled, they are characterized by impromptu social interaction within a group
of erratic composition with unceasing extensive changeover of individuals. Methodologically, this makes
it impossible to adhere to the conventional ethnographic fieldwork framework of prolonged social interaction with and observation of a given set of informants. The un-territorialization of the backpacker
community means that, instead of prolonged interaction with the few, fieldwork has had to be structured
around impromptu interaction with the many. This made fieldwork more dependent on interviews and
other types of intensive information extraction than would the case in a classic ethnographic fieldwork
(Sorensen 2003: 850).
Relativamente a estas dificuldades, a combinação destes métodos de trabalho de campo prolongado e extensivo (três períodos ao longo de 2004-2007, num total de 15 meses de estadia) com a aplicação do photovoice
permitiu exponenciar esta interacção pela implicação de um largo número de turistas na “examinação” de si
e das suas práticas habituais, dado o condicionamento a que obriga este processo na reflexão activa sobre as
imagens captadas, sobre as suas escolhas, motivações, sensações envolvidas, gestão prática de dificuldades
e conflitos, etc.
Para a concretização da aplicação das metodologias visuais reflexivas, sem comprometimento de quantidade
e qualidade dos resultados obtidos, considerei necessária a aquisição de cinco câmeras fotográficas digitais,
um número mínimo para viabilizar a constituição de grupos de trabalho da amostra em estudo. No entanto,
embora este projecto tenha sido financiado numa base regular entre os anos de 2004 e 2007 pela Fundação
para a Ciência e a Tecnologia (FCT) em Lisboa, não foi contemplada a aquisição de equipamento. Ao longo de
2004, enviei cartas de solicitação de apoio para grandes marcas de equipamento fotográfico com representação internacional e local em Portugal e na Índia, sem reposta ou com resposta negativa. Razão pela qual
me terá sido possível adquirir apenas duas câmeras fotográficas para os dois primeiros períodos de trabalho
de campo, obrigando a alterações aos processos de aplicação previstos. Finalmente em Dezembro de 2006,
obtive uma resposta positiva da Kodak Portuguesa com cedência de quatro câmeras digitais para apoio à
realização deste estudo e assim, em Fevereiro de 2007, foi possível implementar em pleno as técnicas fo-
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tográficas previstas, tendo conseguido o alargamento da amostra que considerei como o necessário para a
consolidação dos resultados.
Um outro objectivo a que me propus para esta investigação foi a utilização do filme em registo videográfico,
com a perspectiva de desenvolvimento para “documentário”, fazendo recurso dos meus conhecimentos previamente adquiridos em produção, realização e pós-produção em vídeo. Porque este documentário toma
como referencial a técnica de photovoice aplicada, também só no último período de trabalho de campo me
foi possível iniciá-lo, dada a natural dependência da reunião de condições necessárias à sua implementação.
O plano de trabalho (que incluiu a contratação de uma equipa de apoio à produção e realização, bem como
aluguer de equipamento na cidade) foi cumprido com o mesmo rigor das restantes actividades da investigação, mantendo a coerência com a opção de uma aproximação ao objecto através da didáctica combinada
às metodologias reflexivas. Relativamente ao resultado obtido, as limitações referenciadas para a técnica de
photovoice são sobreponíveis, pela interdependência das duas actividades. E desse modo, dadas as condicionantes de tempo e de suporte financeiro, foi tomada a decisão de limitar o filme a uma versão de 30 minutos,
em alternativa à versão longa de 56 minutos que desejava. A pós-produção deste documentário: Kolkatar
Mukh - Faces de Kolkata (também disponível em versão inglesa), foi efectuada já em Lisboa no decurso de
2008-2009.
Como já referi, terá sido necessário introduzir algumas alterações aos processos de aplicação do photovoice,
que exigiram uma decisão de adaptação do método de partilha de reflexão que minimizasse o tempo decorrido na transferência do equipamento. O plano inicial a dois tempos para os participantes residentes: um
primeiro momento de registo fotográfico de elementos da sua cidade e do seu quotidiano seleccionados
por si como representativos da sua identidade e/ou de histórias que entendessem querer partilhar com
estrangeiros; seguido de um segundo momento de visionamento e recolha das narrativas com um espaço
de reflexão individual e em grupo partilhado com o investigador, foi adaptado caso a caso de acordo com as
disponibilidades.
As fotografias foram recolhidas por cada participante residente, ao longo de um período de tempo que variou entre alguns dias a duas semanas, seguido de um momento de visionamento das fotos, recolha de narrativas e reflexão individual com o investigador, ou em alguns casos, com outro participante e/ou residente
para reflexão auxiliada por entrevista semi-dirigida. Embora tenha limitado o número de fotografias a um
máximo de 13-15 por participante (número idêntico para residentes e turistas), vários residentes ultrapassaram largamente esse número, alegando não ser suficiente para tudo o que gostariam de expressar. Vinte e
três residentes colaboraram directamente na implementação desta metodologia e 313 das suas fotografias
foram submetidas a análise. Alguns optaram por apresentar fotografias a cores e a preto e branco; um, sendo
fotógrafo, resolveu colaborar com uma selecção de fotografias que já havia recolhido em outros momentos;
outro adicionou à sua série fotográfica, um filme de 55 segundos de apresentação do autor e um outro adicionou um texto escrito sobre a cidade. Um outro residente ainda, depois de ter na sua posse a câmera fotográfica há alguns dias, apresentou-me em substituição das fotografias o que designou por “imagens da sua
língua” - versos escritos por si em bengali -, pois sendo poeta teria concluído ser essa a forma de expressão
que melhor lhe serviria. Os versos foram traduzidos pelo autor para castelhano (a língua que preferia usar
para comunicar comigo) e submetidos a reflexão de modo similar ao usado com os outros participantes.
À semelhança do processo utilizado com os turistas internacionais, antes da entrega da câmera, todos os
participantes residentes foram informados dos objectivos da investigação, tendo consentido na publicação e
exposição do material recolhido e todas as fotografias terão sido entregues em CD e/ou impressas aos participantes, de acordo com as suas preferências.
Os dois maiores obstáculos encontrados entre residentes foram o recrutamento inicial de mulheres para a
amostra (superado mais tarde com o estabelecimento de relações continuadas), argumentando a sua re-
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lutância em participar com enunciados como: “I don’t have the time to do it”, “I don’t know how to use a
camera. It is better that you give it to my husband”, “boys are better with that”; e o tempo dispendido no
processo pelo não cumprimento do calendário para a execução e transferência do equipamento.
Relativamente aos turistas internacionais que colaboraram na implementação desta metodologia, os problemas encontrados foram algo diferentes. São poucos os que visitam Kolkata e os que o fazem podem ser
agrupados genericamente em três tipologias. Turistas jovens com baixo orçamento, com estadias de várias
semanas ou meses complementadas com trabalho de voluntariado social; um segundo tipo constituído por
viajantes em trânsito, com estadias curtas de alguns dias; e um terceiro tipo constituído por turistas que
permanecem alguns meses na cidade, envolvidos em projectos académicos ou profissionais diferenciados, e
que frequentemente regressam ano após ano. Em comum às três tipologias, a proveniência de classes média
e média alta de ambiente urbano (maioritariamente com origem em sociedades de desenho “ocidental”) e a
busca de experiências alternativas aos pacotes de turismo de massa.
No que se refere ao terceiro tipo de turistas, as minhas estadias na International Guest House do RMK Institute of Culture, na área sul da cidade, foram frutíferas no estabelecimento de relações continuadas. Com
alguns deles, foi mesmo possível encontrá-los repetidamente ao longo dos vários períodos de trabalho de
campo e desenvolver relações de amizade que se prolongam até hoje. Foram também encontrados alguns
turistas antropólogos (com e sem interesses de estudo na cidade) que generosamente terão acedido a assumir o papel (pouco habitual na sua actividade profissional) de objecto de estudo desta investigação, quer
através do photovoice quer participando no documentário.
As áreas de Sudder Street e Park Street concentram a quase totalidade da população de turistas estrangeiros,
sobretudo de turistas em trânsito e de envolvidos com voluntariado social na cidade. Especificamente no
que se refere a estes últimos (na sua maioria de proveniência europeia), embora não tenha sido difícil estabelecer contacto e obter informações em inúmeras conversas informais, terei verificado alguma reserva à
colaboração na implementação do photovoice, argumentada principalmente com motivos de falta de tempo
pela sua ocupação intensiva com o trabalho de voluntariado.
Por outro lado, o pressuposto da minha abordagem de que na sua maioria os turistas internacionais transportariam as suas próprias câmeras revelou-se errado e em consequência, o plano inicial de estabelecimento
de contacto para recolha de registos fotográficos já existentes e das narrativas que os acompanham, sem
necessidade de facultar equipamento, mostrou-se inaplicável em muitos casos. Assim, a gestão das actividades previstas ao nível da conjugação das disponibilidades de equipamento, dos potenciais participantes
ao envolvimento no processo (frequentemente, para muitos turistas, limitado a estadias de um par de dias)
e deslocação a um espaço com os necessários requisitos de ambiente para reflexão, terá sido indubitavelmente o que considero o desafio mais exigente da prática etnográfica. A solução encontrada em conjunto
com alguns turistas para colmatar esta dificuldade foi a de complementação com o recurso aos Travel Spots
referidos como locais de publicação online das suas fotos, diários e narrativas e o envio a posteriori da mesma
informação por correio electrónico. Devo referir aqui que a fracção de turistas envolvidos em voluntariado
social e as suas representações sobre a cidade, foram o alvo específico de um estudo de John Hutnyk (1996)
já referenciado, o que me permitiu focar as atenções na restante população de turismo e nos habitantes
da cidade, sem prejuízo do cumprimento dos objectivos da investigação. Trinta e dois turistas colaboraram
directamente8 na implementação desta metodologia e 290 das suas fotografias foram submetidas a análise.
Para responder a algumas questões surgidas no decurso da investigação no terreno, foi ainda criada uma
outra metodologia visual reflexiva de carácter gráfico, que terá sido aplicada, no primeiro trimestre de 2006,
8 Em situações em que os turistas viajavam acompanhados, foi frequente apenas um deles assumir o papel de autor referindo,
contudo, que houvera partilha na decisão de captação de uma ou outra fotografia. Nesses casos, embora preservando a autoria
singular da narrativa, procurei que ocorresse o envolvimento conjunto na sua reflexão e discussão.
48
a 43 participantes seleccionados de forma não aleatória entre jovens estudantes de duas universidades de
Kolkata. O seu objectivo era o de aceder, de um outro modo, a representações identitárias de si, da sua cidade e do exterior. Foi criado um instrumento com base na combinação dialéctica da extracção de representações textuais e gráficas, a ser executado individualmente de uma forma lúdica e descontraída de modo a
obter resultados de pensamentos mais ou menos espontâneos. Assim, para além da solicitação de algumas
respostas escritas, foi fornecido um mapa-mundo, destituído de sinalização para além dos contornos de distinção terrestre e marítima, e solicitado o desenho de fronteiras e localização dos países de que se lembrassem. Os resultados obtidos, estimulantes e reveladores, reiteraram a confiança no método de triangulação
com recurso a diferentes metodologias visuais.
Subscrevendo as palavras de D. Gauntlett:
I realised that we should be developing visual creative methods much more, because I am convinced that
it is a good new way of building sociological knowledge, and it offers a positive challenge to the taken-forgranted idea that you can explore the social world just by asking people questions, in language. The thing I
like best about it is that it is an enabling methodology – it assumes that people have something interesting
to communicate, and that they can do so creatively (Gauntlett & Holzwarth 2006: 83-84).
Por último, devo acrescentar que me fiz acompanhar de um assistente com proficiência em fotografia e vídeo.
A sua parceria no planeamento, recolha de imagens, soluções técnicas e análise do material fotográfico e de
vídeo terão sido essenciais para a eficiência na concretização do trabalho planeado. Ao contrário de outros
autores, não considero que, por isso, haja uma perda de responsabilidade do investigador na codificação do
produto final. Pelo contrário, tal como com o photovoice e as outras técnicas aplicadas, o enriquecimento
através da reflexão partilhada com os diversos colaboradores e sujeitos entendidos como objectos de estudo
revelou-se de valor inestimável.
Metodologia de Análise dos Resultados de Photovoice e Opções de Apresentação Formal
It is well-known that speakers of a language can know the meaning and order of words through which
they communicate without understanding the code that allows their messages to “make sense”. Similarly,
people can communicate a meaningful pictorial composition through photography without having any
knowledge of the classificatory structures that underlie their efforts (Albers & James 1988: 142).
Todavia, o recurso às imagens pictóricas levanta uma questão mais problemática do que a utilização do texto
- e concordo com Joanna Scherer (1992) - já que se para o segundo existe todo um corpo de conhecimento
gramatical para o interpretar e compreender, um paralelo de regras comparáveis ou sistematizadas com a
mesma regularidade no seu uso, é ainda incipiente para a “leitura” das primeiras. E desse modo, é indispensável que o investigador explicite publicamente a propósito dos seus resultados, não só os pressupostos
epistemológicos e as metodologias utilizadas mas, também, das razões das suas escolhas de resultados apresentados e da sua relação com a investigação (Ruby 1980: 157).
Patricia Albers e William James (1988) sintetizaram as possibilidades de modos de análise de fotografias enquanto representações, em dois grandes grupos que considero válidos referenciais metodológicos: a análise
ao nível de conteúdo e a análise ao nível da semiótica. Destes dois referenciais, apresento sumariamente
algumas das dimensões de pertinência directa para as minhas opções na condução da investigação e na
apresentação formal dos resultados.
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O primeiro modo de análise incide sobre a quantificação e descrição do que é manifesto na imagem – temáticas (objectos), distribuição, frequência, contexto, etc. De acordo com os objectivos do estudo, o investigador
estabelece parâmetros de análise de conteúdo e composição, ou seja, domínios operativos: quem e número
dos sujeitos fotografados; apresentação dos sujeitos, vestuário; tipo de ambiente, paisagem natural ou urbana; distribuição e tipo de objectos materiais presentes nas fotografias; elementos arquitectónicos; ou outros
que se apresentem relevantes para a análise. A quantificação e descrição dos domínios operativos permitem
aceder a curvas de variabilidade e prevalência de elementos pictóricos, temáticas de conteúdo e tipos de
composição. Esta metodologia de análise é, por isso, particularmente interessante na análise de amostras
de grandes dimensões (são exemplos de análise de conteúdo, trabalhos como os de Albers & James 1988,
Markwell 1997, Henderson 2001, Buzinde et al 2006).
A segunda via possível é a análise semiótica. Baseada em modelos de análise usados para a linguagem, a
análise semiótica de fotografias procura tratar cada imagem como um todo, procurando padrões na relação
dos elementos constituintes que se repetem ou contrastam em outras fotografias, relacionando-os depois
com as narrativas verbais que as acompanham (Barthes 1977, 1989). O recurso a este tipo de análise procura
aceder aos significados simbólicos e formações ideológicas subjacentes ao manifesto da imagem (são exemplos de estudos recentes de análise semiótica de fotografias: Mauad 1996, Fairweather & Swaffield 2001,
Machin 2004, Szörényi 2006).
O método que utilizo para análise da informação recolhida em photovoice - fotografias e narrativas orais ou
escritas associadas - assenta numa síntese entre a semiótica cognitiva e a análise de discurso, adaptada no
sentido de criar uma semântica que permita aceder à dialógica das associações estabelecidas entre as imagens visuais e textuais produzidas pelos mesmos sujeitos. O produto final emerge da fusão destes resultados
com os dados recolhidos a partir das outras metodologias utilizadas na investigação, através da aplicação
genérica do modo de contingência de conteúdos.
Da semiótica cognitiva (Lakoff & Jonson 1980; Jackendoff 1983, 1993; Langacker 1987, 1991), o método retira
os seguintes aportes:
- Não existe semântica sem sintaxe;
- Tudo o que é efectivamente dito corresponde a uma possibilidade, pré-existente, de dizê-lo;
- A possibilidade de dizer não encerra uma autonomia individual mas apenas a autonomia relativa das possibilidades de dizer partilhadas pela comunidade a que pertence o sujeito;
- Todo o valor sintáctico, semântico ou pragmático vigente em determinada sociedade resulta
da pré-existência histórica de determinados antecedentes relacionais dos que os precedem, reproduzindo-os e superando-os. E substituem sempre outros valores sintácticos, semânticos ou
pragmáticos, constituindo-se como diferenciais por relação com estes.
Da análise do discurso, utilizo-a como metodologia qualitativa cujo objectivo consiste em estabelecer o conteúdo semântico dos conceitos correspondentes aos termos efectivamente utilizados (orientação que remete para Harris 1954, Pecheux 1969 e Foucault 1969, 1981). Distingue-se assim das análises de conteúdo,
ao não admitir um conhecimento a priori de nenhuma classe enquanto conteúdo semântico da linguagem,
propondo a procura do modo de construção dos conteúdos ou significados em função do uso dos termos
no contexto material em que aparecem. Quando surgem homogeneidades relativas entre enunciados que
contém os mesmos termos ou referenciais (tipos de separação enunciativa ou campos de possibilidades
estratégicas, por exemplo), procura-se então o isolamento de formações discursivas ao nível descrito por
Foucault:
50
Whenever one can describe, between a number of statements, such a system of dispersion, whenever,
between objects, types of statement, concepts, or thematic choices, one can define a regularity (an order,
correlations, positions and functionings, transformations), we will say, for the sake of convenience, that
we are dealing with a discursive formation (Foucault 1969: «Ch. 2: Discursive Formations»).
Da análise dos resultados obtidos através da metodologia de photovoice, foram identificadas persistências
de características pictóricas e de enunciados, que conduziram à definição de alguns eixos temáticos que
dominam na representação desta cidade e dos seus habitantes. A partir deles e do seu tratamento individualizado procurou-se a aproximação às possibilidades de dizer partilhadas pela comunidade dos sujeitos, às
formações enunciativas vigentes que lhes subjazem e as legitimam, aos significados partilhados nos seus
contextos de construção cultural.
Nas opções formais de construção narrativa para apresentação dos resultados, são tomados em consideração os mesmos pressupostos epistemológicos e metodológicos que dominaram o processo de investigação. O estilo de narrativa utilizado (seja na construção da “hiperescrita” ou no documentário) é organizado
no sentido de preservar a partilha de espaço de reflexão e exposição deliberada da representacionalidade
de todas as partes envolvidas, procurando preservar a individualidade dos sujeitos representados e do seu
uso dos diferentes meios de expressão (ver Marques 2009). Associando a este processo, a maximização da
transparência dos procedimentos utilizados na procura do modo de construção dos conteúdos e significados
e das razões das escolhas efectuadas pelo investigador na selecção e tratamento de materiais é então possível a codificação de um produto final de investigação que pode ser designado como formato reflexivo.
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55
Imagem, imagens
e dispositivos…
de que falamos afinal?
Ricardo Campos
Resumo As abordagens das ciências sociais e humanas à imagem são inúmeras, variando em
função das áreas disciplinares, das correntes epistemológicas ou dos paradigmas científicos. Alvo de
constante construção e desconstrução, a imagem parece tudo abarcar deixando-nos com uma ingrata
sensação de nada incluir, dado o seu largo espectro conceptual. A imagem parece, de alguma forma,
sobrevalorizada também, no contexto de uma sociedade ocularcêntrica e de uma cultura visual fortemente assente nos aparatos tecnológicos e na capacidade de difusão planetária de bens simbólicos
imateriais. Coloca-se, então, a questão: fará sentido falar em imagem (ou apenas em imagens)? será a
imagem uma entidade conceptualmente fidedigna ou teremos de embarcar num projecto que teorize
a partir de múltiplas vertentes que o conceito de representação visual é passível de acolher? Pretendemos com esta comunicação contribuir para este debate, questionando a natureza unívoca da
imagem, propondo antes uma multiplicação conceptual que tenha em atenção uma série de outros
factores a ter em consideração quando produzimos e vislumbramos as representações pictóricas.
Palavras-chave: Comunicação Visual; Imagem; Media; Antropologia Visual.
Keywords: Visual Communication; Image; Media; Visual Anthropology.
56
Ricardo Campos
A imagem tem sido alvo de múltiplas abordagens por parte das ciências sociais e humanas. Distintas áreas
disciplinares e correntes epistemológicas têm vindo a contribuir para a construção da imagem enquanto operador heurístico e conceito científico. Ainda assim, dado o seu largo espectro conceptual a imagem parece
tudo abarcar deixando-nos com uma ingrata sensação de nada incluir. Essa tem sido, aliás, uma crítica recorrente que os mais cépticos dirigem às denominadas pesquisas visuais. A riqueza da imagem parece mais
propensa a uma retórica do poético do que, propriamente, do científico. A velha dicotomia arte versus ciência ganha novos contornos e exige uma reavaliação quando consideramos a possibilidade de integração dos
dados e narrativas visuais no corpus analítico e retórico das ciências sociais.
A imagem em ciências sociais tem sido pensada e debatida em função de uma duplicidade que remete para
dissemelhantes colocações epistemológicas com óbvias consequências para a forma como esta é conceptualmente desenhada. A imagem ora é invocada enquanto objecto de investigação, ora é resgatada enquanto aparato metodológico, enunciado científico com alcance heurístico (Banks, 2000; Morphy e Banks, 1997).
No primeiro caso, são os objectos e linguagens visuais produzidos pelo homem em comunidade que são alvo
de exploração1, enquanto no segundo caso, é o investigador que se assume como produtor de linguagens
e narrativas visuais que pretendem, de alguma forma, retratar o real2. Embora reclamando desiguais concepções da imagem, ambas parecem prisioneiras da mesma incapacidade para problematizarem a própria
categoria conceptual sob a qual trabalham, tomando como adquirida a unicidade de variados objectos que,
supostamente, compartilham uma mesma qualidade imagética. Mas que propriedades são estas que todos
assumimos aprioristicamente como auto-evidentes mas que dificilmente resistem a um escrutínio mais minucioso? O que é facto é que desconstruir a categoria implica lançar dúvidas, cisões e ainda mais resistências
a uma abordagem visual que tem, tantas vezes, deparado com obstáculos imensos.
Parte das resistências académicas à introdução da imagem estão relacionadas com as propriedades que lhe
são atribuídas enquanto dispositivo analítico. A imagem é frequentemente tida por polissémica e superficial.
Geralmente os obstáculos são interpretados como o resultado do logocentrismo de uma academia relutante
em aceitar metodologias e dados analíticos menos usuais. Todavia, as dúvidas e suspeições que se levantam
poderão, também, estar relacionadas com a natureza dúbia da própria categoria conceptual imagem que
parece conter uma enorme variedade de objectos.
A aparente simplicidade da imagem é a fonte de todas a incertezas e problemas. A imagem é densa porque
múltipla. Sob a reunião dos múltiplos enunciados visuais entrevemos significativas distâncias semânticas,
ideológicas e tecnológicas. Que afinidade existe entre uma fotografia digital e uma pintura a óleo, para além
do facto de ambas constituírem formatos de representação visual? Que proximidade existe entre o vídeo, a
tatuagem e a ilustração? Não estarão o vídeo e o cinema mais próximos da vivência quotidiana, da imersão
sensorial no mundo, quando a pintura e a ilustração remetem para usufrutos mais contemplativos da imagem, para um olhar mais racionalizado3. Acontece, ainda, que o desenvolvimento e multiplicação dos aparatos tecnológicos geram diferentes géneros de imagem, complexificando ainda mais a tentativa de identificar
uma matriz comum e partilhada entre os variados formatos expressivos. Encontramo-nos, pois, perante um
mosaico complexo de linguagens, dispositivos, tecnologias, circuitos comunicacionais e sistemas simbólicos
1 Por exemplo pintura, banda desenhada, cinema, fotografia, etc.
2 Como instrumentos mais comum temos a fotografia e o vídeo produzidos em contextos etnográficos.
3 Importa aqui fazer uma referência ao estudioso da comunicação John Fiske (1992, 1998) que entende a cultura popular como
estando mais próxima do quotidiano e da imersão sensorial quando a cultura erudita, da qual as artes plásticas convencionais
fariam parte está mais próxima do usufruto distante, contemplativo e racionalizado. Não por acaso o vídeo, a televisão e o cinema,
se afirmam como instrumentos privilegiados desta cultura popular de massas.
57
que se entrecruzam e transfiguram tornando difícil assinalar uma noção estável de imagem.
Um outro problema impende sobre as imagens contemporâneas. A imagem parece, de alguma forma, sobrevalorizada no contexto de uma sociedade ocularcêntrica e de uma cultura visual assente na sumptuosidade tecnológica e na capacidade de difusão planetária de bens simbólicos imateriais. Isto não significa,
antes pelo contrário, que neguemos a ascendente centralidade da tecnologia e da visualidade para a forma
como construímos sentido e comunicamos nos dias de hoje. No entanto, tal não nos deverá impedir de olhar
objectiva e criticamente para o papel que estas desempenham enquanto utensílios científicos detalhando,
igualmente até que ponto a ciência não prolonga uma ideologia ocularcêntrica e tecnocrática.
Imagem, imagens
Comecemos, então, pelo mais elementar. A imagem. Como detectá-la, como interpretá-la? Tal questão pressupõe que sob a pluralidade de objectos detectamos um edifício comum, um património semântico e uma
linguagem com energia agregadora. O autor W. T. Mitchell (1986) sustenta que devemos encarar as imagens
como uma grande família, passível de ser estudada a partir da sua árvore genealógica. A partir da imagem
enquanto semelhança4 define cinco grandes ramos: imagem gráfica (desenhos, estátuas, etc.); imagem óptica (espelhos, projecções, etc.); imagem perceptiva (aparências, informação sensorial, etc.); imagem mental
(memórias, ideias, sonhos, etc.) e imagem verbal (metáforas, descrições, etc.). Porém, adianta que existe
uma versão legítima de imagem que aponta para aquelas que assim são denominadas no seu sentido literal
(as imagens gráficas e ópticas) que se distinguem daquelas que são entendidas no sentido metafórico (imagens perceptivas, mentais e verbais)5.
As imagens foram produzidas “de princípio, para evocar a aparência de algo ausente”, diz-nos John Berger (1999: 14). Este autor, na sua obra Modos de ver (1999), trata a imagem enquanto “imagem feita pelo
homem”, revelando algo essencial para o nosso debate: a natureza construída e processual do acto que dá
origem às representações visuais. As imagens seriam, assim, mecanismos de representação que através do
princípio da analogia simbolizam um qualquer referente:
«Uma imagem é uma vista que foi recriada ou reproduzida. É uma aparência, ou um conjunto de aparências, que foi isolada do local e do tempo em que primeiro se deu o seu aparecimento, e conservada – por
alguns momentos ou por uns séculos» (Berger, 1999: 13)
A qualidade representacional6 e, portanto, fabricada da imagem conduz-nos a uma disjunção entre natureza
e cultura, remetendo a presença das imagens para o domínio da cultura. Deste modo, as imagens não escapam a um modelo cultural em que processos, convenções, tecnologias e códigos tomam parte, decretando
um quadro de produção. Encarar a imagem enquanto construção subentende que a encaramos enquanto
signo imbuído de conteúdo cultural. Ou seja, devemos partir do pressuposto que esta, independentemente
dos objectivos do seu produtor, nos comunica algo através de códigos culturalmente significativos. Aqui re4 O sentido de imagem enquanto representação visual (gráfica, pictórica), enquanto objecto material, análogo ou similar a um
qualquer real, apesar de ser o mais comum, tende a ocultar toda uma tradição em que o sentido literal de imagem remete para
uma noção não-pictórica. A ideia de imagem em tradições antigas que utilizam o termo para evocar a criação do homem à imagem
e semelhança de Deus, envolvem uma similaridade de natureza espiritual. A verdadeira e literal imagem seria a mental e espiritual,
a imprópria seria a imagem figurativa, derivação da imagem espiritual e que é apreendida pelos sentidos humanos (Mitchel, 1986;
Joly, 2001)
5 Normalmente, no seu ramo ilegítimo as imagens caracterizam-se pelo facto de não serem estáveis ou permanentes como as
imagens reais, serem por vezes abstracções sem correspondente real, não serem exclusivamente visuais podendo envolver todos
os sentidos humanos. Contudo, o mesmo autor defende que estes contrastes são suspeitos e não totalmente correctos.
6 A representação visual é, nas palavras de Aumont (2009: 76) “o fenómeno (…) que permite ao espectador ver por procuração
uma realidade ausente, que lhe é ofertada na forma de sucedâneo”.
58
Ricardo Campos
side o principal interesse das imagens enquanto objecto de estudo e análise em ciências sociais, na medida
em que o seu significado histórico, simbólico, textual, social e cultural, é revelador de particulares momentos, de dinâmicas socioculturais ou de modos de comunicação, servindo para entender melhor o homem em
sociedade. Falar de imagem implica, consequentemente, falar de comunicação. Há, por isso, que considerar
a existência de uma linguagem (visual) e de uma série de signos (visuais), bem como de um processo em que
tomam parte diferentes intervenientes.
Imagens e dispositivos
As imagens, sendo construções humanas, estão fadadas a uma existência fundada em convenções discursivas, em esquemas técnicos e tecnológicos mobilizados com o intuito de representarem simbolicamente
algo. A imagem é por isso, invariavelmente, um media (ou está dependente de suportes mediáticos). Neste
sentido, podemos entender que a imagem é o dispositivo, relembrando a célebre ideia de McLuhan (2008
[1964]) para quem o “meio é a mensagem”. Esquecemos frequentemente esta máxima de McLuhan que
chamava a atenção para o poder dos dispositivos, dos formatos mediáticos que determinam fortemente o
significado que atribuímos às mensagens.
Os dispositivos fazem as imagens, cunham-nas com determinadas especificidades não apenas de natureza
técnica mas igualmente simbólica e ideológica. Isto porque as tecnologias nunca são neutras, operam sobre
uma matriz cultural e ideológica particular, retratam de alguma forma modos de conceber e de manipular
o mundo. Daí que as gramáticas comunicacionais, constituídas por ordens de signos e sistemas de comunicação, operem num cenário social e cultural que lhes concede sentido e funcionalidade. Fora dessa circunscrição perdem a sua razão de ser (ou pelo menos vêem-na alterada).
Os dispositivos fazem as imagens afirmei-o. Os dispositivos designam o quadro simbólico e cognitivo que
regula as expectativas relativamente aos conteúdos bem como as convenções mobilizadas para os decifrar.
Uma mesma imagem reproduzida através de mecanismos e suportes diversos adquire tonalidades especiais
e exige da parte do espectador atitudes dissemelhantes. Um exemplo. Uma pintura a óleo é tomada de
forma dissemelhante se for observada enquanto original num museu, se for reproduzida nas páginas de uma
revista ou se for apresentada na televisão. Sendo o conteúdo constante, o seu significado cambia em função
do suporte e do cenário.
As expectativas e convenções sociais não se resumem às imagens mas também aos dispositivos. Cada médium e contexto cerimonial de consumo prescreve balizas cognitivas e culturais que definem a forma como
devemos entender o cenário comunicativo e estético que enforma a relação que estabelecemos com os
dispositivos. Ou seja, quando nos deslocamos ao cinema ou quando nos sentamos em frente ao ecrã do
computador ou da televisão, inscrevemos estes actos num conjunto de acções socialmente significativas
que designam o quadro funcional e simbólico da imagem e do seu consumo. Assistir a um filme no cinema é
diferente de ver um filme na televisão, no computador ou no leitor de MP4, sendo radicalmente distinto da
experiência visual proporcionada pela ida a um museu ou uma galeria para observar obras pictóricas.
Deste modo, à família de imagens detectada por Mitchell teríamos de acrescentar toda uma genealogia
de dispositivos técnicos e tecnológicos através dos quais as representações visuais têm sido criadas e ofertadas ao olhar dos outros. Pintura, gravura, fotografia, cinema ou videojogos apresentam-se como ordens
simbólico-tecnológicas que consagram determinados modos de fazer, utilizar e entender as imagens. Há, por
isso, uma relação de dependência entre as imagens e os seus dispositivos. A natureza íntima da imagem está,
assim, subordinada aos seus dispositivos, sendo que a mutação dos últimos acarreta profundas revisões no
modo como a primeira é experienciada e interpretada. Em última análise isto equivale a afirmar que a es-
59
sência da imagem é volátil e mutante, marcada por revoluções tecnológicas e de costumes que reconfiguram
todo o cenário sob o qual as imagens são forjadas e disseminadas. E os media, enquanto ordens simbólicotecnológicas, poderíamos eventualmente estender-lhes a adjectivação ideológicas, transportam uma mensagem que nunca é transparente e que modela definitivamente o processo de comunicação e decifração.
Fará, então, sentido falar de imagens sem as reconstituir em função dos dispositivos e dos circuitos mediáticos que as alojam? Será possível uma verdadeira Antropologia da imagem? Ou será esta, necessariamente,
um agregado de diferentes antropologias, a da televisão, da pintura, da fotografia, dos videojogos, do cinema
e do vídeo? A questão é o que aproxima e distancia as diferentes linguagens suportadas pelos distintos media?
Cada um destes artefactos culturais descende de uma linhagem de produtos culturais que são constantemente reinventados à luz das transformações tecnológicas e sociais. Estaremos a falar da mesma fotografia
quando nos referimos aos registos fotográficos de início do século XX e aos registos digitais produzidos a partir de diversos engenhos como o telemóvel, a Web-câmara e a câmara fotográfica digital? Estaremos a falar
da mesma imagem ou de concepções radicalmente distintas?
Tomemos como exemplo três das vertentes/segmentos clássicos da teoria da comunicação e da semiótica e
que nos podem ajudar a detalhar as variações na forma como a imagem é compreendida: o produtor/autor,
a mensagem/conteúdo e o receptor/espectador. Qualquer acto de comunicação envolve estas variáveis e a
participação de diversos agentes que concorrem activamente para o sentido que as mensagens adquirem.
Cada contexto histórico e cultural estabelece uma configuração particular para cada um destes vértices bem
como para a forma como estes se articulam. Dentro destes contextos há, ainda, a considerar um conjunto
de campos sociais (artístico, religioso, científico, publicitário, etc.) com limiares mais ou menos estanques e
delimitados, que estabelecem formatos de produção e de troca simbólica. Estes campos sociais também se
interligam e alteram em função do devir histórico, imprimindo renovadas interdependências entre os distintos vértices.
O autor da pintura a óleo, que até à invenção da fotografia prevaleceu como figura dominante no campo
da expressão pictórica e que agia no quadro de um determinado mercado artístico, pouco tem a ver com
o autor das imagens digitais contemporâneas que se multiplica em extensões tecnológicas e que produz
assiduamente para diversos espectadores. O autor-profissional que domina códigos especializados detidos
por um número restrito de indivíduos diferencia-se, completamente, do autor-amador, familiarizado com as
tecnologias visuais e que regista aquilo que vê em amplos bancos documentais. De igual forma os circuitos
de comunicação pouco têm de semelhante. Como comparar um mercado de bens artísticos originais que
serviam um mercado de ostentação social, com a circulação planetária de imagens reproduzidas através dos
diferentes media de massas e da internet?
Os diferentes estudos levados a cabo sobre a audiência (ou os espectadores) revelam que a actividade de
recepção e consumo é, invariavelmente, fruto de uma dinâmica de construção de significado onde intervêm
diferentes variáveis (Ruby, 1995; Martinez, 1992). Há, por isso, expectativas relativamente às mensagens
que influem na forma como as captamos e as entendemos, porque qualquer acto comunicativo é um acto
histórico e cultural, está inscrito num contexto que determina as latitudes admissíveis.
Antropologia Visual: olhar as imagens contemporâneas
A imagem contemporânea é uma imagem completamente distinta daquela que precedeu a invenção dos meios mecânicos de registo e reprodução visual. Há diferenças qualitativas e quantitativas. Qualitativas porque
grande parte das imagens hoje consumidas são compostas e disseminadas através de máquinas diversas,
geralmente fundadas em amplos circuitos de natureza industrial que inscrevem na imagem contemporânea
60
Ricardo Campos
um significado particular. Quantitativas porque estes processos mecânicos permitiram a reprodução e proliferação de imagens sendo que, actualmente, vivemos imersos num ecossistema comunicacional saturado de
signos e enunciados visuais. A imagem actual é essencialmente uma imagem mediada. Uma imagem à qual
acedemos como resultado de complexas manobras tecnológicas.
A antropologia visual é, igualmente, descendente das tecnologias que operam esta ruptura com uma concepção de imagem enquanto artefacto original7. As tecnologias visuais de registo e reprodução de imagens,
que servem de base à fotografia e ao cinema, estão na origem desta subdisciplina. Deste modo, quer as
linguagens típicas da antropologia visual, quer a maioria dos objectos de estudo de natureza pictórica do
nosso sistema visual remetem, em grande medida, para o carácter mediado e tecnologicamente induzido das
representações visuais contemporâneas. Logo, pensar as imagens na actualidade implica ter em consideração
os circuitos mediatizados e os processos de propagação e consumo de informação. Se partirmos do pressuposto que a concepção de imagem cambia em função de uma série de variáveis histórica e culturalmente
relevantes como o produtor (sistema de produção), o sistema de difusão/comunicação ou a natureza do observador/espectador, então teremos de reconhecer que a condição contemporânea é extremamente complexa, tornando uma antropologia da imagem um empreendimento complicado. Se a invenção do daguerreótipo e do cinematógrafo inauguraram uma era imagética, fundando todo um novo universo de produção
e consumo de imagens, a recente revolução digital parece ter um impacto de igual forma profundo no modo
de conceber a produção e o usufruto das imagens.
A experiência da imagem era há uns séculos atrás relativamente circunscrita e balizada por circunstâncias
(cerimoniais ou culturais) claramente identificadas. Entretanto, particularmente no último século, a coabitação com a imagem ampliou-se, vulgarizou-se, estendendo-se a uma vastidão de segmentos da nossa vida
colectiva, tornando delicado identificar limiares simbólicos e cerimoniais em que se dá a convivência com as
imagens (pois tudo parece repleto de imagens). No contexto das sociedades tradicionais as imagens seriam
criadas e partilhadas num mesmo cenário geográfico-cultural, sendo que o eixo temporal pouco influiria sobre os significados simbólicos e funcionais das mesmas. Estaríamos perante um tempo vagaroso, um devir
histórico em que os processos de mutação tecnológica e cultural são digeridos lentamente.
As sociedades complexas dos nossos dias, muito por culpa da globalização acelerada e das metamorfoses
tecnológicas, justapõem uma pluralidade de universos significantes. O rasto geográfico-cultural e simbólico
(do nascimento) das imagens é estilhaçado por um sistema que tende a combinar referências e a criar híbridos culturais (Campos, 2008). A representação visual mediada tecnologicamente consente (aliás promove) a
desincrustação espacio-temporal das imagens, na medida em que refaz constantemente, através da reprodutibilidade tecnológica, o tempo e o espaço das mesmas. As imagens transpõem, por isso, um espaço e tempo
confinados, cruzam-se e miscigenam-se, apresentam-se sobre a forma de sedimentos de sentido justapostos. Esta condição está relacionada com a elevada capacidade de disseminação, produção e arquivamento
de imagens, que multiplica exponencialmente o património imagético da humanidade, constituído por uma
sobreposição de referenciais histórica e geograficamente plurais.
Há, por isso, que repensar as qualidades da imagem a partir de um enquadramento que confira aos media
e às tecnologias um papel crucial na configuração dos artefactos visuais mas, igualmente, na definição ontológica da imagem. As qualidades intrínsecas à imagética contemporânea derivam, em grande medida, das
habilidades manifestadas pelas máquinas, determinando até onde pode ir a (re)invenção do visível.
A antropologia tem, ao longo da sua história, trabalhado com e sobre a imagem, sobre o seu conteúdo e o
7 Podemos invocar aqui o conceito celebrizado por Benjamin (1992) de aura tomado como elemento essencial à imagem e à experiência estética da imagem artística que precedeu a era da reprodutibilidade técnica.
61
seu invólucro cultural, detalhando o seu papel cerimonial, simbólico, estético ou comunicativo. No entanto,
a consolidação de um corpus teórico e metodológico vocacionado para lidar com as imagens está claramente associado aos desenvolvimentos da antropologia visual como subdisciplina. Este ramo especializado
da antropologia apesar de marcado por uma prática epistemológica dominante é atravessado por uma série
de empreendimentos e perspectivas teórica-metodológicas que, apesar de distintas, invocam uma filiação
comum8.
Há, em meu entender, da parte da antropologia visual uma escassez de teorização em torno dos dispositivos
(do aparato técnico-ideológico) e dos espectadores, estando mais focalizada num discurso em torno ou a
partir da imagem tomada como absoluto. Uma antropologia visual centrada numa concepção totalizante e
a-histórica da imagem corre o risco de não captar inteiramente as variações simbólicas e culturais que esta
admite, esquecendo que a imagem apenas pode ser pensada enquadrada num contexto talhado por hábitos,
ideologias, modos de olhar e representar. Uma antropologia da imagem parece excessivamente aprisionada
à lógica da produção, a uma ontologia da imagem tomada como a priori cultural esquecendo que a imagem
só existe enquanto tal aos olhos do(s) observador(es). Uma antropologia da imagem necessita do contrabalanço epistemológico de uma antropologia dos media, mais atenta aos suportes e à relação que se constitui
entre diferentes entidades e indivíduos num determinado ecossistema comunicacional.
Consequentemente, uma reflexão antropológica sobre as imagens contemporâneas não poderá ignorar os
media (áudio)visuais e as máquinas como elementos centrais para a fundação da própria concepção de
imagem. A ontologia da imagem é múltipla e extremamente variada, é mutante porque está intimamente
dependente de uma série de variáveis contextuais. Propomos, por isso, uma antropologia visual forjada a
partir do cruzamento de distintas ópticas de abordagem da imagem e da visualidade, reflectindo a complexidade de um território que tem dado origem a diversas correntes de estudo. Julgamos que a solidificação de
uma grelha teórico-analítica em antropologia visual poderá ser solidificada a partir da articulação de quatro
linhas de pesquisa: antropologia da imagem, antropologia dos media, antropologia do olhar e, finalmente,
antropologia da comunicação visual.
Antropologia Visual
Antropologia da
imagem
Antropologia dos
media/dispositivos
Antropologia da
comunicação visual
Antropologia do olhar
Imagem 1
8 Jay Ruby (2005) define três grandes áreas que convivem no seio da antropologia visual: o filme etnográfico, o estudo dos media
pictóricos e, por último, a antropologia da comunicação visual.
62
Ricardo Campos
Antropologia da imagem pode ser entendida como uma antropologia centrada nas formas simbólicas visuais/pictorais, procurando detalhar as qualidades imagéticas e simbólicas dos diferentes artefactos incluídos
na categoria imagem. Estudar as gramáticas, a relação entre os diferentes signos e os seus suportes, detectando os seus usos, funções e as qualidades inerentes a cada uma das linguagens, poderá ser incluído
neste projecto antropológico.
Uma antropologia dos media deveria centrar-se nos usos e representações sociais das técnicas e tecnologias
de comunicação. E referimo-nos a distintos aparatos tecnológicos que remetem para as tecnologias do olhar
e para as tecnologias do representar (e eventualmente reproduzir). Uma antropologia dos media deveria,
igualmente, ter em consideração os formatos de representação visual, ou seja, os modelos socialmente estipulados como adequados para a figuração imagética de determinadas realidades e objectos.
Antropologia do olhar deveria estar, em meu entender, destinada a estudar a construção social do olhar,
a forma como histórica e culturalmente são fabricados, mantidos ou contestados determinados regimes
escópicos. Uma antropologia que examine, igualmente, os fenómenos da percepção e da sensorialidade,
revelando a forma como a natureza (corpo orgânico) e a cultura (corpo histórico e cultural) se interligam e
concorrem para a forma como apreendemos e representamos a realidade.
Na intersecção destas diferentes ópticas encontraríamos uma antropologia da comunicação visual, atenta
aos processos através dos quais os significados e símbolos visuais são produzidos, propagados e apreendidos, com capacidade para teorizar o observador e, no contexto das sociedades contemporâneas, a audiência.
Uma antropologia mais centrada na comunicação visual ou na denominada cultura visual desvia o foco do
discurso da imagem (do artefacto visual) para o processo e, particularmente, para o olhar, para o papel do
espectador (e da audiência), outorgando algum peso a este vértice geralmente esquecido pela antropologia
visual.
Esta é uma proposta que parece vir ao encontro de abordagens recentes que propõem um deslocamento da
antropologia visual do modelo tecnologicamente orientado (fundado nas tecnologias visuais), no sentido de
reforçar o suporte teórico e epistemológico que decorre do estudo da visualidade humana. A propósito de
repensar a antropologia visual, Morphy e Banks (1997) adiantam:
«A teoria em antropologia visual circula em torno das questões da cultura visual, da estruturação do
mundo visível e dos modos como os fenómenos visuais são incorporados em processos culturais, influenciando a trajectória dos sistemas socioculturais (...) A compreensão visual, aquilo que vemos e como o
interpretamos, é uma parte importante da nossa existência enquanto humanos no mundo e a derradeira
justificação para a disciplina da antropologia visual deve residir nesta orientação: ser o estudo das propriedades dos sistemas visuais, de como as coisas são vistas e como aquilo que é visto é compreendido.»
(Morphy e Banks, 1997: 21 – tradução minha)
Conclusão
Sabemos até que ponto a imagem é uma entidade fugidia. Persistimos, todavia, no seu estudo e dissecação,
buscando torná-la válida quer enquanto objecto de estudo, quer enquanto dado epistemológico. Apesar
da multiplicidade de entendimentos da imagem que remetem para uma família com diversas ramificações
(Mitchell, 1986) tendemos a considerar como versões legítimas de imagem aquelas que apontam para as
seguintes características: são construídas pelo homem; visam a representação simbólica de algo, assentando
num primado de analogia com um objecto representado; comunicam através de signos e linguagens essencialmente pictóricas e visuais.
63
Será, no entanto, legítimo falar de Imagem, atribuindo uma unicidade conceptual e ontológica a uma tão
vasta gama de referenciais? Fará sentido persistir na reunião, de certo modo violenta, de díspares estruturas
semânticas que, em comum apenas possuem o dom de apelar a mecanismos de descodificação eminentemente visuais? Ao trabalharmos persistentemente sobre a imagem, enquanto absoluto, presumimos imediatamente uma série de equações lógicas (com consequências teóricas): que a imagem é uma totalidade
relativamente invariável no tempo e no espaço (podemos discursar sobre “a imagem” tendo por objecto
gramáticas visuais medievais ou tecnologicamente avançadas); que sob esta denominação encontramos uma
série de linguagens com mais concordâncias do que descoincidências (aquilo que as une é mais relevante do
que aquilo que as separa).
Isto é algo abusivo e, em certa medida, pode ser entendido como um erro conceptual quando não são
devidamente equacionadas as distâncias entre uma tão vasta gama de artefactos visuais. A visão homogeneizadora e totalizante da imagem é algo equívoca e fragiliza uma mais fácil aceitação dos estudos visuais
por parte da academia. Os traços de uniformidade são, a nosso ver, incomensuravelmente mais esquivos e
frágeis do que a multiplicidade de variantes que coexistem no interior deste aglomerado. Se se pretende, de
alguma forma, produzir imagens (e narrativas visuais) que sirvam como dados analíticos, de natureza mais
objectiva ou subjectiva, é crucial detalhar as propriedades específicas desta unidade de sentido.
A antropologia visual é uma área especializada das ciências sociais que tem vindo a trabalhar com e sobre
a imagem. Todavia, apesar do sólido património teórico acumulado e da longa experiência metodológica,
continuam por detalhar as distintas propriedades e competências dos múltiplos artefactos visuais que continuamos a endereçar para a categoria comum de imagem. Pintura a óleo, gravura, daguerreótipo, fotografia
digital ou cinema a 3D remetem para distintos campos sociais de produção e circulação de imagens, para
dissemelhantes gramáticas comunicacionais, revelando a necessidade de estudar a complexa genealogia
das imagens. Para esclarecer o papel da imagem enquanto artefacto histórico e cultural no quadro de uma
antropologia visual que se quer teoricamente consistente, julgamos que há que ter em atenção distintas
linhas de pesquisa que tenham em consideração os diferentes processos e agentes que participam para a
construção da imagem contemporânea.
Aumont, Jacques. (2009), A imagem. Lisboa, Edições Texto & Grafia
Banks, Marcus. (2000) “Visual Anthropology: Image, Object and interpretation”, em Prosser, Jon (Ed.) Image-Based Research – A sourcebook for qualitative researchers, Londres, Routledge and Falmer, 9-23
Benjamin, Walter (1992) Sobre arte, técnica, linguagem e política, Lisboa, Relógio d’Água
Berger, John (1999) Modos de ver. Lisboa, Edições 70
Campos, Ricardo (2008) “Onde é que eu já vi isto? - Imagens e imaginários num planeta familiar”, em CARMO, Renato, Ruy Blanes e Daniel Melo, (Org.) A Globalização no divã, Lisboa, Tinta da China, 109-126
Classen, C. (1997), “Fundamentos de una antropología de los sentidos”. Revista Internacional de Ciencias
Sociales, n.º 153, Disponível em: <www.unesco.org/issj/rics153/classenspa.html.>, [Consultado em 20 de
Maio de 2003]
64
Ricardo Campos
Fiske, John. (1992) “Cultural studies and the culture of everyday life” em Grossberg L., C. Nelson e P.
Treichler (Eds.), Cultural studies, London & New York, Routledge, 154-173.
Fiske, John (1998) “The popular economy” em Storey, John (Ed.) Cultural Theory and popular culture, London, Prentice Hall, 504-521
Jenks, C. (1995), “The centrality of the eye in western culture: an introduction”, em Jencks, C. (Ed.), Visual
Culture, London & New York, Routledge, 1-25
Joly, Martine (2001). Introdução à análise da imagem. Lisboa, Edições 70
Martinez, W. (1992). “Who constructs anthropological knowledge? Toward a theory of ethnographic film
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Mc Luhan (2008 [1964]) Compreender os meios de comunicação – Extensões do homem, Lisboa, Relógio
d’Água
Mirzoeff, Nicholas (1999), An introduction to visual culture. London & New York, Routledge
Mitchell, W.J.T. (1986) Iconology. Chicago, University of Chicago Press
Morphy, Howard e Banks, Marcus. (1997) “Introduction: rethinking visual anthropology”, em Banks Marcus e Howard Morphy (Eds.), Rethinking Visual Anthropology, New Haven & London, Yale University Press,
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<http://astro.temple.edu/~ruby/ruby/viewer.html> [acesso em 24-05-2002]
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217-218, Disponível em <http://paginas.terra.com.br/educacao/RBSE/> [acesso em 03-05-2006]
65
A(s) câmara(s) entre mãos:
as imagens e as memórias
como bens: reflexões sobre a
utilização da câmara e
imagens em trabalho de
campo entre os Bunak Timor-Leste
Lúcio Sousa
Resumo Pretendo nesta apresentação reflectir sobre a utilização da câmara fotográfica e de filmar,
no trabalho de campo desenvolvido entre uma comunidade Bunak em Timor-Leste, no âmbito do meu
projecto de doutoramento em Antropologia Social na Universidade Aberta.
O objectivo é descrever como a câmara foi utilizada na investigação e as estratégias que se procuraram
obter através do seu uso, nomeadamente, a sua partilha com vários intervenientes, colegas – usado
no Tétum com o significado de amigos – nos vários actos sociais. Será possível descortinar diferentes
perspectivas geradas por ambos os actores?
Pretende-se igualmente analisar como a presença da câmara foi percepcionada pelos membros da
comunidade e como foi por estes apropriada para criar significações sobre o investigador e sobre a
pertinência das imagens como salvaguarda da memória da comunidade. Que poderes estão envolvidos
nas percepções em presença?
Por fim, será examinada a forma como imagens, enquanto bens, sobreviveram ao longo dos anos,
nomeadamente, de guerra e de que forma a minha presença proporcionou a emergência de mais imagens na comunidade e, em particular, o confronto com a memória e a erupção de emoções face aos
antepassados revisitados. Questão que nos remete para as dimensões éticas presentes na utilização
das imagens.
66
A FOTOGRAFIA ENQUANTO
REPRESENTAÇÃO DO REAL:
A IDENTIDADE VISUAL CRIADA
PELAS IMAGENS DOS POVOS DO
MÉDIO ORIENTE PUBLICADAS NA
NATIONAL GEOGRAPHIC
Resumo O presente trabalho pretende reflectir sobre a função da imagem fotográfica enquanto
documento e janela para a descoberta de um mundo ainda desconhecido e novo, repleto de lugares
exóticos e povos de costumes singulares. A partir de conceitos fundamentados na teoria da imagem e
do fotojornalismo, será traçada uma análise sobre a fotografia enquanto espelho e representação da
realidade, os seus processos de reprodução do real. Como estudo de caso, e através de uma análise
semiótica e simbólica estruturada, será estudada a representação imagética dos povos médio-orientais
na revista National Geographic, editada em Portugal. Alguns conceitos que passam pela antropologia
visual serão levantados como base teórica para uma análise empírica das técnicas estéticas e estruturas narrativas da linguagem para-verbal utilizada pela publicação nas imagens referentes às sociedades
árabes, muçulmanas e islâmicas.
Palavras-chave: Imagem; Fotografia; Fotojornalismo; Médio-Oriente; Representação do Real; National
Geographic.
Abstract The present work intends to bring up the reflection upon the function of the photographic
image as document and window to a world yet to discover, full of exotic places and people with singular habits. From concepts based on the image theory and photojournalism, it will be traced an analysis
about photography as a mirror, representing a reality, and its processes of reproduction of the real. As
a case study and through a structured semiotic and symbolic analysis, the imagetic representation of
the people of the Middle East in the Portuguese edition of the National Geographic magazine will be
studied. Some concepts regarding visual anthropology will be used as theoretical bases to an empirical
analysis of esthetic techniques and narrative structures of the non-verbal language shown in the images on that publication referring to Arab, Muslim and Islamic societies.
Keywords: Image; Photography; Photojournalism; Middle East; Representation of the Real; National
Geographic
67
1.Introdução
A imagem, desde a sua criação e durante muitos anos, não só foi a essência da representação do real, mas
também a própria realidade; daí a sua permanente articulação com uma relação cultural de tempo, espaço
e da ideologia do fotógrafo. A proposta de investigação a ser realizada baseia-se na análise da tentativa humana de que a fotografia seja a própria representação do real.
O presente trabalho pretende discutir a fotografia como documento e janela para a descoberta de um mundo ainda desconhecido, de lugares exóticos e de povos singulares. Nesse sentido, será fundamentado numa
reflexão sobre as características da mensagem imagética etnográfica, contrapondo-as a alguns princípios da
construção das mensagens fotográficas. Conceitos estes configurados, simbolicamente, pela reprodução,
através das imagens da identidade de povos, costumes e tradições.
1.2 Definição do corpus de pesquisa
Durante anos, e para os seus milhões de leitores, em todo o mundo, a revista National Geographic, por
vezes, tem assumido a função de um espelho enquanto que noutras constitui-se uma janela. No entanto, por
trás das imagens fabulosas que reproduzem sociedades pouco conhecidas, existe um padrão de escolhas e
selecções de imagens que tenta representar as culturas e costumes de Terceiro Mundo “trazendo os remotos cantos do mundo para os lares europeus e americanos”1. Nessa lógica, o Oriente Médio, a África, Ásia,
Indonésia e a América Latina são os locais mais reportados, valorizando as suas imagens, belezas naturais e
as tradições exóticas dos seus habitantes.
O corpus de análise deste estudo incide sobre três recortes temporais da revista National Geographic, editada em Portugal. O primeiro localiza-se entre os meses de Outubro de 2001 e Janeiro de 2002. O segundo,
entre Abril e Junho de 2003; o último remete para o período de Julho a Outubro de 2008. Os três recortes
são justificados pela análise das imagens veiculadas nessas publicações, referentes a comunidades do Médio
Oriente. Os primeiros quatro meses correspondem ao período que precedeu o atentado de 11 de Setembro
de 2001, nos EUA, e a invasão do Afeganistão, em Outubro de 2001; o segundo recorte remete para quatro
meses após a Guerra do Iraque deflagrar e que compreende os meses entre Abril e Julho de 2003. O último
recorte recai sobre as publicações entre Julho e Outubro de 2008, ou seja, os últimos quatro meses que
antecederam as eleições presidenciais norte-americanas, onde uma das grandes temáticas de campanha
foi a dicotomia entre as retiradas das tropas do Médio Oriente versus a continuação da campanha contra o
terrorismo. Procurar-se-á identificar as estratégias estéticas através de uma análise simbólica e icónica dos
elementos visuais e contextuais das imagens fotográficas publicadas pela National Geographic que retratam
os povos do Médio Oriente.
Motivações e questões metodológicas
A justificação para a escolha da National Geographic deve-se ao facto de esta ser um dos maiores ícones
das revistas ilustradas da era Moderna e que sobrevive no mercado editorial actual. A opção pela análise
das imagens das comunidades árabes, muçulmanas e islâmicas do Médio Oriente, fundamenta-se por estas
serem as potenciais suspeitas dos atentados terroristas que comprometeram a segurança mundial.
Do ponto de vista teórico-metodológico, servem de referência os fundamentos da semiótica visual, que trabalha com a leitura da imagem nas suas instâncias constitutivas do plano da expressão e do plano do con1 Grifo nosso.
68
A fotografia enquanto representação do real: a identidade visual criada pelas
imagens dos povos do médio oriente publicadas na National Geographic
teúdo; com as homologações desses dois planos em relações simbólicas e semi-simbólicas geradoras de
efeitos conotativos; pelo exame das composições plásticas, tais como os formatos cromáticos, eidéticos (que
incluem, no caso da fotografia, as tomadas, os ângulos, os quadros, planos, enquadramentos, a orientação
do olhar, a profundidade) e da matéria pictórica.
Partindo da ideia de que a fotografia comunica através de mensagens não-verbais, tentou-se encontrar metodologias de análise baseadas nos seus signos icónicos e carácter conotativo. O objectivo é o de criar um
método, que proceda à fusão de diversas metodologias de análise de conteúdo das imagens e de percepção
das relações existentes entre o observador e o produtor da mensagem, analisando as escolhas possíveis e
realizadas. Para a análise simbólica das imagens, foi desenvolvida uma grelha de avaliação metodológica
contendo elementos de análise contextual e de compreensão das opções técnicas e estéticas. Tais elementos estão presentes na maioria das imagens publicadas na revista e compõem-se numa grelha de avaliação,
dividindo-se em dois grupos que se cruzam.
Entre eles estão os Aspectos de análise temática, que são: 1) A mulher médio-oriental e o retrato da submissão. 2) A tradição versus o desenvolvimento e a Modernidade. 3) A melancolia correspondente a violência, a
dor e o sofrimento resultantes, na grande maioria, dos conflitos armados. 4) O fanatismo religioso. O outro
grupo que compõe a grelha de avaliação é constituído pelos Aspectos de análise estética e simbólica, representados por três aspectos: 1) O cromatismo das imagens e o uso do preto e do branco. 2) A escolha dos planos laterais, frontais e close-up. 3) A delimitação dos detalhes dos planos frontais e de fundo. 4) As posições
e expressões corporais e faciais.
Ao cruzar e analisar estes elementos, pode-se visualizar as incidências temáticas assim como as técnicas estéticas e simbólicas. Neste contexto, levanta-se uma hipótese inicial de que, em determinadas situações, as
fotografias ganharem um valor informativo dicotómico, que passa pela construção e interpretação do leitor
sobre um povo, uma crença ou um acontecimento. E tal ambiguidade é delineada pelos valores ideológicos,
identitários, pelas preferências estéticas, pelos modos de ver e captar o instante escolhido pelo fotógrafo e
interpretado pelo observador.
Deve-se reforçar a ideia de que este estudo não recai sobre a questão social e os interesses políticos e
económicos das comunidades islâmicas, muçulmanas ou árabes. Não há qualquer intenção em considerar
estes povos como responsáveis por diversas acções políticas ou religiosas que ganharam destaque nas agendas mediáticas, centradas nas do terrorismo, da violência e do fanatismo religioso. Do mesmo modo também
não se pretende julgar ou analisar o contexto global gerador de alguns conflitos entre o Oriente e o Mundo
Ocidental.
Enquadramento Teórico
2.1 A representação do real e a utilização da imagem pelos media
Para o investigador Jorge Pedro Sousa, a fotografia aparece num ambiente positivista, fruto de descobertas
e inventos anteriores e da vontade do homem de encontrar uma forma mecânica de representação e reprodução do real. A reflexão desenvolvida neste tópico centra-se na problemática de a imagem permitir a
modificação da realidade à partida registada. No entanto, arrisca-se a dizer que os processos de alteração
fotográfica podem ocorrer em momentos distintos: antes, no momento e após do registo fotográfico.
Segundo Santaella e Nöth, os processos de produção da imagem dividem-se em pré-fotográficos e pós-fotográficos. No primeiro caso, a produção das imagens pré-fotográficas é dotada de uma materialidade. “Resulta deste processo, não só uma imagem, mas um objecto único, autêntico, fruto do privilégio da impressão
69
primeira, originária, daquele instante santo e raro (…) gesto irrepetível.” (SANTAELLA e NÖTH, 1997: 164). Já
no processo pós-fotográfico a materialidade desaparece, a imagem actualiza-se e assume uma nova visualidade.
Ao longo do século XX, a fotografia esforça-se por anular um vínculo com o real, destacando seu carácter
artificial e sua capacidade de transformar o mundo captado pela câmara. O conceito de realismo deve ser
entendido como uma percepção do indivíduo observador através de um vínculo directo com o real. O que
se coloca em reflexão não é a discussão sobre a verdade fotográfica, mas a certeza de que tal objecto existiu
diante da câmara. A fotografia convida-nos a perceber o que está perante uma imagem, imagem essa que
não apenas construída pela imaginação, mas que resulta da fusão de diversos elementos simbólicos.
Quando a reprodução fotográfica desempenha um papel noticioso, deixa de ser apenas uma mera ilustração
da informação textual para assumir uma função complementar de veracidade do texto escrito. Segundo Lorenzo Vilches, “toda fotografia produz uma ‘impressão de realidade’ que no contexto da imprensa se traduz
por uma ‘impressão de verdade’” (VILCHES, 1993: 19).
O fotojornalismo aproxima o observador de determinado acontecimento, permitindo-lhe a sensação de
proximidade com o facto, conhecimento e participação. As imagens publicadas pelos media são responsáveis pela recriação e legitimação de uma realidade seleccionada. De acordo ainda com Vilches, “ali onde o
fotógrafo decide apontar sua câmara nasce a cena informativa. Isto é tão certo que, se mudarmos o ponto de
vista ou a cena, muda o acontecimento.” (VILCHES, 1993: 141)
Os media incorporam realidades nas narrativas que produzem. Contudo, as imagens emanam de uma representação do real que pretende ser entendida como tal e não uma mera reprodução. Os mass media servemse do “disfarce” que a imagem fotográfica produz para oferecer ao seu público aquilo que deles se espera:
a essência de uma realidade propriamente dita e embutida de verdade absoluta. Contudo, essa realidade
retratada, quando publicada, por vezes não corresponde à essência ou ao próprio real, mas talvez antes a um
real que o público queira/goste de ver.
2.2 A National Geographic e a importância da imagem para a publicação
O lançamento da revista The National Geographic deu-se com a edição de Novembro de 1888 pela National
Geographic Society. O surgimento deste periódico sempre esteve intimamente relacionado com formação
da instituição que o concebeu. A National Geographic Society foi fundada em Washington D.C. por personalidades representativas do meio social, na maioria ocupantes de cargos públicos ou com notória influência na esfera
política e económica.
Nos primeiros anos, a revista serviu como um boletim da entidade. No entanto, com o crescimento do mercado editorial e após um período de crise financeira, a publicação passa por uma mudança editorial, em 1896,
tornando-se num periódico mais leve, informativo, curioso e menos “sectorizado”. As imagens, ilustrações e
fotografias que não eram componentes frequentes nas primeiras edições, vão progressivamente ganhando
mais espaço. A fotografia, que desde 1905 se tornara numa referência desta publicação, é reconhecida como
o principal trunfo do seu sucesso.
Até Janeiro de 1896, o periódico mensal National Geographic não utilizava recursos fotográficos. A partir
dessa data não só o uso se tornou frequente, como a fotografia ganhou o estatuto de principal atracção da
revista. Tanto assim, que na própria capa a revista apresentava-se como uma publicação “mensal e ilustrada”.
Os artigos com fotos foram rapidamente ganhando cada vez mais espaço, chegando a ser a imagem de marca
das reportagens do periódico.
70
A National foi a primeira publicação a utilizar fotos a cores no mercado norte-americano antecipando em
quase dez anos a vulgarização do recurso por outros títulos. Também foi a primeira revista a valer-se de
fotografias nocturnas, com flash embutido, um recurso que se divulgaria apenas quinze anos mais tarde.
A relação com a fotografia tornou-se de tal ordem íntima, que seu principal anunciante era a Kodak, cuja
primeira publicidade ocorreu em Março de 1897 e nunca mais deixou de oferecer seus produtos na publicação.
A fotografia mostrou ser o suporte ideal da revista para transmitir sua informação, sendo actualmente o
elemento principal das reportagens, onde deixa de ter o papel meramente ilustrativo e assume o carácter
motriz. É visualmente notável como a reportagem das edições contemporâneas do periódico é potenciada
pela fotografia e o texto é um relato narrativo da experiência do fotógrafo no campo. A escolha e edição das
imagens parte de uma selecção editorial.
2.3 O retrato fotográfico dos povos médio-orientais e a construção do imaginário
ocidental: uma análise do exótico
Os povos médio-orientais tornaram-se personagens e rostos frequentes dos media a partir da década de
1970. Nas décadas de 80 e 90, novos e velhos conflitos preencheram as agendas mediáticas, sendo objecto de cobertura pela imprensa internacional. Esta, frequentemente veiculava uma imagem destes povos
bastante violenta, irracional, primitiva e carregada de preconceitos e fanatismos religiosos e políticos.
Após os atentados terroristas de 11 de Setembro de 2001 ao World Trade Center, e ao Pentágono, o interesse
em relação aos povos do médio oriente passou a ser cada vez mais intenso. Como o mentor dos ataques e
os 19 acusados de perpetrá-los eram muçulmanos, nascidos em países do Médio Oriente, o interesse dos
órgãos de imprensa ocidental parece ter-se intensificado.
Com o constante aumento da circulação de jornais e revistas, a popularização da rádio e da televisão e o
surgimento da Internet como meio democrático de informação, os media “devem ser encarados como a
principal propagadora da representação de árabes, islâmicos e muçulmanos, actualmente” (Moita Lopes e
Fabricio, 2005: 254).
Segundo Walter Lippmann (1946), “primeiro as pessoas definem as coisas e só depois as vêem, e não o contrário. Elas imaginam as coisas antes de experimentá-las, ouvem sobre o mundo antes de vê-lo” (Lippmann,
1946: 61). E é justamente neste aspecto de interpretação que o intelectual palestiniano, radicado nos EUA,
defensor dos direitos palestinos, Edward Saïd, desenvolveu um estudo de análise da produção cultural e
teórica europeia (sobretudo francesa e inglesa) acerca do Oriente que teria constituído a “tradição orientalista”, alvo das suas profundas críticas. Segundo ele, o Orientalismo é “um estilo de pensamento baseado em
uma distinção ontológica e epistemológica feita entre ‘o Oriente e o Ocidente’” (Saïd, 1996: 2). Para o autor,
o sistema colonial e de dominação europeu sobre o Oriente foi a grande causa da distorção do conhecimento
da cultura árabe.
“O que é definido actualmente como islão, tanto na Europa como nos Estados Unidos, pertence ao discurso do orientalismo, uma construção fabricada para fomentar hostilidade e antipatia contra uma parte
do mundo que por acaso tem importância estratégica devido ao seu petróleo, sua proximidade ameaçadora do mundo cristão e sua formidável história de rivalidade com o Ocidente. Contudo, isso é algo muito
diverso daquilo que o islão é realmente para os muçulmanos.” (Saïd, 2003: 333)
Basyouni Hamada (2001) desenvolveu uma pesquisa sobre qual seria o retrato de árabes e muçulmanos en-
71
tre os jornalistas, aos quais chama “image-makers” (formadores de imagem). O investigador entrevistou 168
jornalistas – entre editores, repórteres e jornalistas freelancers.
De entre as conclusões mais alarmantes da pesquisa, evidencia-se que 89,7% dos entrevistados consideram
que os media ocidentais transmitem uma imagem tendenciosa ou distorcida do Médio Oriente. A mesma
pesquisa detectou que 40% dos entrevistados afirmaram que árabes e muçulmanos são o mesmo. Ou seja,
uma grande parte daqueles que produzem o noticiário não sabe distinguir etnia de religião.
Apesar de tratar da imagem dos norte-americanos de ascendência árabe, um outro estudo, feito por Mary
Ann Weston (2003), mostra que esse desconhecimento é regra e não excepção entre os próprios jornalistas
dos Estados Unidos. Realizada após 11 de Setembro de 2001, a pesquisa revelou que muitos dos artigos
pesquisados em jornais regionais do país ignoravam a distinção entre os termos “árabe” e “muçulmano”,
fazendo-se uso indiscriminado de ambos.
Desde as suas primeiras publicações, a National Geographic retrata, os povos médio-orientais, árabes e islâmicos como uma sociedade a ser desvendada pelos olhares ocidentais. Linda Steet (2000) analisou as
reportagens sobre árabes em todas as edições da revista National Geographic, entre 1888 e 1988. A autora
levantou uma série de estereótipos recorrentes, principalmente relativos à mulher árabe. A característica
que mais se associou à imagem dos árabes foi a da violência. “Década após década, na National Geographic,
nós temos lido e visto as mesmas representações de árabes e violência e, excepto pelas datas, pouco se não
nada mudou” (Steet, 2000: 67).
“Um século de tão pouca mudança em relação à representação do mundo árabe na National Geographic
é preocupante se por qualquer outra razão. Gostaria de pensar que determinados estereótipos e pressupostos eventualmente morressem de velhice.” (Steet, 2000: 154)
Pode-se deduzir que a revista tem vindo a firmar-se no mercado editorial mundial pela valorização de fotografias de locais exóticos e das mais variadas culturas e povos, tanto latino-americanos como africanos e
asiáticos, tanto europeus como americanos, sendo actualmente lida por cerca de 37 milhões de pessoas ao
redor do mundo.
Detentora de um espaço privilegiado nos meios de comunicação, a revista publica reportagens fotográficas
sobre “sociedades não ocidentais”, tornando-se fonte de influência sobre o modo como leitores elaboram
representações sobre estes outros povos, ao mesmo tempo que definem, por contraste, uma identidade
norte-americana específica. Toma-se como base teórica deste tópico a abordagem antropológica e sociológica discutida no estudo Reading National Geographic das autoras Catherine A. Lutz e Jane L. Collins (1993),
que analisam o impacto e teor das fotografias publicadas pela National Geographic, no período entre 1950
e 1986.
Lutz e Collins constroem os dados de sua pesquisa a partir de 25 entrevistas realizadas a sócios da National
Geographic Society entre 1989 e 1990. As autoras exploram ainda o significado dos diferentes olhares que
incidem nas imagens. Com uma amostra de análise de 600 fotografias, elas investigam tanto as imagens fotográficas como as pessoas que escolhem as imagens que são publicadas, tentando ir à origem do problema.
As autoras desenvolvem uma reflexão considerando que a produção editorial da National Geographic é estabelecida pelas reportagens fotográficas onde o texto escrito é construído a partir da força das imagens. Para
tentar responder a esta reflexão, há que considerar que os povos do mundo não Ocidental são retratados
na publicação como o exótico e o primitivo, reproduzindo a ideia dessas sociedades serem supersticiosas e
irracionais. As autoras defendem ainda que as imagens de culturas estrangeiras são colocadas lado a lado
com fotografias da sociedade ocidental, promovendo uma inevitável comparação com uma cultura imbuída
72
de um comportamento ritualista, e que assim se encontra na mão inversa do processo de desenvolvimento.
Tal como o etnógrafo James Clifford afirma, “a formação da identidade é baseada na imagem do outro” (Lutz
e Collins, 1993: 2).
Neste sentido, os “não ocidentais atraem o olhar pela extensão de sua diferença ou de seu exotismo, que
fazem deles algo digno de atenção, ainda que distante” (Lutz e Collins, 1993: 2). No seu estudo, Lutz e Collins configuram as fotografias publicadas pela revista como uma idealização, construída a partir de fotos
onde as pessoas estão em geral sorrindo e reunidas em grupos, construindo na interpretação de seu leitor
a imagem de um mundo livre de sofrimento e de violência. Tal imagem do “nativo” elabora uma capacidade
inventiva do homem selvagem e primitivo, da qual o leitor é colocado no confortável papel de contemplador
da diferença. Nas fotos em que estes povos aparecem, a imagem transmitida é de satisfação, de pessoas simples usando uma tecnologia bastante rudimentar. Surgem também rituais religiosos com forte presença do
fanatismo, elevado grau de desorganização social e política de seus governantes, preconceito, atitudes que
ferem os direitos humanos, e ainda que toda essa conjuntura, essencialmente nos povos do Médio Oriente,
pode ser uma ameaça às outras sociedades do mundo. Sobre estes povos, as autoras mencionam que “mais
de metade das fotografias analisadas mostram não-ocidentais em rituais tribais vestidos com roupas festivas.
Isto representa uma exótica forma de vida que passa a ser estável e imutável” (Lutz e Collins, 1993: 93).
A forma como a revista utiliza algumas imagens reforça a tese de que a humanidade se encontra em distintos
estágios de evolução cultural. As autoras explicam que “a diferença da evolução cultural do ocidente com o
oriente não é infundada” e que “as pessoas orientais eram pobres, sujas, supersticiosas e atrasadas tecnologicamente”. A declaração continua, afirmando a sua crença na população ocidental: “com a orientação e
com apoio do ocidente, eles (os orientais) podem, na verdade, superar estes problemas e tomar seu lugar ao
lado deles (os ocidentais) em todo o mundo” (Lutz e Collins 1993:164). Para Lutz e Collins, as fotografias, na
sua maioria produzidas por homens, brancos e ocidentais, não apreendem o olhar do “outro”, mas captam
tais culturas e costumes destes povos como exóticos.
3. Análise empírica: A identidade visual dos povos do Médio Oriente criada através das
imagens publicadas na National Geographic
Os meios de comunicação de massa servem-se da imagem como instrumento informativo apelativo, utilizando seus símbolos e valores cromáticos, estéticos e semióticos. Pode-se arriscar dizer que a revista National Geographic legitima as suas imagens como actos de contemplação que é mediada por ambivalentes de
sentidos e sensações. O presente estudo de caso propõe-se a analisar as técnicas de produção e as múltiplas
interpretações que podem ser relacionadas com as fotografias publicadas na National Geographic Magazine dos povos médio-orientais, dos seus costumes, ritos, culturas, da sua religião, relação social, política e
económica, entre si e com o resto do mundo.
O corpus de análise empírica é composto por três recortes temporais da National Geographic, editada em
Portugal. O primeiro abarca os meses de Outubro de 2001 a Janeiro 2002, o segundo vai de Abril a Julho de
2003, e o último centra-se entre Julho e Outubro de 2008.
Inicialmente foi realizada uma pesquisa de 12 publicações. Entretanto, apenas 3 ocorrências de reportagens e imagens que retratavam povos médio-orientais foram encontradas nas páginas da revista. Devido ao
pequeno número de publicações a serem analisadas no recorte temporal, achou-se necessário um possível
alargamento do corpus, para uma análise melhor fundamentada. A partir desta carência, o prazo e número
de publicações foi ampliado para as revistas com datas entre Janeiro de 2001 e Outubro de 2008, totalizando
73
94 publicações mensais e três especiais. Neste período, foram publicadas 151 fotografias em 227 páginas que
retratavam o quotidiano, temas e assuntos derivados de reportagens sobre os povos do Médio Oriente. Destas imagens, 17 são fotografias de páginas inteiras e 49 foram impressas em páginas duplas, somando 115
páginas dedicadas exclusivamente a imagem, tendo um suporte textual limitado a uma legenda explicativa.
Algumas imagens fotográficas representam mulheres árabes, islâmicas e muçulmanas numa aparente situação de submissão em relação ao homem, como um estereótipo social de sexo frágil e submisso. Em quase
todas as ocorrências, as mulheres são retratadas como uma peça frágil e vulnerável ao sofrimento. Neste
sentido, a publicação deixa subentender, através das suas legendas e pequenos textos, a mensagem de que
este sentimento de dor, e muitas vezes exaustão, é devido à instabilidade política e aos confrontos armados.
É notável o papel em que as mulheres, em particular, aparecem nestas imagens. Elas são descritas como o
elemento mais fraco de uma estrutura representada como extremamente rígida e construída no masculino
dominante. Assim, as mulheres aparecem como figuras submissas e representando uma estranheza e obscuridão. Esses padrões podem ser visualizados pelo estigma de valores sociais sedimentados no universo
masculino, com as mulheres a serem retratadas sempre em segundo plano, adoptando posições corporais
de reverência e obediência das normas sociais estabelecidas, sempre que um homem se faz presente na
imagem. A estranheza e obscuridão são representadas pelas cores das vestimentas destas mulheres, normalmente preto, e as sombras e iluminação, por vezes com ares sombrios.
A tradição, os costumes e rituais culturais são muitas vezes colocados lado a lado como termo de comparação
com os padrões ocidentais de desenvolvimento e modernidade, levantando a hipótese de a cultura e os costumes serem obstáculos para o avanço. Fotografias que representam os valores culturais desses povos estão
ao lado, e muitas vezes contrapondo-se. Nestas imagens, o observador é convidado a desenvolver um olhar
comparativo entre o mundo das tradições e um novo universo, impregnado de valores de desenvolvimento
e contacto com um mundo global e civilizado. As imagens melancólicas retratam um povo sofrido e que vive
em contacto frequente com a violência. A apreensão dos olhares permite uma sugestão simbólica de expressão do dramático e de uma dor que parece merecer ser contada ao mundo. As fotografias que retratam
o fanatismo religioso quase sempre fazem uma análise reflexiva e simbólica de tradição que empata o desenvolvimento social destes povos.
Os valores cromáticos (como por exemplo, no caso das mulheres islâmicas utilização da cor preta para suas
vestimentas como o chador, o hijab e as nikab) contribuem para a imagem obter efeitos surpreendentes tanto esteticamente como simbolicamente. As cores estimulam efeitos psicológicos da sensibilidade humana.
Segundo Farina (1999), cada estímulo visual tem características próprias, possuindo tamanho, proximidade,
luz e cor. A percepção visual, portanto, é distinta para cada pessoa. O autor complementa ainda:
“Sobre o indivíduo que recebe a comunicação visual, a cor exerce uma ação tríplice: a de impressionar,
a de expressar e a de construir. A cor é vista: impressiona a retina. É sentida: provoca uma emoção. E é
construtiva, pois, tendo um significado próprio”. (Farina, 1999: 27)
Os valores cromáticos utilizados nas fotografias da National Geographic empregam cores muito quentes
como o vermelho, o laranja e o amarelo, que segundo Farina, “estimulam a agressividade e são associados à
guerra, ao fogo, ao sangue” (Farina, 1999: 112-115). O vermelho leva o observador a uma relação imediata
e inquietante com o perigo. Em contraponto, as imagens denotam um temor sombrio, uma negação e pessimismo com as cores frias, em especial o preto e os diversos tons de cinza, utilizando técnicas de sombra,
silhueta e ambientes nebulosos.
O azul e o verde nas fotografias fazem o balanço entre as cores quentes e frias passando a sensação do
equilíbrio, da segurança e da esperança aliada com a coragem dos personagens retratados. O azul do céu
tranquiliza o observador que interpreta que apesar de todo o caos e sofrimento, existe uma expectativa de
74
mudança.
Vale ser colocada em reflexão a ausência de fotografias a preto e branco nas imagens encontradas e analisadas. Apesar da nobreza e pureza que a imagem em preto e branco possui, ela não é aproveitada.
No entanto, o cromatismo e o uso do preto e do branco, mas em imagens coloridas, dão um reforço e aspecto
de textura, sempre utilizando sombras, imagens em contra-luz e silhuetas, conferindo um efeito estético
atraente à fotografia.
Outras questões analisadas foram as técnicas fotográficas. As fotografias publicadas são geralmente de pessoas retratadas em planos laterais ou frontais, em close-ups, exaltando condições dramáticas. Outra técnica
de representação desses povos é a sua modelagem em primeiro plano, expressando a dor da tragédia. As
posições corporais e faciais ora são voltadas para cima, retratando um estado de evocação e reverência espiritual, ora para baixo, em uma atitude de lamentação e sofrimento. Tais posições trazem a lembrança objectos
subjectivos.
Tal estratégia pode ser interpretada como comum entre os fotógrafos que captam o drama e a dor, utilizando-se de personagens como mulheres, crianças e feridos, servindo de catalisadores deste sofrimento. Determinada análise pode ser observada numa fotografia em que são captadas as expressões do olhar inocente
de uma criança e os olhos fadigados e o rosto coberto de poeira de um soldado norte-americano no campo
de batalha. É perceptível a utilização de imagens de mulheres chorando ou sofrendo a dor da perda de familiares e a representação de crianças em contacto directo com a violência e os conflitos. Algumas imagens
chocam quando retratam a fabricação de armas por crianças e a utilização de armas como brinquedos e
jogos de guerra, passando a ideia de que a violência é uma questão cultural desses povos e que estes convivem com ela de uma forma ao mesmo tempo harmoniosa, no sentido das lutas e das conquistas.
No decorrer da pesquisa, observou-se que os períodos posteriores a conflitos armados e atentados terroristas ocorreram em 3 publicações, das 12 edições escolhidas. As duas primeiras, dos meses de Dezembro de
2001 e Janeiro de 2002, retratam as consequências e tensões baseadas no fanatismo religioso e no confronto
das tradições culturais. Nas edições dos meses subsequentes aos atentados do World Trade Center, nada é
publicado sobre aqueles que são apontados como responsáveis pelo acontecimento. Em Abril de 2002 uma
reportagem é publicada, relatando o reencontro do fotógrafo Steve McCurry com a jovem afegã que vivia
num campo de refugiados no Paquistão, que fotografou para a edição da revista de Junho de 1985. A imagem da adolescente ficou conhecida como sendo uma das capas mais famosas da National Geographic; os
leitores de todo o mundo se questionavam acerca daquele olhar penetrante da fotografia.
A terceira ocorrência vem em Junho de 2003. Mais uma vez, três meses após a invasão de tropas norte-americanas, do Reino Unido e outras nações, numa aliança conhecida como a Coalizão, ao território do Iraque em
20 de Março. O pretexto da ocupação, inicialmente, foi achar armas de destruição em massa que, supostamente, o governo iraquiano teria em larga escala. A reportagem de 18 páginas e 17 fotografias, sendo cinco
delas de folha dupla e uma de página inteira, somando 11 páginas só de imagens que retratam Bagdad dias
antes e depois dos bombardeios, o clima de conflito, o medo e o desespero de uma população reprimida e
que não tinha liberdade de suas práticas religiosas. As imagens retratam o contacto com a violência, principalmente entre as crianças com os seus jogos de guerra, a censura religiosa e o fanatismo diante alguns ensinamentos espirituais, o contraste entre a tradição e o desenvolvimento e o lastimável estado de pobreza em
que a sociedade vivia. As fotografias podem ser analisadas e reflectidas como uma argumentação e justificação da ocupação e tomada do poder pela Coalizão. A revista não deixa clara a sua posição político-ideológica sobre a ocupação do Iraque ou Afeganistão. No entanto, as imagens passam a mensagem de um povo que
necessitava de uma intervenção, o que pode ser visto como uma forma de amenizar os conflitos internos e as
estruturas administrativas que deixavam essas sociedades em um estado de pobreza e sofrimento profundo.
75
Um aspecto curioso a ser analisado das edições de Dezembro de 2001, Janeiro de 2002 e Junho de 2003 é
que elas são publicadas com um certo atraso dos acontecimentos factuais e que são tema do agendamento
dos media na altura, todas nos três meses após os atentados de 11 de Setembro e a intervenção armada
no Iraque. Podemos arriscar dizer que a National Geographic, apesar de não ser uma publicação de linha
editorial factual, desvia-se da agenda-setting estabelecida como determinante para a discussão da opinião
pública. É como se a revista não pretendesse estar ligada às acções de intervenção e aos eventos ligados a
estratégia política norte-americana.
Entendemos que para cada estereótipo criado nasce um contra-estereótipo. No entanto, o olhar de quem
produz uma imagem sobre os povos médio-orientais e de quem as observa pode ser também resultante de
um olhar estigmatizado, dando espaço assim para múltiplas interpretações. A fotografia, neste caso, pode ser
analisada como um produto informativo passível ou não de uma ilusão. Neste caso a fotografia sempre correrá o risco de representar realidades simuladas e seleccionadas, não dando assim uma visão ampla e geral
do contexto a qual ela estará narrando.
4. Conclusões
No que se refere a análise desenvolvida no trabalho, acreditamos que há um campo de dimensões testemunhais e documentais em que a fotografia está inserida. Este necessita ainda de uma maior consolidação, no
que se refere ao arcaboiço teórico e analítico das teorias da imagem. Espera-se que a discussão de questões
como estas levantadas seja um passo e contributo para tal.
Talvez a fotografia possa ser o reflexo incondicional do real, mas as estratégias e técnicas de captura, enquadramento, focagem e, essencialmente, delimitação do momento fazem com que ela represente um real
fragmentado, que pode ou não desempenhar a função de representação do contexto. John Tagg (1988)
apresenta argumentos para tal afirmação quando diz que a fotografia é também uma verdade circunscrita;
ela existe apenas nos limites do enquadramento fotográfico e tal verdade é infinitamente vulnerável à qualificação, distorção e manipulação através de uma variável: o contexto discursivo no qual a fotografia é usada.
O que é que estas imagens sugerem aos leitores, foi a motivação para mergulhar nesta pesquisa desde o
início. Quais os padrões de estereótipos que são construídos através das técnicas estéticas de captação da
imagem? E até que ponto a imagem fotográfica publicada pela National Geographic representa de forma
fidedigna a realidade e o contexto que esteve um dia, historicamente, à frente da câmara?
Através do corpus estabelecido, é facto que a revista National Geographic é, para os seus milhões de leitores,
um espelho e ao mesmo tempo uma janela para diferentes povos e costumes. O que nem sempre é criticado
é como suas imagens, esteticamente fabulosas, reproduzem estas sociedades e seus actos sociais. Tais fotografias retratam, na sua grande maioria, a diversidade cultural destes povos, espelhando um formato estético
e muito singular de olhar estas diferenças, uma técnica que se resume no olhar de um Ocidente dominante.
Tudo o que está fora dos padrões e normas sociais de civilidade dessa sociedade, muitas vezes, é retratado
como primitivo.
Foi interessante notar que as fotografias publicadas pela National Geographic agregam valores e estereótipos estéticos que consolidam práticas orientalistas de estigmas e que depreciam a representação imagética dos povos do Médio Oriente. Através dessa prática eleita pela publicação, alguns estereótipos passam
a ser construídos como imagens activas do imaginário dos leitores. Os conteúdos das fotografias sofrem
constantemente diferentes interpretações, que variam de acordo com o pensamento e formação políticoideológica por parte do observador. Por detrás das lentes das câmaras e da escolha das imagens a serem
publicadas, há uma selecção e avaliação do que é considerado belo esteticamente e do que é científico. Mas,
estas intenções humanistas, revelam-se cheias de ambiguidade ao construir imagens que, se por um lado
76
mostram que todos os seres humanos são iguais, os “outros” são exóticos e de uma cultura evolutiva inferior,
com padrões de desenvolvimento e regras sociais nada aceitáveis aos moldes ocidentais. Enquanto a sua
retórica humanista do diferente provoca emotividade, a distância estabelecida apaga as conexões reais existentes entre um leitor passivo e este “outro” mundo não Ocidental retratado como o bárbaro e o diferente
passa a ser uma ameaça à normalidade da vida pacífica ocidental.
O que pode, e deve, ser tomado como o início de uma análise mais crítica é que certas imagens passem a ser
um convite a prestar atenção, a reflectir, aprender e questionar a forma como é produzido o sofrimento dos
“outros”.
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77
Leituras fotográficas:
entre a história da arte
e a cultura visual
Rosana Horio Monteiro
Resumo A imagem fotográfica no atual contexto contemporâneo é entendida mais como uma produção do visível, como efeito de mediação, desprendida da tarefa de simples reprodutora, duplicadora do
real. Nessa perspectiva, surge uma nova fotografia, que procura estimular o leitor a refletir sobre aquilo
que vê. Nesse cenário, o fotógrafo mais do que “tirar” fotos, as “faz”, cabendo a ele questionar a idéia
de que a fotografia é um paradigma da veracidade. A proposta desse trabalho é discutir o estatuto da
imagem fotográfica e suas possibilidades de leitura a partir de sua contextualização entre o referencial
da história da arte e dos assim chamados estudos de cultura visual.
Palavras-chave: Fotografia; História da arte; Cultura visual.
Keywords: Photography; History of art; Visual culture.
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UMA VARINHA, UM LAMPIÃO
E A NOSSA MÁGICA DIVERSÃO
Raphael Dall’Anese Durante
Resumo Com uma varinha, apontamos, selecionamos e vertemos pensamentos em coisas: refletimos imagens; nesse sentido, seguimos vertendo, invertendo, projetando e subjetando. Como um velho
secular lampião, pensamos clarear nossa realidade produto das nossas reflexões, quando sequer visualizamos nossas próprias mágicas divertidas. Somos sujeitos divertidos, bipolarizados: anestesiados. O
que nos resta, na nossa condição, é a ponta dos dedos para que possamos segurar e conduzir nossa
varinha e nosso lampião. Com a ponta dos dedos, seguimos projetando imagens e, com elas, refletindo nosso divertido pensamento, isto é: seguimos jogando divertidamente. Partindo destas premissas
apresentadas, o propósito deste texto é apresentar – a partir de argumentos do filósofo Vilém Flusser
– questões que possibilitem examinar os problemas e as implicações da imagem projetada pelo sujeito.
Palavras-chave: Reflexão, Projeto, Imagem, Diversão, Jogo, Vilém Flusser
Keywords: Reflection, Project, Image, Fun, Game, Vilém Flusser
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Articulações entre Design
Gráfico e Poesia Concreta
Paulista
Articulations between
Graphic Design and Concrete
Poetry of São Paulo
Resumo Este artigo apresenta uma pesquisa em processo, que objetiva estudar as relações entre o
design gráfico e a poesia concreta paulista, a partir do campo do design. Define como objeto de estudo as edições da revista-livro Noigandres, dado seu caráter referencial, pois dá visibilidade à origem
da poesia concreta e possibilita verificar o trabalho colaborativo entre artistas-designers e poetas.
Partindo da realização de documentação fotográfica e videográfica das publicações, a pesquisa investiga a dimensão tipográfica, a concepção do projeto e a materialização do objeto gráfico. As análises
dessa documentação apontaram para a necessidade de esmiuçamento desse processo de construção,
a fim de esclarecer escolhas projetuais e poéticas. Como esta fase da investigação dá-se via depoimentos audiovisuais dos que atuaram no processo, reflete sobre implicações de procedimentos
metodológicos para as entrevistas.
Palavras-chave: Design gráfico; Poesia concreta; Tipografia; Audiovisual; Noigandres; Imagem.
Abstract This paper presents a research in progress, which aims to study the relations between
graphic design and concrete poetry, from the design point of view. The research defines as object the
Noigandres publications, because they have referential features: they make the concrete poetry origins
visible and they allow the observation of the collaborative work between designers-artists and poets.
The research deals with the typographic dimension, the design conception and the materiality of the
graphic object, and was initiated by photographic and videographic documentation. The documentation analysis pointed to a thorough examination of the graphic object design process, searching to
elucidate design and poetical choices. As this research stage deals with audiovisual statements of the
authors who acted in the process, it discusses methodological procedures to guide the interviews.
Keywords: Graphic design; Concrete poetry; Typography; Audiovisual; Noigandres, Image.
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Apresentação e Contextualização da Pesquisa
O artigo expõe síntese de análise das revistas-livro Noigandres, objeto de estudo da pesquisa sobre as articulações entre o design gráfico e a poesia concreta paulista, a partir do campo do design. Discute, em seguida,
questões metodológicas relacionadas à história oral e ao documentário, considerado via antropologia visual,
pois há necessidade de pensar procedimentos sobre a realização de entrevistas em registro audiovisual,
dado o caminho em que foi direcionada a pesquisa, ao finalizar-se essa etapa analítica.
As Noigandres, fruto de trabalho colaborativo entre poetas com a participação de artistas/designers, deram
visibilidade ao processo de construção da poesia concreta paulista. Foram produzidas em um período de
intensificação das ações que visavam uma mudança de direção para os valores construtivos, com posicionamentos enfáticos, que colocavam em diálogo design, artes visuais e poesia.
Vale lembrar que, desde o final da década de 1940, idéias e formas construtivas circulavam simultaneamente
entre os artistas que constituiriam o concretismo, do Grupo Ruptura, e nos novos museus idealizados como
centros de difusão e formação: Museu de Arte e Museu de Arte Moderna de São Paulo. No Masp, o curso de
desenho industrial do Instituto de Arte Contemporânea, de 1951, atuava como importante centro irradiador
das vertentes construtivas do design. Há intersecção entre os integrantes do Grupo Ruptura e membros do
IAC, conseqüentemente pensamentos coincidentes. No MAM, a I Bienal realizada no calor dos debates entre
figuração e abstração, polarizando posicionamentos frente ao caráter regional e internacional da arte, é fator significativo na definição do direcionamento pelos valores internacionais e construtivos. Para o design,
é relevante a seleção do cartaz que vai apresentar a mostra internacional de arte e arquitetura, fez visível a
orientação concretista de Antônio Maluf, então estudante do IAC. Além disso, muitos artistas concretos tinham relações diretas com o design e atividades ligadas à indústria1.
Produção e publicação de quatro edições da Noigandres, entre 1952 e 1958, acompanham o estreitamento
do diálogo concreto. A aproximação fundamental desde a exposição e o lançamento do manifesto do Grupo
Ruptura (fig.1), gera estratégias, reflexões, realizações conjuntas: poemas-cartazes, pinturas e esculturas integrariam a I Exposição Nacional de Arte Concreta, aberta em 1956 no MAM de São Paulo.
Para evidenciar o design nesse diálogo, a proposta de estudo da revista-livro Noigandres, relaciona-se diretamente com a orientação da concepção do projeto e os processos de produção que dão materialidade
a esse objeto gráfico, sua condição física, tangível. É o olhar do designer, sempre imerso no embate entre
teoria e prática, que procura articular discurso e projeto, conceituação e realização material. Dada à especificidade desse objeto de estudo, é privilegiada a dimensão tipográfica, entendida como características
do design do tipo, sua composição, configuração no campo gráfico e processo técnico de reprodutibilidade.
A tipografia dá espessura ao texto e condensa sentidos. “Quando escrita a linguagem é capturada em
uma forma visual e espacial, permanente e material”, diz Willi Kunz (2002: 8). Os atributos físicos, que a
linguagem escrita e a tipografia apresentam, encarnam posicionamentos, valores, escolhas, processo
de produção, que por sua vez vinculam-se a condições e circunstâncias históricas. Segundo Joana Drucker (1994: 44 – tradução nossa), “o aspecto visual encarnado que letras, palavras, inscrições apresentam
como evidência”, têm “inflexão histórica”. A forma é “capaz de significar” e é “parte de um código cultural”.
A identificação dos atributos físicos manifestados em quatro edições da Noigandres foi realizada a partir
da observação detalhada dos originais e da documentação fotográfica completa de cada edição. A análise
relaciona esses atributos ao contexto histórico, apoiando-se em fontes primárias – como imagens, manifestos, artigos publicados em revistas e jornais, considerando conteúdos visuais e textuais – e estudos críticos.
1 Sobre as relações com o contexto histórico ver: SCHINCARIOL, Zuleica; REINERT, Leila; CALVO, Ana Paula “O design gráfico e a
poesia concreta na revista-livro Noigandres” (2008), em Anais do IV Fórum de Pesquisa da FAU UPM. São Paulo: FAU UPM, e SCHINCARIOL, Zuleica “A seleção do cartaz da I Bienal: diálogos construtivos”( 2009), em Anais do V Congresso Internacional de Pesquisa
em Design. São Paulo: FAAC UNESP.
81
Figura1: Manifesto Ruptura, lançado na
abertura da exposição do grupo no MAM
de São Paulo, em 1952.
Projeto Gráfico das Noigandres: Síntese da Análise e Questões
Em sua materialização, o objeto gráfico Noigandres evidencia, na sucessão das edições, escolhas direcionadas aos valores construtivos dados pela relação colaborativa entre artistas/designers e poetas. No intuito de
tentar desvencilhar manifestações geradas simultaneamente – pertinentes tanto ao âmbito da poesia como
do design –, a análise priorizou aspectos essenciais que possam explicitar o projeto gráfico editorial, como
soluções para capa, elementos pré e pós-textuais, páginas de aberturas, seleção tipográfica, disposição na
página, relações entre capa e miolo e na seqüência das páginas.
Apresentamos aqui uma síntese da análise realizada, enfatizando as questões que emergiram desse procedimento2. Só foi possível fazer emergir algumas dessas questões, considerando as possibilidades e restrições
da reprodutibilidade técnica. O processo de composição com tipos móveis de metal e impressão tipográfica
pouco participa contemporaneamente do cotidiano do projeto, foi importante para o estudo a reaproximação com o universo desse modo de produção. Visitas a uma pequena oficina do Brás, registradas em
fotografias e vídeo, permitiram restabelecer o contato com profissionais e saberes hoje quase esquecidos3.
Décio Pignatari, Augusto de Campos e Haroldo de Campos editaram quatro números da Noigandres4, onde
publicaram como grupo suas experimentações poéticas, que iriam resultar na poesia concreta. O “poema
concreto típico” (Bandeira 2006) ou da fase ortodoxa (Aguilar 2005) é caracterizado por “brevidade, sintaxe
por justaposição, ritmo fônico-plástico, construído pela paronomásia e pela diagramação que procura ‘isomorficamente’ estabelecer relações conceituais com o que diz o texto” (Bandeira 2006: 131).
2 Ver análise detalhada com imagens das Noigandres em SCHINCARIOL, Zuleica; REINERT, Leila; CALVO, Ana Paula. “O design gráfico e a poesia concreta na revista-livro Noigandres”, em Anais do IV Fórum de Pesquisa da FAU UPM. São Paulo: FAU UPM, 2008
e SCHINCARIOL, Zuleica; REINERT, Leila “Tipografia e materialidade na revista-livro Noigandres”, em Anais do V Congresso Internacional de Pesquisa em Design. São Paulo: FAAC UNESP, 2009.
3 Dessas visitas foi gerado o documento videográfico Vivências Tipográficas de Ana Paula Calvo.
4 A Noigandres 5, de 1962, não foi incluída nesta análise porque é uma edição antológica, não é editada pelos autores e traz também poemas de outra fase, “fase participante” ou “militante”como denominada por Aguilar (2005) e pelos próprios poetas.
82
O grid quadricular e a forma essencial e abstrata da Futura bold são imediatamente associados a essa proposição
poética. Mas, nem sempre foi assim, como a própria definição da palavra Noigandres – “tomada como sinônimo de
poesia em progresso, como lema de experimentação e pesquisa poética em equipe” (Campos,A.; Campos,H.; Pignatari 2006: 259) – tanto a poesia, quanto o projeto gráfico acontecem progressivamente.
Figura
2:
Noigandres 1, capa e página de rosto/sumário, na qual é possível observar a presença conjunta de três diferentes tipos serifados que compõem os textos.
(Coleção da Biblioteca Brasiliana Guita e José Mindlin)
Figura 3: Noigandres 1, aberturas de seções e configuração de páginas com poemas.
83
Figura 4: Revista Habitat n. 1, 1951, projetada pela arquiteta e designer Lina Bo Bardi.
Figura 5: Noigandres 1, detalhe de texto composto na página de rosto/sumário,
com tipos móveis provenientes de três famílias distintas.
A Noigandres 1, publicada em 1952, apresenta manifestações gráficas distantes de princípios construtivos,
transparecem, inclusive, indícios da inexistência de um projeto total. Se confrontada com a primeira edição
da revista Habitat, de 1950, a diferença torna-se nítida. A composição de Décio Pignatari para a capa enfatiza
a escrita manual, é a expressão caligráfica acentuada como imagem que se impõe, proporcionando relações
com o fazer artesanal da escritura (fig. 2, 3 e 4).
No miolo, apesar da clara subdivisão entre as partes da publicação e organização hierárquica da tipografia,
a ordenação e configuração do espaço gráfico apresentam-se sem definição muito precisa e rigorosa. Os
elementos textuais são compostos com tipos serifados originários de três famílias distintas: a Bodoni é a
escolha principal, a que compõe todos os poemas, complementada por uma transicional, próxima ao design
da Cochin e outra, tendendo um pouco ao decorativo (fig.2, 3 e 5). Essa seleção, ao contrário de intenções
relativas à estrutura formal dos caracteres, parece ser guiada pela necessidade de distinções entre pesos e
corpos dos tipos, o que indicaria indisponibilidade de muitas variações dentro da mesma família tipográfica.
Mas, se a impressão foi realizada na Empresa Gráfica Revista dos Tribunais, detentora de amplos recursos
gráficos no período (Hallewell 2005), o que teria definido o processo de produção gráfica? É intrigante ainda,
a verificação de inconsistências na configuração e no conjunto das páginas. Mesmo com a possível inexistên-
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Figura 6: Noigandres 2, capa, página de rosto/sumário. Aberturas de seções reverberam a solução para
a capa, configuração de páginas com poemas, compostos com dois tipos sem serifa distintos. (Coleção da
Biblioteca Brasiliana Guita e José Mindlin)
85
Figura 7: Noigandres 2, detalhe de Lygia Fingers de Augusto de Campos, da série Poetamenos, composto no tipo Kabel. (Coleção da Biblioteca Brasiliana Guita e José Mindlin)
Figura 8: Noigandres 2, detalhe de Ciropéia ou a Educação do Príncipe de Haroldo de
Campos, composto com outro tipo sem serifa, próximo da Franklin Gothic. (Coleção da Biblioteca Brasiliana Guita e José Mindlin)
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cia de projeto integral – como já observado – e mesmo que as escolhas fossem mediadas pelo tipógrafo, ele
incorporaria um saber relacionado à tradição gráfica do livro, que não aparece nessa edição.
A partir da Noigandres 2, publicada em 1955, escolhas e soluções tomam direcionamento construtivo, quando já está ativo o intercâmbio entre artistas-designers e poetas. Este número tem a colaboração de Maurício Nogueira Lima, ex-aluno do curso de desenho industrial do IAC e membro do Grupo Ruptura. O projeto
gráfico traz essencialidade, assimetria, campo gráfico ativo, proporções dinâmicas para as margens. Uma
configuração articulada ao formato do suporte relaciona as configurações de capa e separação entre seções
no miolo, o que se assemelha à proposição do cartaz premiado de Antônio Maluf, onde o suporte torna-se
protagonista e gera toda a composição.
A opção por formas sem serifa, participa do caráter essencial, que é reiterado pela predominância de composições de textos inteiros em caixa-baixa, desconsiderando convenções estabelecidas (fig. 6). Essencialidade que propõe relações diretas com o projeto gráfico do Manifesto Ruptura, todo em Futura caixa-baixa, e
daí com as formas elementares e o alfabeto universal de Herbert Bayer – Bauhaus. Mas, se é essa a direção
indicada, por que a utilização de três tipos sem serifa e formas tipográficas com partidos distintos (fig. 7 e
8) – uma grotesca, próxima da Franklin Gothic, e duas geométricas, a Futura e a Kabel – relaciona-se com
princípios e necessidades pertinentes à concepção dos poemas? Por que a opção pela Kabel nos poemas
de Augusto de Campos (fig. 7), não dispunham de variações da família Futura que aparece em composições
tipográficas na capa? Escolhas e decisões implicam em qual intensidade de interações e trocas entre designer
e poetas? Maurício Nogueira Lima participa de todo o projeto e faz a mediação com a produção? Quais as
tensões com a reprodução gráfica?
Figura 9: Noigandres 3, detalhes de duas poesias de Augusto de Campos: Morteperola todo
composto com o tipo Kabel bold e Concreto, com Futura light e Kabel bold em “certo”.
Publicada simultaneamente à I Exposição Nacional de Arte Concreta, em 1956, a Noigandres 3 traz poesia concreta para nomear as experimentações dos poetas, e soluções do design gráfico que aprofundam o
caráter construtivo. O projeto gráfico ecoa os diferentes experimentos poéticos em configurações da capa,
do sumário, das aberturas, propondo um “nó de relações” entre poesia e objeto gráfico. O projeto de Décio
Pignatari para a capa (Bandeira 2002) parte de uma composição tipográfica em matriz ortogonal onde o
texto é estruturado pelos caracteres situados como pontos, considerando suas relações formais e ritmo nos
alinhamentos verticais. Toda a composição em Futura bold caixa-baixa é integrada pelo mesmo corpo e peso,
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Figura 10: Noigandres 3, capa configurada em grid quadricular; sumário configurado em relação à medianiz, considerando a estrutura do próprio objeto gráfico (Um lance de dados - Malarmé); aberturas
de seções e páginas de poemas. (Coleção da Biblioteca Brasiliana Guita e José Mindlin)
88
desconsiderando qualquer especificação hierárquica, é a estrutura que se destaca (fig.10).
Unidade e identidade do projeto integral são enfatizadas pelo uso majoritário dos tipos da família Futura, todos essencialmente em caixa-baixa. Entretanto, verifica-se ainda a fonte Kabel em alguns textos (fig.9), provavelmente para solucionar lacunas entre pesos e corpos no conjunto de tipos da Futura, quando em utilização
complementar, mas seria pelo mesmo motivo que compõe totalmente alguns poemas de Augusto de Campos?
Interessa notar que a composição tipográfica das Noigandres 2 e 3 foi realizada pela mesma gráfica. Teria havido implementação nos recursos de produção ou as diferenças nas especificações
tipográficas entre essas duas edições referem-se às definições de projeto gráfico e/ou poesia?
Figura 11: Noigandres 4, livro-poema Life de Décio
Pignatari. (Coleção Ésio Macedo Ribeiro)
A Noigandres 4, publicada em 1958, dá corpo à “radicalização do projeto do grupo”, segundo João Bandeira
(2002: 22), este objeto gráfico materializa o que por definição significaria poesia concreta da fase ortodoxa. O
objeto gráfico projetado por Hermelino Fiaminghi, contém os poemas em lâminas soltas impressas em um só
lado, um livro-poema e o Plano Piloto para poesia concreta em duas outras folhas. O conjunto é reunido em
uma espécie de pasta, cuja face frontal traz uma composição geométrica de Fiaminghi, construída a partir de
quadrados e círculos, que se articula aos elementos textuais, em Futura caixa-baixa extra bold. Coincidindo
com a composição espacial dos poemas, a estrutura em grid quadriculado organiza o projeto gráfico (fig.12).
Todos os textos no projeto são compostos em Futura, identificada como a forma tipográfica da poesia concreta. A exceção é Life, livro-poema de Pignatari com tipografia projetada por Maurício Nogueira Lima, cujo
design é acentuadamente ortogonal (fig.11). Aquilo que se propunha como um “nó de relações” na solução
projetual da Noigandres 3, agora aparece como solução una entre a dimensão tipográfica da poesia e a dimensão tipográfica do projeto. A Noigandres 4 evidencia a produção coletiva e afirma a relação colaborativa
entre artistas/designers e poetas, note-se que nela é retomada a idéia de poemas cartazes, participantes da
I Exposição Nacional de Arte Concreta.
A análise dos atributos materiais das Noigandres, via informações advindas de documentação fotográfica, fontes
primárias, crítica e historiografia, indica a necessidade de esmiuçamento do processo de materialização do objeto gráfico. A produção da Noigandres condensa novas proposições para o design e a poesia que entrelaçam
escolhas projetuais e escolhas poéticas. Esclarecer a dimensão do design passa por identificar a natureza das
89
Figura 12: Noigandres 4, face frontal da embalagem com uma composição geométrica de Hermelino
Fiaminghi e lâminas com poemas-cartazes, compostos em Futura extra bold; todo o conjunto é estruturado em grid quadricular. (Coleção Ésio Macedo Ribeiro)
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escolhas do projeto. Quais as contingências de produção gráfica – saberes gráficos tradicionais, famílias tipográficas existentes e disponíveis nas oficinas que realizaram as impressões, limitação de recursos econômicos
para a publicação? Quais as mediações, contaminações, tensões entre artistas/designers, gráficos e poetas?
A análise realizada tanto quanto as fontes estudadas não dão conta de esclarecer essas questões, o que
conduz a pesquisa para ouvir os atores envolvidos no processo. Esse rumo, tomado pela pesquisa, indicou a
necessidade de discutir sobre uma metodologia para as entrevistas, assim como de um corpus teórico que
auxiliasse a reflexão sobre os depoimentos.
Entrevistas com Artistas/Designers e Poetas: Reflexões Metodológicas
No início desta pesquisa realizou-se uma entrevista gravada em vídeo com um dos atores da poesia visual,
Cláudio Ferlauto5. A análise dessa entrevista suscitou percepções e perguntas sobre a mise en scène da entrevista, a atuação dos personagens, os fluxos narrativos, o discurso6. Em busca de corpus teóricos que trabalhassem essas questões e discutissem a realização do documento oral e audiovisual, bem como a construção
de conhecimento a partir deles, deu-se uma aproximação com algumas das reflexões da história oral, do documentário e da antropologia visual.
Em diálogo com a sociologia, psicologia e antropologia, a história oral tem travado um debate acirrado com
uma parte da historiografia, na defesa do uso de depoimentos orais como evidência histórica. Parcial e tendencioso, pois sujeito às escolhas e recortes de seus autores, impreciso e inconsistente devido às artimanhas
da memória, o depoimento oral seria de fatura diversa, teria menor credibilidade como documento histórico.
No entanto, seleções, parcialidade, subjetividade são condições inerentes a qualquer documento. Walter
Benjamim nos remete a esta questão:
Villemessant, o fundador do Figaro, caracterizou a essência da informação com uma fórmula famosa.
“Para meus leitores”, costumava dizer, “o incêndio num sótão do Quartier Latin é mais importante que
uma revolução em Madri.” Essa fórmula lapidar mostra claramente que o saber que vem de longe encontra hoje menos ouvintes que a informação sobre acontecimentos próximos… (Benjamin 1994: 203)
A fórmula do fundador do Figaro expõe os critérios da elaboração da página de um jornal que, décadas
depois, será considerado fonte histórica “fidedigna” e “objetiva”. Saliente-se o processo de seleção e de
montagem: uma notícia e não outra ocupa aquele espaço no jornal. O mesmo acontece com outros tipos de
documento, aparentemente objetivos, como testamentos, relatórios ou estatísticas.
A história do Figaro sensibiliza para o fato de que o trabalho com documentos (cartas, diários, autobiografias, relatórios, estatísticas, testamentos etc.) requer um processo de desmontagem, requer investigar quem
fala, de que lugar social, com que intenção. Requer buscar a consistência interna dos fatos e cruzar fontes. E,
ainda, investigar como tal documento se constituiu como evidência. Essa metodologia não é diversa no trabalho com depoimentos gravados. Os aspectos distintivos dos depoimentos orais ou audiovisuais são outros.
Um dos aspectos que distingue a evidência obtida por meio de entrevistas gravadas, como instrumento de
investigação, é sua possibilidade de acesso a sinais que podem deixar transparecer a constituição dos significados:
5 Arquiteto, designer e professor, Ferlauto fez o design de poemas de Décio Pignatari como Femme e Poema em Esperanto,
publicados em 1987. Não é intuito da pesquisa, neste momento, fazer a transcrição da entrevista, devido a seu caráter exploratório.
6 Mise en scène compreendida como encenação, como o colocar em cena de entrevistador, entrevistado, dispositivos de filmagem
ou gravação (câmeras, microfones, luz, cabos etc.). A mise en scène é compreendida aqui também como as seleções (planos,
ângulos, durações, transições) realizadas nas gravações.
91
Todas as palavras empregadas estão ali exatamente como foram faladas; e a elas se somam pistas sociais,
as nuances da incerteza, do humor ou do fingimento, bem como a textura do dialeto. Ela transmite todas
as qualidades distintivas da comunicação oral, em vez da escrita – sua empatia ou combatividade humana,
sua natureza essencialmente tentativa, inacabada. (Thompson 1992: 146)
Em entrevistas com caráter retrospectivo, a dimensão temporal é variante significativa, pois a construção de
sentidos é mais suscetível a alterações da percepção relacionadas ao processo da memória: “o cérebro recorda as memórias utilizando os mesmos mecanismos pelos quais percebemos o mundo” (Pliszka 2004: 85).
Por exemplo, quando uma determinada situação é lembrada as áreas corticais ativadas no cérebro são as
mesmas de quando essa situação foi vivenciada. Mas isso não significa que a lembrança recuperada seja fiel
ao acontecimento, pois a memória carrega consigo afetos e estados de ânimo que modulam as recordações,
além da importância do esquecer para o ato de lembrar. A memória é contextual, e freqüentemente desencadeia associações entre lugares, pessoas e eventos ocorridos em momentos diferentes. Ao lembrar, os fatos
passados são recriados, pois o cérebro não se comporta como um reservatório de imagens. A memória não
funciona por regressão ao passado, ela é atualizada no presente por planos de consciência, até se tornar uma
percepção atual (Bergson 1990).
Recordar é uma tarefa muito elaborada, é quando os traços mnésicos “são procurados ativamente, seja
consciente ou inconscientemente, baseados em critérios de seleção e apoiados em necessidades, circunstâncias e informações externas” (Corrêa 2008: 175). O reconhecimento e a evocação são os mecanismos de
rememoração. No reconhecimento, a percepção de algo novo faz lembrar de informações já memorizadas.
Na evocação, há busca pelas lembranças, as operações de memorização7 são ativadas para, mais facilmente,
encontrar aquilo que se procura. Em geral, é resgatado o contexto no qual a lembrança foi formada, como: o
local, o ambiente, as pessoas, o estado emocional, a motivação do momento.
A memória é seletiva, e ao longo da vida, tudo aquilo que não nos interessa, ou tudo aquilo que nos marcou negativamente, vai sendo descartado. Algumas lembranças são efetivamente esquecidas, outras permanecem de forma latente, e podem ser rememoradas a partir de algum estímulo casual, ou induzido.
No trabalho com fontes orais, Paul Thompson alerta para o fato de que é condição fundamental o querer
lembrar, pois a lembrança pode ser inibida pela relutância consciente ou por repressão inconsciente. Destaca
ainda a função do interesse e necessidade social no lembrar8.
7 Há todo um processo para consolidar a memória, para que ela dure, de modo explícito ou implícito. Consolidar um aprendizado,
depende das articulações, do contexto, da atenção, da relação com o meio, dos circuitos neurais, etc. A memória de longo prazo
comporta, segundo Corrêa (2008), três etapas precisas classificadas como: memorização, conservação e rememoração. O primeiro
momento de consolidação é chamado de memorização – “período do tratamento da informação e engloba o conjunto de processos
que permitem a formação e a conservação dos traços mnésicos” (Corrêa 2008: 173). É uma etapa complexa composta pelas
seguintes operações: de codificação, de associação, de estruturação e organização, de indexação. Em seguida, vem o momento
de conservação ou armazenagem, corresponde aos processos de estocagem da informação. A conservação engloba os processos
de consolidação e de reconstrução, pois a memória não é estática, ela está sendo continuamente retrabalhada, reestruturada,
reindexada a partir das novas informações que chegam. Dessa forma, as lembranças são novamente memorizadas, de novo
reconstruídas e de novo memorizadas, assim sucessivamente. A terceira etapa é a da rememoração, que corresponde ao resgate
da informação.
8 “Demonstrou-se que os suazis analfabetos, que se poderia pensar tivessem memória particularmente boa por não poderem
escrever nada, não são mais capazes de se lembrar de recados para os europeus do que os próprios europeus; porém, se indagados
sobre a descrição exata e o preço dos bois que venderam no ano anterior, são capazes de relacioná-los, enquanto que o europeu
que comprou os bois e anotou os preços em seus livros não consegue fazê-lo.”(...) Ainda pensando interesse e necessidade social,
Iona e Peter Opie descobriram cadeias de transmissão de memória impressionantes em seu estudo sobre cantigas e linguagem
das crianças em idade escolar. “Entre as expressões de pedido de trégua usadas pelas crianças – cuja precisão é supostamente de
particular importância para elas – há palavras como barley e fain que remontam à Idade Média.” (Thompson 1992: 153)
92
Como toda a lembrança é a atualização do passado no presente, ela é recriada e nesse recriar é muito comum a incorporação de mentiras, variações, ou o enriquecimento de nossas recordações (Izquierdo 2002). É
preciso, portanto, estar atento para alguns dos processos mais interessantes da memória: as condensações
(condensar dois eventos que ocorreram separados), os deslocamentos de contexto (por ex: atribuir uma
determinada data a um evento ocorrido, na realidade, em outra), as distorções e supressões. O cineasta Luis
Buñuel, refletindo sobre suas memórias, ilumina um desses processos:
Indispensável e onipotente, a memória é também frágil e vulnerável. Não apenas é ameaçada pelo esquecimento, seu velho inimigo, como pelas falsas recordações que dia após dia a invadem. Um exemplo:
durante muito tempo contei a amigos (e conto neste livro) o casamento de Paul Nizan, brilhante intelectual marxista dos anos 1930. Eu revia perfeitamente a igreja de Saint-Germain-des-Prés, os convidados,
dos quais eu fazia parte, o altar, o padre, Jean-Paul Sartre, padrinho do noivo. Um belo dia, no ano passado, pensei subitamente: mas isso é impossível! Nunca Paul Nizan, marxista convicto, e sua mulher,
pertencente a uma família de agnósticos, teriam se casado na igreja! Era absolutamente impensável! Teria
eu então alterado uma recordação? Tratava-se de uma invenção? Uma confusão? Será que montei um
cenário familiar de igreja para uma cena que me contaram? Ainda hoje não faço idéia.” (Buñuel 2009: 15)
É curioso pensar como Buñuel reencena o casamento do amigo marxista com o cenário e as vivências de
sua infância: o colégio jesuíta, a Espanha intensamente católica. Como o joguete de um filme surrealista, a
memória funde personagens pertencentes a espaços e tempos outros.
Longe de ser um impeditivo para o trabalho com relatos, a mescla de realidade e imaginário pode ser peça
preciosa para o pesquisador. O erro permite o acesso a outras dimensões, como as projeções e desejos das
pessoas em relação ao passado. Como diz Portelli,
A importância do testemunho oral pode estar, muitas vezes, não em seu apego aos fatos, mas antes em
sua divergência com eles, ali onde a imaginação e o simbolismo desejam penetrar. Em suma, a história
não é apenas sobre eventos, ou estruturas, ou padrões de comportamento, mas também sobre como
são eles vivenciados e lembrados na imaginação. E parte da história, aquilo que as pessoas imaginam
que aconteceu, e também o que acreditam que poderia ter acontecido – sua imaginação de um passado
alternativo e, pois, de um presente alternativo – , pode ser tão fundamental quanto aquilo que aconteceu.
(Portelli apud Thompson 1992: 184)
A complexidade da memória, com sua mistura entre objetivo e subjetivo, permite traçar um paralelo com
o processo de investigação e de conhecimento via audiovisual. Em uma cultura histórica e acadêmica ainda
assentada nas codificações do saber escrito, impresso (uniforme, ordenado, linear), com o valor do acabado,
a complexidade presente em qualquer processo de conhecimento é muitas vezes suprimida. Assim como
as falas de qualquer documento provém de alguém que fala de um determinado lugar social, o sujeito que
busca conhecer também está imerso em uma realidade histórica que condiciona seu olhar, suas questões,
recortes, seleções. A diferença do documento audiovisual é que as mediações, os condicionamentos dos
depoimentos podem ficar mais visíveis. O documento audiovisual pode revelar seu próprio processo de
produção: a encenação, a autoencenação de entrevistado e entrevistadores; as perguntas realizadas, seus
tons e encadeamento; os lugares sociais; a qualidade do envolvimento, as características e nuances da fala,
as tergiversações, hesitações, ênfases, cadências e gestos ausentes na escrita, as molduras do discurso. Pode
revelar, enfim, o conhecimento como relação dialógica, de encontro do homem com outro homem, resgatando a complexidade do processo de investigação e de conhecimento. (Ribeiro 2004: 137)
Claro está que se trata de uma opção, o documento audiovisual pode ser realizado dessa maneira ou
pode apagar as marcas de seu fazer, ordenar o discurso, alinhar-se às idéias: objetividade, exposição,
demonstração. Há toda uma tradição documental alinhada a essas idéias.
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Ancorada em ampla documentação e na historiografia e, portanto, em um saber já construído, a abordagem
desta pesquisa, distancia-se, no entanto, dos modelos expositivos de documentário em que as imagens e
sons funcionam como comprovações de um saber já existente. A opção de abordagem aproxima-se mais de
modelos participativos9, em que o mundo que vemos e ouvimos na tela não é um mundo neutro e objetivo
mas um mundo mediado pelas seleções – enquadramentos e ângulos de câmera, cortes e durações de planos – e construído pelas relações cineasta/ mundo, cineasta/pessoas entrevistadas, – assumidos os lugares
sociais de onde falam cada um dos participantes da relação. (Ribeiro 2004. Nichols 2005)
Considerações Finais
Os estudos realizados na pesquisa possibilitaram discutir e definir metodologia, precisar e aprofundar
questões. A observação cuidadosa e a análise da materialidade do objeto gráfico conduziram a novos caminhos que suscitaram novas interrogações. Mesmo antes dos depoimentos e encontros audiovisuais é preciso
preparação para as entrevistas, planejar estratégias para que o recorte proposto não se perca em desvios,
atentar para os lugares sociais dos atores sociais envolvidos – tanto entrevistadores como entrevistados, considerar os vieses e a natureza da memória, a explicitação de seleções e mediações. São essas algumas das reflexões despertadas pela aproximação com as abordagens pertinentes à história oral e ao documentário, que
orientam a próxima fase da pesquisa, ou, os trabalhos com as entrevistas e suas posteriores análise e edição.
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9 Um exemplo clássico do cinema participativo seria o filme Cronique d’un Eté, realizado em 1960 pelo antropólogo e cineasta Jean
Rouch e pelo sociólogo Edgar Morin.
94
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THOMPSON, Paul (1992) A voz do passado: história oral. Rio de Janeiro: Paz e Terra.
95
Interfaces flusserianas
entre as imagens técnicas
e a cultura midiática
Alex F. Heilmair
Resumo O presente artigo propõe discutir as bases da relação entre as imagens técnicas e a cultura
midiática. Para isso parte de um quadro teórico desenvolvido pelo filósofo Vilém Flusser ao longo de
suas investigações, que apontam para a simetria conceitual entre cultura e comunicação. No contexto de seu pensamento, a comunicação humana é um processo artificial, advindo da capacidade do
homem de ordenar símbolos em códigos, o que possibilita o armazenamento, o processamento e a
transmissão de informações adquiridas culturalmente. A substituição de um código por outro interfere diretamente na organização dos modelos de vivência, conhecimento e valoração adotados pelo
homem. Até o século XIX a escrita representava a memória cultural, mas desde a invenção do aparelho fotográfico a verbalidade passou a perder terreno para as fotografias, vídeos, cartazes e telas
de computador. A crescente hegemonia das imagens técnicas, imagens caracterizadas pela ciência
que emerge da pós-escrita, vem substituindo rapidamente os espaços anteriormente ocupados pela
escrita e pela imagem tradicional, pré-histórica. Como este procedimento reorganiza os campos da
ciência, da arte e da técnica é a problemática que enfrentaremos aqui.
Palavras-chave: Imagem técnica; Códigos; Aparelho; Vilém Flusser.
96
Alex F. Heilmair
Introdução
Um dos pensadores que se propôs a enfrentar sistematicamente as questões do homem e seus meios de
comunicação foi o filósofo da mídia Vilém Flusser. Flusser empenhou-se integralmente na elaboração de uma
teoria da comunicação que não estivesse fundada em uma perspectiva funcionalista, mas que considerasse
o caráter humano como aspecto central de toda mediação. Em suas análises procurou desembaraçar a complexa rede de relações intersubjetivas que compõem o atual cenário do mundo codificado da cultura. Nessa
busca pelo sentido da comunicação e seus desdobramentos sobre o homem, Flusser levantou importantes
questões a respeito das imagens e como estas nos programam através de fotos, filmes, revistas, etc. O filósofo nos ensina que as respostas para essas perguntas não são obtidas apenas no presente, mas também nas
profundas camadas da história da cultura, ao realizar escavações arqueológicas do pensamento, buscando
entre os códigos da oralidade mítica, das imagens mágicas e dos textos históricos, as raízes de nossa cultura
midiática.
O objetivo do presente artigo é num primeiro momento mostrar a estreita relação existente entre cultura e
comunicação na obra de Flusser. Deve ficar claro o aspecto antinatural que permeia sua estrutura e o caráter
existencial que motiva sua construção, ressaltando que o modo como as informações são armazenadas, processadas e transmitidas dentro de cada código de comunicação influencia as estruturas de conhecimento,
vivência e comportamento. Depois será feita uma análise genético-formal do código da imagem pós-histórica
inscrito nas imagens que nos circulam diariamente e são nosso principal meio de vinculação cultural. Finalmente mostraremos por que estas imagens se tornaram no código dominante e como elas dissolvem as
distinções históricas entre ciência, arte e técnica.
1. Código, comunicação e cultura
Um ponto importante a ser compreendido a respeito da teoria da comunicação de Flusser é seu argumento
de que a comunicação humana é um processo artificial que se diferencia de outras formas de comunicação
biológica, como aquelas dos animais ou das plantas. A comunicação humana depende de artifícios, ou seja,
instrumentos encarregados de organizar símbolos em códigos. Mas o interesse de Flusser não está no fato
que o homem é capaz de se comunicar artificialmente, e que o faz de forma distinta dos animais, mas na
intenção que está por traz. Para isso desenvolve duas teses1:
• A comunicação é um artifício contra a tendência da natureza a entropia.
• A comunicação é um artifício contra a solidão do homem perante a morte.
Flusser fundamenta sua primeira tese com base no segundo princípio da termodinâmica, no qual o universo,
quando considerado como sistema fechado, tende a situações cada vez mais prováveis, e os elementos que
o compõe têm propensão natural à desinformação. Assim a comunicação humana como processo neguentrópico2 é possível graças aos artifícios que permitem armazenar, processar e transmitir informações adquiridas culturalmente. Flusser aponta para situações semelhantes na natureza, evidenciadas em determinados
epiciclos biológicos dos quais o próprio homem e seu cérebro devem seu aparecimento. Entretanto, o comunicólogo deixa claro que essas situações neguentrópicas ocasionais têm movimento contrário aos artifícios
da comunicação humana: na natureza tais situações são frutos do acaso ou da necessidade, na comunicação,
são expressão da liberdade3. O homem armazena intencionalmente informações na forma da fala, desenho
e escrita graças a sua capacidade de criar símbolos e ordená-los em códigos.
1 FLUSSER, 2007, p. 9-15.
2 Processo que nega a entropia.
3 Ibid., p. 13
97
Interfaces flusserianas entre as imagens técnicas e a cultura midiática
A segunda tese de Flusser fundamenta-se na filosofia existencial, de acordo com a qual o homem é o único
animal a ter consciência de sua própria morte. Sabe que pode morrer a qualquer momento e que acontecerá
em solidão. A rejeição a essa idéia torna o homem um animal político, que se comunica e compartilha com
os outros para esquecer de sua morte. A existência do homem sem a comunicação tornaria-se insuportável,
seria uma vida sem sentido. A comunicação é portanto um artifício para dar sentido a uma existência naturalmente absurda.
Tanto do ponto de vista existencial (como tentativa de superação da morte por meio da companhia de
outros), como do ponto de vista formal (como tentativa de produzir e armazenar informações), a nossa
comunicação aparece como uma tentativa de negar a natureza, e isso não se refere somente a ‘natureza’
lá fora, mas também a ‘natureza’ dos homens.4
Para que o mundo natural possa ser trapaceado pelos artifícios da comunicação, é preciso que as informações adquiridas sejam armazenadas, processadas e transmitidas de acordo com um código compartilhado culturalmente.
Flusser entende os códigos como sistemas que organizam a manipulação de símbolos. Estes símbolos por sua
vez são fenômenos que por convenção significam outros fenômenos. A criação dos símbolos só foi possível
a partir do momento em que o “homem-macaco” (Pithecanthropus erectus) deu o primeiro salto (Sprung)
para fora da natureza há dois milhões de anos e passou a existir como homem. Flusser situa esse salto na
descrição teológica da expulsão do paraíso (Sündenfall) e na filosofia como a existência (Ex-sistere)5, fazendo
clara alusão ao Dasein de Heidegger. O salto primordial (Ursprung) abre um abismo entre o ser existente
e seu entorno, expondo-o as dores da alienação (Verfremdung). O abismo é superado pela mediação dos
símbolos, cuja função é servirem de pontes entre homem e mundo. Quando esses símbolos são organizados de acordo com regras compartilhadas e aceites em sociedade, passam a valer como códigos culturais.
Códigos são sistemas elaborados intencionalmente pelo homem na busca de sentido para a vida. Esses sistemas encobrem o mundo para lhe significar. Neste mundo codificado, o homem vive em meio a
fios simbólicos que o circulam e tecem o véu no qual informações culturais são armazenadas e processadas. O mundo artificial torna-se assim uma segunda natureza. Há nisso uma relação dialética: ao mesmo tempo em que os códigos apresentam o mundo para significá-lo, trancam o acesso a ele. As imagens e os textos que nos circulam tem caráter ambivalente: mostram e ocultam simultaneamente.
Flusser deixa claro que a comunicação tem a função de fazer o homem esquecer de sua existência em um
mundo artificial. Os códigos devem ter sempre a aparência de janelas, jamais de espelhos. O enfraquecimento de um código e a respectiva substituição por outro ocorre quando as intenções humanas dos códigos
tornam-se evidentes. O código visto como biombo revela a artificialidade da comunicação e traz ao homem
consciência de sua existência absurda. O salto da imagem tradicional para a escrita, e desta para a imagem
técnica é conseqüência da opacidade dos códigos e serve como fundamento para explicar o mal-estar e a
falta de sentido que permeia a existência contemporânea.
Flusser divide assim a história da cultura em quatro grandes códigos, representando respectivamente quatro
universos codificados: o universo da fala mítica, o das imagens mágicas, o dos textos históricos e o atual universo das imagens técnicas. Em cada uma, Flusser identifica um tipo de homem com respectivos modelos de
vivência, conhecimento e comportamento.
A importância do código para a cultura não deve ser subestimado. Cada código não dá ao mundo somente
um significado específico (codifica o mundo a sua maneira), mas a estrutura dos códigos, organiza igualmente o pensamento, as sensações e vontades. 6
4 Tradução livre do autor. Ibid., p. 13
5 Ibid, p.74-76
6 Ibid., p.242
98
Alex F. Heilmair
2. Abstração e imagem técnica
Em sua obra, Flusser dedica atenção especial ao código da imagem técnica, que surgiu graças a invenção
do aparelho fotográfico e representa uma nova forma de existência no mundo. As imagens técnicas, inicialmente limitadas ao suporte do papel fotográfico, chegam hoje até nós através de filmes, impressos e telas
de computador, e comprovam sua onipresença na cultura. Como já vimos acima, o interesse que Flusser tem
pelo código da imagem técnica é duplo: 1) por sua estrutura enquanto código de comunicação, ou seja, como
artifício para trapacear a entropia e fazer o homem esquecer de sua existência absurda; 2) enquanto modelo
da estrutura do pensamento e da cultura contemporânea.
Quando analisada do ponto de vista objetivo, a imagem técnica em nada se diferencia de outros códigos –
como os da imagem tradicional e da escrita – pois todos têm a função de servirem como meios de comunicação. Entretanto quando visto pela perspectiva intersubjetiva da comunicologia de Flusser, o interesse deixa
de ser o fato que códigos armazenam símbolos, mas o modo como estes o fazem. Para o comunicólogo não
se trata da procura pela função dos códigos, ou seja, de uma pergunta teleológica com um objetivo determinado em busca de uma resposta final, mas pela indagação que opte pelo “como” (wie) e “porque” (warum)
do problema em detrimento do “para que” (wozu); trata-se, portanto de um problema formal e por isso
não-funcional.
Sob esta perspectiva, Flusser defende que a existência humana se move do horizonte do concreto ao abstrato e pode ser descrita como lento e penoso desenvolvimento cultural caracterizado pelo recuo gradual do
mundo vivente (Lebenswelt) rumo a crescente alienação (Verfremdung): da tridimensionalidade dos corpos,
para a bidimensionalidade das imagens mágicas, de lá para a unidimensionalidade dos textos históricos, e
desta para nulodimensionalidade das imagens técnicas. O propósito de tal processo abstrativo é “tomar distância do concreto para poder agarrá-lo melhor”7, isto é, imagens para observar corpos, escrita para explicar
imagens, números para calcular textos.
O último passo só foi possível em virtude da crise interna do código alfanumérico. Revelando-se incapaz de
explicar os fenômenos do mundo, os textos perdem sua autoridade permitindo o avanço e respectivo êxodo
dos números do código alfanumérico. A radicalidade da modernidade histórica foi a adoção do pensamento
matemático em detrimento do pensamento escrito. Flusser caracteriza essa mudança sob o marco das reflexões de pensadores como Nicolau de Cusa e René Descartes, cujo foco investigativo transitou da interpretação dos escritos sagrados para a análise das aparências mundanas.8 As conseqüências do pensamento
calculista foram a perda da fé na solidez do mundo e sua respectiva dissolução em pontos. Esta dissolução se
realizou do lado objetivo pelas partículas da física, estímulos binários da neurofisiologia, genes da genética,
e do lado subjetivo, pelas reflexões da psicologia e filosofia existencial.
A fotografia, assim como toda imagem técnica, converte tal dissolução teórica em prática, e por isso é tema
de interesse na obra de Flusser. Segundo ele, a fotografia representa o universo dissolvido em fragmentos
não mais objetivo nem subjetivo mas projetivo. A fotografia é a primeira técnica a sinalizar um giro no eixo da
história da cultura revelando uma postura inédita do homem: não trata mais de caminhar rumo a abstração,
mas projeta-se adiante. Este fato pode ser observado com clareza quando confrontamos a estrutura da imagem tradicional, produto do processo de abstração, com a imagem técnica, resultado da projeção.
A imagem técnica é antes de tudo uma imagem formada por um mosaico de pontos que podem ser obser7 Id. 2008, p.18
8 Id. 1998a, p.9
99
vados na forma de pequenos grãos na fotografia, pelos conjuntos de retículas nas impressões gráficas, ou
pelos pixels luminosos nos monitores de computadores. A constatação desse fato depende apenas de uma
questão de distância. Quando observadas superficialmente, as imagens técnicas são idênticas às imagens
tradicionais, com exceção talvez de sua aparente objetividade. Mas quando contempladas em profundidade,
seu caráter reticulado é incontestável. Enquanto a imagem tradicional é uma superfície bidimensional produzida pelo homem com o auxílio de instrumentos, como pincel e estilete, a imagem técnica é nulodimensional produzida automaticamente por aparelhos. Na imagem tradicional é o gesto da mão e do braço que
compõe a imagem, na imagem técnica é o gesto interno do aparelho que figura a imagem.
Outra diferença entre as imagens tradicional e técnica é a relação que elas mantêm com o mundo concreto.
No caso das imagens tradicionais o homem deve imaginar o mundo para representá-lo em superfície. Do
concreto deve abstrair do espaço-tempo quadrimensional duas dimensões com a intenção de conservar apenas o plano. Já no caso da imagem técnica, trata-se de uma expressão com movimento contrário. Os pontos
dos quais são formadas as imagens técnicas, representam o último nível de abstração possível. Essas imagens
não apontam para o mundo, ou seja, não abstraem do concreto como numa subtração, mas concretizam o
abstrato numa adição.
Para que a imagem tradicional possa ser abstraída e traduzida em superfície, o homem depende da capacidade imaginativa (Imagination). Faz parte dessa aptidão, transformar fenômenos do mundo concreto em
símbolos para codificá-los em superfícies bidimensionais. No caso das imagens técnicas, a imaginação não é
uma aptidão do homem, mas um programa de aparelho, que calcula e computa pontos em planos. Flusser
define a capacidade de concretizar pontos nulodimensionais abstratos em planos bidimensionais concretos
de “força de imaginação”9 (Einbildungskraft). A imagem técnica apresenta-se assim como a soma de pontos
calculados e computados por aparelhos, e projetados pela Einbildungskraft em superfícies. Esse processo é
menos evidente na fotografia que ainda depende de uma referência externa, mas pode ser facilmente observado nas imagens digitais.
Ligado a esta questão também temos o fato que as imagens técnicas têm posicionamento ontológico diferente das imagens tradicionais, ou seja, estão em outro nível de existência (Seinebene). As imagens tradicionais são mágicas e precedem os textos. O mundo da pré-história se caracteriza pelo tempo circular e
a imagem tem a função de representar o mundo para que este possa ser dominado magicamente pelo
homem. Imagens técnicas são pós-históricas e sucedem os textos. Enquanto imagens tradicionais apontam
para fenômenos do mundo, imagens técnicas apontam para conceitos. Para que uma imagem tradicional
seja abstraída, depende de um contexto concreto, em contrapartida para que a imagem técnica seja concretizada necessita de um texto científico abstrato.
Em suma: a imagem técnica é produzida por aparelhos e composta por pontos calculados e computados de
acordo com um programa. Por ser imagem nulodimensional, precisa de novo tipo de imaginação (Einbildungskraft) para concretizar pontos em planos. O posicionamento ontológico da imagem técnica é pós- histórico,
fruto de textos científicos, e por isso projeta através do aparelho modelos de conhecimento, comportamento
e vivência, diferentes dos códigos da escrita e da imagem tradicional.
3. Imagem, técnica e arte
Uma vez compreendida a “natureza” formal da imagem técnica e sua origem no pensamento numérico,
devemos analisar como se estruturam os modelos de conhecimento, comportamento e vivência na cultura
midiática contemporânea. Para isso devemos regredir novamente à origem da modernidade a fim de contex9 Id. 2000, p. 40
100
Alex F. Heilmair
tualizar a ordem das três categorias durante e depois do período histórico.
No prisma da comunicologia, as imagens técnicas se estabelecem como “barragens” que sugam para seu
interior o universo das imagens tradicionais e dos textos históricos. Neste ato de devoração há uma dissolução e reorganização dos papéis da ciência, da técnica e da arte como estabelecidos no período histórico.
A invenção da imagem técnica foi, de acordo com Flusser, uma solução encontrada para a crise originada no
esgotamento e a respectiva perda de sentido do código da escrita. Como vimos acima, esta teve sua primeira
derrota durante a modernidade quando perdeu o prestígio para os números e desde então vem mostrando
sua decadência.
De acordo com o comunicólogo, a escrita foi inventada para substituir a consciência e o comportamento
mágico das imagens tradicionais em detrimento da consciência esclarecida dos textos históricos. Os textos
lineares explicam as imagens, desenrolam cenas em processos e organizam os eventos em relações causais.
O mundo passa a ser vivenciado de modo causal e progressivamente manipulável. O objetivo dos textos
era esclarecer e simultaneamente banir as imagens como formas de conhecimento e comportamento da
cultura.10 Por mais que este tenha sido o objetivo desde o início, houve um longo embate entre o código da
imagem com o da escrita.
A consciência histórica se generalizou somente após a invenção da imprensa e a introdução da escola obrigatória,
expulsando as imagens para “guetos chamados ‘museus’ e ‘exposições’, deixando de influir na vida cotidiana”11.
Mas a massificação da consciência histórica criou uma nova elite composta por cientistas. Com isso a cultura se
divide em três ramos: o pensamento histórico massificado, o pensamento científico formal e a imaginação marginalizada. Para compreendermos a imagem técnica devemos nos ater as diferenças entre o pensamento científico
e imagético.
De acordo com Flusser, a distinção entre ciência e arte é fruto da reformulação dos conceitos “teoria” e
“prática”. Dos gregos até a idade média “teoria” era a contemplação de formas “dadas” e “prática” sua aplicação. Não havia diferença entre teoria (episteme) e prática (techne). O cientista avistava as formas sob as
aparências e o artista as aplicava sobre a matéria. O termo informação tem origem neste contexto: a forma
ideal “sapato” era impressa sobre a matéria “couro”. O que a modernidade fez foi romper radicalmente com
esse elo.
Para a ciência moderna (a ciência sensu stricto), “teoria” não mais é visão de formas “dadas”, mas criação
de formas “feitas”. As formas deixam de ser “idéias” e passam a ser “modelos”. A ciência cria modelos a
fim de captar as aparências, explicá-las e alterá-las. […] Tal reformulação da “teoria” exige nova práxis (técnica), e toda nova técnica provoca nova teoria. E isto implica curiosa reformulação do conceito de “arte”.
Surge um tipo de práxis, jamais visto antes, que não participa diretamente da dialética “ciência-técnica” e
que consiste na criação de formas estéticas, isto é: vivenciadas. Tais formas não têm valor epistemológico
no significado científico do termo.12
Nesta concepção, a técnica se encarregava de desenvolver através da ciência, modelos de comportamento, e
a arte deveria formular modelos de vivência (modelos estéticos), posto em outros termos, a técnica buscava
pelo “bom” enquanto a arte buscava o “belo”. Diferenciava-se os bens culturais “úteis” dos “agradáveis”.
Flusser cita o exemplo da faca que contém o modelo de comportamento “assim devo cortar”, enquanto a
pintura contém o modelo de vivência “assim vivencio a aurora”. A conseqüência de tal prática em larga escala
10 Id. 2002, p.9-10
11 Ibid., p.17
12 Id. 1998b, p.171-172
101
foram as “desagradáveis cidades industriais e a inutilidade da arte moderna”.13
Atualmente, na era dos aparelhos e das imagens técnicas, a divisão moderna entre as três categorias tornouse insustentável e demasiadamente abstrata. A prática fotográfica foi o primeiro meio a evidenciar tal fato.
Na foto não se trata apenas de uma imagem no sentido moderno do termo, mas de uma imagem produzida
pela técnica. Se na modernidade a técnica era prática orientada por teoria e a produção de imagens artísticas era prática sem teoria, pois fruto da “inspiração”, a distinção entre técnica e arte perde seu sentido. De
acordo com Flusser, a fotografia evidencia a volta a indistinção pré-moderna entre teoria e prática, com a
exceção que desta vez informar não é mais imprimir idéias imutáveis sobre matéria, mas projetar modelos
programados. Como vimos anteriormente, imagens técnicas são projeções de pontos calculados e computados por aparelhos. Estes mosaicos planos são simultaneamente modelos de conhecimento, comportamento
e vivência. Uma capa de revista feminina com a foto de uma modelo comunica a um determinado segmento
da sociedade, o que é uma “mulher”, como ela deve se vestir, e do que deve gostar.
Nesta fusão dos três modelos, o que determina e qualifica a categoria de uma imagem é a mídia que a vincula. Vejamos o exemplo dado por Flusser. A fotografia do homem pisando na lua é arte quando exposta na
galeria de arte; ciência quando analisada no laboratório astronômico; política quando pendurada no gabinete do consulado americano.14 O que este exemplo mostra é o deslocamento de poder do produtor para o
meio de comunicação. O controle não está mais nas mãos do fotógrafo ou cinegrafista, mas no contexto que
a imagem se inscreve. Isto significa que uma vez produzida, a imagem se torna autônoma com virtualidades
programadas que podem se atualizar toda vez que retornam a uma mídia diferente. Flusser nos mostra assim
que criticar uma imagem apenas por seu conteúdo sem considerar as intenções do meio que a vincula é ato
ingênuo e ultrapassado.
As questões levantadas acima são apenas breves considerações do extenso e instigante universo flusseriano.
Se bem sucedido, o artigo deveria sensibilizar os leitores a uma interpretação mais abrangente da obra de
Flusser que enfatiza a importância da imagem para a compreensão e a crítica da cultura contemporânea.
Neste sentido a grande contribuição de Flusser foi ter analisado as estruturas formais e existenciais que sustentam e conduzem a cultura humana, inserindo a imagem técnica no centro desta questão mostrando que
atualmente é ela que orienta nosso modo de pensar, escolher e sentir.
FLUSSER, Vilém (1998a) Vom Subjekt zum Projekt. Menschwerdung. Frankfurt/M: Fischer Verlag.
FLUSSER, Vilém (1998b) Ficções filosóficas. São Paulo: Edusp.
FLUSSER, Vilém (1998c) Europäische Kunst, 1991. In: Standpunkte: Texte zur Fotografie. Göttinger: European
Photography.
FLUSSER, Vilém (2000) Ins Universum der Technischen Bilder. Göttinger: European Photography.
FLUSSER, Vilém (2002) Filosofia da caixa preta: ensaios para uma futura filosofia da fotografia. Rio de Janeiro:
Relume Dumará.
FLUSSER, Vilém (2007) Kommunikologie. Frankfurt/M: Fischer.
FLUSSER, Vilém (2008) O universo das imagens técnicas: elogio da superficialidade. São Paulo: Annablume.
FLUSSER, Vilém (2009) Komnmunikologie weiter denken. Frankfurt/M: Fischer Verlag.
13 Id. 1998c, p.232
14 Id. 2009, p.136
102
Recontar as verdades das
imagens e das palavras
RETELL THE TRUTHS OF IMAGES
AND WORDS
Ana da Palma
Resumo Procuramos um caminho para uma abordagem teórica coerente entre o nosso objecto em
estudo, as imagens e as narrativas, envolvendo a noção de verdade salientada por meio de uma diegese
intricada apresentada no filme Rashomon de Akira Kurosawa, e as ferramentas de conhecimento e reflexão ao nosso dispor. Recorrendo ao filme, no contexto da Escola Artística Soares dos Reis, como instrumento didáctico-pedagógico, pretende-se evidenciar e pôr em prática aquilo que adoptamos como
sendo o dialogismo, enquanto instrumento, para uma literacia cidadã. A experiência desenvolve-se em
três áreas curriculares dos 12º anos dos cursos de Produção Artística e Comunicação Audiovisual.
Palavras-chave: Cinema, Educação, Dialogismo; Literacia cidadã.
Abstract We are searching for a path to reach a coherent theoretical approach between our subject
study, images and narratives, through the very notion of truth subjacent in the intricate narrative in
Akira Kurosawa’s film Rashomon, and our instruments of knowledge and thought. By means of the film,
as a didactic and pedagogical tool we pretend to reveal and practice what we called dialogism, and
adopted as an instrument, to reach a citizen literacy. The experience will take place in the artistic school
Soares dos Reis in three distinct curricula areas for 12th grade of high school or further education in
Artistic Production and Audiovisual Communication.
Keywords: Cinema, Education; Dialogism; Citizen literacy.
Filmografia Rashomon, Akira Kurosawa
103
PAISAGENS SONORAS URBANAS,
SONORIDADES DAS MIGRAÇÕES, IMAGENS
SONORAS DA CULTURA
Viviane Vedana, BIEV, Universidade Federal do Rio Grande do Sul, Brasil
Migel Alonso, Universitat Rovira i Virgili, Tarragona, Espanha
José da Silva Ribeiro, CEMRI, Universidade Aberta, Portugal
O ouvir foi, durante séculos na cultura Ocidental, dominado pela perceção visual. Estudos como
os de Michel Chion sobre o som para o cinema apontam para esta sobredeterminação da imagem
visual sobre a imagem sonora na elaboração da narrativa fílmica. Nas ciências sociais, notadamente
na antropologia, as sonoridades também apareceram em um lugar restrito às musicalidades ou
a narrativa oral. Recentemente, no entanto, investigações em ciências sociais e comunicação
têm voltado sua atenção às imagens sonoras nos seus mais diversos aspetos, tais como acústico,
cultural e social. Diversas pesquisas sobre paisagens sonoras e formas sonoras de expressão da
cultura têm sido desenvolvidas em diferentes contextos universitários, afirmando a condição de
produção de sentido e de construção de conhecimento das sonoridades. Constitui-se como centro
da investigação nesta temática, portanto, analisar e discutir as potencialidades interpretativas da
imagem sonora nas pesquisas em Ciências Sociais, Antropologia, Comunicação, etc. sobretudo
no que tange suas dimensões culturais e sociais. Abordaremos o tema das expressões sonoras
da cultura, da imagem sonora, das paisagens sonoras através de diferentes perspetivas teóricas,
metodológicas e tecnológicas, tendo em vista o caráter de transversalidade da pesquisa com
imagens sonoras em relação a estudos de antropologia urbana e sociedades complexas,
migrações e fluxos internacionais, formas de sociabilidade e rituais, entre outros. Propomos
recolher estudos em que os sons se apresentam como parte importante da interpretação das
culturas e das sociedades humanas considerando as práticas sociais dos indivíduos e dos grupos,
as formas de vida social e o património cultural das populações.
105
Diálogos entre a imagem
visual e a imagem sonora :
a experiência de escritura
do sonoro nos documentários etnográficos
Viviane Vedana
Resumo Este trabalho apresenta a experiência de pesquisa do Banco de Imagens e Efeitos Visuais
(UFRGS/Brasil) na produção de documentários etnográficos. Trata-se de refletir sobre os diálogos e
negociações presentes no momento da montagem no que diz respeito às escolhas de decupagem, à
relação entre som e imagem visual, e principalmente, sobre o estatuto do som na elaboração da narrativa fílmica. Inspirados na obra de Michel Chion sobre o som como « valor acrescentado » à imagem
visual, e de Daniel Deshays sobre a escritura do sonoro, nos concentraremos na potência do som como
imagem simbólica da vida social e, portanto, capaz de narrar historias. Assim, entendemos o som não
como « valor acrescentado » ao visual, mas como imagem narrativa.
Palavras-chave : Imagem sonora, Montagem, Narrativa fílmica, Documentário etnográfico.
106
Viviane Vedana
Este texto pretende elaborar uma reflexão sobre a montagem de documentários etnográficos sob a perspectiva da “banda sonora”. Utilizo o termo banda sonora e não trilha-sonora por duas razões: em primeiro lugar
pela forte tendência de aproximarmos a idéia de trilha-sonora (ou soundtrack) ao conjunto das músicas que
compõem a obra cinematográfica, relegando ao segundo plano outros elementos da composição de sons de
um filme (os ruídos, diálogos, ambiências, efeitos, etc.). Embora, segundo nos apresenta Tony Berchmans,
“trilha-sonora vem do original inglês soundtrack que, na verdade, tecnicamente representa todo o conjunto
sonoro de um filme, incluindo além da música, os efeitos sonoros e os diálogos” (Berchmans, 2006:19), comumente vemos este termo associado apenas as músicas. A segunda razão que me conduz ao termo banda
sonora decorre também desta primeira: minha aproximação com as pesquisas e referências francesas sobre
o som no cinema, precisamente as desenvolvidas por Michel Chion (2004, 2005), Daniel Deshays (2006)
em termos teórico-conceituais e Claudine Nougaret e Sophie Chiabout (1997) no que tange a experiência
prática de profissionais ligados a captação, registro e montagem de som no cinema, tem demonstrado que
a bande-son é mais complexa do que o conjunto das músicas que fazem parte de um filme e portanto exige
uma investigação particular1. Ao se dedicarem principalmente ao som – de uma forma mais geral – e não especificamente à música, estes autores acabam abrindo espaço para uma discussão sobre a narrativa sonora
na construção da narrativa fílmica.
Trata-se, portanto, de abordar uma experiência de produção e escritura da imagem sonora no contexto
de construção do documentário etnográfico que venho realizando2 há alguns anos, a partir de temáticas
diversificadas, e que tem apontado para a necessária negociação entre a montagem da imagem visual e a
montagem da imagem sonora. Uma negociação que não diz respeito apenas ao processo de edição, pois
está também intrinsecamente vinculada ao registro de campo, mas que para o contexto deste ensaio será
abordada com prioridade.
É preciso dizer já de antemão que tratarei o som também como imagem, uma escolha antropológica na medida em que procura compreender o som a partir de sua dimensão simbólica e de sua potência narrativa de
produzir imagens mentais, lembranças, de construir referências espaciais, de evocar sentidos, de produzir
emoções etc. Inspirada na Teoria do Imaginário de Gilbert Durand3, refletir sobre o som como imagem significa atribuir-lhe estatuto de representação simbólica: o som escutado se transfigura em um sentido abstrato e
sempre parcial – segundo Durand como uma epifania – que revela os simbolismos da tradição cultural a qual
se filia. O termo epifania refere-se justamente a idéia de uma “aparição ou enunciação do sentido”, de uma
dinâmica das imagens que convocam outras imagens, ou seja, não revela o conteúdo, nem apresenta uma
“figura”, mas indica uma direção no campo do imaginário.
1 É importante considerar que Chion aponta, em Le Son (2004) a inexistência da banda sonora no audio-visual, pois não conformam uma entidade global, solidária e homogênea, ou seja, possuem fracas relações de concordância, contraste e sentido. Para
maiores detalhes ver Chion, 2004.
2 Esta experiência está referida a minha atuação como pesquisadora colaboradora ao Banco de Imagens e Efeitos Visuais/PPGAS/
UFRGS, grupo de pesquisa dedicado aos temas da Memória, Antropologia Urbana e Imagem. Neste âmbito, coordeno um grupo
de pesquisa sobre etnografia sonora, cujas investigações dizem respeito ao registro, montagem, edição e reflexão teórica e metodológica sobre o som. As idéias construídas neste texto estão vinculadas a este pertencimento institucional. O Grupo de Estudo
em Etnografia Sonora é formado por Ana Luiza Carvalho da Rocha, Priscila Farfan Barroso, Stéphanie Bexiga, Luciana Tubello
Caldas e por mim.
3 A Teoria do Imaginário desenvolvida por Gilbert Durand afirma que os seres humanos são habitados por imagens, se pensam
através delas e enquadram o tempo e o mundo a partir de determinadas constelações de imagens (Durand, 2001) acionadas
em suas tradições culturais. Portanto também se expressam culturalmente através de gestos e posturas, de narrativas e performances, carregadas de simbolismos que dão pistas sobre a origem cósmico-social das imagens ou do “conteúdo imaginário” que
orienta suas ações, suas formas de pensar. Gilbert Durand argumenta ainda que este Imaginário está estruturado em regimes
de imagens (noturno e diurno) e estes regimes se organizam em estruturas (esquizomórficas, místicas e sintéticas). Ver Durand,
2001.
107
Diálogos entre a imagem visual e a imagem sonora:
a experiência de escritura do sonoro nos documentários etnográficos
Assim, além de entender o som como um fenômeno da cultura, conforme aponta Michel Chion (2004)
podemos compreendê-lo também como imagem simbólica (Durand, 1968). O som, neste caso, tomado do
ponto de vista da representação, não se limita a ser índice ou signo (como no caso das sirenes por exemplo,
ou outros sons que se constituem como sinais de alguma situação ou equipamentos específicos, bem reconhecidos por nós cotidianamente), mas símbolo pertencente ao contexto mais amplo da cultura e suas formas
de expressão sonora. Podemos arriscar em dizer que os sons são também imagens da cultura, na medida em
que a representam, e não apenas no que tange às musicalidades, orações e canções, mas também relacionado às narrativas e memórias das pessoas expressas pela voz e pela fala, aos ruídos da vida urbana que emanam das técnicas, tecnologias, utensílios e toda sorte de produção humana, aos sons “ambientais” ou “da
natureza” expressos pelo correr das águas de um rio, pelas rajadas de vento, pelo canto dos pássaros, etc4.
Somos rodeados por inúmeras imagens sonoras cotidianamente, as quais atribuímos sentido, reconhecemos
e damos nomes. Imagens que nos evocam a memória de lugares ou pessoas, de tempos e espaços vividos.
Podem ser sagradas ou profanas, cotidianas ou rituais: as sonoridades da cultura, neste sentido, nos convocam a interpretar a vida social sob uma nova perspectiva, e portanto podem compor as preocupações
de pesquisa etnográfica e antropológica sobre os mais variados temas. No caso deste artigo, estas preocupações estão referidas a produção de documentários etnográficos e seu lugar de representação do Outro,
de aproximação com suas formas de vida e visão de mundo, uma representação que se dá – acredito – na
combinação/negociação entre imagens visuais e sonoras.
Um documentário etnográfico se constitui como uma interpretação possível de situações, rituais, dramas
e fenômenos sociais que são vividos e elaborados pelos sujeitos, em suas vidas cotidianas. Pensando em
termos do conceito de formas da vida social, de Simmel (1981), um documentário etnográfico procura apresentar, através de imagens visuais e sonoras, aspectos destas formas, como elas se elaboram e ganham expressão nas práticas sociais de determinados grupos e pessoas. Neste sentido, trata-se de uma interpretação
que fala principalmente do encontro entre culturas – a do investigador e dos interlocutores da pesquisa – e
que não busca simplesmente “retratar o real”, mas construir uma escrita etnográfica, ou uma escritura dramática – no sentido da construção de um enredo, um argumento e um roteiro para o documentário – que conte a história deste encontro. O registro da imagem sonora em campo consiste no desafio de compreensão do
universo do Outro, ao mesmo tempo em que a construção do documentário etnográfico constitui-se como
a reconfiguração (Ricouer, 1994) deste universo a partir do diálogo entre som e imagem visual. A gravação
e a posterior montagem apresentam-se, neste caso, como processos de interpretação que acontecem em
momentos distintos. Talvez seja possível dizer que a montagem já é uma interpretação de “segunda ordem”,
na medida que trabalha com a matéria de uma primeira interpretação elaborada no momento do registro.
Neste caso, imagens visuais e sonoras, registradas pelos pesquisador em campo, cada uma delas com suas
particularidades relacionadas às possibilidades de enquadramentos, de composição estética, de duração,
entre outros aspectos, são a matéria a ser trabalhada na montagem do documentário para construir o sentido da história a ser narrada. Falo aqui principalmente de um processo compartilhado de campo, onde a
produção da imagem não se restringe apenas a um pesquisador, mas é decorrente de uma “divisão do trabalho” de produção desta imagem, onde o registro do som é realizado e pensado separadamente em relação
a imagem visual, mesmo que materialmente “gravado” em um mesmo suporte, como tem sido minha experiência de pesquisa até o momento5.
4 Esta reflexão está profundamente filiada ao campo teórico-conceitual dos estudos das formas sensíveis da vida social desenvolvido por Pierre Sansot (2004), bem como a teoria das formas da vida social de Georg Simmel (1981). Trata-se de uma perspectiva
epistemológica que aposta na dimensão poética e rítmica da vida cotidiana expressa nas feições da existência humana que podem
ser observadas nos gestos mais corriqueiros dos sujeitos.
5 Na verdade, as experiências de produção de documentário que realizei até o momento combinaram duas formas diferentes de
registro do som: na mais corrente o microfone está “plugado” a camera que registra as imagens visuais, sendo que os sons são gravados no mesmo suporte material que estas últimas. Uma outra possibilidade que também já experimentei (e que prefiro embora
não seja a mais comum até o momento) é o registro do some m suporte separado da imagem visual, com gravadores específicos.
Cada um destes processos exige um tratamento diferenciado para o som.
108
Viviane Vedana
A organização das diferentes seqüências que compõem o filme, as escolhas de por onde começar a contar
esta história e quando terminar, as relações estabelecidas entre os diferentes planos (que contém imagens
sonoras e visuais) faz parte deste processo de composição da representação etnográfica documental e dizem
respeito a diferentes estágios do pensamento sobre estas imagens, da escuta do que elas – por elas mesmas – estão narrando. Imagens que precisam ser trabalhadas em seu conjunto, e não como uma soma de
elementos (Villain, 1991), tendo em vista que é justamente dos laços e das relações estabelecidas entre elas
que se constrói a narração.
É neste trabalho na matéria das imagens, que se traduz também como um trabalho sobre o tempo – no ritmo
do documentário, construído a partir da duração dos planos e das cenas – onde localizo a necessária negociação entre a montagem das imagens visuais e a montagem das imagens sonoras. Falo aqui especificamente
da produção de documentários etnográficos, pois esta é a experiência de trabalho com as imagens que venho desenvolvendo há alguns anos, o que não exclui é claro, a reflexão sobre outras produções (documentário
“não etnográfico”, cinema, etc.). Inspirada em autores que reivindicam o lugar do som como imprescindível
na narrativa fílmica (Chion, 2004; Deshays, 2006), ou seja, como parte de todo o processo de produção do
filme e não apenas relegado ao momento final de mixagem, procuro traçar aqui algumas reflexões sobre
esta negociação que aponto acima, descrevendo diferentes momentos das experiências de montagem pelas
quais passei.
Som e seu valor de acréscimo: montagem-som como parte final do processo de
edição dos filmes
O tema da montagem fílmica já foi tratado por diversos autores, seja no campo do cinema e das artes visuais,
seja no campo da antropologia visual6, onde se discutiu temas como a construção da narrativa, as escolhas de
elaboração das seqüência e cenas, a dimensão técnica da montagem, entre outros aspectos. Nestas reflexões
geralmente o som ocupa um lugar secundário no processo de construção do filme, sendo compreendido
como parte da finalização da obra e com o objetivo de acrescentar ou reforçar o sentido da imagem visual, ou
mesmo sendo pensado como “tapa buracos” entre os diálogos dos personagens por exemplo (Villain, 1991).
Esta perspectiva tem sido criticada por profissionais envolvidos com a produção sonora para o cinema e teatro como Michel Chion, Daniel Deshays, Randy Thom, entre outros, que buscam refletir sobre o som como
uma imagem autônoma, que cria sentidos independentemente da imagem visual a qual está vinculado.
Neste sentido, Michel Chion (2004) vai abordar o tema das sonoridades no cinema tendo em vista a idéia de
valor de acréscimo do som. Para Chion, no caso da linguagem cinematográfica, atribuímos à imagem visual,
através do som, um valor informativo, semântico, narrativo, estrutural e expressivo a tal ponto que temos a
impressão de estarmos vendo o som, ou seja, como se ele emanasse diretamente da imagem visual a qual
está vinculado. Ao som não é atribuído o mesmo “valor” que é conferido a imagem visual no que concerne
a sua potencialidade narrativa. O som acrescenta sentido a imagem visual e a partir daí este sentido parece
emanar unicamente dela. Trata-se, para o autor, de um efeito associado a uma tradição cultural de visualidade referida ao cinema, que polariza a consciência do espectador no sentido da visão, sem se levar em
conta – de maneira consciente – a existência de uma influência bilateral, onde o som influencia a percepção
da imagem visual da mesma forma que esta influencia a percepção sonora.
Esta relação entre som e imagem visual, entendida por Chion como efeito audiovisógeno, não é percebida
pelo espectador, criando a ilusão de que o som é uma cópia ou duplicação do visual. Outro aspecto relacionado ao mesmo efeito é a prerrogativa do enquadramento visual em detrimento do enquadramento sonoro:
6 Em termos do campo de pesquisa da Antropologia Visual, uma referência importante sobre o processo de montagem é o texto
“Constelações de imagens e símbolos convergentes no tratamento documental de acervos audiovisuais de narrativas orais” de Rafael Devos e Ana Luiza Carvalho da Rocha, publicado na revista Sessões do Imaginário: cinema e cibercultura número 22, dez/2009.
Ainda: Macdougall, David. The Corporel Image, film, ethnography and de senses. New Jersey, Princeton University Press, 2006.
Macdougall, David. Transcultural Cinema. New Jersey, Princeton University Press, 2006.
109
o quadro no qual se inscreve a imagem visual é o mesmo no qual se posiciona espacialmente o som, ou
melhor, no qual se projeta o som – o que acaba reduzindo a relação áudio-visual a uma idéia de “imagem
no singular”, como se não fosse composta por dois aspectos bastante diferentes entre si. O enquadre visual,
dessa forma, é o suporte de uma dupla projeção. Para Chion, o que temos então é uma ausência de enquadramento sonoro, na medida em que os sons de um filme podem se acumular uns sobre os outros, sem limite
de quantidade ou complexidade – diferente dos planos visuais que são espacialmente delimitados. Mais
adiante pretendo relativizar esta idéia de impossibilidade de enquadramento sonoro, principalmente em se
tratando do processo de registro das imagens, mas por hora, seguirei as reflexões do autor para construir a
argumentação sobre a negociação entre visual e sonoro no momento da montagem.
É justamente neste aspecto da diversidade do som com relação a imagem visual – a ausência de um quadro
sonoro – que repousa toda necessidade de negociação entre imagem sonora e imagem visual para o processo de montagem, na medida em que as relações que se estabelecem entre os planos visuais não necessariamente são as mesmas para os planos sonoros. Se, como aponta Chion, os sons podem se acumular, misturar
e combinar de forma mais ou menos irrestrita na composição do filme, o mesmo não se passa com os planos
visuais. As passagens de um plano visual a outro vão respeitar determinados critérios relacionados a continuidade ou descontinuidade da cena que se desenrola, e estes critérios correspondem a soluções estéticas
de transição entre os planos: fusões, sobreposições, cortes, etc. Para o caso do som, embora a preocupação
seja a mesma – construir uma narrativa e estabelecer as continuidades e descontinuidades na transição dos
planos – a forma de compor as imagens sonoras é diferente.
Uma das primeiras questões que precisamos nos colocar é sobre a idéia de plano. Para o caso da imagem
visual, um plano é um conjunto ordenado de quadros (fotogramas) delimitado espacialmente por um enquadramento (plano geral, de conjunto, plano médio, close, etc.) e temporalmente por uma duração (plano
seqüência, planos curtos ou longos, etc.)7. Normalmente o som é entendido como parte deste conjunto, já
que está “agregado” a imagem visual. No entanto, ao trabalhar a imagem sonora de forma autônoma, desvinculada da imagem visual em sua potencialidade narrativa, nos deparamos com o desafio de compreender
o plano sonoro e identificar suas aproximações e diferenças com relação ao plano visual.
Para Chion (2005), o plano visual é uma unidade definida objetivamente, compreendida tanto no processo
de montagem do filme, como para o espectador que pode perceber as mudanças de planos, algo que não
se passa com o som, na medida em que não podemos perceber estas unidades e rupturas de forma clara:
“nous ne percevons pas d’unités de montage-son, et les collures sonores ne nous soutent pas à l’oreille et
ne nous permettent pas de délimiter entre elles des blocs identifiables” (Chion, 2005:38), ou seja, para o
som não há uma unidade de montagem enquanto unidade de percepção8. Isso decorre, para Chion, de dois
aspectos, de um lado trata-se da possibilidade de montar os sons sem que os cortes se tornem perceptíveis,
através de fades e fusões – o que o autor chama de “l’art de arrondir les angles par des dégradés d’intensité”
como forma de estabelecer uma continuidade para o filme. Por outro lado, mesmo que estes cortes sejam
propositalmente explícitos no processo de montagem, apresentando-se a descontinuidade entre as imagens
sonoras (Chion cita Godard como um dos realizadores que propôs uma estética diferenciada para alguns de
seus filmes, acusando a descontinuidade entre os planos sonoros), a percepção não os compreende como
blocos ou unidades, segundo Chion “la perception, toujours sur le fil du temps avec le son, se contente de
sauter l’obstacle de la coupe et ensuite de passer à autre chose, oubliant la forme de ce qu’elle avait entendu
précédemment” (Chion, 2005:39). Neste caso, o corte, como gesto de definição de planos e configuração de
unidades de significação e percepção, não é o mesmo para imagem visual e sonora, não há necessariamente
7 Além destas características podemos apontar outras como os tipos de planos quanto ao ângulo horizontal ou vertical (frontal, lateral, plongée, contra-plongée, etc.) e quanto ao movimento (fixo, travelling, panorâmica, zoom). Para mais detalhes ver AUMONT,
Jacques e MARIE, Michel: “Dicionário teórico e crítico de cinema”, Papirus Editora, Campinas, 2003.
8 É importante considerar, no entanto, que a montagem do plano visual também busca “esconder” as rupturas e cortes,
apresentando a mudança de planos como continuidade ou seqüência da ação, nem sempre evidenciando a descontinuidade.
110
Viviane Vedana
sincronia entre estes dois processos, o que não significa, no entanto, que estes planos – o visual e o sonoro
– possam ser tratados de forma totalmente independente um do outro na produção de um documentário
audiovisual. O que gostaria de apontar aqui é que a interdependência entre estas imagens não precisa ter
como ponto de partida principal a definição do plano visual – por isso a reivindicação de uma negociação
entre visual e sonoro para a construção da narrativa documental.
Diante disso, evidencia-se que som e imagem visual narram uma mesma cena, por exemplo, de formas
diferenciadas, exigindo que o pensamento sobre a montagem respeite estas formas – ou, poderíamos dizer,
respeite a matéria das imagens com as quais está lidando – isso se, é claro, pretendemos dar este lugar para o
som na construção de um documentário. A montagem deixa de ser um processo apenas vinculado a um pensamento sobre as imagens visuais e a transição entre planos, para se tornar um trabalho de negociação entre
imagens que são diversas e também complementares. O som, tomado como imagem simbólica e narrativa,
não está mais a serviço da imagem visual, ilustrando ou reforçando uma intenção ou significado previamente
estabelecido pelos planos visuais, mas constrói seus sentidos próprios para o fenômeno etnografado através
das imagens. Minha experiência de trabalho com o processo de montagem de documentários etnográficos
tem demonstrado que a relação que se estabelece na timeline9 entre a seqüências de planos visuais e a seqüência de planos sonoros nunca é direta e uma cena que pode ser narrada com um único plano visual pode
demandar diversos planos ou imagens sonoras, ao mesmo tempo em que em alguns casos, um único plano
sonoro pode conter seqüências de gestos que serão representados por diversos planos visuais.
É importante aqui considerar que diante disso – da evidência de uma relação que não se dá de forma direta
entre som e imagem – devemos nos perguntar sobre: qual o lugar das sonoridades nesta composição? Tratase de fato apenas de um valor de acréscimo? Existe uma narrativa sonora paralela a narrativa visual, na qual
os sons tenham uma relativa autonomia para contar a história? O ponto aqui é precisamente refletir sobre
este lugar de “ilustração” relegado ao som no processo de montagem, a partir de algumas experiências de
produção de documentários etnográficos.
9 A timeline é o espaço onde se dispõem as imagens – os planos visuais e sonoros – no caso da montagem de vídeo digital,
permitindo a organização linear do filme para chegar a sua configuração final. Este tipo de processo de edição é chamado de nãolinear, pois possibilita do re-arranjo das imagens a qualquer momento.
111
Figuras 1 e 2: janelas do software FinalCut Pro 6 que mostra a timeline de montagem.
Documentários etnográficos sonoros: experiência de contar histórias a partir do
som
Um dos primeiros desafios que recebi, ao iniciar meu trabalho com pesquisas em som no Biev, foi o de montar narrativas sonoras a partir dos registros de sonoridades em campo10, um produto que acabamos batizando de documentários etnográficos sonoros. Trata-se, principalmente, de contar histórias somente através
dos sons que emanam da vida social, não quaisquer histórias, mas aquelas vividas ao longo da pesquisa
etnográfica sobre a cidade. Tínhamos uma pergunta inicial que logo foi respondida positivamente: é possível narrar os fenômenos sociais urbanos, de forma antropológica, somente através de imagens sonoras?
Claro que esse desafio envolvia não só o processo de montagem, mas também tudo o que diz respeito ao
fazer etnográfico a partir do registro de imagens sonoras, em primeiro lugar a própria consideração de que
estes fenômenos “soam”, ou seja, possuem uma expressão sonora. Assim, a partir da etnografia sonora nos
mercados de rua e feiras-livres da cidade de Porto Alegre (Rio Grande do Sul, Brasil), universo de pesquisa
de minha dissertação de mestrado, gravando as jocosidades e brincadeiras entre feirantes e fregueses, os
anúncios dos produtos que eram vendidos, os ruídos de sacolas transportadas pelos passantes, a paisagem
sonora do trânsito no entorno das feiras-livres, procurei re(a)presentar a ambiência do mercado a partir do
encadeamento de seqüências de imagens sonoras, ou seja, da montagem de um documentário etnográfico
sonoro que se chama “Fazendo a Feira”11.
10 A produção de documentários etnográficos sonoros não é feita de forma isolada, com um fim em si mesma. Ela está vinculada
ao processo de trabalho de campo, registro de sonoridades, pesquisa em acervos de imagens, bem como atrelada a toda uma
reflexão teórica e metodológica relacionada a etnografia sonora que é produzida pelo grupo de pesquisa. Isto está sistematizado
em diversos artigos, que podem ser acessados através da Revista Eletrônica do Biev – Iluminuras no site http://www.seer.ufrgs.br/
index.php/iluminuras
11 Documentário etnográfico sonoro “Fazendo a Feira” CD, Dolbi 2.0, 5 min. Porto Alegre, 2004. Realização: Banco de Imagens e
Efeitos Visuais (Biev) – PPGAS – UFRGS, Direção: Viviane Vedana
112
Viviane Vedana
Esta experiência de reconstruir e interpretar as formas de sociabilidade, os espaços e as paisagens sonoras do mercado de rua não se restringiu simplesmente a escolher sonoridades isoladas, significativas deste
fenômeno social e organizá-las umas após as outras. Num primeiro momento, relacionado ao processo de
registro das imagens sonoras, estava diante da descoberta deste espaço e de suas práticas através dos sons,
como estas sonoridades das conversas, das brincadeiras e risadas, dos gestos, expressava a forma como este
arranjo da vida cotidiana que é o mercado se organizava e se desenvolvia nas ruas da cidade. Este registro
não procurava apenas ilustrar os sons do ambiente, mas desvendar os simbolismos subjacentes as trocas de
mercado, explorar os tipos de laços sociais e sociabilidades ali presentes. Neste sentido, é possível perceber
que estas imagens sonoras compõem todo o processo de reflexão antropológica da pesquisa, “servindo para
pensar” sobre a vida social, sobre as trocas de mercado, sobre as formas de sociabilidade, etc.
Uma dimensão importante desta etnografia sonora é que o registro não se dá de forma passiva, ele mesmo
já é uma interpretação das paisagens e ambiências sonoras pesquisadas. Como parte de um procedimento
metodológico de pesquisa, o registro de sonoridades em campo está orientado, para o caso das pesquisas
do Banco de Imagens e Efeitos Visuais, por roteiros de gravação, escolha de pontos de escuta, descrição de
dispositivos técnicos, cênicos e dramáticos, entre outras questões técnicas que foram amplamente discutidas em outros artigos12. Esta orientação metodológica no entanto não retira do gesto de registro dos sons
sua dimensão de ato criativo, de composição de planos, de durações, de ritmos. Escolher pontos de escuta,
se posicionar em campo com o microfone direcionado para o que se quer gravar, decidir sobre o tempo de
duração de cada fragmento gravado, são decisões estéticas que criam a imagem sonora. Neste sentido é que
gravar os sons não é apenas fazer um registro “do real”, mas recriá-lo através de suas imagens sonoras. Aqui
poderíamos inclusive relativizar a afirmação de Chion sobre a ausência de enquadramento para o som, na
medida em que estas escolhas de gravação vão compor a imagem a ser gravada, delimitando espaço e tempo
dos planos sonoros.
Num segundo momento deste processo, o de digitalização e tratamento documental das imagens captadas,
organizando-as em coleções etnográficas13 conforme o método de convergência14 realizado pelas pesquisas
do Biev, este processo de reflexão continua, na medida em que os sons são organizados em conjuntos ou
núcleos de sentido a partir de determinados conceitos referentes à pesquisa. Neste ponto a cronologia de
gravação das imagens dá lugar a um outro arranjo, baseado na proximidade entre as formas sonoras de cada
fragmento. Tendo em vista que este som gravado em campo passa pelo processo de construção de planos,
através da definição dos cortes realizados no “material bruto”, a atenção do pesquisador volta-se para os
laços entre as imagens, para a recorrência de cenas e ambiências, para o diálogo entre os diferentes fragmentos.
Este tratamento documental constitui-se em um processo de descoberta da história a ser narrada através
destas imagens sonoras e destes vínculos que constroem os núcleos de sentido, bem como dos vínculos entre estes núcleos, segundo Devos e Rocha (2009) “o desafio está próximo ao do documentarista que organiza
seus extratos de planos audiovisuais de forma a ‘descobrir’ a narrativa do filme nas inter-relações formais
entre as imagens” (Devos, Rocha, 2009). Trata-se, portanto, de um processo de recriação do plano sonoro
que foi registrado em campo, ao se redefinir seus limites (o corte), ao se compreender as camadas de sentido
12 Ver, por exemplo, Barroso, Priscila Farfan e Bexiga, Stéphanie “Etnografia sonora na cidade: algumas contribuições metodológicas acerca do registro sonoro na pesquisa de campo”. Revista Iluminuras vol. 11 número 25, 2009. Entre outros.
13 Sobre o tema das coleções etnográficas para o caso do som ver Vedana, Viviane. “sobre o mergulho na descoberta dos sons: a
experiência de escrutínio dos dados sonoros através de sua inserção no banco de sons do BIEV”. Revista Eletrônica Iluminuras, vol.
09, numero 21, 2008. Também, Vedana, Viviane “Sonidos de La duración: prácticas cotidianas del mercado en el mundo urbano
contemporâneo. Una Introducción a La construcción de colecciones etnográficas de imágenes”. Revista Chilena de Antropologia
Visual, numero 11, Santiago de Chile, 2008.
14 Ver Rocha, Ana Luiza Carvalho da. “Coleções Etnográficas, método de convergência e etnografia da duração: um espaço de
problemas”. Revista Iluminuras, vol. 09, número 21, 2008.
113
que compõem a sua duração.
A montagem da narrativa propriamente dita, ou seja, o arranjo destas imagens numa espacialidade e temporalidade que apresente as seqüências de ações que recriam a situação etnográfica no documentário é
um processo decorrente de todo este prévio tratamento documental, onde as imagens não estão dispostas
apenas uma depois da outra, mas sim uma “por causa” da outra (Ricouer, 1994). A ordenação das imagens
sonoras para a criação da ambiência do mercado – como um pano de fundo onde as ações acontecem, criando portanto um cenário – a escolha dos momentos de interação e troca entre os personagens – neste caso,
fregueses, feirantes, pesquisador – e a seqüência destes acontecimentos no desenrolar da história estetizam
aspectos da vida social pesquisados pelo antropólogo na forma de uma representação etnográfica sonora.
A possibilidade de se “contar histórias” através de imagens sonoras exigiu um “mergulho” nestas imagens,
um estudo e análise dos sons não apenas do ponto de vista de seus aspectos técnicos com também se sua
dimensão simbólica. Este “mergulho” resultou na descoberta da matéria sonora e sua dimensão não figurativa e não realista, ou seja, cujos contornos não identificamos imediatamente, mas que são delineados a
partir das repetidas escutas e da “entrada” neste universo sonoro. Trata-se na verdade de uma diferença em
relação a escuta “a ouvido nu” e o que podemos ouvir a partir do registro. As temporalidades e a duração
destas imagens apontam as distinções destes dados sonoros em relação ao real, principalmente porque
este momento de escuta, uma “escuta de gabinete” (Barroso, Bexiga, 2009) é realizada sem a imagem visual
que nos acompanhou no momento de campo. A referência aos efeitos audiovisógenos (Chion, 2004) é aqui
evidente, já que a interpretação da imagem sonora ganha novas nuances ao ser pensada de forma independente da imagem visual. Neste caso, as pontencialidades da imagem sonora para narrar o fenômeno
etnográfico dependem também da escuta reflexiva do pesquisador diante destas sonoridades e do processo
de simbolização e classificação que se desdobra desta escuta.
Para o caso do documentário Etnográfico “Fazer a Feira”, esta escuta acabou se constituindo na interpretação
da feira-livre como um espaço constituído de micro-eventos (Moles, Rhomer, 1982): as brincadeiras entre os
feirantes no interior de uma banca, as conversas entre fregueses e feirantes, os encontros entre conhecidos
e vizinho nos corredores da feira, as trocas de receitas apresentavam-se como momentos - sucessivos ou
concomitantes - de um dia de feira. Este foi, portanto, o argumento central da narrativa etnográfica, ou seja,
um processo de reconfiguração (Ricouer, 1994) da prática cotidiana de fazer a feira através de seus microeventos (Moles, Rohmer, 1982). No processo de montagem foi preciso pensar em como recriar através dos
sons a ambiência do mercado, dando espaço por um lado para as conversas e interações entre os diferente
personagens, e por outro, para o cenário, a construção do espaço onde se dão estas interações.
Trata-se, portanto, de uma escritura do sonoro (Deshays, 2006) que demanda a combinação de diversos elementos: das falas dos personagens, dos anúncios dos alimentos, dos carrinhos de feira puxados pelos corredores, do sons dos passos, das risadas, e também da paisagem sonora da cidade que envolve a ambiência
do mercado, uma tentativa de traduzir todo o universo estético deste fenômeno de trocas sociais – aspectos
táteis, gustativos, visuais e sonoros, etc. – para a imagem sonora. Em termos etnográficos, o desafio consiste
na possibilidade de descrição – densa – das formas da vida social (Simmel, 1981) que ensejam o mercado a
partir dos sons, sem o referente visual. Este processo de montagem de documentários etnográficos sonoros15
tem revelado a especificidade da matéria do sonoro para a construção da representação etnográfica. A compreensão pelo ouvinte daquilo que está sendo narrado em um documentário sonoro depende de maneira
estreita da duração dos planos, da repetição de determinadas imagens sonoras, para que a consciência im15 O Grupo de pesquisa em etnografia Sonora já produziu diversos documentários sonoros que atualmente estão reunidos num
DVD chamado “Sonoridades da Cidade: entre os meandros sensíveis da vida social” (DVD, Dolby 2.0, 90 min. Direção: Viviane Vedana e Priscila Farfan). Destacaria ainda, pelo contexto do que está sendo discutido neste artigo o documentário sonoro “Poética
da rua na palavra pronunciada: artes de dizer e trocas verbais nos mercados de rua” (DVD, Dolby 2.0, 12 min. Direção: Viviane
Vedana), que procura estetizar o mercado como arranjo social própria da vida urbana.
114
Viviane Vedana
aginante (Bachelard, 1988) possa produzir e dar sentido às imagens mentais evocadas pelos sons. O tempo
de reconhecimento e adesão às imagens sonoras16 se torna, portanto, diferente daquele das imagens visuais,
exigindo um tipo de interação do pesquisador com suas imagens que seja também diferenciado, baseado
numa escuta atenta, investigativa.
Roberto Cardoso de Oliveira (2000) ao escrever sobre o trabalho do antropólogo aponta o ouvir como um
ato cognitivo primordial na construção do conhecimento antropológico, possibilitado pelo tipo de interação
proposto pela técnica da observação participante, na qual saber ouvir é fundamental para o diálogo intercultural entre o pesquisador e seus interlocutores. É esta escuta que vai conduzir a compreensão dos sentidos
dos fenômenos sociais para os “nativos” e de sua significação para o antropólogo que observa o mesmo
fenômeno17. A montagem, neste caso, precisa levar em conta esta dimensão de negociação presente na escuta do outro para traduzir em imagens sonoras a compreensão destes sentidos e destas significações.
A montagens de documentários etnográficos e alguns processos de ruptura
Embora essa primeira experiência de montagem de documentários sonoros tenha resultado em importantes
reflexões sobre o som como imagem simbólica e sobre sua potencialidade narrativa, isso não significou um
translado direto destas aprendizagens para o caso da montagem de documentários etnográficos “audiovisuais”. A presença do plano visual provocou, em um primeiro momento, uma ruptura com a situação anterior
de compreensão da imagem sonora em suas camadas de sentido dadas pela duração dos planos, me convocando a pensar muito mais nas continuidades entre visual e sonoro do que no diálogo – e também nos
conflitos – entre estes dois suportes da imagem.
Dessa forma, nas primeiras experiências18 de montagem de documentários etnográficos de que participei
como responsável pela “edição de som”, acabei me deparando com uma “atitude de respeito” àquilo que
estava sendo proposto pela seqüência das imagens visuais buscando construir uma narrativa sonora que
reforçasse o que estava sendo dito por elas, quase que buscando um “realismo sonoro” para o que estava
em quadro na imagem visual. Estes primeiros momentos portanto, se caracterizaram por uma certa empiria no tratamento do som que entrava em conflito com todo o conhecimento elaborado anteriormente na
produção de documentários etnográficos sonoros. Esta condição, ou este conflito no processo de montagem,
me permitiu experimentar a sobredeterminação (Durand, 2001) do visual sobre o sonoro, ou seja, reconhecer no próprio processo de construção da narrativa o caráter de valor agregado (Chion, 2004) do som em
relação ao visual. Vale ponderar aqui que a produção audiovisual do Banco de Imagens e Efeitos Visuais não
se dá de forma isolada dos processos de construção de conhecimento metodológico e teórico-conceitual sobre a questão da imagem – seja ela a da elaboração de campo, do registro, seja a do tratamento documental
pós-campo e a construção de acervos, ou então a produção de narrativas – e é este processo de reflexão,
realizado em reuniões e ateliers de criação e produção, que permitiu um estranhamento sobre a montagem
e o lugar do som na história a ser contada. Este estranhamento – pautado por debates entre a equipe – redirecionou as formas de encarar o diálogo entre o visual e o sonoro que vinha estabelecendo na montagem.
Assim, poderia apontar um segundo momento destas experiências de montagem como um momento de
16 Algumas experiências de exibição de documentários etnográficos sonoros em salas de cinema, como foi o caso da Audição de
Etnografias Sonoras da VII RAM, em Porto Alegre, organizada pelo BIEV, nos revelou as dificuldades de ouvir “sem ver”, já que
o público levava um certo tempo para acomodar o corpo para a escuta. Os debates posteriores ao processo de audição destas
etnografias apontaram para a diferença de tempo necessário para se “aderir” a estas imagens sonoras sem seu referente visual,
indicando a necessidade de diferentes tratamentos para a imagem sonora no que tange a sua duração e repetição.
17 Utilizo a distinção de Roberto Cardoso de Oliveira entre “sentido” e “significação”, onde o primeiro termo refere-se ao horizonte
semântico dos interlocutores de pesquisa e o segundo ao horizonte de antropólogo. (Cardoso de Oliveira, 2000:22).
18 Uma das primeiras experiências neste sentido foi a realização do documentário “Em Cantos da Praça” (Produção: Biev / Duração:
25 min/ NTSC mini-DV / 2004). Maiores informações através do site http://www.biev.ufrgs.br/grupos-de-trabalho/gt-video.php
115
negociações. A série documental Narradores Urbanos19, que apresenta as cidades brasileiras a partir da narrativa de antropólogos que construíram o campo de pesquisa da Antropologia Urbana no Brasil, foi elaborada
tendo em vista algumas questões pertinentes ao som tanto no processo de registro da imagens em campo –
na realização das entrevistas e na construção da paisagem sonora das cidades narradas – como no processo
de edição e montagem. Entre estas questões poderia destacar para o momento da montagem: como estabelecer o corte na imagem visual sem prejuízo para a narrativa sonora? Em quais momentos o som ganha
proeminência em relação a imagem para a construção da narrativa?
A restituição da fala destes antropólogos personagens dos documentários para a elaboração de sua trajetória
de produção de conhecimento sobre a cidade se deu através desta negociação sobre o ponto de corte das
imagens, buscando respeitar o fluxo da fala que apresentava a cidade. Inicialmente esta pode parecer uma
opção óbvia, mas a escolha dos cortes apresentou diversos desafios para a montagem, na medida em que o
tempo/duração da imagem visual era sempre mais curto daquele necessário para a imagem sonora construir
a continuidade da fala. A construção desta imagem sonora da fala demandava a todo instante mais “um
segundo” para finalizar um suspiro, uma sílaba, uma risada. Por outro lado, a cidade muitas vezes foi apresentada a partir de suas paisagens sonoras, que configuravam cenários e cenas cotidianas que dialogavam
com a narrativa dos entrevistados. O jogo entre o que estava “em campo” ou “fora de campo” estabelecido
pelo som acabou afirmando a cidade e seu cotidiano, suas formas de sociabilidade, suas ruas e ambiências,
também como um personagem importante destes documentários20. A narrativa documental, neste caso,
acabou intercalando momentos onde a imagem visual conduzia o ritmo da história e outros onde a imagem
sonoro cumpria este papel.
Para a reflexão que venho construindo neste texto apontaria ainda um terceiro momento desta experiência
de trabalho com a montagem da “banda sonora”, embora esta divisão seja meramente elucidativa de alguns
processos, sem ser exaustiva no que tange a minha participação na montagem de documentários etnográficos21. Este terceiro momento é marcado por uma preocupação de construir roteiros conjuntos de captação
de imagens sonoras e visuais sem que uma esteja “a serviço” da outra. A questão que se coloca de início
então é: que história será narrada? Como a imagem visual pode narrar esta história? Como as imagens sonoras podem narrar? A partir destas perguntas, todo o processo de produção do documentário vai respeitar
as diferenças entre estas imagens, ou seja, o microfone não está presente na gravação apenas para registrar
o som do plano construído pela câmera, pela imagem visual, mas para criar uma imagem sonora dos fenômenos sociais pesquisados.
No documentário “Tempero do Mercado” (2008) buscamos produzir este dialogo entre visual e sonoro desde
as primeiras construções do roteiro de gravação, tendo em vista toda a discussão que vinha sendo elaborada
em minha tese de doutorado (Vedana, 2008) sobre as formas de sociabilidade e a circulação da palavra nos
mercados de rua da cidade moderno-contemporânea. Foram as sonoridades do mercado – ambiências e
trocas verbais entre feirantes e fregueses – que se apresentaram nesta pesquisa como expressão dos laços
sociais entre seus freqüentadores. Diálogos, conversas, trocas de receitas, pregões anunciando produtos,
19 Tratam-se dos documentários: “Narradores Urbanos: antropologia urbana e etnografia nas cidades brasileiras – Gilberto Velho”
(Duração: 18 min. Ano: 2006); “Narradores Urbanos: antropologia urbana e etnografia nas cidades brasileiras – Ruben Oliven”
(Duração: 25 min. Ano: 2007); “Narradores Urbanos: antropologia urbana e etnografia nas cidades brasileiras – José Guilherme
Magnani” (Duração: 20 min. Ano: 2008); “Narradores Urbanos: antropologia urbana e etnografia nas cidades brasileiras – Eunice
Durham” (Duração: 17 min. Ano: 2009); “Narradores Urbanos: antropologia urbana e etnografia nas cidades brasileiras – Ruth
Cardoso” (Duração: 13 min. Ano: 2010), todos com direção de Cornelia Eckert e Ana Luiza Carvalho da Rocha.
20 Trato aqui de forma conjunta toda a série documental, mas é importante considerar que cada documentário tem características
próprias e diferenças estéticas que marcam as escolhas dos próprios antropólogos na construção de sua narrativa. Estas diferenças,
no entanto, não serão abordadas neste ensaio
21 Outras reflexões podem ser encontradas nos artigos Vedana, Viviane. “Territórios Sonoros e Ambiências: etnografia sonora
e antropologia urbana”. Revista iluminuras, vol. 11 número 25, 2010. Rocha, Ana Luiza Carvalho da. Vedana, Viviane. Guterres,
Anelise. “ Os caminhos invisíveis do negro em Porto Alegre: a tradição do Bará do Mercado”. Anais do Congresso Nacional Memória
e Etnicidade, Santa Maria, UFSM, NEP/PRE/UFSM. Editora Casa Aberta, Itajaí, Santa Catarina, set. 2010.
116
Viviane Vedana
jocosidades e piadas faziam parte deste espaço de trocas conformando uma ambiência peculiar para determinadas ruas da cidade em dia de mercado (Vedana, 2008). Da mesma forma, os gestos de escolha dos
alimentos, de manipulação do dinheiros, dos carrinhos de feira e do trânsito das ruas adjacentes ao mercado
compunham este cenário, narrando a vida cotidiana da cidade. Estas eram as imagens que o vídeo e o som
deveriam representar/descrever no documentário.
Neste sentido, o roteiro de gravação levou em consideração os posicionamentos – ou dispositivos cênicos –
necessários para que estas imagens fossem registradas, de forma a possibilitar sempre uma proximidade do
“microfone” com a cena que se passava na banca de Henrique, personagem do documentário. Trata-se de
fato de uma participação do pesquisador que grava estas imagens nos acontecimentos que se desenrolam
em campo e não de uma visão contemplativa da cena. Assim intercalamos momentos e posicionamentos
no interior da banca – conversando com Henrique ou acompanhando seu atendimento aos clientes, registrando as brincadeiras e jocosidades entre ele e seus colegas – que permitissem que a escuta e o ângulo
visual reconfigurassem no registro as emoções da situação etnográfica. A montagem que decorreu deste
processo contou portanto com este dialogo, agora não mais relacionado ao posicionamento em campo, mas
nas formas expressivas decorrentes das imagens gravadas, exigindo um estudo de construção das seqüências
de imagens do documentário que restituísse a experiência vivida em campo. Se no plano visual podemos
perceber formas e cores do mercado, a estética dos alimentos e dos gestos de escolha e compra, no plano
sonoro se evidenciam as ambiências as jocosidades, as conversas e a circulação da palavra. A reunião destes
elementos acaba expressando, portanto, o laço social que constitui o mercado como arranjo social (Rocha,
1994) da cidade moderno-contemporânea.
Para todos esses documentários que citei acima como exemplo, as opções de montagem, de escolha de
imagens e elaboração de seqüências são muito diversas: ritmos, camadas de imagens sonoras na timeline,
efeitos escolhidos para provocar lembranças ou sentimentos, silêncios, etc. Estas escolhas estéticas passam
também pela relação do som com a imagem visual: a duração dos planos e o ritmo da narrativa podem ser
consideradas apenas a partir das imagens visuais – sem levar em conta por exemplo que o som precisa de
mais tempo para ser compreendido e apreendido pelo público – e assim deixar de aproveitar os simbolismos
que as imagens sonoras podem revelar sobre os fenômenos apresentados pelo documentário. Na produção
audiovisual do Banco de Imagens e Efeitos Visuais temos procurado cada vez mais aprimorar este diálogo.
A intenção deste ensaio foi a de apresentar o som como linguagem narrativa e como interpretação das
formas da vida social na construção de documentários etnográficos audiovisuais, relativizando a idéia de
valor agregado (Chion, 2004) à imagem visual que é geralmente associada a imagem sonora. Mesmo que,
conforme aponta Chion (2004), num espaço de projeção como o cinema não se identifique o “lugar do som”
e por isso ele apareça como preso ao visual, a montagem da “banca sonora” pode enfatizar a dimensão narrativa do som e sua autonomia em relação ao visual. Tratam-se principalmente de formas de contar diversas
que precisam entrar em acordo, o que exige, é claro, um esforço de compreensão dos simbolismos expressos
nas imagens sonoras.
Neste sentido, considero aqui o som como expressão da cultura tanto quanto o enquadramento da imagem
visual, o que me leva a reivindicar a montagem do som no filme como a tentativa de aproximação com os
sentidos que podem ser anunciados pelas sonoridades, como uma forma de seguir as epifanias (Durand,
2001) dos símbolos na dinâmica das imagens que compõem o material etnográfico do documentário. É claro
que isso exige um trabalho de produção conjunto, principalmente no que tange a tomada de decisões sobre
a construção da narrativa e do tratamento documental das imagens. As exigências relacionadas a sincronia
do som com a imagem, dos efeitos de realidade e continuidade precisam, dessa forma, ser relativizados para
117
que paisagens sonoras e ambiências narrem, da mesma maneira que as narrativas e diálogos dos personagens não sejam tomadas apenas por seu conteúdo, mas também como expressão de sentimentos e emoções
a partir da forma como se fala. O som é também forma e duração, que se conforma e se expressa nas escolhas de montagem que garantem seu lugar na narrativa documental.
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Viviane Vedana
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Documentários Sonoros
“Fazendo a Feira”. Porto Alegre, 2004. Realização: Banco de Imagens e Efeitos Visuais (BIEV/PPGAS/UFRGS)
Formato: CD, Dolbi 2.0, 5 min Direção: Viviane Vedana.
“Poética da rua na palavra pronunciada: artes de dizer e trocas verbais nos mercados de rua” Porto Alegre,
2008. Realização: Banco de Imagens e Efeitos Visuais (BIEV/PPGAS/UFRGS) Formato: DVD, Dolby 2.0, 12 min.
Direção: Viviane Vedana.
“Sonoridades da Cidade: entre os meandros sensíveis da vida social” Porto Alegre, 2010. Realização: Banco
de Imagens e Efeitos Visuais (BIEV/PPGAS/UFRGS) Formato: DVD, Dolby 2.0, 90 min. Direção: Viviane Vedana
119
e Priscila Farfan.
Documentários Audiovisuais
“Em cantos da praça”. Porto Alegre, 2004. Realização: Banco de Imagens e Efeitos Visuais (BIEV) – PPGAS –
ILEA/IFCH – UFRGS. Formato: mini-DV, NTSC, 25 min. Direção: Rafael Devos, Luciana Mello, Olavo Marques,
Ana Luiza Carvalho da Rocha, Paula Biazus e Viviane Vedana
“Narradores urbanos: Rio de Janeiro – Gilberto Velho”. Rio de Janeiro, 2006. Realização: Banco de Imagens e
Efeitos Visuais (BIEV) – PPGAS – ILEA/IFCH – UFRGS. Formato: DV, NTSC, 18 min. Direção: Ana Luiza Carvalho
da Rocha e Cornelia Eckert / Imagens: Rafael Devos / Imagens sonoras: Viviane Vedana
“Narradores urbanos: São Paulo – José G. Magnani”. São Paulo, 2006. Realização: Banco de Imagens e Efeitos Visuais (BIEV) – PPGAS – ILEA/IFCH – UFRGS. Formato: DV, NTSC, 20 min. Direção: Ana Luiza Carvalho da
Rocha e Cornelia Eckert / Imagens: Rafael Devos / Imagens sonoras: Viviane Vedana
“Narradores urbanos: Porto Alegre – Ruben Oliven”. Porto Alegre, 2007. Realização: Banco de Imagens e
Efeitos Visuais (BIEV) – PPGAS – ILEA/IFCH – UFRGS. Formato: DV, NTSC, 25 min. Direção: Ana Luiza Carvalho
da Rocha e Cornelia Eckert / Imagens: Rafael Devos / Imagens sonoras: Viviane Vedana
“O tempero do mercado”. Porto Alegre, 2008. Realização: Banco de Imagens e Efeitos Visuais (BIEV) – PPGAS
– ILEA/IFCH – UFRGS. Formato: DV, NTSC, 20 min. Direção: Rafael Devos e Viviane Vedana
“Narradores urbanos, antropologia urbana e etnografia nas cidades brasileiras: Eunice Durham”. Porto
Alegre, 2009. Realização: Banco de Imagens e Efeitos Visuais (BIEV) – PPGAS – ILEA/IFCH – UFRGS. Formato:
mini-DV, NTSC, 17 min. Direção: Ana Luiza Carvalho da Rocha e Cornelia Eckert
“Narradores urbanos, antropologia urbana e etnografia nas cidades brasileiras: Ruth Cardoso”. Porto Alegre,
2010. Realização: Banco de Imagens e Efeitos Visuais (BIEV) – PPGAS – ILEA/IFCH – UFRGS. Formato: mini-DV,
NTSC, 13 min. Direção: Ana Luiza Carvalho da Rocha e Cornelia Eckert.
120
“se à sua imagem corresponder a
beleza da sua voz, é fácil imaginar
a razão pela qual não nos dá o
sono nestas duas horas” (ouvinte
do programa ‘Boa Noite’):
a co-construção do sentido em
programas de rádio nocturnos
Resumo A análise semântica e pragmática dos rituais verbais e das práticas discursivas presentes em
interacções conversacionais nocturnas na rádio (“radio phone-in programmes”) revela a realização de
actos de discurso que fazem parte de rituais de cortesia fundamentais para “a acomodação intersubjectiva” entre as faces dos participantes: os actos de elogio que co-ocorrem com os actos de votos e os
cumprimentos permitem a intercompreensão e a construção conjunta de um jogo interaccional lúdico,
de tom humorístico, construído pelos interactantes que assumem posições discursivas ou lugares interaccionais específicos destes espaços de ritualização.
Keywords: Radio phone-in programmes; Politeness; Footing; Discourse Strategies. Interactional roles.
Palavras-chave: Programas de conversas telefónicas na rádio; Cortesia; Alinhamento; Estratégias Discursivas, Papéis Interaccionais.
121
Introdução
Tendo como objecto de estudo as interacções verbais presentes em emissões nocturnas de programas de
rádio portugueses, consideraremos, a nível global, as relações sequenciais e interactivas dos actos de discurso e/ou coerência pragmático-funcional do discurso que resulta da co-construção do sentido (Schiffrin,
1995) operada pelos interactantes destas emissões (“arquitectura de intersubjectividade”, segundo Heritage,
1984) e, a nível local, analisaremos a selecção, operada pelos participantes, das estratégias comunicativas
(Gumperz, 1982) nos momentos principais do discurso (abertura, desenvolvimento e fecho) ou construção
da ordem interaccional (“footing”,Goffman, 1981).
O enfoque analítico deste estudo tem por base uma multiplicidade de linhas de orientação teórica saídas de
diferentes modelos de análise: a Análise do Discurso (Schiffrin, 1995; Schiffrin et al., 2001); a Análise Interaccional (Kerbrat-Orecchioni, 1990; Traverso, 1996); a Pragmática das sequências discursivas (Fonseca, 1992)
e a Sociolinguística Interaccional (Gumperz, 1989) com base na tradição analítica da Etnografia da Comunicação (Gumperz; Hymes, 1972).
Os cinco programas de rádio em análise são constituídos por emissões em directo – “radio phone-in broadcasts”) realizadas entre 1998 e 2001: o programa Clube da Madrugada da Antena 1, conduzido pelo locutor
de rádio António Rolão, nos dias úteis das 2h00m às 6h00m; o programa Boa Noite da Rádio Renascença
orientado por Dina Isabel, em todos os dias úteis da 0h00m às 2h00m; o Bancada Central da TSF, dirigido
por Fernando Correia, nos dias úteis entre as 21h00m e as 22h00m; o Tempo de Antena da Antena 1 com
Filipe Moreira, entre as 3h00m e as 4h00m de Sábado; a Estação de Serviço da Rádio Renascença com Óscar
Daniel, realizado nos dias úteis entre as 2h00m e as 5h00m.
Considerando as categorias programas, sexo, região e profissão1 (referenciada) e em função dos dados constituídos (479 ouvintes analisados), foi possível delimitar o perfil dos ouvintes que telefonam para estes programas: no Clube da Madrugada, participam mais ouvintes do sexo masculino, maioritariamente, ouvintes
da Grande Lisboa e do Grande Porto, Intelectuais e cientistas; no programa Boa Noite predominam participantes do sexo Feminino; ouvintes da Grande Lisboa, Intelectuais e cientistas; no Bancada Central, há o
predomínio de ouvintes do sexo masculino, sobretudo, Empregados de execução que telefonam da Grande
Lisboa e do Grande Porto; o Tempo de Antena tem um maior número de participações de ouvintes do sexo
Masculino, do Operariado, do Grande Porto; no programa Estação de Serviço, participam, fundamentalmente, ouvintes do sexo Masculino, há o predomínio de ouvintes da região Centro ou de outras situações (uma
vez que a maior parte dos ouvintes que participam estão em deslocação) e os ouvintes que telefonam pertencem, maioritariamente, ao Operariado.
1. Interacções verbais na rádio: rituais verbais e práticas discursivas específicas
O discurso em interacção (Kerbrat-Orecchioni, 2005), que tem por base a «comunicação intersubjectiva»
(Benveniste, 1966; Lyons, 1982; Bühler [1934] 1985), permite o estabelecimento de uma relação de alocução («dimensão causativa» do discurso do locutor sobre o alocutário), de interlocução (intermutabilidade
sequencial dos papéis de locutor e alocutário) e de interacção (jogo de recíproca influência entre locutor e
alocutário).
Os rituais verbais e as práticas discursivas presentes em interacções conversacionais nocturnas na rádio (“radio phone-in programmes”), fazendo parte de “convenções situacionais” (Forgas, 1985: 98), permitem a in1 Seguiram-se, para efeitos de classificação, as indicações provenientes das análises de classes sociais produzidas pelos trabalhos
de Almeida et al. (1990).
122
“se à sua imagem corresponder a beleza da sua voz...
tercompreensão, assumindo lugares interaccionais (Kerbrat-Orecchioni, 2004: 16) específicos destes espaços
de ritualização.
Catherine Kerbrat-Orecchioni chama de lugares (1987b) às posições discursivas, ocupadas pelos participantes na interacção, e refere que estes assumem papéis interlocutivos, interaccionais (baseados no script, por
exemplo, moderador, entrevistador; etc) e papéis discursivos (baseados nas tarefas assumidas interaccionalmente) como, por exemplo, responder a perguntas (Kerbrat-Orecchioni, 2004: 16).
Nos programas de rádio em análise ocorrem rituais verbais característicos destes contextos e que constituem, segundo Anthony Liddicoat et al. (1992), um “efeito da instituição” que se revela na selecção, por ele
condicionada, das “rotinas de abertura” neste tipo de programas (Idem: 541). Na abertura, as questões sobre
o estado de saúde, os elogios, os votos e as asserções que constituem comentários avaliativos são rotinas
verbais (Traverso, 1993: 111), “lugares comuns da cortesia” (Idem: 114) que permitem aos interlocutores
extrapolar para outros temas (Idem: 117) ao mesmo tempo que preparam a “acomodação intersubjectiva”
(Fonseca, 1996). Verificamos também que os actos de elogio e os votos ocorrem também no fecho e pré-fecho destas interacções e fazem parte do “abrandamento do fluxo de progressão temática” (Traverso, 1996)
neste momento da interacção, permitindo o fecho com o “equilíbrio interaccional” (Goffman, 1973) entre as
faces dos participantes.
Com efeito, de acordo com Catherine Kerbrat-Orecchioni (1987a), “os elogios podem também disseminar-se
ao longo da trama conversacional, mas há uma particular densidade destes actos nas sequências demarcativas” (Idem: 10; tradução nossa).
2. Elogios e votos: os “rituais confirmativos”
Nos programas de rádio em análise, verificamos que os actos de elogio e os votos têm uma ocorrência facultativa no momento da abertura.
Catherine Kerbrat-Orecchioni (1987a), a propósito da “densidade” de ocorrência de actos de elogio na abertura, assinala que a inscrição destes actos na abertura advém do facto de os elogios constituírem “rituais
confirmativos” que visam preparar, de forma equilibrada, a relação interlocutiva, uma vez que se tratam de
actos de cortesia positiva para com a face positiva do alocutário destes actos:
Comme c’est généralement au tout début de la rencontre qu’ont lieu ces ‘découvertes’, il n’est pas étonnant que les échanges complimenteurs se rencontrent surtout dans les séquences d’ouverture, dont ils
constituent une composante facultative mais fréquemment attestée. Cet emplacement privilégié tient
aussi au fait que le compliment relève de ces ‘rituels confirmatifs’ qui visent à inaugurer sous les meilleurs
auspices la relation interactantielle : comme les cadeaux, les compliments sont des procédés de ‘captatio
benevolentiae’, et comme eux, ils doivent être offerts d’entrée (Idem : 10).
Analisemos, então, os actos de elogio que ocorrem nos programas de rádio:
Programa: BN
Data: Abril de 1998
Tema: “Obras. Que incómodo nos trazem as obras?”
Abertura:
Ouvinte Feminino; nº. 122; Professora
Locutora: [Convocatória] «Na linha 1 está a M. C. C.. Olá M. C..»
[Saudação + Termo de Endereçar] «Olá M. C..»
123
Ouvinte: [Resposta Fática] «Sim.»
[Saudação] «Olá.»
→ [Elogio] «Olhe Dina Dina Isabel, antes de mais é a primeira vez que comunico aí prà R.R., quero
prestar a minha homenagem ao seu profissionalismo brilhante, às suas qualidades eh... e a e
sobretudo à sua preciosa ajuda àqueles todos que têm histórias e ainda estão acordados até esta
hora (riso de ambas).»
Locutora: [Agradecimento + Termo de Endereçar] «Obrigada C..»
Nesta abertura, a ouvinte realiza um elogio ao profissionalismo da locutora e enfatiza as qualidades desta
última na ajuda de todos os ouvintes que constituem o auditório.
Co-ocorrem também actos de elogio com actos com o valor ilocutório de votos e/ou actos de “dar felicitações”:
Programa: BC
Data: 5/5/98
Tema: “A demissão de Vasco Pinto Leite da Presidência do Conselho Fiscal do Benfica”
Ouvinte nº. 294, masculino, Aveiro
Abertura:
Locutor: [Conv. com T. End. + Região] «Vou começar por chamar o L.B., eh que está em Aveiro.»
[Saud.] «Boa noite.»
Ouvinte: [Saud. no Superlativo ao Locutor e Alargada ao Auditório] «Muito boa noite senhor
F.C., muito boa noite a todo o auditório na TSF.»
→ [Dar Felicitações + Elogio] «Começo por felicitá-lo pelo brilhante pela brilhante introdução
que fez no programa, sobre a chamada de atenção do ouvinte d’ontem.»
[Asserção Avaliativa] «Penso que foi uma intervenção muito correcta da parte do senhor F.C. para
chamar a atenção de certo tipo de afirmações neste programa.»
Nesta abertura, o ouvinte elogia os dotes de oratória e as qualidades de gestor da palavra do locutor do
programa.
Também surgem saudações alargadas com actos de votos em co-ocorrência com actos de elogio destinados
à equipa de profissionais que trabalha com a locutora:
Programa: BN
Data: Abril de 1998
Tema: “O relacionamento entre duas gerações”
Ouvinte Feminino; Montemor; 56 anos; nº. 46
Abertura:
→Ouvinte: [Votos + Elogio] «Olhe um “bem haja” pra vocês todos aí da equipa, que são espectaculares por nos darem esta companhia, a esta hora da madrugada (...).»
Reparemos, agora, em exemplos de actos de “dar os parabéns” ao programa na abertura que constituem
também actos de elogio implícitos:
Programa: BN
Data: Abril de 1998
124
Ouvinte Masculino; Lisboa; Primeira vez que telefona; nº. 113
Abertura:
→Ouvinte: [Dar os Parabéns + Justificação] «Pra já dou-lhe parabéns pelo programa é... a primeira vez que... que a gente se fala....»
Locutora: [Token-responses/Back-channel] «Hum, hum.»
Ouvinte: [Continuação da Justificação] «assim se pode dizer, mais uma vez, tou... tou no ar, desta
vez pelas obras, que é um tema que acho que toca a todas as pessoas, mas...»
Programa: BN
Data: Outubro de 1998
Tema: “Regionalização”
Ouvinte Feminino; Oliveira de Azeméis; nº. 140
Abertura:
→Ouvinte: [Congratulação+Votos] «Olhe, graças a Deus consegui hoje e eh ora dou-lhe os parabéns pelo programa e dou os parabéns também a essa senhora que falou do interior.» [Elogio]
«Falou muito bem.»
Nestes exemplos, ocorrem actos de dar os parabéns à locutora pela qualidade do programa e, no caso da
ouvinte nº. 140, assiste-se à extensão deste acto dirigindo-o também a uma ouvinte que falou anteriormente
e fazendo-o seguir de um acto de elogio explícito.
Reparemos agora em aberturas com actos de “dar os parabéns” que co-ocorrem com actos explícitos de
elogio realizados indirectamente através de actos literais de asserção:
Programa: BN
Tema: “Regionalização”
Ouvinte nº. 141, masculino, Loulé
Abertura:
→Ouvinte: [Dar os parabéns + elogio] «Eh e antes de mais quero-lhe dar os meus sinceros parabéns pá por esse magnífico programa, de facto é uma é uma (...) esse programa, nem durmo de
noite até às duas da manhã nunca durmo.»
[Asserção avaliativa] «De facto é muito importante, pá, e desta vez em discutir esses assuntos
isso é de facto muito importante.»
Este ouvinte dá os parabéns (“Eh e antes de mais quero-lhe dar os meus sinceros parabéns pá”) e elogia o
programa (“por esse magnífico programa”) e, através de uma estratégia de hiperbolização (“nem durmo de
noite até às duas da manhã nunca durmo”), acentua o valor alto da qualidade deste último.
Em oposição semântica com o acto de elogio está o acto de censura, altamente ameaçador da face positiva
de quem o recebe:
Programa: BN
Tema: “Histórias infantis”
Ouvinte Masculino; Porto; nº. 102
Abertura:
125
Locutora: [Convocatória < Linha + Termo de Endereçar + Região >] «Vamos para a linha 2 onde
está o M. M., do Porto.»
[Saudação Simples + Termo de Endereçar + Saudação] «Olá M., boa noite.»
Ouvinte: [Saudação Simples + Saudação Interrogativa] «Olá como está?»
Locutora: [Saudação Interrogativa] «Tudo bem?»
Ouvinte: [Saudação Interrogativa] «Está boa?»
Locutora: [Token-responses / Back channels] «Hum, hum.»
→Ouvinte: [Crítica] «Olhe, eh com franqueza, eh com toda a franqueza eu gostava de lhe perguntar se os senhores têm algum plano eh para imbecilizar o auditório?»
Neste outro extracto, a ouvinte apenas vem cumprimentar o locutor e realizar um acto de agradecimento
que co-ocorre com um acto de elogio:
Programa: CM
Data: 10/11/98
Tema: “Roda livre”
Ouvinte nº. 267, Feminino, Albarraque, fala pela primeira vez.
→Ouvinte - Eu venho cumprimentá-lo, não tenho tema muito eh próprio pra lh’apresentar mas...
Locutor - Não há nada que... queira abordar, em conversa?
Ouvinte - Em princípio venho cumprimentá-lo,
Locutor - É um prazer.
→Ouvinte - e venho agradecer-lhe, que é muito gratificante qu’essa grande rádio, qu’essa grande
antena, que tem grandes comunicadores, aliás, grandes locutores, qu’isso nunca deixa de ter
a qualidade que tem, que é muito gratificante que seja uma das que tem uma voz humana de
noite, porque geralmente ouve-se tudo em... em computador, qualquer dia nós abanamo-nos e
procuramos: será que estamos no planeta Terra?
Locutor - Qualquer dia passamos a ter voz sintetizada, não é? (Riso)
Repare-se que, de acordo com J. Searle (1984), a regra essencial do acto de cumprimentar é a seguinte: o
acto de cumprimentar vale como o reconhecimento cortês de um locutor pelo outro (Idem: 90); neste caso,
o acto de cumprimentar vale como o reconhecimento cortês do locutor do programa feito pelo ouvinte que
telefona. Segundo J. Searle, as condições necessárias e suficientes para que o acto de cumprimentar seja
bem realizado estão expressas nesta regra essencial e na seguinte regra preparatória: o locutor acabou de
encontrar um ouvinte (Idem). Por se tratar de um ritual social fortemente convencional, o acto de cumprimentar não apresenta nenhuma regra de conteúdo proposicional e de sinceridade (Idem).
O discurso é claramente emotivo e revelador do “envolvimento conversacional” (Tannen, 2001: 157; Gumperz,
1982: 2-3) deste ouvinte: os segmentos repetidos (note-se na repetição dos adjectivos “grande” e “gratificante”) culminam numa pergunta retórica (“será que estamos no planeta terra?”) que implicita a necessidade
de se “assentar arraiais em vozes humanas” (como será dito na fase do desenvolvimento desta interacção).
A intervenção deste ouvinte tem como acto dominante um acto de agradecimento que co-ocorre com o
elogio à estação de rádio, aos locutores de rádio, aos programas nocturnos: o agradecimento é realizado
através do performativo explícito “e venho agradecer-lhe, que é muito gratificante qu’essa grande rádio,
qu’essa grande antena, que tem grandes comunicadores” e é seguido do segmento justificativo que reforça
o agradecimento “porque geralmente ouve-se tudo em... em computador, qualquer dia nós abanamo-nos e
procuramos: será que estamos no planeta Terra?”.
126
A este propósito, Maria Helena Araújo Carreira (1997) analisa os procedimentos linguísticos de intensificação
do agradecimento: a par dos procedimentos morfológicos como a flexão em grau como em muito / muitíssimo obrigado!; Agradeço-lhe imenso / imensamente / imensíssimo / muito / muitíssimo!; Estou-lhe muito /
muitíssimo / imensamente agradecido!, Helena Carreira refere que o acto de agradecimento pode ser intensificado:
(…) par le biais de la reconnaissance ou de la gratitude. Les services rendus sont valorisés (on retrouve les
procédés de l’éloge) ainsi que leurs conséquences positives pour le locuteur. Par exemple : Estou-lhe muito
/ muitíssimo / imensamente / extremamente reconhecido / grato pelos conselhos que me deu e graças
aos quais pude evitar muitas contrariedades. Au remerciement proprement dit s’ajoutent éventuellement
une justification et / ou des commentaires élogieux pour l’allocutaire, ce qui renforce le remerciement (Idem : 183).
Com base no corpus em análise, apresentamos os conteúdos proposicionais mais correntes do acto de elogio:
ELOGIO
Conteúdo
cional:
Quadro 2: Conteúdos proposicionais dos actos de elogio presentes no Corpus
proposi-
<L1 enaltecer L2 pelo grande profissionalismo de L2>
<L1 enaltecer L2 pelas grandes qualidades de L2>
<L1 enaltecer L2 pelo valor de utilidade pública do programa >
<L1 enaltecer L2 pelos dotes de oratória de L2>
<L1 enaltecer a equipa de profissionais do programa pela companhia no horário
nocturno>
<L1 enaltecer um ouvinte anterior pelas produções discursivas emitidas>
<L1 enaltecer um colega de L2 pelas qualidades de apresentador>
<L1 enaltecer a simpatia de L2>
<L1 enaltecer a estação de rádio>
<L1 enaltecer as qualidades humanas de L2>
Legenda: L1= ouvinte do programa de rádio; L2 = locutor do programa de rádio (=alocutário do acto de elogio)
3. Paisagens sonoras urbanas: a “teatralização discursiva”
As trocas discursivas nestes contextos de interacções na rádio são fortemente ritualizadas revelando que
os interactantes são conhecedores do modo como devem realizar estratégias discursivas específicas destes
contextos institucionais, entrando num jogo interaccional marcado por estratégias discursivas específicas.
Os actos de elogio nestas emissões são uma “estratégia de aproximação”, um “lugar comum de cortesia”
(Traverso, 1993: 119) que ocorre regularmente na fase da abertura das conversas ao telefone em programas
de rádio e fazem parte de um conjunto de actos expressivos que se realizam nestas emissões.
Frequentemente, os ouvintes preparam a entrada no tema em análise com a realização de actos expressivos
que preparam a escuta atenta do que vai ser dito:
Programa: BN
Data: Abril de 1998
Ouvinte masculino, nº. 39, Matosinhos, 67 anos
127
Abertura:
Ouvinte: [Asserção] «E estou perfeitamente escandalizado com isto tudo!»
Locutora: [Pedido de inf.] «Então, conte-me lá?»
Como estratégia de captação da benevolência e no sentido de preparar o fecho equilibrado da interacção,
não raro, os ouvintes realizam actos de elogio que visam enaltecer as qualidades do locutor de rádio:
Programa: BN
Data: Novembro de 1998
Tema: “O piropo”
Ouvinte nº. 467, masculino, Pinhal Novo, ouvinte que participa regularmente
Ouvinte - Olhe D. eu não a conheço mas só por causa de estar aí a picar os homens, já tive a falar
consigo uma vez...
Locutora - (Riso) Salvo seja.
Ouvinte - tem tado aí a picar os homens e e de certa maneira bah não não disse mal propriamente, não é, mas senti-me na obrigação de lhe dizer que “se a sua, se à sua imagem corresponder a beleza da sua voz, é fácil imaginar a razão pela qual não nos dá o sono nestas duas horas”.
Locutora - Hã, e agora o que é que eu respondo?
Ouvinte - Engasgou-se, engasgou-se?
Locutora - Sim senhora! (Risos)
Ouvinte - Gostou do piropo?
Locutora - Gostei, pois. Diga lá outra vez.
Ouvinte - Bom, vamos lá a ver se eu consigo...
Locutora - Diga, diga, diga, diga lá outra vez.(riso)
As sequências reactivas de actos de elogio têm por base um cuidado trabalho de figuração e/ou gestão das
faces dos interactantes. O acto de elogio, sendo uma espécie de oferta (Kerbrat-Orecchioni, 1987a), constitui
uma estratégia de delicadeza positiva (estratégia de valorização do Outro) ao mesmo tempo que ameaça a
face negativa, sendo um acto não solicitado. Por um lado, o alocutário do elogio, considerando o princípio de
modéstia, não pode aceitar e concordar logo com o elogio que o coloca numa posição alta; por outro lado,
o alocutário do elogio, não raro, realiza sequências reactivas que constituem estratégias de evitação (delicadeza negativa) da ameaça da sua face negativa, pois, de certo modo, fica em posição de devedor com o acto
de elogio que lhe é dirigido. Deste modo, a locutora realiza um acto de pergunta retórica que tem um efeito
anti-orientador da ameaça da sua face negativa ao mesmo tempo que cumpre o princípio da modéstia.
Depois da produção de um acto expressivo, a locutora realiza um acto de pedido que permite a abertura de
uma troca discursiva de tom humorístico com a repetição da sequência iniciativa de elogio:
Ouvinte - Então é assim: “se, se à sua imagem corresponder a beleza da sua voz, é fácil imaginar
a razão pela qual não nos dá o sono nestas duas horas”!
Locutora - Agora fica a dúvida qual será a minha imagem por trás da minha voz. (Riso)
Ouvinte - Não, isso isso agora é comigo. Isto é o meu imaginário.
Locutora - Exactamente. Aliás a rádio tem essa vantagem.
Ouvinte - Os vestidos verdes, os vestidos de cravos, essas coisas todas, agora tão a passar aqui à
minha frente.
Locutora - Ai é?
128
No quadro de uma estratégia de teatralização do discurso (Kerbrat-Orecchioni, 1992: 130), este excerto revela a co-construção de um discurso humorístico e demonstra que a realização de uma função lúdica da
linguagem apresenta não só o papel de divertir o interlocutor ou o conjunto dos ouvintes do auditório, mas
também visa o desenvolvimento de « (...) plaisanteries rituelles (...) » (André-Larochebouvy, 1984: 174) que
permitem a construção de uma relação interlocutiva igualitária e consensual. Estes “rituais de brincadeira”,
que realizam um “jogo mimético” (Idem: 175), consolidam a coesão dos membros do grupo, criando uma
cumplicidade (Idem) entre os interlocutores que passam a pertencer a uma “comunidade de práticas” (Eckert; McConnell-Ginet, 2002): a função lúdica que se exerce no jogo mimético possibilita, assim, a construção
de uma relação consensual e solidária.
3. Conclusão
Segundo Kerbrat-Orecchioni (1992), as interacções permitem a modificação das relações interlocutivas e
interaccionais entre os participantes da troca : «Les interactions sont des séquences structurées d’actions,
mais elles sont aussi par excellence le lieu où se déploient les rituels, où se construisent les identités, où se
négocient les status » (Idem).
Nas trocas discursivas das emissões de rádio em apreço, o estilo da emissão, da Antena e o do locutor de rádio permitem a construção de um discurso constituído por práticas discursivas específicas configuradoras de
uma “community of the mind” (Gumperz, 1989): a realização de rituais verbais de cortesia revela a partilha
de um saber comum (“shared knowledge”) e a construção de identidades discursivas (Antaki; Widdicombe,
1998) e/ou identidades situadas (Zimmerman; Boden, 1993) características de uma “comunidade de práticas” (Eckert; McConnell-Ginet, 2002).
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130
O pós-campo na etnografia sonora: apontamentos
metodológicos acerca do
tratamento dos dados sonoros
Priscila Farfan Barroso e Stéphanie Ferreira Bexiga
Resumo Este trabalho discute o tratamento documental dos dados etnográficos sonoros captados
em campo. A análise desse material, processo denominado como pós-campo, o pesquisador desenvolve diversas escutas daquilo que foi gravado para construir uma narrativa sonora capaz de representar conceitos trabalhados na pesquisa. A narrativa a ser construída a partir do material bruto é pensada
desde as noções de associação e dissociação, num processo epistemológico em que se separa para depois unir – da decupagem à montagem. A combinação desses elementos se orienta por concepções de
montagem, muitas vezes próximas da linguagem cinematográfica, mas também pelos próprios conceitos antropológicos que orientam nossa pesquisa. Trata-se de compreender as dimensões conceituais
presentes em uma etnografia sonora, capazes de representar os fenômenos sociais estudados.
Palavras-chave: Documentário, Etnografia sonora, Montagem, Narrativa.
Keywords: Documentary, Sound ethnography, Film edition, Narrative.
131
O ambiente musical no
Mindelo e a formação de um
compositor: o caso de B. Lèza
Resumo Pela análise do percurso biográfico do célebre compositor cabo-verdiano B. Lèza (1905 –
1958) e questionando-nos sobre a relação estabelecida com a sua época e o seu país natal, veremos
como ele interagiu fortemente com o ambiente musical da cidade do Mindelo na sua adolescência,
sendo a sua socialização musical fruto deste ambiente. De tal forma ele integrou e foi influenciado pelo
ambiente musical que lhe era oferecido pela sua cidade natal que foram criadas condições para que
mais tarde desempenhasse o papel de compositor.
Para percebermos em que medida se deu esta socialização de B. Lèza, procederemos a uma breve caracterização do ambiente musical no Mindelo durante o primeiro quartel do século XX.
Palavras-chave: B. Lèza; Mindelo; Ambiente musical; Socialização musical; Século XX.
132
Introdução
Pretende-se neste artigo, pela análise do percurso biográfico do célebre compositor cabo-verdiano B. Lèza
(1905 – 1958) e questionando-nos sobre a relação estabelecida com a sua época e o seu país natal, ver como
ele interagiu com o ambiente musical da cidade do Mindelo na sua adolescência, sendo a sua socialização
musical fruto deste ambiente.
De forma a levar a cabo o nosso estudo, e mais especificamente, as entrevistas conduzidas, foram-nos úteis
as reflexões metodológicas de Paul Connerton, no livro Como as Sociedades Recordam (1999), dedicado à
questão de como se transmite e conserva a memória dos grupos. No entanto, foi-nos sobejamente útil para o
nosso trabalho de campo, e nomeadamente, para a realização de entrevistas, as considerações feitas sobre o
trabalho de Maurice Halbwachs, em Les cadres sociaux de la mémoire e La mémoire collective. Este segundo
autor considera que é através da pertença a um grupo social que os indivíduos são capazes de adquirir, localizar e evocar as suas memórias. Connerton especifica: ”Os grupos dotam os indivíduos de quadros mentais
no interior dos quais as suas memórias se localizam, e as memórias são localizadas por uma espécie de cartografia.” (Connerton 1999:45). Este foi um aspecto muito importante a ter presente aquando da realização
das entrevistas realizadas para o nosso trabalho, e nomeadamente, na condução das mesmas.
Adoptámos a linha de reflexão de Georg Simmel, sociólogo que deu importância ao estudo das estruturas
de socialização dos artistas, considerando que quanto maior for o talento de um artista, mais ele beberá da
sua tradição artística, parte da qual ele terá, por conseguinte, de aceitar e refinar. Citando Simmel, Etzkorn
afirma: “A música é como um aspecto das relações sociais através das quais os indivíduos comunicam entre
si e que por sua vez, mantém, estrutura e reestrutura estas relações”(Etzkorn 1964: 105).
Adoptámos uma combinação de abordagens etnográficas e históricas, seguindo a metodologia de Christopher Waterman, na sua obra Jújù – A Social History and Ethnography of an African Popular Music, uma das
primeiras obras que se ocupa detalhadamente da evolução e significado social de uma música popular na
África Ocidental, mais especificamente, na Nigéria.
Para a reconstituição de dados biográficos de B. Lèza no período em apreço, recorremos a publicações do
próprio autor e a entrevistas ou depoimentos publicados de pessoas que com ele privaram.
Levámos também a cabo entrevistas, nomeadamente, com Luís Rendall, António Aurélio Gonçalves e Jorge
Monteiro.
Depois de ter regressado definitivamente a S. Vicente em 1979, vindo de Angola, aí me encontrei com Luís
Rendall, regressado da Boavista, faroleiro reformado, conhecedor da música cabo-verdiana e companheiro
do B. Lèza. Entrevistei-o sobre Mindelo/S. Vicente do seu tempo, a sua vida e a do B. Lèza. Em 1983, no
Mindelo também, entrevistei o meu antigo professor de História e Filosofia, o escritor António Aurélio Gonçalves sobre a vida na Boavista da sua infância, sobre Sérgio Frusoni, o escritor ítalo-cabo-verdiano e sobre
B. Lèza. António Aurélio Gonçalves escreveu sobre o Mindelo profundo. São “noveletas”, como ele próprio
as classificou. Ainda em 1983, entrevistei Jorge Monteiro, músico, chefe da Banda Municipal do Mindelo e
da Praia, compositor culto e dos últimos prolíferos “mornistas” da geração de B. Lèza. Jorge Monteiro usou o
pseudónimo de Jotamont (J. Mont, de Monteiro), mas era mais conhecido por Jorge Cornetim por ele utilizar
esse instrumento de entre os vários que ele tocava, com eficiência.
Algumas vezes, em conversas esporádicas com o meu professor e mestre Baltazar Lopes da Silva, falei-lhe de
B. Lèza por saber da profunda amizade e admiração que ele nutria pelo compositor e da sua quota-parte na
inspiração da morna Eclipse. É importante referir conversas levadas a efeito com familiares e amigos, mesmo
133
nos anos 70, como com Armando Silva, companheiro de boémia do poeta e Malaquias Costa, violinista e ao
tempo servente no Hospital, onde B. Lèza morreu.
Foi já no quadro do Mestrado em Etnomusicologia que, em 2008, no Mindelo, entrevistei o sobrinho do poeta, Humberto Cruz.
A Cidade do Mindelo nos Finais do Século XIX e Princípios do Século XX
A cidade do Mindelo, do Porto Grande, nos finais do século XIX, é a cidade industrial e comercial por excelência de Cabo Verde, de grande importância para o Arquipélago. Cabo Verde deixava de ser o entreposto de
escravos para o Novo Mundo, para assumir o seu papel de interposto industrial e comercial mais importante
do Atlântico médio, fazendo parte do sistema Imperial Britânico1.
Um viajante inglês, Major Ellis, de passagem por S. Vicente, em 1873, deixou algumas notas sobre uma noite
em que esteve no Brazilian Hotel, e que permitem concluir que durante 40 anos de controlo inglês, o Mindelo
cresceu de tal maneira, que se transformou num “pequeno enclave do capitalista, com uma formação social
típica de capitalismo periférico, de hotéis com dancings nocturnos” com o seu respectivo ambiente promíscuo próprio das cidades portuárias (Ellis, Ibid.).
S. Vicente vivia, nessa altura, um momento de prosperidade devido ao movimento portuário e à importação
de matéria prima, como o carvão, que depois de armazenada era revendida aos barcos de passagem aos
quais se fornecia frescos e carne verde2, de modo a poderem continuar a viagem ao longo do Atlântico.
No centro desse “Oceano Negro”, S. Vicente, com o seu porto, desempenhava um papel importante, nos
finais do século XIX, de modo a ter a mais próspera economia de todo o Arquipélago:“a much higher level
of prosperity and economic security than anywhere else in Cape Verde” (Gatlin 1990:108). Para além disso,
em 1874 instalou-se a Western Telegraph Company e pouco depois S. Vicente tornou-se num dos pólos mais
importantes no sistema telegráfico mundial, trabalhando com cabos submarinos.
Dois factos farão do Mindelo uma cidade cosmopolita: a visita de barcos turísticos e o facto de ser um interposto de carvão, o que também permitiu a abertura à importação de produtos europeus, antes da Iª Grande
Guerra e mesmo depois. Por estar no meio do Atlântico, onde se desenrolava grande parte das batalhas navais, o Mindelo albergava, no seu seio, muitos dos náufragos de variadas nações, cujos barcos eram afundados
não muito longe das ilhas.
O quadro administrativo do Mindelo em geral, e o seu professorado em particular era na sua maioria constituído por cabo-verdianos e portugueses. Vinham do Seminário Liceu da Ilha de S. Nicolau e mais tarde do
Liceu Nacional Infante D. Henrique, fundado nesta cidade em 1917, depois do encerramento do seminário
de S. Nicolau, com o advento da República.
A população da ilha de S. Vicente era maioritariamente oriunda das ilhas vizinhas de Santo Antão, São Nicolau e Boa Vista. Essa população veio à procura do trabalho que a ilha lhe pudesse oferecer, e já em 1850 há
registos de concorrência no mercado de trabalho. Os ingleses mandaram construir casas para os seus trabalhadores. Madeirenses e os cabo-verdianos abastados das outras ilhas mais a sul vieram instalar aqui os seus
negócios de shipschandlers, a fim de fornecer os navios de víveres frescos, carnes e frutas. Muitos vieram da
Madeira e alguns dos Açores. Pode-se ver através dos nomes das famílias que ostentam. Os madeirenses e os
homens da Boa Vista eram os que tinham mais prática da vida marítima e portuária. Os portugueses transplantaram para S. Vicente, na área da pesca, e Santo Antão, na área da pesca e cana-de-açúcar, o mesmo tipo
1 Ellis, Alfred (1987) West African Islands. New York, Chapman.
2 Gatlin, Ibid.
134
de colonização que já se havia feito na Madeira e noutras ilhas e terras atlânticas.
A herança inglesa é bem visível no estilo de quarteirão de casas que mandaram construir, com os seus enfeites rendilhados em ferro, vindos de Londres, visíveis ainda hoje, e que atestam a sua permanência na
ilha. A prática desportiva tão do seu agrado foi dos hábitos deixados na ilha. A equitação, o golf, o cricket
o hóquei em campo, atletismo, o ténis e o snooker, são também dos finais do século XIX, e falam deles insistentemente. A capela anglicana, no seu estilo tradicional, é semelhante às deixadas fora da Inglaterra. As
enfermeiras inglesas impressionavam pela sua indumentária característica, com a touca e o avental brancos,
havia um vigário anglicano e, inclusive, tinham um cemitério onde enterravam os seus mortos.
Criaram em S. Vicente o hábito de passeios pelo campo, nos fins-de-semana. Faziam uma vida bastante
privada seguindo os seus hábitos. Dentro das instalações de uma das suas empresas, a Western Telegraph,
havia uma piscina para as suas famílias. Raríssimas vezes iam às praias públicas. Dentro da Western tinham o
seu clube e a sua biblioteca3.
Com o tempo, os hábitos ingleses entram na vida quotidiana do mindelense em geral, sem excepção de
classes. Os passeios pelo campo, a casa de campo, piqueniques e os desportos foram praticados a ponto de
passarem a desafiar os ingleses e os seus barcos que passassem pelo Porto Grande. No Mindelo também se
toma ainda o five o’clock tea.
Como se depreende, a comunidade britânica era a maior comunidade estrangeira instalada no Mindelo,
constituída pelos empregados das empresas carvoeiras, dos telégrafos, e também por comerciantes. Estes
últimos eram, na sua maioria, judeus do norte de África detentores do passaporte britânico. Havia também
uma comunidade italiana, composta por comerciantes que aí se instalaram por causa dos navios que faziam
escala levando a bordo os seus compatriotas que emigravam para a América do Sul. A ilha teve representações consulares de vários países4. Com efeito, a cidade do Mindelo estava ligada em poucos dias ou semanas aos grandes portos europeus e sul-americanos5.
No início do século XX havia na ilha de S. Vicente quatro escolas para rapazes, duas para raparigas, uma escola particular e periodicamente, uma aula particular no Mato Inglês.
Uns anos mais tarde, em 1917, havia já doze escolas.
Continuou a haver na cidade do Mindelo uma Banda Filarmónica Municipal, cuja existência data de 1889
e uma Biblioteca, que tinha sido criada em 1887. Por iniciativa particular, funcionava também um Cinema,
criado em 1922.
Foi na década de 1920 que se assistiu a um surto dos clubes desportivos, alguns só para os súbditos britânicos, outros para cabo-verdianos. Também se fundaram nessa década clubes recreativos que marcaram profundamente a sociedade mindelense.
Em 1917 criou-se no Mindelo o primeiro liceu laico da África Ocidental portuguesa, que também se tornou o
único no arquipélago, após o fechamento do Seminário-Liceu de S. Nicolau, com a implantação da República
em 1910. Chamado Infante D. Henrique e depois, Gil Eanes, durante décadas, continuou a ser o único, e
como lembra o autor Nobre de Oliveira, foi a partir dessa época que o ensino secundário se tornou gratuito
e que as mulheres passaram a ter acesso a este nível de ensino. O autor também refere que os jovens estudantes iam já adultos para Portugal e mantinham assim uma maior ligação à terra natal.
3 Gatlin, Ibid.
4 Nomeadamente Alemanha, Bélgica, Brasil, Dinamarca, Estados Unidos, Grécia, Inglaterra, Itália, Países Baixos, Uruguai, Rússia,
Suécia, Noruega e Turquia.
5 Como por exemplo Londres, Liverpool, Hamburgo, Lisboa, Le Havre, Marselha, Génova, Rio de Janeiro, Santos, Buenos Aires,
Montevideu, Cape Town e Sidney.
135
Durante os anos 20 e 30 do século XX, a França e a Espanha começaram a investir no equipamento dos
portos de Dakar e Las Palmas, o que o governo português da época não fez em S. Vicente. Assim, estes portos tornaram-se cada vez mais competitivos. Este factor, aliado à utilização de outros combustíveis para a
navegação de longo curso nas décadas que se seguiram, mais precisamente, o fuel, criou uma grave crise
económica na ilha, e por conseguinte, no arquipélago.
Para além disso, desde os finais dos anos 20, a maioria dos navios transatlânticos já utilizavam rádios sem
fios, pelo que a sua paragem no Porto Grande se tornava desnecessária.
As possibilidades para emigrar também foram-se tornando mais difíceis. Brito Semedo6 refere a restrição da
emigração para os EUA a partir de 1915 e outras limitações entre 1924 e 1928. O mesmo autor considera que
a corrente emigratória se intensificou então para a América do Sul, Argentina e Brasil.
Apesar da crise na ilha, as autoridades consideraram, no ano de 1927, que a ilha de S. Vicente era “o refúgio de
todas as misérias de Santo Antão, São Nicolau e mesmo das outras ilhas.” (MHOP 1994)7 Já em 1915 cria-se o
Albergue para tratamento de indivíduos de ambos os sexos que sofriam de carência absoluta de “rendimentos,
cuidados de alimentação e higiene e em 1927 constrói-se a “Cozinha Económica” para oferecer comida barata
aos habitantes.8
A década de trinta, de grande crise mundial após a 5ª feira negra de 1929 em Nova York, não deixa de atingir
muito duramente a economia de S. Vicente. Com efeito, as trocas comerciais diminuem a nível mundial e o
Porto Grande, que já vinha verificando uma diminuição da frequência de navios que aí aportavam, conheceu
uma descida drástica. Segundo Nobre de Oliveira, em 1927 houve 1163 vapores que foram aí abastecidos em
carvão, e já em 1932, foram somente 3209.
Brito Semedo refere que no último trimestre desse mesmo ano fecharam cerca de 60 estabelecimentos do
pequeno comércio10.
O desemprego aumentou muito consideravelmente, e com ele a dificuldade de muitas famílias em suprir as
suas necessidades mais básicas.
Há quem refira que não faltavam mercadorias na ilha; no entanto, o desemprego, a falta de remessas dos
emigrantes, também atingidos pela crise mundial e a subida dos preços devido à seca tornava os próprios
bens alimentares inacessíveis para uma parte da população.
Estes factores terão originado, em 1934, a célebre Revolta de Nhô Ambose, descrita mais tarde por poetas
e pintada por artistas plásticos.
Diz a tradição popular e os relatos que os manifestantes se dirigiram à Câmara Municipal e que a Alfândega
e algumas lojas foram saqueadas. Desta manifestação resultaram um morto e dois feridos entre os manifestantes. O ano de 1933 marca a instituição da ditadura salazarista, o regime do Estado Novo. As elites do arquipélago
6 Brito-Semedo, Manuel (2006) A construção da Identidade Nacional: Análise da Imprensa entre 1877-1975. Praia, Insituto da
Biblioteca Nacional e do Livro
7 Ministério da Habitação e Obras Públicas – Cabo Verde, CABO VERDE (1984) Linhas Gerais da História do Desenvolvimento
Urbano da Cidade do Mindelo. Praia, MHOP
8 Ibid.
9 Nobre de Oliveira, João. 1998. A Imprensa em Cabo Verde de 1820-1975: Macau. Fundação Macau
10 Brito-Semedo, Ibid.
136
e das colónias africanas de então foram atingidas por leis discriminatórias a partir dessa data e contra elas
lutaram acerrimamente. Apesar de terem sido mais tarde revogadas, a sua existência deixou a marca da experiência de uma clara e inequívoca diferença de tratamento entre “brancos da terra” e “brancos da metrópole”, legitimada legalmente, o que terá certamente tido as suas consequências mais tarde.
É curioso constatar que a decadência económica da cidade e as dificuldades enfrentadas pela sociedade contrastam com o dinamismo a nível das actividades culturais: com efeito, este terá sido o primeiro período de
grande produção cultural na cidade e talvez o maior até aos dias de hoje.
Todo o dinamismo das sociedades recreativas e desportivas que teve início na década de 20 prossegue. Os
grupos carnavalescos também continuam as suas actividades, sendo que na década de 30 os cabo-verdianos
começam a compor as suas próprias marchas e sambas.
A grande novidade desta década faz-se sentir, no entanto, no âmbito da imprensa: em 1931 Leça Ribeiro
funda a Sociedade de Tipografia e Publicidade Lda. e no mesmo ano começa a sair o jornal Notícias de
Cabo Verde, dirigido pelo mesmo, que teve a maior longevidade em toda a época colonial no arquipélago, à
excepção, obviamente, do órgão oficial de imprensa, Boletim Oficial. Com efeito, o Notícias de Cabo Verde
conseguiu resistir durante três décadas.
E em 1936, é publicado o primeiro número da célebre revista de Artes e Letras Claridade, que segundo os
críticos literários, marcou de forma definitiva a literatura em Cabo Verde. Alguns de entre os mais consagrados escritores do arquipélago revelaram-se nesta revista criada por Baltasar Lopes, Jorge Barbosa e Manuel
Lopes em 1936. Composta por nove números publicados até 1960, nela publicaram-se poemas, estudos
literários, extractos de romances, análises da sociedade, da História e da Cultura do arquipélago. Inspirados
pelos autores do Nordeste brasileiro como José Lins do Rego, Jorge Amado, Manuel Bandeira, entre outros,
estes autores cabo-verdianos viraram as costas aos arquétipos europeus, consagrando-se a temáticas caboverdianas, numa tomada de consciência e afirmação da identidade cultural cabo-verdiana, afirmada pela
primeira vez no domínio literário.
Durante este período, e em particular na década seguinte, o arquipélago foi também atingido por períodos
cíclicos de secas. Esta situação provocou dezenas de milhares de mortos por inanição num território que
tinha cerca de 200 000 habitantes. O facto de que Salazar não tenha aceite ajuda humanitária vinda de outros países agravou particularmente a situação nos anos 40. Nessa década e na de 50, provavelmente mais
de 16 000 cabo-verdianos emigraram para S. Tomé e Príncipe, escapando assim à fome e tentando depois
sobreviver a condições de trabalho que não se distanciavam muito da escravatura. A economia de S. Vicente
sofreu um golpe muito duro com a partida definitiva das últimas companhias carvoeiras britânicas no início
dos anos 50. Apesar de tudo, em 1957, o Porto Grande de S. Vicente participava ainda em 75% no orçamento
desta então província portuguesa.
Infância e adolescência de B. Lèza: a socialização musical
De forma a compreender a relação do artista com a sua época no seu país natal, ser-nos-á necessário começar
por contextualizar a infância e adolescência de B.Lèza na cidade do Mindelo. Para isso, tal como fez Waterman, em Jújù: A Social History and Ethnography of an African Popular Music, iremos recorrer a uma combinação de abordagens etnográficas e históricas, ou seja, faremos uma descrição etnográfica recorrendo a
fontes históricas e a entrevistas.
Nos princípios do Século XX, quando Francisco Xavier nasceu, os pais trabalhavam, directa ou indirecta-
137
mente, para os ingleses, como a maior parte da população do Mindelo, num período em que a cidade era
ainda bastante próspera11. Frank, como lhe chamava a velha mãe, crescia sem grandes preocupações, à vontade no bairro do Lombo de Trás, povoado de gente que dependia quase completamente do mar e, de entre
essa gente, destacavam-se negociantes de bordo, encarregados intermediários dos estaleiros das Companhias de Carvão e pequenos funcionários públicos. B. Lèza nasceu nesse bairro, hoje quase completamente
desaparecido.12
A mãe trabalhava como cozinheira, enquanto que o pai nos quintais de carvão. “A situação económica era
saudável, embora a concorrência fosse grande”13. Havia muitos estabelecimentos de pequeno comércio, nas
zonas suburbanas, da Salina, da Rua do Coco e Lombo; zonas das gentes humildes e “remediadas”14.
Em chegando à idade escolar, fez todo o percurso primário igual ao de todas as crianças, até o completar.
Após o que, Luís Rendall, maestro e grande músico, amigo de família, pediu permissão à mãe para interceder
por ele, junto do Reitor do Liceu, justificando que ele era um rapaz prendado e que não fazia jeito nenhum
que ficasse apenas pelo ensino primário. Não foi nada difícil, na medida em que Rendall era contínuo do
Liceu e sabia percorrer esses corredores da influência15.
Nos anos 20, quando lhe faltava pouco para terminar o 2º ciclo liceal, antigo Curso Geral, Francisco Xavier, (B.
Lèza), aos 18 anos, interrompe os estudos16 para trabalhar e ajudar a família. Naqueles tempos não era difícil
entrar para os serviços públicos com as habilitações que já possuía, bastava-lhe consultar o Boletim Oficial e
concorrer. Concorreu e ficou admitido, em 1927. Devia seguir para o Ilha do Fogo onde fora colocado, conforme se pode constatar, no Boletim Oficial desse ano.
Enquanto esperava para seguir viagem, estagiava nos Serviços dos Correios do Mindelo. Naquele momento
um emprego fazia-lhe bem, visto que em S. Vicente se vivia já com muitas dificuldades, motivadas pela
crise internacional, do após 1ª Grande Guerra e também logo a seguir, pela Grande Depressão nos EUA que
acelerou os despedimentos, justificados pela fraca frequência de entrada de barcos no porto.
Entretanto, B. Lèza, no Mindelo, S. Vicente, fazia as suas serenatas e, com os amigos, funda o grupo carnavalesco, Floriano, no seio do qual estariam vários dos tocadores que com ele muitas vezes actuavam: Luís
Rendall, (de S. Vicente), João Severo e nhô Simão Silva (ambos da Boa Vista), Justino da Cruz Évora (Djut,
pai de Cesária Évora). Identificam-se os elementos do grupo através de um documento iconográfico, feito
durante um baile de Carnaval, datado de 1926, logo após a morte do pai do músico. Ele, por estar de luto, só
posou para a fotografia de farda, de azul-escuro, de oficial de marinha de guerra. 17
As informações mais antigas, no Mindelo, referenciam Frank Xavier ou Frank de Nha Rosa cantando música
brasileira nas serenatas; apaixonou-se pela maneira de versejar e cantar dos brasileiros que ele bem imitava,
na maneira de falar e de se vestir18. As músicas eram aprendidas através dos discos que chegavam do Brasil,
trazidos pelos tripulantes dos barcos surtos no Porto. Ele e Luís Rendall sempre que se oferecesse a oportunidade, tocavam com um muito conhecido brasileiro, João da Mata, célebre na ilha, pela sua arte de dedilhar
o violão. Luís Rendall falava dele como seu mestre.
11
12
13
14
15
16
17
18
Gatlin, Ibid.
Entrevista de Moacyr Rodrigues com Humbero Cruz, Mindelo, 2008
Ministério da Habitação e Obras Públicas – Cabo Verde, Ibid.
Entrevista de Luís Rendall a Moacyr Rodrigues, Mindelo, 1979. “Remediados” gente de classe humilde.
Ibid.
Arquivo do antigo Liceu Infante D. Henrique, no actual Liceu Ludgero Lima, Mindelo.
Entrevista de Luís Rendall a Moacyr Rodrigues, Mindelo, 1979
Entrevista de Moacyr Rodrigues com António Aurélio Gonçalves, Mindelo,1982
138
Ainda estudante do Liceu Infante D. Henrique, em S. Vicente, B. Léza aprende a arte do verso, como todos
os que fizeram o segundo ciclo liceal. Nas suas horas de lazer praticava a música de ouvido, porque a maior
parte desses jovens preferiam não estudar música, porque era mais fácil pegar num violão e começar a imitar os outros, a tirar sons de que gostavam, do que perder “o tempo com o solfejo” que não servia os seus
intentos, como então se dizia, visto que o queriam era tocar sem perder muito tempo. Isto é o resultado do
imediatismo na utilização do instrumento, para satisfazer um certo prazer e orgulho de tocar.
Para percebermos em que medida se deu a socialização musical de B.Lèza na cidade, ser-nos-á útil proceder
a uma breve caracterização do ambiente musical no Mindelo durante esse período, tal como Waterman fez
para a cidade de Lagos, durante o mesmo período e Edouard Benoit, no livro Zouk: World Music in the West
Indies, de Jocelyce Guilbaut, fez para a Martinica entre os anos 1940 e 1960. Assim, ser-nos-á possível fazer
uma análise deste fenómeno, estabelecendo porventura, alguns paralelismos.
Pelas ruas do Mindelo e principalmente nos bairros suburbanos, onde isso ainda hoje é prática diária, não se
passava e, nem mesmo ainda, se passa uma noite sem ouvir o som de um violão. Era hábito ouvir as mães
reclamarem, constantemente, por estarem “sempre de violão ao peito, em vez de procurarem trabalho”. O
homem de violão ao peito era sinónimo de vadio.
Nas barbearias do Mindelo também tinham instrumentos de corda, de um modo geral, a maior parte dos
barbeiros eram violinistas. Muitos como Nènèzinho imigraram para o Senegal, chegando a haver em Dakar, a
Rua dos Barbeiros (caboverdianos) ou mesmo Malaquias Costa, no prédio do Mercado Municipal.
O hábito de os homens cantarem apenas nas serenatas vem possivelmente dos amigos brasileiros, e à volta
de um grogue, nos botequins. Normalmente os homens tinham vergonha de cantar nos bailes, cantavam
em lugares de vida privada. De um modo geral as mulheres é que cantavam e faziam-no, durante o dia, nas
lides domésticas. Segundo opinião do escritor Aurélio Gonçalves, “B. Lèza é que as destronou, começando a
cantar, nas serenatas”19, debaixo de certas janelas, para as moças românticas.
As cantadeiras, à maneira da Boa Vista, cantavam nos bailes ou noutras festas como piqueniques ou nas
festividades religiosas, como relata Luís Rendall20. Os bailes eram organizados quase sempre por um grupo
de jovens, normalmente com o beneplácito de pessoas mais velhas que aceitavam apadrinhá-los para que
tivessem credibilidade. Normalmente as famílias só aceitavam deixar as jovens irem para os bailes onde
houvesse pessoas de uma certa respeitabilidade. Mesmo nestas circunstâncias, as jovens eram acompanhadas por um familiar mais velho ou um irmão que garantia a decência do evento. Os bailes organizados por
jovens eram frequentes, mas não eram de fácil organização por causa de preconceitos sociais. Nesses bailes
não havia separação etária, porque serviam para os socializar e transmitir as danças, os costumes e os códigos da convivência social. Nos anos 40/50 já havia menos controle porque o Liceu era uma forte fonte de
convívio; nas férias, era impossível controlar tanta gente com uma nova postura. Os bailes nacionais, bailes
organizados por moças, grupos carnavalescos ou clubes, eram aqueles em que as pessoas podiam ser aceites
desde que pagassem as quotas e oferecessem confiança e respeito. Eram bailes abertos a todas as classes,
organizados por moças da classe média, mas só para homens. Aí as senhoras da média e alta burguesia não
entravam e quase sempre desconheciam-nos. Os bailes terminavam, de manhã, por volta das cinco horas,
com execução de Manche, uma coladeira que é uma recriação de um galope, segundo Jaime de Figueiredo,21
e antes de irem para casa, os convivas tomavam uma suculenta canja de galinha ou de atum As serenatas
eram, normalmente, mais a nível do instrumental, realizadas pela noite dentro quando julgavam que as
moças a quem eram dirigidas já se encontravam na cama. O grupo fazia os convites aos tocadores durante o
19 Entrevista de Moacyr Rodrigues com António Aurélio Gonçalves, Mindelo, 1982
20 Entrevista de Moacyr Rodrigues com Luís Rendall, Mindelo, 1979
21 FIGUEIREDO, Jaime de (s/d) “O Sentido da Morna e das Coladeiras”. Separata da Revista de Etnografia (28)
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dia, e combinavam encontrar-se num determinado ponto, combinavam o programa, a ordem de entrada de
cada um para evitar atropelos, pois tudo devia decorrer em silêncio. No prefácio do seu livro Uma Partícula
da Lira Caboverdiana de B. Lèza, o autor descreve uma serenata levada a efeito pelo seu grupo da capital,
Praia, ao Palácio do Governador, Amadeu Gomes de Figueiredo. Mais tarde, nos anos 40, enquanto não se
encontrou um cantor do agrado para as serenatas, não se faziam serenatas cantadas. Os músicos eram até
então mais acompanhantes das cantadeiras do que cantores. As serenatas são, em parte, responsáveis pela
melhoria das letras das mornas.
Os músicos da morna não frequentavam qualquer escola, à maneira tradicional eram espontâneos, verdadeiros self made men, à laia dos seresteiros brasileiros ou dos estudantes de Coimbra, trazidos da Brava, ou nas
tocatinas, à porta de certas casas, como a da Ti Bia, na Pracinha do Liceu, na da Igreja ou na rua de Coco. B.
Lèza tocava também na companhia de Luís Rendall e de Jack de Bi-Tanha, ou com os do seu grupo Floriano,
onde sobressaía nhô Simão Silva e João Severo, esses dois grandes tocadores de violino e violão, respectivamente, ambos naturais da Boa Vista22. É nesses ambientes e companhias que aprendiam, imitando os que já
eram reconhecidos.
Pela análise destes elementos, e respondendo à nossa problemática, podemos concluir que B. Lèza interagiu
fortemente com o ambiente musical da cidade na sua adolescência, sendo a sua socialização musical fruto
deste ambiente, marcado essencialmente pelo dialogismo bakhtiniano23. Chegou até ao ponto de ser um
iniciador ou promotor de um grupo carnavalesco. Tocava em serenatas, com grupos de assalariados urbanos
migrantes ou descendentes directos de migrantes da Boa Vista. Podemos estabelecer aqui um paralelismo
com a realidade de Lagos da mesma época, estudada por Waterman. Um outro ponto em comum entre as
duas cidades é a forte influência exercida pela importação de gramofones. Mas enquanto em Lagos se verificavam trocas musicais no espaço da África Ocidental Anglófona, o Mindelo recebia influências do espaço do
ex-Império português no Atlântico, mais especificamente, do Brasil.
Podemos identificar um terceiro ponto em comum entre os dois espaços durante o mesmo período temporal, que são os locais de actuação da música popular urbana: piqueniques, serenatas, botequins e ambiente
privados, quando alguns dos senhores intelectuais ou da elite mindelense recebiam convidados, ou ainda
quando havia saraus no Palácio do Governo, no Mindelo, com a visita do próprio governador. Luís Rendall fala
de convites recebidos para tocar no salão do St. Vincent Golf Club pela passagem do Rei Gustavo da Noruega
pela Cidade /Porto24.
É nesse meio que B. Lèza vai transitar e evoluir e durante a sua adolescência, B. Lèza bebeu do ambiente
musical que lhe era oferecido pela sua cidade natal, de forma a vir desempenhar esse papel mais tarde, como
compositor, porque essa aprendizagem nunca é feita de forma passiva, é feita sempre de forma conflituante,
em atitude sempre dialógica, nesse processo de aprendizagem cultural com os outros músicos com quem
apreendeu na cidade; vive deles e com eles e por esta razão eles vivem para a cidade e com ela.
22 Entrevistas de Moacyr Rodrigues com Norberto Cruz, Mindelo, 2008, e com Luís Rendall, Mindelo, 1979.
23 Segundo Bakhtin, a actividade de conhecimento do outro é necessariamente dialógica, pois o outro tem voz: “Any object
of knowlegde (including man) can be perceived and cognized as a thing. But a subject as such cannot be perceived and studied
as a thing, for as a subject it cannot, while remaining a subject, become voiceless, and consequently, cognition of it can only be
dialogic.” BAKHTIN, M. M. (1994) Speech Genders and Other Late Essays. Austin, University of Texas Press., p. 161
24 Entrevista de Moacyr Rodrigues com Luís Rendall, Mindelo, 1979.
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142
O baque virado do Maracatu
na cena musical em Lisboa
Claudia Góes
Resumo O Maracatu é uma manifestação da cultura popular brasileira, afrodescendente e de cunho
religioso. Surgiu, provavelmente, entre os séculos XVII e XVIII, e é encontrado, atualmente, enquanto grupo cultural organizado, nas principais capitais européias, além dos Estados Unidos e Canadá.
Considerando o número de imigrantes brasileiros e africanos hoje em Lisboa, o que torna a cidade
um espaço de relações multiculturais, este trabalho tem como objetivo registrar a atual cena musical
para o Maracatu em Lisboa através dos cortejos e oficinas realizados pelo grupo Maracatu DuBairro,
sediado no Bairro Alto.
Palavras-chave: Maracatu; Cultura; Imigração, Espaço multicultural.
Keywords: Maracatu; Culture; Imigration; Multicultural space.
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O choro na Lapa (RJ)
movimento musical e
revitalização do Rio Antigo
Claudia Góes
Resumo Análise da relação da música popular com o processo de revitalização da região denominada
“Rio Antigo”, no Centro histórico Rio de Janeiro. Avaliou-se em que medida o movimento musical do
samba e do choro colaborou de forma significativa na revitalização do bairro da Lapa na última década.
Parte-se do pressuposto de que a reocupação do bairro está sendo redefinida pelas novas casas de
espetáculo (e também por projetos urbanísticos do Estado e pelo mercado imobiliário). Nas últimas décadas, a região do Rio Antigo - que compreende a Lapa, Praça Tiradentes e Cinelândia -, está se reestruturando e desenvolvendo atividades econômico-culturais através de casas noturnas, centros culturais,
bares e restaurantes, dedicados a tocar diversos estilos musicais onde o samba e, especialmente, o
choro são destaques. Isto é, o sucesso alcançado por essas casas noturnas - que em grande medida
realizam concertos ao vivo de choro - é um dos principais responsáveis pela reocupação dos antigos
casarios reformados e dos novos espaços socioculturais criados. Este movimento social que gira em
torno da música está revelando uma região com uma economia bem definida, baseada na música, no
entretenimento, no turismo e na gastronomia.
Palavras-chave: Circuito musical; Espaço público; Samba; Choro; Cidade; Reocupação.
144
Claudia Góes
INTRODUÇÃO
A reocupação do bairro da Lapa teve uma ligação direta com o fortalecimento nas últimas décadas do
movimento musical do samba-choro, a partir das reformas de infra-estrutura do Centro da cidade
do Rio de Janeiro. Este momento permitiu a abertura de inúmeros bares e casas de concertos na Lapa
e, conseqüentemente, o surgimento de diversos grupos musicais compostos por jovens, além do retorno dos músicos “da antiga”, os chamados “chorões”, ao bairro. Atualmente, a região que compreende a Rua do Lavradio, a Praça Tiradentes e a Cinelândia, conhecida como Rio Antigo e, o entorno da praça Mauá, está se reestruturando e recebendo em suas casas noturnas, centros culturais, bares
e restaurantes, diversos estilos musicais onde o samba e mais precisamente o choro são um dos principais responsáveis pela reocupação dos antigos casarios e dos novos espaços que surgem a cada dia. Breve história do choro Dizer que a música popular feita no Brasil é caracterizada por sua riqueza é essencial para defini-la. A história
da música popular do Brasil acontece quando do encontro entre a música dos jesuítas e a música dos indígenas. Ela se tornaria mais forte no final do século XVII, com o lundu que tem origem no batuque africano e nos
ritmos portugueses, e com a modinha, de cunho intimista, amoroso e sentimental. Já no século XIX surge o
choro e os conjuntos de chorões — nome que se dá aos músicos que integram os conjuntos de choro — que
adaptam formas musicais européias ao gosto brasileiro. Os primeiros grupos de chorões eram compostos por flauta, violão e cavaquinho. No final do século XIX são incorporados instrumentos de sopro e corda, tais
como o bandolim, o flautim e a clarineta. Em termos de estrutura musical, o choro costuma ter três partes
(ou duas, posteriormente), que seguem a forma rondó (sempre se volta à primeira parte, depois de passar
por cada uma). Músicos como Ernesto Nazareth, Jacob do Bandolim e Pixinguinha foram fundamentais para a formação
da linguagem do gênero. Este último foi essencial pois introduziu elementos da música afro-brasileira e da
música rural nas polcas, valsas, tangos e schottisch vindas do exterior. Jacob do Bandolim, por sua vez, fundou o mais importante grupo de choro de todos os tempos, o Época de Ouro.
O choro acabou por tornar-se o gênero mais representativo da música brasileira por seu caráter de elo entre
diversos segmentos sociais e estéticos que persiste até hoje. Pode-se pensar o choro como uma síntese primordialmente instrumental de toda uma história musical brasileira. Breve história da Lapa
O bairro da Lapa no Rio de Janeiro é historicamente ligado à música. Seus cabarés, teatros e cafés eram o ponto
de encontro de músicos, artistas, intelectuais e também de malandros no inicio do século passado. A Lapa se
destaca ainda por suas obras arquitetônicas como a Sala Cecília Meireles, o Passeio Público, a Escola Nacional
de Música e os Arcos da Lapa. Mas nem sempre foram brilhantes a noites do bairro, com as sucessivas crises
econômicas do país, a região conheceu épocas de decadência. (inserir imagens da Lapa antiga, e do casario).
Entre os anos 80 e 90, os antigos prédios abandonados foram restaurados fazendo surgir no local diversos
centros culturais e casas de espetáculos. O bairro foi rejuvenescido com a presença de jovens de diferentes
classes sociais e identidades culturais. Nesse momento, ali se instalou o Circo Voador com suas oficinas de
teatro, dança e espetáculos musicais. (inserir imagem do Circo Voador).
145
A reforma urbanística da rua do Lavradio foi o marco para a revitalização da região que passou a atrair
uma série de investidores e produtores musicais com suas casas de espetáculos, bares e restaurantes. Por sua vez, a Lapa passou a agregar profissionais ligados ao mundo da música atraindo assim músicos de outras regiões da cidade. Primeiramente surgiu o Empório 100, bar de samba-choro montado
num antiquário no número 100 dessa mesma rua. Em seguida surgiu o Bar Carioca da Gema, o Bar Semente, a Casa da Mãe Joana, o Estrela da Lapa, o Rio Cenarium, e, atualmente, o Clube Democráticos, a
Fundição Progresso, dentre outros. Hoje, a Lapa é o ponto de encontro de todas as tribos, idades e classes sociais do Rio de Janeiro. (inserir imagem da esquina do Semente e do Democráticos e Fundição).
Revitalização do bairro
Assim como o samba, há muito o choro faz parte da cena musical da Lapa. Em meados da década de 90, houve uma grande proliferação de espaços para apresentação de rodas de choro que tinham como público
profissionais liberais, músicos, jornalistas, escritores e estudantes.
Este circuito criado por esses dois gêneros, expressões emblemáticas da cultura musical brasileira, refletiu
significativamente na reformulação dos espaços da região, que por sua vez foram revitalizados com o início
das obras, na década de 1990, de melhoria da infra-estrutura urbana de modo a favorecer a segurança e o
bem-estar dos freqüentadores e turistas que circulam no bairro. Antes disso, a Lapa só era notícia na mídia
quando chovia e havia inundações nas ruas, o que afetava todo o comércio local. Depois das obras, ali foi instalada a Feira do Rio Antigo. Os antiquários empoeirados desta rua passaram a reformar e pintar suas fachadas, a limpar os móveis, a construir banheiros. Foi o momento da construção da auto-estima do comerciante
local. Assim, a rua passou a ser motivo de notas simpáticas e espontâneas dadas pela mídia. Isso trouxe mais
gente para o bairro, e, conseqüentemente, houve uma demanda maior pelos imóveis.
Podemos dizer que de tempos em tempos a Lapa viveu o que Jerzy Kociatkiewicz e Monika Kostera denominaram de “espaços vazios”. Para os autores as ruas pobres, distritos perigosos e periferias, são exemplos de
espaços vazios:
lugares a que não se atribui significado. Não precisam ser delimitados fisicamente por cercas ou
barreiras. Não são lugares proibidos, mas espaços vazios, inacessíveis porque invisíveis. Se ... o
fazer sentido é um ato de padronização, compreensão, superação da surpresa e criação de significado, nossa experiência dos espaços vazios não inclui o fazer sentido. (Bauman, 2001: 120).
De alguma forma, esse processo de revitalização da Lapa e Centro do Rio nos leva a acreditar que a Lapa não
se inclui mais nesses espaços vazios. Acreditamos que a música, em especial o samba e o choro se tornaram
o que Caiafa chamou de a “força criadora” do repovoamento da região. “A força criadora das cidades vem,
precisamente do ato de se chamar à rua e de se ocupá-la.” (Caiafa, 2001: 130).A ocupação dos espaços tem
uma dependência direta com o poder público. Mas a Lapa é um caso raro no Brasil porque foi uma iniciativa
que partiu dos comerciantes locais. Em outras cidades brasileiras como é o caso do Pelourinho na cidade de
Salvador, e da cidade de São Luis do Maranhão, foi o governo que promoveu a reforma dos antigos casarios
e a reocupação desses antigos espaços.
Transformada agora em pólo cultural seguro, o turismo pôde ali se instalar. Segundo pesquisa realizada em
2007, 90% dos freqüentadores daquela região sentem-se seguros no local. Jane Jacobs observa que a melhor medida de segurança nas ruas de uma cidade são as próprias pessoas. Uma rua habitada não precisa
de polícia. De fato, a violência é muito mais provável nas regiões despovoadas, onde as pessoas preferem
permanecer entre conhecidos em ambientes familiares, onde o espaço público está abandonado. São os
desconhecidos em torno de nós que facilitam o nosso acesso, ao circularem conosco pelo espaço da cidade.
146
Claudia Góes
A ocupação coletiva é a nossa garantia. É a mistura urbana, a concentração e a circulação, o contágio em plena rua que garantem a nossa presença e a nossa liberdade de circular e, portanto, a nossa relação ativa
com a cidade. (Caiafa, 2001: 130)
Mesmo entendendo as várias facetas dos meios urbanos, capazes de concentrar, circular e ao mesmo tempo
de dispersar, é fato que este movimento musical foi sem duvida um divisor de águas na vida desta região. De
diferentes maneiras em cada configuração urbana, a história das cidades envolve o povoamento, a ocupação
do espaço. Trata-se de uma ocupação coletiva, da produção de espaços públicos. Esse coletivo urbano se caracteriza por possibilitar, de alguma forma, uma experiência com o outro. Nesse espaço coletivo, se dá a mistura
propriamente urbana, mesmo que provisória e local. Cria-se um espaço de contágio com outros e estranhos onde há uma imprevisibilidade que o confinamento familiar não permite, onde há mesmo ou pode haver
uma criatividade maior dos processos subjetivos. (Caiafa, 2001: 125)
Bauman (2001) afirma: “uma cidade é um assentamento humano em que estranhos têm chance de se encontrar”. O autor comenta que esse encontro não tem necessariamente que partir de um encontro anterior.
Para ele, um encontro entre estranhos pode acontecer sem referências e sem lembranças. o encontro de estranhos é um evento sem passado. Freqüentemente é também um evento sem futuro (o esperado é não ter futuro), uma história para “não ser continuada” uma oportunidade única a ser consumada
enquanto dure e no ato, sem adiamento e sem deixar questões inacabadas para outra ocasião. (Bauman,
2001: 111) Sobre essa convivência entre estranhos, podemos afirmar que a Lapa tem a capacidade de ter tudo convivendo em harmonia. Tem os travestis na esquina da Rua do Lavradio com Mem de Sá convivendo em harmonia com o movimento dos bares. Eles transitam pelas calçadas sem conflito. Já as meninas de programa
da Praça Tiradentes trabalham ao lado da casa de espetáculo Centro Cultural Carioca sem incomodar nem
causar constrangimentos aos freqüentadores daquele estabelecimento. Se a vida urbana requer habilidades
como conviver com as diferenças, então a civilidade é uma tradição do carioca. Esta acontece dentro de
espaços onde as pessoas se relacionam como pessoas públicas sem serem cobradas a tirar suas máscaras.
a atividade que protege as pessoas umas das outras, permitindo, contudo, que possam estar juntas. Usar
uma máscara é a essência da civilidade. As máscaras permitem a sociabilidade pura, distante das circunstâncias do poder, do mal-estar e dos sentimentos privados das pessoas que as usam. A civilidade tem como
objetivo proteger os outros de serem sobrecarregados com o nosso peso (Bauman 2001: 112).
O autor afirma ainda que civilidade é a capacidade de interação entre estranhos e o que caracteriza o espaço público onde acontece esse encontro é a “dispensabilidade dessa interação”. Logo,
a Lapa que sempre foi um espaço de encontro entre diversos grupos de pessoas com determinado gosto e comportamento, pode ser vista como um espaço de encontro entre estranhos. Para Caiafa (2001) “estar entre estranhos é livrar-se em algum grau de sua identidade ou sua definição”.
Hoje o samba e o choro ocupam cerca de 80% da programação das casas noturnas da Lapa. A mesma pesquisa de 2007 confirmou também que 68% do público que freqüenta aquela região vai em busca de entretenimentos ligados à cultura brasileira. É um público de classe média-alta e de todas as idades com idade
entre trinta e cinqüenta anos. São profissionais que trabalham em museus, centros culturais, estudantes e
professores universitários. Existe ainda um numero significativo de turistas estrangeiros que passam por ali
com a intenção de conhecer a cultura brasileira. É um turismo cultural que deve ocupar cerca de 20 a 30%,
das casas de espetáculos. 147
Mas nem todos vibram com a vitrine musical que a Lapa se tornou. O consagrado violonista Mauricio Carrilho, diretor da Acari Records, editora especializada em choro, diz que o que aconteceu na Lapa não representa quase nada, se pensarmos que existe na cidade uma enorme rede de casas de concertos e bares
administrados por espanhóis que só divulgam espetáculos de baixíssima qualidade musical. E isso acontece
porque não existe uma política cultural que proteja o nosso produto musical, assim como acontece com o
tango em Buenos Aires ou com a musica Flamenca em Sevilha, na Espanha, e em tantos outros lugares. O Rio
de Janeiro deveria ser reconhecido pela sua música mas não existe um política governamental que integre
essa produção musical ao turismo.
Mercado Imobiliário: A Lapa se prepara para um novo momento
Se o choro ganhou nova vida com a revitalização da Lapa e adjacências, a região também voltou a brilhar
com a sua presença. Mas se essa retomada tem até agora reflexos tímidos sobre a indústria da música, para
o mercado imobiliário, o cenário é outro. Seis anos após a fundação do Distrito Cultural da Lapa, foram
lançados novos imóveis para a classe média no bairro. O maior empreendimento foi o Condomínio Cores da
Lapa na Rua do Riachuelo.
Com 688 apartamentos de 1, 2 e 3 quartos, nas primeiras horas de lançamento, todas as suas unidades
foram vendidas. O condomínio oferecia a seus moradores, serviços que não existiam na Lapa, como ginásio,
cinemas e lojas especializadas. Assim, o perfil do novo morador da Lapa começou a ser traçado. O uso residencial do bairro gerou um novo mercado, qualificou o comércio e passou a exigir melhorias. Mas nem todos
ficaram satisfeitos com esses novos tempos na Lapa. Alguns moradores lembraram que essas mudanças na
vida do bairro iriam atrair um morador de classe média e isso iria trazer uma reformulação no comércio em
geral para atender a esse novo morador. E isso traria conseqüências diretas para a região como a descaracterização das ruas, em função do número de carros que iriam circular nesses espaços.
Uma questão lembrada pela maioria dos entrevistados para minha tese de mestrado é que a freqüência e a
futura permanência da classe média alta na região da Lapa implicaria também na abertura de bares e restaurantes “chiques”, onde se passaria a pagar um preço fixo de entrada e conseqüentemente bebida e comida
bem mais caras. Essa descaracterização atingiria diretamente a boemia, que é a marca do bairro. Alguns
freqüentadores das noites da Lapa, chamaram essa “evolução” de manobra social para retirar as pessoas
dos bares de rua em nome de uma nova organização mas que faria com que a Lapa ficasse enclausurada em
bares fechados perdendo a sua essência que é a rua.
Alguns entrevistados apontaram ainda para o futuro do atual morador da Lapa: essa população seria expulsa
do bairro e iria morar nos morros ou na periferia da cidade pois só permaneceria na Lapa aquele que puder
pagar altos impostos e tivesse maior poder aquisitivo para consumir os novos serviços disponibilizados pelo
comércio mais requintado.
Bauman (2001) afirma que alguns espaços públicos servem para transformar cidadãos em consumidores. A
Lapa corre o risco de perder seus botecos e lojas de esquina e se transformará em um grande “templo de
consumo” - ao ar livre - como pensa George Ritzer. Muito se fala da Lapa na mídia, mas pouco se falou sobre
a questão da especulação imobiliária, das transformações físicas, socioculturais e suas conseqüências. Se
por um lado a Lapa não é mais um espaço vazio, por outro essa ocupação consumista poderá transformar
o bairro e seu entorno em uma grande Copacabana, um grande centro de consumo que, mesmo com um belo passado, aos poucos foi perdendo o glamour. 148
Claudia Góes
BAUMAN, Zygmunt (2001) Modernidade Líquida. Rio de Janeiro. Jorge Zahar Ed.
CAIAFA, Janice (2004 ) Conversações.in Revista Contracampo Niterói v. 10/11 p.239 1º e 2º semestre – Edição
Especial/Número Duplo.
CAIAFA, Janice (2001 ) Povoar as Cidades. Revista Fronteiras – estudos midiáticos vol. III Nº 2 .
CAZES, Henrique ( 1998) Choro: do Quintal ao Municipal. Rio de Janeiro. Ed. 34.
DAMATA, Gasparino (1965) Antologia da Lapa, Vida Boêmia no Rio de Ontem. Rio de Janeiro. Ed. Leitura S.A.
VIANNA, Hermano (2002) O Mistério do Samba. Rio de Janeiro. Co-edição UFRJ/Jorge Zahar Editor. 2.ed.
AGENDA SAMBA-CHORO (2005) Em: www.samba-choro.com.br.
Jornal Capital Cultural (2005) Pesquisa mostra força do Novo Rio Antigo. nº 67.
Jornal O Globo (2005) Um novo Eldorado imobiliário na cidade. 27 nov.
149
O som da cidade
Resumo O trabalho que apresento decorre de uma curta investigação na cidade do Porto, cuja intenção primeira era a de caracterizar a paisagem sonora urbana na cidade do Porto neste início de séc.
XXI, inspirada em Murray Shafer, se bem que não se trate de paisagem sonora rural do século passado.
Considero as dificuldades encontradas e os meios para as ultrapassar se bem que em traços muito
experimentais, dado o estado muito inicial da pesquisa, as minhas primeiras preocupações. Procurei,
como ouvi recomendar ao professor José Ribeiro, tratar o som como um objecto social e não como um
objecto. Tento denunciar as dificuldades da escuta dos lugares, a dificuldade da eleição dos produtos
acústicos alvo das tomadas de som, e dos dispositivos em uso para os capturar. Indico uma doença física do ambiente sonoro urbano e elejo-o para esclarecer pelas investigações, a bem da salubridade dos
cidadãos, como prioridade base da minha pesquisa bem como o estudo etnográfico das músicas e dos
músicos de rua migrantes. Deixo também referência a alguns assuntos que escolhi para posteriores reflexões mais aprofundadas, sempre dentro desta temática cuja pesquisa agora se iniciou. Fiz uma recolha de dados que registei no Diário de Campo acerca de trinta e dois músicos de rua, na grande maioria
migrantes, que encontrei ao longo das minhas deambulações pelo terreno, como autênticos marcos
sonoros bem recortados por entre o nevoeiro acústico urbano. Embora eles sejam de facto trinta e dois
indico, neste trabalho, apenas os que se poderiam considerar francamente de boa performance de rua.
Palavras-chave: Som da Cidade, pressão sonora, escuta e escuta digital, registos de preparação das tomadas de som, fatalismo acústico, audividade, cadeias acústicas de significantes não linguísticos, realidade sonora e a da linguagem no filme Antropológico, músicas e músicos migrantes nas ruas da cidade.
Keywords: Migrant music and musicians; Landscape of sound; The gift theory; Oporto.
150
INTRODUÇÃO
O trabalho que apresento decorre de uma curta investigação na cidade do Porto, cuja intenção primeira era
a de caracterizar a paisagem sonora urbana na cidade do Porto neste início de séc. XXI, inspirada em Murray Shafer, se bem que não se trate de paisagem sonora rural do século passado. Considero as dificuldades
encontradas e os meios para as ultrapassar se bem que em traços muito experimentais, dado o estado muito
inicial da pesquisa, as minhas primeiras preocupações. Procurei, como ouvi recomendar ao professor José
Ribeiro, tratar o som como um objecto social e não como um objecto. Tento denunciar as dificuldades da escuta dos lugares, a dificuldade da eleição dos produtos acústicos alvo das tomadas de som, e dos dispositivos
em uso para os capturar. Indico uma doença física do ambiente sonoro urbano e elejo-o para esclarecer pelas
investigações, como prioridade base da minha pesquisa, a bem da salubridade dos cidadãos. Deixo também
referência a alguns assuntos que escolhi para posteriores reflexões mais aprofundadas, sempre dentro desta
temática cuja pesquisa agora se iniciou. Fiz uma recolha de dados que registei no Diário de Campo acerca
de trinta e dois músicos de rua, que encontrei ao longo das minhas deambulações pelo terreno, como autênticos marcos sonoros bem recortados por entre o nevoeiro acústico urbano. Embora eles sejam de facto
trinta e dois indico, neste trabalho, apenas os que se poderiam considerar francamente de boa performance
de rua.
Nota biográfica
A minha entrada nas actividades de captura e edição de som do filme documentário, no projecto antropológico, devo-a primeiro à minha mulher, Doutora Fátima Nunes pela capacidade motivadora e formativa que exerceu sobre mim, ao convidar-me para colaborar em alguns dos seus trabalhos fílmicos como editor de som.
Por esse facto e por influência dela me mantive ou nos mantivemos, os dois, frequentadores assíduos dos
Encontros de cinema da AO NORTE, Os Olhares Frontais. Foi nesses Encontros que tive o privilégio de conhecer o professor José Ribeiro, que ao convidar-me para elaborar e comentar uma apresentação sobre «Os
Sons do Cinema», em Ponte da Barca, no Auditório Municipal, num encontro Internacional de Antropologia
promovido pela AGIR, definitivamente me possibilitou que me deslocasse para o campo da pesquisa antropológica. Desde então tenho-me dedicado à investigação antropológica na área das sonoridades urbanas
e dos músicos e músicas migrantes na cidade do Porto, cuja última prestação pública relativa a trabalhos de
investigação se reporta a este seminário. Também foram norteadores decisivos, no assumir este trabalho, a
leitura de A Afinação do Mundo de Murray Shafer e as Reflexiones de una Antropóloga desde el campo, de
Ruth Finegan. Também Viviane Vedana e Miguel Alonso com o exemplo das suas investigações relativas às
sonoridades urbanas, respectivamente em Porto Alegre, Rio Grande do Sul, Brasil e Espanha, Barcelona.
O som da cidade
Após o convite para participar no Seminário ICCI Porto 2010, com os produtos da minha investigação que incide nas sonoridades da cidade, decidi seleccionar um conjunto de exercícios de gravação de som, em campo
livre, que fui fazendo ao longo de alguns meses, com os quais pudesse caracterizar a paisagem sonora da cidade. Porém, fui obrigado a reiterar a opinião que fui construindo aquando dos momentos utilizados nesses
registos, que o estudo deveria chamar-se não “ O Som da Cidade”, mas sim “o som dos motores dos carros
e outras máquinas que ocuparam a cidade”, que bem poderiam ser apenas o som dos motores na cidade se
a sua presença não excluísse todos os outros, pois nada mais se ouve nessa atmosfera acústica, e se alguma
coisa chegar a ser audível, será apenas a excepção que torna dramaticamente constatável a realidade, isto
numa acepção essencialmente paisagística como na conceptualidade de Murray Shaeffer. Como poderemos
escutar o que dizem as formas dos monumentos da cidade ou as fórmulas avançadas de urbanismo actual,
com semelhante emergência acústica, se o som destrói a paisagem (Augoyard,1995) e torna inabitáveis a
maioria das velhas casas urbanas do centro da cidade? Que fatalismo é então este que cobre a nossa cidade
151
O som da cidade
como se fosse uma grande noite que nos dificulta os actos sensoriais das múltiplas fruições possíveis na
claridade citadina? E se no interior dos edifícios modernos da cidade a comunicação sonora é possível, sem o
efeito oclusivo da pressão acústica da exterior foi porque os arquitectos, na conceptualidade desses espaços,
deixaram bem prevenida a exclusão do fatalismo acústico. É minha intenção mapear os níveis de pressão
sonora em toda a cidade por critérios geográficos, temporais e culturais. Voltarei mais circunstanciadamente
a este problema urbano, quando tiver reunido alguns recursos técnicos que, de momento, não disponho.
Relativamente, ao dispositivo digital de gravação de som, que utilizei, este consegue em uma ambiência de
pouca audividade, uma possibilidade de captura de tomada de som com a qualidade que só os dispositivos
digitais permitem, não estando portanto sujeitos aos mesmos factores sensoriais do ser humano ouvinte,
ou seja, um ouvido mais perfeito que o humano, à semelhança de Vertov que defendia que o olho mecânico
era mais perfeito do que o olho humano. Em todos os casos em que gravei em campo livre, as pessoas precisavam de estar muito próximo dos produtores acústicos, para que o efeito de masking1 da pressão sonora
ambiente diminuísse significativamente a sua influência e lhes permitisse apreciar os efeitos sonoros produzidos.
Foi, portanto, praticamente impossível o esforço etnográfico para a captura documental do som urbano, que
fosse representação holística do produto acústico que os transeuntes ouvem, no espaço cultural, cronológico
e geográfico da cidade, pois a escuta a que se consegue chegar, com um bom aparelho digital, não é a mesma
que o cidadão pode ouvir no local da gravação. A escuta digital selectiva, que se pode usufruir a partir de um
dispositivo digital de gravação de som é incomparavelmente mais agradável pelos padrões humanos, que a
que é possível à correspondente audição binaural humana natural, da paisagem sonora, e de todos os seus
respectivos componentes. Devo dizer que à noção de escuta se associa a noção de fruição. Voltarei a esta
noção mais tarde.
Outro ambiente sonoro urbano seria se as crianças nas cidades, após o tempo das aulas brincassem ao pé
de casa com os amiguitos vizinhos enquanto carros silenciosos lentos e ultracautelosos vão passando nas
ruas das áreas habitadas, transportando gente e mercadorias. Também as lojas de fruta e verduras que se
estendem ao passeio público onde pessoas compram em áreas reservadas, com linguajar próprio; sobre as
qualidades, preços, pesos e outros circunstancialismos da vida… e tantas, tantas outras utopias feitas de
silêncio e audividade, onde o convívio, o comércio, o trabalho, a cultura e o lazer, nos edifícios, praças, ruas
ou jardins da cidade, não fossem adulterados pelo fatalismo acústico. Se assim fosse, bastaria ao investigador
documentar acusticamente, utilizando um gravador de som digital, sem grandes perturbações.
Encontrei acima dos limiares de pressão sonora ambiental, alguns marcos acústicos da paisagem urbana sonora, os músicos de rua que ocupavam espaços pedonais muito frequentados e aí exibiam as suas músicas,
acreditando no engajamento quase compulsivo de alguns transeuntes pelo encantamento exercido pelas
suas melodias. Mas ainda assim é de grande utilidade um estudo prévio da ambiência acústica do lugar para
efectuar uma boa tomada de som.
O estudo acústico da cidade não pode ser uma linha contínua de gravações sucessivas, como quem monta
dispositivos de gravação num auditório para gravar um ciclo de conferências, mas terá que haver escolha
de alguns percursos de abordagem para o prosseguimento de uma etnografia que aparenta ser bem mais
complexa do que no início da investigação imaginei. Se concluíssemos apenas que a paisagem sonora da
cidade consta de uma interminável mancha de ruído de motores e outras máquinas, variando um pouco ao
longo das 24 horas do dia, esta seria uma afirmação demasiado radical e que não corresponderia à verdade.
De igual modo, seria uma toleima infantil se apagássemos as luzes do museu e declarássemos que nada
1 “Presença de um som que,que pelo seu nível ou pela repartição das suas frequência, encobre completa ou parcialmente outro
som” (Augoyard; Torgue, 1995: 78).
152
mais ali havia exposto, só porque devido à escuridão nada se podia observar. As condições ambientais para
escutar exigem factores sensoriais de audividade. Audividade e silêncio podem não ser bem a mesma coisa,
a audividade supõe condições no emissor no receptor, no meio e na constituição física da mensagem. O
silêncio é conotado como a escuridão auditiva, (Rocha, Ana Luiza Carvalho; Vedana, Viviane; Barroso Priscila
Farfan), porém para a audividade nem sempre é necessário o tão desejado silêncio relativo como pano de
fundo. Assim como é necessário reunir condições para observar utilizando a visão, são os factores sensoriais
de claridade, também para ouvir são necessários factores sensoriais de audividade. É minha intenção voltar
a este assunto, no campo do estudo antropológico do som, em outro passo da investigação, dado que esta
avançará para áreas de especialidade, da física acústica da neuropsicologia e da clínica ORL ficará para mais
tarde, cumpridos outros protocolos e outras linhas de reflexão.
É demasiado cedo para me poder alongar sobre estas questões, pois a investigação começou apenas há
menos de um ano, queria contudo deixar bem expresso, que não me sinto construtor de nenhum radicalismo
essencialista, e de modo nenhum é meu propósito procurar a inferência de que serei adepto de algo que se
assemelhe a um stop à civilização para descanso dos ouvidos.
Esta investigação, numa antevisão do seu produto final, na área da Antropologia e na especialidade da Antropologia Visual, pretende sobretudo apresentar os resultados da investigação sob forma de filme documentário, com um enfoque centrado na investigação das sonoridades urbanas, e com especial atenção aos
produtores acústicos migrantes e deambulantes que fazem deslizar a paisagem sonora da cidade de nuance
em nuance com o decorrer do tempo, povoando as ruas de alteridades acústicas e visuais vindas de outras
culturas.
Ao depurar a noção de observação sonora na preparação do documentário, sinto-me muito próximo de Michel Chion na sua procura estrutural do sentido comunicativo que só o som tem, e só ele, tem especificidades para um contributo de fruições mais gerais ou mais específicas da paisagem. Tomado por este prisma, o
produto acústico pode ser aglutinado pelas regras de uma escrita própria, unindo as cadeias dos significantes
sonoros não linguísticos e pode estabelecer uma linguagem que seja um outro patamar de realidade para
além da da imagem. O conceito fundamental de comunicação pode ser estruturalmente visto, de um modo
muito sincrético, como constante dos componentes essenciais: emissor, técnica de produção, suporte de
envio, receptor, que produz um resultado da inteligibilidade desta mensagem e reenvio desse resultado ao
emissor original, ficando este na situação evolutiva de retoma, só então se poderá dizer que houve comunicação. No meu entender, a preparação de um documentário deverá ter em conta todos os aspectos desta
noção de comunicação.
Sintetizo o depoimento que é muito frequente ouvir: de que vale fazer filmes se sentirmos que ninguém os
vê ou de que vale escrever textos se ninguém os lê, ou se não tivermos qualquer outro modo cultural de
os voltarmos a ver seja sob que outra expressão venha a ser. O antropólogo de som esbarra no trabalho de
terreno com inúmeros obstáculos, nomeadamente a dificuldade extrema de captar a diversidade de sons
que derivam da natureza e da presença das pessoas nos espaços urbanos, que o nevoeiro acústico tornava
impossível ouvir e muito menos ainda fruir. No entanto, a verdade é que eles existem e que devem ser etnografados. A minha relutância em incluir estas tomadas de som no elenco dos componentes da paisagem sonora urbana consiste no facto de que para se ouvirem teremos que chegar tão perto, que esse acto configura
a acção dirigida de ouvir. Ora, na base deste trabalho, o que está em causa é a noção de paisagem sonora da
cidade e a paisagem não se procura, existe ou não existe de um modo patente, caso contrário não é paisagem
e não fruiremos com ela. A paisagem não se procura encontra-se ao passar e caracteriza o lugar onde pode
ser vista e ouvida, acrescento ainda que paisagem, a sonora ou outra determina as condições de vida de
todos os cidadãos que vivem na cidade, como ouvi dizer ao Professor José Ribeiro, o som deve ser estudado
153
O som da cidade
como objecto social e não como um objecto. Conduzo portanto uma investigação cuja essencialidade não
reside numa procura atomística de todos os produtos acústicos espalhados pelos espaços urbanos, mas uma
abordagem de sentido mais ecológico da paisagem sonora urbana, como constituinte do seu carácter do seu
estar em espaço livre e da sua harmonia ambiental. É certo que a investigação também admite outros lugares
de estudo onde não cabe esta conceptualidade de paisagem, as oficinas, as escolas, os hospitais, os estaleiros, as casas de espectáculo, etc. Mas o pressuposto académico para esse tipo de estudo é de uma natureza
completamente diversa, como bem diversa e bem mais conhecida é a discussão entre o que une ou separa a
noção de ruído simples, provocando rejeições várias, e a noção de som promotor de fruição positiva (Edgar
Varése, Eric Satie, John Cage, Pierre Schafer).
Para além do corpus academicamente formal de uma investigação, como já atrás referi, pretendo elaborar
um documento audiovisual que apresente exercícios científicos do levantamento etnográfico da realidade
ambiental sonora urbana nos inícios do séc. XXI, no Porto. Para tanto, este meu primeiro percurso consistiu
em sair, gravando os sons da cidade, contudo, esta dificuldade, já atrás enunciada, obrigou-me a interferir
na intencionalidade das tomadas de som, que passaram a incluir uma especial predisposição para ouvir, um
treino ou uma educação do ouvido em relação ao local da gravação e a constituição sistematizada de um
plano de realização para as tomadas de som ambiental.
À semelhança dos procedimentos de Vertov para a imagem, algo de muito semelhante se me evidenciou
para o som. Assim, nos primeiros percursos ou nas primeiras idas ao terreno, decidi possibilitar meios de
reflexão, procedendo a alguns registos escritos para obter uma base caracterizadora dos elementos que causam as variações sonoras no local da gravação, a que chamei Sinopse Acústica do Lugar da Gravação, não é
mais que uma metodologia de observação sonora, que, no essencial, serve para identificar e caracterizar os
produtores acústicos. Passei então a desenvolver esse instrumento de registo em várias ocasiões diferentes:
por questões relacionadas apenas com o design de som; por dificuldade de observação ou gravação por causa do cache2 sonoro, devido ao fatalismo acústico autónomo, como a pressão sonora dos motores de várias
máquinas, a passagem rápida dos carros através da atmosfera, a rodagem dos pneus etc., ou fatalismo acústico natural, como o mar ou uma queda da água por exemplo; bem como para avaliações lineares a fim de
elaborar apenas um relatório de texto, ou por todas estas razões. Com base na teoria da montagem de Vertov, experimentei o que chamo de percurso de montagem evolutiva da cadeia dos significantes acústicos não
linguísticos daquela paisagem, até obter o que se poderia reconhecer como unidades de sentido. A Sinopse
Acústica do Lugar da Gravação é o “congelamento” de uma situação sonora, que permite um estudo minucioso desses dados e consta de breves registos escritos, grelhas de sinais, ou pequenas gravações de amostragem para pesquisas e tratamentos vários, mas o mais corrente será apenas uma lista escrita do resultado
das observações pela escuta, com anotações orientadoras para posteriores tomadas de som nesse lugar, ou,
como referi na montagem evolutiva, linhas do design para montagem de todos esses produtos sonoros.
Estaria eu então, numa fase ainda muito técnica mas absolutamente necessária, por imperativos da construção da comunicação, a promover um acesso à paisagem sonora desses espaços utilizando os recursos da escuta selectiva digital, na montagem sonora evolutiva, podendo proporcionar, sem trair a realidade, a audição
que se pode experimentar dissipando o nevoeiro acústico que a encobre.
Não deixa de ser estranho que sendo a paisagem sonora determinante na qualidade de vida dos habitantes
da cidade, a sua componente maioritária seja o fatalismo acústico, e este se encontre indelevelmente enraizado na essencialidade do som como produto social, resultado da acção elaborada do homem, um resultado
que ninguém quis produzir, não desejado e completamente autónomo das intencionalidades que acompanham as actividades dos cidadãos.
2 Palavra de origem francesa, que é usualmente utilizada como termo técnico, designando o efeito de esconder, de estar fora do
espaço perceptivo.
154
Contribuir para a dissipação deste nevoeiro acústico na cidade é um nobre objectivo que gostaria de ajudar
a esclarecer. O trabalho em Antropologia Visual implica assim, alguns requisitos de inclusividade científica,
não só no que diz respeito ao trabalho de campo, mas ainda no conhecimento da teoria antropológica, no
trabalho etnográfico, e no tratamento e interpretação da informação recolhida no terreno, sem esquecer o
conhecimento técnico imprescindível no manuseamento de alguns dispositivos de captura de imagem em
condições que tornem possível a montagem dos documentos. No caso do som, e no meu entendimento,
seria também importante um conhecimento mínimo de física acústica, e também informação acerca dos dispositivos centrais e periféricos da audição binaural humana, bem como a imprescindível formação e prática
no manuseamento de dispositivos digitais de captura de som e ainda treino no software de edição de som e
imagem.
Músicos e músicas migrantes
Apresentadas que foram os requisitos e as dificuldades na captura de som ou na simples observação acústica
da paisagem sonora urbana, encontrei como já referi alguns produtores de som dominante nos locais que
ocupavam, eram os músicos de rua, predominantemente migrantes.
Os locais de grande tonalidade turística, predominantemente reservados aos peões e muito frequentados na
cidade do Porto, como a Ribeira do Porto, a rua de Santa Catarina, a Rua de Cedofeita a estação de S. Bento
ou a praça Carlos Aberto, eram os sítios preferidos por estes músicos e alguns apenas deambulantes da área
Metropolitana do Porto. As tomadas de som destes produtores era tarefa relativamente simples, pois muitos
deles faziam-se acompanhar por aparelhos de suporte electrónico relativamente potentes.
O agrupamento que mais me atraiu foi o grupo Ayllu composto por equatorianos, cuja simpatia e comunicabilidade me levou a realizar um pequeno exercício fílmico em formato de documentário, intitulado Ayllu.
Figura 1 Filme Ayllu
Costumavam ocupar alternadamente um lugar na rua de Santa Catarina e outro na Ribeira do Porto.
Figura 2
Grupo Ayllu executando na Rua de Santa Catarina Porto, (Muna Qkilla de Chano Diaz)
Apresentam-se quase sempre caracterizados de índios Okavangos, sua tribo de origem, acham que a sua
diferença atrai as pessoas para junto das suas músicas, gostam de ver famílias com crianças paradas a ouvilos e acham que a falta de compreensão e de conhecimento entre as pessoas é causa de muito subdesen-
155
O som da cidade
volvimento e apontam como o exemplo evidente que o não existir ainda uma via-férrea ao longo de toda a
América do sul deriva desse facto. Gostam de viajar pela Europa, tocar juntos até com companheiros sempre
diferentes ou até mesmo associados a artistas de outras áreas. Acham que é uma grande honra quando alguma Universidade se lhes dirige para ouvir as suas músicas ou para os entrevistar, como na Real Academia
de Música da Dinamarca e na Universidade Aberta, Delegação Norte em Portugal. Segundo eles a origem de
muitos subdesenvolvimentos é a ignorância cultural das pessoas e os povos não se conhecerem entre si, a
América latina ainda hoje não possui políticas estruturais comuns que unam todos os povos, devido a esse
problema, era este o testemunho oral do mais velho e porta-voz do grupo Efrain Henriquez.
O agrupamento francês, Les Bruits du Couloir, escolheu a rua de Cedofeita, a estação de S. Bento e a ribeira
do Porto para as suas exibições.
Amantes das grandes viagens, estes alunos da Escola de Arquitectura de Paris, como expediente para financiar as suas
viagens, constituíram um grupo musical denominado “Os
barulhentos do corredor” com uma sonoridade muito peculiar composta exclusivamente por sopros e percussões.
Tinham preferência pelas estações de comboio onde passa
muita gente. Viajam juntos todos os anos durante as férias
do Verão e tocam como um modo de poderem depois ir ao
restaurante e dormir confortavelmente, coisa que segundo
eles sempre conseguiam. Quase não tocam durante o período lectivo, ou muito esporadicamente se encontram para
esse fim, mas com a chegada das férias atacam freneticaFigura 3 Les Bruits du Couloir (França)
mente essa tarefa, declararam portanto que precisam de tocar para poder viajar e de viajar para poder tocar, convivialidade internacional ao som de uma música muito
original e curiosa, parece ser, no fundo, o lema que os une e a fenomenologia que os motiva.
Montoya, de ascendência cigana, é um músico de causas e acha que deve ajudar a defesa da paz e do ambiente, canta canções que ele mesmo compõe com poemas seus e outros de poetas portugueses como
António Gedeão e outros, tem uma grande tendência para se exprimir com uma toada de rumba. A sua originalidade e entusiasmo motivaram-me a delinear um roteiro para um pequeno filme documentário sobre a
sua história de vida, para o qual ele conta com toda a sua família.
É de facto um músico de várias causas, o grupo que recentemente formou com amigos que já se não viam há cerca de 20
anos, pretendem exibições com o melhor de si mesmos confiantes de atrair muita gente e ao mesmo tempo ampliar a clientela
das esplanadas o que acabaria por lhes ser rentável, ali na praça,
onde o Montoya vive, sendo, nas suas palavras, as suas músicas,
uma alternativa em relação à subjugação das pessoas à internet,
aos jogos, ao mp3, aos telemóveis, etc.
Figura 4. Montoya
Encontrei Rasmus Rasmunsen músico Sueco, na Rua de Santa Catarina, dependurando à cintura um amplificador com colunas de
som que, no seu conjunto, pouco maior seriam que um telefone
de casa normal, preparando-se para actuar para os transeuntes.
156
Figura 5. Rasmus Rasmunsen
(Suécia)
Figura 6. O Dobro, uma viola
com ressoadores metálicos
Toca dobro. Gosta de fazer canções e vai aperfeiçoando os constructos da sua inspiração na própria actuação,
sempre a cantar para o público… como se estivesse continuamente na posse da versão final. Gosta de viajar
pela Europa toda e de assistir a grandes eventos musicais como o Festival Internacional de Música da Zambujeira, na Costa Alentejana, de onde tinha acabado de chegar com alguns companheiros de ocasião. Quando
lhe perguntei, o que pretendes com a tua música para além das moedas, ele respondeu-me num espanhol
razoável: “… quiero dar bona ambiência e inspiration para la outra gente”.
Com uma execução excelente, os Trio de São Petersburgo ocupavam nesse dia um espaço logo à entrada da
Rua de Santa Catarina. Era composto por três elementos: Elena Galetskaia, Dmitri Tambovtsev, Aleksandr
Loffe.
Elena Galetskaya com cerca de 47 anos de
idade, tem formação superior em música e é
devido à sua simpatia a relações públicas do
grupo Trio de Saint Petersburg, toca Balalaica.
O Trio como confia na performance do grupo
acha que poderão continuar a viajar e a ganhar
dinheiro tocando nas praças e aceitando trabalho em bodas e outras festas…
Dmitri Tambovtsev com cerca de 47 anos tem
formação superior de música e é um virtuoso
do accordion Russo, faz parte do Trio de Saint
Petersburg e gosta de tocar pelas praças de
toda a Europa. Acha que as pessoas gostam de
os ouvir.
Figura 7. Trio de S. Petersburgo (Rússia)
Aleksandr Loffe formado em música, com cerca de 49 anos de idade, casado sente que a distante fria e orgulhosa Rússia ainda exerce sobre as pessoas um fascínio que é bem traduzido especialmente pela música.
As pessoas gostam de ouvir e a actividade acaba por ser lucrativa, acrescentando também o lucro das vendas
dos DVD com músicas do Trio e cenas da paisagem Russa.
Embora a minha grelha geral de dados da investigação diga respeito a 32 músicos, reporto apenas estes
porque corresponde aos músicos com a melhor performance de rua.
A investigação está em curso, esta síntese dos actores sociais encontrados diz respeito apenas a alguns meses
de pesquisa e toda a etnografia e estudos prévios estão numa fase muito inicial.
157
O som da cidade
Referências Bibliográficas, Webgráficas e Filmográficas
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=800&w=1104&sz=370&hl=pt-PT&start=4&sig2=dueasduxU6T6DMuQ6Fs0xQ&tbni
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http://terrain.revues.org/index2887.html
http://ufrgsweb.ufrgs.br/node/213
http://www.estc.ipl.pt/cinema/paginas_profs/filipe_oliveira.html
158
Arrefole - Um instantâneo
da música tradicional
hodierna
Gonçalo Cruz
Resumo O projecto arrefole é fruto do encontro e desencontro de músicos. Cada músico resultado da
sua própria circunstancia. A música que fazem um instantâneo dos nossos tempos. Este projecto musical serve de base para uma reflexão alargada sobre o fenómeno da musica tradicional na Europa. Compreendo as circunstâncias que envolvem este projecto em particular, e partindo da cidade do Porto,
tenta captar-se um instantâneo representativo da realidade da música tradicional em Portugal, o seu
lugar na Europa, e no mundo. Os projectos de grande projecção mediática como Heróis do Mar, Sétima
legião, Trovante, ou os músicos Júlio Pereira, Rão kyao, ou até mesmo António Variações, a diversidade
geográfica dos instrumentos musicais que tocam, e como os interpretam, fazem-nos reflectir sobre o
nosso lugar no mundo e sobre o nosso papel de actores cultural - figurantes e protagonistas. Fazem-nos
questionar as noções de património, de tradição, de popular, de local e global.
Palavras-chave: música tradicional, folk, celtic music, world music, tradição, património, arte, popular.
159
Identidade e interculturalidade - construção e ornamentação de instrumentos
de cordas na música
clássica da Índia
Franklin Pereira
Resumo A música da Índia tem uma história milenar; inicialmente evoluindo em ambientes de templo
e de escolas regionais, o seu “corpus” sonoro apresenta-se vasto, diversificado e em permanente criação
e recriação. Entre os cordofones, sobressai a veena, com vários modelos representados em esculturas e
iluminuras desde a alta Idade Média; por volta de 1500 estabelece-se um modelo-tipo, a rudra veena,
a partir de duas grandes cabaças unidas por uma cana de bambu, com trastos fixos. Outros cordofones
foram criados a partir das influências do Islão, como o sarod, sarangi, dilruba, surshingar e taus. Mais
tarde, fruto da capacidade de absorção, veremos o violino, a viola slide e o violoncelo a serem admitidos
como instrumentos dignos para a execução dos “ragas” clássicos.
A sitar, inicialmente decorrente dos seus antecessores persas, passou, em finais do século XIX, a contar com duas cordas-baixo, maior caixa de ressonância e braço mais largo; em breve iria eclipsar os
instrumentos que lhe deram nova apresentação - como a rudra veena e o surbahar -, tornando-se o
cordofone mais famoso para a perfomance do novo estilo de música denominado khayal ou khyal, mais
colorido que o seu antecessor dhrupad.
Nos instrumentos plasmou-se, através da gramática da ornamentação, o vínculo de pertença a uma fé
e a uma cultura.
Recorrendo ao património cultural da Índia e a uma visita final a uma aldeia de construtores de instrumentos no estado de Maharashtra, em elaboração há dois séculos, pode entender-se as minudências
do fabrico e da ornamentação, por vezes revelando a troca de estéticas entre zonas afastadas, consequência da globalização dentro do próprio país.
Refiro ainda o trabalho de divulgação da música e imagens da Índia entre alunos dos jardins-de-infância e escolas do 1º ciclo neste ano lectivo, onde o desenho esteve presente.
160
Franklin Pereira
INTRODUÇÃO
Em 1981, durante uma estadia na Índia por ano e meio, tive oportunidade de ouvir recitais de música clássica; em breve surgiu-me o desejo em aprender sitar, e procurei um professor na cidade de Poona, onde me
encontrava.
O meu professor, Pandit Shreenivas Keskar, era cliente, por tradição familiar, da oficina Bharatiya Tantuvadya
Kendra, situada em Miraj (300 km a sul). Foi daí que veio a minha primeira sitar, um modelo simples para estudante. Em Dezembro de 1981 visitei Miraj, tendo tido a oportunidade de ver um concerto, gratuito, como
tantos outros que iria ver na Índia; para intensificar o estudo, mudei-me, mais tarde, para Benares, cidade
monumental e um dos grandes centros da cultura desse vasto e diversificado país. Por períodos bastante
mais curtos, voltei à Índia em 1985, 1989, 2004, 2007 e 2008, tendo continuado estudos de novo em Benares,
Poona e Sangli; além da sitar, tive aulas de surbahar e rudra veena.
1. Música, músicos e religião
Contrariamente ao Ocidente (e não só), a música da Índia, além de repousar sobre milénios de evolução,
inscreve-se na procura espiritual. O mais antigo instrumento de cordas – a veena, vina ou been –, tubular e
com uma ou duas cabaças, é considerado sagrado, e o instrumento do deus Shiva (daí a designação de rudra,
que é também outro nome desse deus); tocado como forma de meditação e acompanhante de orações,
aparece representado em raras esculturas arquitectónicas da antiguidade, simbolizando a força criadora e o
nascimento do Som. A chegada do Islão à Índia trouxe novos instrumentos, com a sehtar e o rabab, que iriam
ser adaptados à música clássica. A sitar adquiriu a forma que ainda hoje possui só no século XIX; ao receber
duas cordas-baixo, obteve um braço mais largo e cabaça maior, eclipsando os instrumentos que lhe deram
origem – a rudra veena e o surbahar -, e tornando-se um instrumento muito divulgado para a execução completa do reportório clássico. As 11 ou 13 cordas solidárias que passam sob as 7 cordas superiores aumentam
a sua riqueza sonora. Na música clássica indiana não é estranha a presença do misticismo Sufi, trazido com
a estadia do Islão. A dinastia Mogol é tida como uma época de ouro para a música, e para as outras artes;
além do mecenato, reformularam-se instrumentos e expandiu-se o reportório antigo, com um novo estilo
– o khyal ou khayal - mais versátil que o austero estilo Dhrupad. Muitas iluminuras dessa época mostram os
instrumentos da corte, incluindo a rudra veena.
A divindade das artes e música, a deusa Saraswati, é representada tocando veena (modelo do sul da Índia); as
celebrações religiosas indianas, de qualquer credo, não dispensam a música (clássica ou popular), e muitos
santos hindus, sempre venerados, eram músicos e cantores. O yoga inclui também o Som, e a música é tida
como veículo para realizar a Unidade, e atingir o Som sem Som, o pulsar cósmico; alguns ascetas indianos tocaram (e tocam) rudra veena. Muitos “ragas” têm pinturas que revelam, de um modo metafórico, o espírito
ou ambiente que a sua execução – cantada ou tocada – convoca; essa colectânea de pinturas denomina-se
“ragamala”, literalmente, o rosário dos “ragas”. Temos, assim, uma rede milenar de práticas religiosas e sonoras, que permanece nos dias de hoje, e uma herança musical diversificada. A música da Índia está construída
para os vários momentos do dia, e de acordo com as estações do ano, com uma escala certa, frases versáteis
características, e sentimentos, partindo da contemplação até atingir um êxtase final; acrescente-se a improvisação que cada “raga” exige, e percebe-se que a música é um corpo em construção, sempre com novas
faces, fazendo parte de “gharanas”/linhagens de músicos que, por tradição oral, passam o legado à geração
seguinte. Além disso, a Índia produziu novos instrumentos: a sitar (tal como agora a conhecemos) no século
XIX, o surbahar e a vichitra veena também nessa época, a hamsa veena em finais do século XX; adaptou a
guitarra slide à música clássica (agora com cordas solidárias e denominada mohan veena, por força do nome
do músico, Krishna Mohan Batt, que alterou o instrumento), tal como fez com o violino e com o violoncelo.
161
Identidade e interculturalidade - construção e ornamentação de
instrumentos de cordas na música clássica da Índia
É uma cultura que absorve, é criadora e transformadora, e mesmo a música clássica é música de fusão indomuçulmana; de facto, estamos perante uma multi-cultura, com épocas de incentivo e diálogo promovido
pela administração.
2. A construção de um instrumento de música
Sempre me cativou a beleza dos instrumentos de música da Índia e, envolvido na história das estéticas e
artefactos, considerei ser possível centrar-me no trabalho oficinal. Durante uma estadia em Miraj, em 2007,
dispensei uma parte para observar e registar como se constrói um instrumento de música clássica. Devo
realçar a abertura e simpatia dos construtores – todos muçulmanos -, permitindo-me ver a construção em
diversas fases, ter as questões respondidas, e aceder aos bastidores de uma arte de requinte.
As muitas oficinas de Miraj têm uma história bicentenária. Em inícios do séc. XIX, dois irmãos muçulmanos,
Farid e Mohaddin Saheb, vindos do Sultanato de New Delhi, estabeleceram-se na aldeia de Miraj, a uns
500 Km de Goa. Iniciaram uma oficina de construção de instrumentos que, por ramificações familiares, deu
origem a outras.
Apesar da existência de oficinas mais famosas em New Delhi, Calcutá e Bombaim, a produção de Miraj tem
vindo a impor-se entre os músicos da Índia; fornece também alguns instrumentistas estrangeiros.
Graças à Internet, em 2003 contactei o actual “relações públicas” da oficina acima referida. Pretendia uma
nova sitar, também “topo de gama” como uma outra, comprada em Benares em 1982; aproveitei a visita à
exposição “Goa e o Grão-Mogol”, na Fundação Gulbenkian, para elaborar uma série de desenhos de linha
mogol, pois, nessa dinastia, a música clássica teve grande incremento. Destinados a ser talhados e gravados
nessa futura sitar, os desenhos foram enviados para Miraj.
Em 2004, o jovem construtor Shahid Ali entregou-me na cidade de Poona essa nova sitar, que tem sido a
que uso, com mais frequência, nos meus recitais em Portugal; em 2008, de novo em Miraj, encomendei, na
oficina de Mehboob Abasaheb Sitarmaker (o sobrenome revela a profissão), uma sitar de mais fácil transporte: caixa de ressonância em madeira, muitas pegas como as da guitarra, e ornamento baseado no de uma
sitar antiga do meu professor, dos anos de 1940.
Figuras 1 e 2 - Uma sitar dos anos
de 1940, construída em Miraj, com
o braço terminando em cabeça de
cisne, e desenhos incisos em motivos
regionais.
162
Franklin Pereira
As oficinas de construção de instrumentos continuam na “Mahatma Gandhi Road”, e artérias circundantes.
O arcaísmo e trabalho manual permanecem os mesmos; creio que a diferença maior com a época antiga é o
uso de cola branca de carpinteiro, em vez das colas vegetais, e o berbequim eléctrico. De resto, o aspecto das
oficinas e as técnicas de construção são as mesmas de sempre.
Figura 3 - Um dia de trabalho
numa oficina de Miraj.
Com portadas abertas para a rua, as oficinas são geridas por famílias, onde se integram cunhados, primos e
sobrinhos. Funcionam geralmente como a frente da casa; uma porta leva para outras dependências e pátios
internos. Não há salários, sendo o negócio gerido em cooperativa, com uma bolsa colectiva para as despesas
do ofício e da família.
A actividade desenrola-se no chão; os pés ajudam as mãos a segurar a peça ou a ferramenta.
Em poucas linhas, a construção de um instrumento de cordas começa pela escolha da caixa de ressonância.
A grande cabaça é cortada a metade (na vertical para a sitar e tambura, na horizontal para o surbahar), ou
deixada inteira para a rudra veena (instrumento de raras encomendas). As cabaças são compradas a agricultores da zona, e deixadas vários meses a secar, empilhadas ou penduradas. Cada uma custa entre 1 e 3 €, e
têm as dimensões (diâmetro) pintadas em polegadas.
O pescoço do instrumento é talhado (com uma “gola”) num bloco de madeira. É colado à cabaça, e fixo com
pregos de madeira. Em torno do pescoço são coladas as folhas da futura ornamentação: partes de madeira
fina, em forma triangular ou de arco gótico. Sendo oco, o braço do instrumento é talhado a partir de dois
blocos de madeira, que irão encaixar. Um outro encaixe entra no pescoço, onde irá colar. O tampo do instrumento é cortado a partir de uma tábua grossa, e colado às bordas da cabaça e ao extremo do braço oco. Todo
o conjunto, amarrado por cordas, é deixado a secar. Temos o instrumento tosco, a passar à fase ornamental.
3. As viagens do ornamento
Antigamente, o excesso de ornamento era reservado a instrumentos de luxo, usando osso, chifre de veado e
madeiras de diferentes tonalidades, e, por vezes, pintura. Os motivos, tal como hoje, baseiam-se em rameados, flores e pássaros.
163
Alguns decénios atrás, os instrumentos começaram a servir como suporte a grandes extensões de ornamentação, talhada/esculpida com maior ou menor detalhe no tampo, no pescoço e pegas; a incrustação recorre,
actualmente, a folhas de plástico branco duro, a ser inciso; só por encomenda é que se obtém incrustação
em osso.
A cultura visual, o ornamento e as viagens implícitas são um tema cativante; no ornamento ficam gravados
dados culturais de regiões, códigos de pertença a uma crença e a uma sociedade, a criatividade e a trocas de
estéticas. Um levantamento correcto exige tempo e uma recolha em muitos centros, o que não realizei. No
entanto, é possível considerar uma série de dados estéticos comuns a instrumentos fabricados em diversas
zonas da Índia: padronização de folhagem e flores a ser talhadas, desenvolvimentos vegetalistas milimetricamente incisos no plástico duro – saliente-se o ancestral motivo da Árvore da Vida, isolada ou ladeada por
aves -, arcos contracurvados no topo do braço, pegas em botão de flor (lótus) ou espiral, pássaros (pavões)
incrustados no tampo, são elementos partilhados entre oficinas, em que a mobilidade dos instrumentos (e
dos músicos) permanece o veículo de propaganda.
A estilização floral mais ou menos abundante na frente e pescoço do instrumento permite considerar as
bases de inspiração: a vinha, outras folhagens, e um estilo chamado “Hemraj” (que também é nome masculino), definido por grandes folhas espalmadas, que é típico de Miraj. Houve e ainda se faz, por encomenda,
uma ornamentação “folk”, regional, definida por pequenas flores em rameados serpentinos, realizada em
osso ou chifre de veado, anterior ao uso do plástico duro. O recurso milenar aos elementos da Natureza
repousa numa sociedade arcaica e de base agrícola; os elementos vegetalistas significam bom augúrio, felicidade, saúde e boas colheitas, significados estes que se entrelaçam com os negócios, a vida social e religiosa,
e aparecem em todas as artes.
Figura 4 - Na parte de trás, a folhagem prolonga-se pelo pescoço no estilo Hemraj.
Depois do polimento, o instrumento está pronto para os vernizes e pigmentação. Pós castanhos, vermelhos e laranja são misturados com goma-laca e cola branca, e usados para as tonalidades de amarelo ou vermelho na cabaça. Raras vezes o corpo do instrumento é deixado na cor natural da madeira
de cedro; em maioria, apresenta-se em tons de castanho-escuro, o que faz sobressair as incrustações
em plástico inciso, ressaltadas pelo pó de carvão misturado com cola, e posteriormente polidas.
164
Franklin Pereira
Figura 5- Frente de uma sitar, com desenhos florais incisos;
o plástico é coberto de uma pasta (pó de carvão com cola)
que, ao ser raspada (com lima e lixa) revela o desenho inciso
a negro.
Figura 6 - Depois de traçado, o desenho é
gravado/talhado superficialmente no tampo; posteriormente é colocado plástico duro
recortado, aqui formando desenhos florais
ladeados por pássaros.
Figura 7 - Talha dos motivos
florais no tampo de uma sitar.
165
A fase final implica furar o braço para a colocação das pegas em madeira (elaboradas pelo torneiro, e esculpidas na oficina), a fixação de barras curvas de metal (os trastos) com fios de seda, e a colocação da ponte em
chifre de veado, sobre a qual passam as cordas. Esta ponte é o coração do instrumento, e o seu polimento é
uma técnica preciosa.
O preço das sitars varia conforme a qualidade do som, da matéria-prima e a ornamentação; há modelos dos
60€ aos 400€.
Figura 8 - Desenho de instrumentos
– rudra veena, taus, sarangi – com
inclusão de escultura de aves como
caixa de ressonância ou como final
do braço. In Miner, 1993: figura 40.
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Franklin Pereira
4. Festivais e instrumentistas
Além das diversas oficinas, sempre prontas a acolher qualquer turista ou repórter, Miraj oferece ainda uma
série de pontos de interesse: a arquitectura simples – mas não simplória – de aldeia, com pequenos templos
ou nichos para os deuses; muitas mesquitas – a população é 50% muçulmana –, tempos hindus, uma igreja
a necessitar de restauro, um novíssimo templo Jaina, pátios entre casas, o grande mercado de Laxmi Market,
e, sobretudo, o mausoléu de Pir Sayyid Shamma Mira, pregador muçulmano do séc. XV, aqui falecido; no
cemitério a seu lado está o túmulo de Abdul Karim Khan, famoso cantor clássico que residiu e faleceu em
Miraj. Esses dois factos são a razão da existência de um festival anual de cinco grandes noites de música, das
22h ao nascer do sol: duas noites de “qawwali” (música divulgada no Ocidente pelo cantor Nusrat Fateh Ali
Khan, já falecido, e que vivia no Paquistão), com grupos regionais e uma audiência de peregrinos; seguem-se
três noites de música clássica, de intérpretes jovens e menos jovens. O festival é grátis, não há programa escrito, não há aplausos, os músicos não recebem cachet, e Miraj está em festa, com feira em torno da grande
mesquita. É enorme a confusão de comes e bebes, das lojas de rua, das TVs a passar imagens de música
devocional e sufi, de peregrinos, de gente a cumprir promessas. O festival dista uns 5 minutos de três hotéis,
e acontece em finais de Julho/inícios de Agosto. Só este facto – um festival clássico num templo, ao lado da
algazarra das ruas – mostra como a Índia é mental e criativamente vasta e acolhedora.
Figura 9 - Músicos numa iluminura Mogol, circa 1690; um deles toca tambura,
e o outro rudra veena. In Educação, 2008: 263.
Figura 10 – Pormenor de uma pintura da época mogol; um asceta, vestido de laranja e com o cabelo
longo apanhado no topo da cabeça, toca rudra veena. In Deneck, 1969: imagem 42.
167
Figura 11 - Pintura da época
mogol, relativa ao raga Todi;
detalhe de uma mulher tocando rudra veena. In Deneck, 1969: imagem 39.
5. A divulgação de outra cultura
No ano lectivo de 2009-2010, o meu projecto de um Clube Itinerante de Imagens e Música da Índia foi aceite
pelo Conselho Pedagógico do Agrupamento do Trigal (perto de Braga), onde lecciono; assim, fui requisitado
por sete jardins-de-infância e duas turmas do 1º ciclo para apresentar e comentar imagens das minhas viagens, e um pouco de música; mais tarde incluí um pequeno kit de especiarias. O mesmo programa foi realizado na minha escola, aquando das actividades de final de ano. Ressalte-se o interesse e curiosidade dos alunos, a capacidade em colocar questões (algumas fantásticas e absurdas!) e a aura de magia que uns minutos
de música provocam. Por vezes a minha sessão era seguida de desenhos inspirados nas imagens; de repente,
vejo que alguns alunos/alunas, de 5 anos, fixaram a pinta de cor na testa de uma indiana, a faixa amarela de
um sari colorido, a entrada de um templo ou a forma estranha do instrumento tocado.
Para terminar, há que considerar que 500 anos de Descobrimentos deram-nos a nós, portugueses, muito
pouco, a nível de conhecimentos das outras culturas, ainda tidas como exóticas e distantes; o seu estudo
académico é ainda incipiente, ressalvando os bons exemplos que aparecem de vez em quando. Dir-se-ia que
a permanência entre continentes e comércios vários pouco ou nada deixou no país.
168
Franklin Pereira
Figura 12 – Uma sessão num
Jardim de Infância, em 2010.
Figuras 13 e 14 – Desenhos
dos pequenos alunos.
169
Deneck, Marguerit-Marie. (1969). Indian Art. The Colour Library of Art/Hamlyn: Londres, 1969.
Educação. (2008). A Educação do Príncipe: obras-primas da colecção do Museu Aga Khan. Aga Khan Trust for
Culture/Fundação Calouste Gulbenkian: Lisboa, 2008.
Miner, Allyn. (1993). Sitar and sarod in the 18th and 19th centuries. Performing Arts Series/Motilal Banarasidass: Benares, 1993.
170
PUBLICIDADE, IMAGEM
CORPORATIVA E CULTURA DE CONSUMO
Pedro A. Hellín Ortuño, Universidade de Múrcia, Espanha
Eneus Trindade, Universidade de S. Paulo, Brasil
Fernando Faria Paulino, ISMAI – Instituto Superior da Maia e CEMRI, Universidade Aberta, Portugal
172
La percepción pública
de la marca turística
Resumen Este trabajo pretende establecer las líneas básicas para construir una marca turística que
aporte una imagen positiva al destino turístico. Se demuestra la invisibilidad de muchos de los grandes
destinos turísticos entre la opinión pública debido a la carencia de una representación nítida en el sustrato cultural, y al mismo tiempo, a la deformación provocada por estereotipos negativos. Para este estudio, se han analizado discursivamente los espacios virtuales más importantes, independientemente
de su formato informativo o ficción. Y como resultado se presenta un modelo de estrategias comunicativas que podrían modificar el estado actual de la cuestión.
Palabras clave: Comunicación, Imagen Corporativa, Turismo, Cultura, Marca.
Presentación
Este artículo pretende mostrar las situaciones provocadas por la falta de una planificación en la comunicación de la marca turística. La presencia pública de marcas sólidamente construidas es muy baja aún, por
eso proponemos desde aquí cómo organizar un cambio de imagen en los destinos turísticos. Para ello, la
primera tarea ha sido establecer cual es la imagen actual, a partir de su representación en los medios de
comunicación, presentes en la red Internet. Se han estudiado los principales medios digitales de difusión
que utilizan los destinos turísticos, y se han estudiado las redes sociales y los softwares colaborativos que
vinculan al público externo.
Antes de continuar tenemos que explicar la diferencia entre el imaginario colectivo y las imágenes colectivas. Mientras que el ámbito de lo imaginario corresponde al sustrato de la cultura, las imágenes sirven al
discurso de los medios. De este modo, si el turismo se plantea en una mesa de expertos su identidad y su
protagonismo en los medios de comunicación, ante todo debe plantearse esta distinción. Crear discursos en
los medios es fácil, modificar las ideas mentales creadas en la tradición cultural es más complicado y exige
más tiempo y trabajo. El imaginario colectivo organiza no sólo a través de los medios masivos la identidad de
los sujetos, sino que emplea los recursos artísticos, económicos, sociales o jurídicos, e incluso las creencias
o lo metafísico de su comunidad. En este sentido, debemos considerar que los destinos turísticos tienen una
imagen en el discurso mediático en estrecha relación con el imaginario en el que están el profesional del medio (emisor) y el destinatario. Desde el arte, ¿es evidente la relación entre los tesoros artísticos y el turismo?;
desde la economía, ¿son visibles las inversiones en equipamiento y formación necesarias para activar y/o
mantener la actividad turística?; desde lo jurídico, ¿se conocen públicamente los ordenamientos jurídicos
que regulan el turismo?; desde las administraciones, ¿se reconoce la importancia estratégica del sector?,
173
desde la antropología ¿se ha evidenciado la importancia del turismo para fijar y mantener tradiciones? Estas
preguntas están resueltas en numerosos ejemplos mediáticos, pero existe una clara ausencia de estos valores en los medios de comunicación respecto a la Marca del Destino Turístico.
Lo que se evidencia desde el análisis inicial, es la carencia de una cultura corporativa en los destinos, de acuerdo a los postulados de una filosofía corporativa base, que permita a las instancias gestoras de los destinos
turísticos, o sencillamente al colectivo de la industria turística, tener una actuación coherente con unos postulados globales. Es necesario entender que toda organización respecto a su imagen pública:
1. Posee una filosofía corporativa en la que se fundan los principios básicos para alcanzar los objetivos
(creencias, valores y pautas de conducta). Responde a la pregunta: ¿Qué quiere ser el destino turístico?, y, ¿Cuáles son sus metas y objetivos?
2. Posee una cultura corporativa definida como el conjunto de normas, valores y pautas de conductas,
compartidas y no escritas, por las que se rigen los miembros de una organización, y que se reflejan en
sus comportamientos.
Podemos confiar tras lo expuesto, que la importancia de la marca turística en los medios podría surgir a
partir de hacer público otros valores culturales diferentes a los promocionados por la industria turística. Se
trata sencillamente de construir una imagen humana y cercana, para un/os público/s concreto/s, del destino
turístico.
Revisión teórica
La investigación se basa fundamentalmente en las aportaciones de los estudios sobre la cultura, la imagen
corporativa, la psicología social y las teorías de la comunicación. Los estudios de la cultura explican la interpretación de los mensajes a través del sustrato cultural del que forma parte la tradición, las creencias, los
mitos y los nuevos relatos urbanos. La imagen corporativa estudia la relación entre la noción de espacio
público e individuo atravesada por estrategias de marketing y persuasión comunicativa. Desde la perspectiva del corporate, trabajamos con el objetivo final de alcanzar una meta que normalmente consiste en la
visibilidad de un sujeto social (empresa, institución u organización) a través de una ideología atribuida a su
funcionamiento. La psicología social y la comunicación nos plantea una cuestión central en nuestro estudio:
¿Por qué una comunicación corporativa de un destino turístico? ¿Para qué el aumento de la presencia del
destino turístico en la opinión pública? ¿Cuál es el objetivo que perseguimos con este estudio de la comunicación? De acuerdo a Jung, el lenguaje nos traiciona cuando inconscientemente decimos lo que pensamos.
En nuestro mundo, la protección viene precisamente de encubrir el pensamiento y expresarse sencillamente
con lo necesario para nuestros intereses. Es el viejo debate entre los retóricos que sostienen que hacemos lo
que decimos, y los lógicos, para los que decir no tiene relación directa con la acción.
Para Jung, la existencia se basa en el reconocimiento social de la identidad del sujeto mediante el lenguaje.
La visibilidad es la imagen que la sociedad posee de este sujeto o individuo y que acaba condicionando su
vida. La imagen de los individuos actúa sobre el poder, la supervivencia y el deseo sexual. Dejando a un lado
los dos últimas funciones del lenguaje, solo nos quedamos con el poder. El poder, opinaba Jung, consiste
básicamente en decir a otro lo que tiene que hacer. La comunicación se entenderá como un medio de poder
que nos permitirá cambiar una situación que consideramos desequilibrada o perjudicial.
No obstante, la imagen que tenemos de nosotros mismos, no siempre coincide con la imagen que los demás
tienen. Además adoptamos una imagen falsa para relacionarnos con los demás. Los estudios de Jung tenían
174
que ver con los individuos y las enfermedades mentales basadas en estos conflictos entre la mente del individuo y la visibilidad social. La comunicación de las organizaciones se basa también en esta dinámica, aunque
claro está con otros presupuestos. La comunicación corporativa se basa actualmente en el estudio de la
diferencia entre la imagen que la organización tiene de sí misma y la imagen que de ella tiene la sociedad.
Hipótesis y cuestiones de investigación
Cuando trabajamos buscando la posibilidad de cambio en la imagen actual de un destino turístico vamos a
considerar fundamental su relación con el público. El destino, sus productos y sus profesionales, serán tratados como una organización social. Es importante delimitar en la complejidad de la comunicación la atención
de la investigación sobre el consumo de los mensajes. Y teniendo en cuenta el consumo, adoptar la idea de
que ya no es el público, sino los públicos. La relación entre la marca turística y su público, será ahora considerada como la marca turística y los individuos. De este modo, se pueden asumir los intereses particulares de
cada público y su relación con nuestra marca.
Para comprender los intereses particulares que vinculan al individuo con la organización, aplicamos la noción psicológica de rol y status. Entendemos el rol de la marca turística como el de la representación de sus
potencialidades y expectativas, y el status como la identificación de la marca con el sistema organizacional y
también social desde su rol como gestores de la marca (Hellín, 2009):
1. Expectativas del rol del público. Surgen de los individuos unas expectativas e intereses propios en su
relación con el destino turístico, en función de las características particulares de su interacción (ej. la
imagen del destino se proyecta a partir de una relación del individuo con el lugar).
2. Institucionalización del rol del público. Cada grupo social posee intereses y expectativas compartidos
entre todos sus miembros, aunque es posible que la interacción con la organización pueda darse de
diferentes formas (e.j. la relación de los turistas de paquete turístico con el destino ó la relación de los
mochileros con el mismo destino).
3. El rol de público prevalecido. Dentro del amplio abanico de públicos que puede tener relación con
el destino turístico, existirán algunos roles de público que serán más importantes que los otros (e.j. los
periodistas de destinos turísticos y otros prescriptores de opinión tendrán una relación de preferencia
en su relación con los gestores de la marca).
4. Relación entre los miembros de un público. Los miembros de un público no tienen que necesariamente conocerse entre ellos, pero pueden acabar organizados formalmente constituyendo un grupo
de presión sobre nuestra organización. (ej. Asociación Ecologista o Grupo de Consumidores).
Entre la organización y los públicos, la comunicación se experimenta a través de sus vínculos a dos niveles:
internos (relaciones dentro de la organización) y externos (relaciones con el público exterior). Estos vínculos
son: a) permisivos (autoriza la relación entre el público y el destino); b) eficaces (se reducen a las obligaciones
reales entre público y gestores de la marca); preceptivos (concretamente tratan sobre las obligaciones sociales y morales); y difusos (aparecen espontáneamente y van surgiendo del propio proceso de comunicación).
Otra propuesta estructural de los públicos muy similar consistiría en diferenciar entre:
Públicos del entorno interno (de la misma organización)
Públicos del entorno de trabajo
Públicos del entorno general
175
Sostenemos la importancia de los públicos que generan la misma organización. Además, no podemos olvidar
que las situaciones concretas también generan públicos prioritarios y otros secundarios. De modo que la
estructura de públicos o destinatarios de nuestro plan de comunicación tendrá que diseñarse de acuerdo a
todos los públicos y por la priorización de los más importantes en función de a) de las características de la
organización; b) de la relación concreta con los públicos; c), y de la situación en que se encuentre.
Tenemos una hipótesis sobre lo que realmente sucede con la gestión de imagen de los destinos turísticos
en general. Pensamos que el turismo ha pasado etapas en su consolidación que han creado señales de su
cultura corporativa, como demuestran la infinidad de documentos que podemos recopilar en bibliotecas,
hemerotecas y sitios web:
1. Una etapa vinculada al movimiento cultural del Romanticismo, donde los viajeros (aún no turistas)
buscaban el conocimiento de culturas con componentes “exóticos”. El turismo es considerado una
aventura para unos pocos ilustrados, Washington Irving en España o Lord Bayron en Grecia, son ejemplos de esta idea.
2. Una segunda etapa vinculada a la aparición de la Burguesía. El turismo se ejerce como una actividad
social que busca la relación entre las clases más acomodadas, cambian los escenarios, pero no las prácticas sociales. El turismo es una actividad que sirve para diferenciar a los que lo practican. Santander,
San Sebastián, Estoril y los balnearios del interior quedan como testigos de aquella época.
3. La tercera etapa corresponde con el desarrollo de la sociedad de consumo y las industrias culturales
y del ocio. El turismo se masifica y se convierte en símbolo de la prosperidad alcanzada por las sociedades occidentales. El acercamiento al mar no se hace buscando “climas más frescos” como anteriormente, sino “sol y playa”, disfrutar de las vacaciones durante y después, cuando mostramos el moreno
adquirido en esos días. Benidorm es el icono de este tipo de turismo.
4. La etapa actual, en la que el turismo “se personaliza”. Los individuos utilizan Internet preferentemente para el diseño de sus vacaciones, que tienen en la movilidad y la multiplicidad de actividades su
razón de ser. El abaratamiento de los medios de transporte, la facilidad de acceder a las reservas hoteleras sin intermediación y el deseo de vivir experiencias han roto la tendencia anterior. Ahora el turista
busca afirmar su personalidad frente a la masa y los programas sobre experiencias viajeras (concepto
que sustituye al de turismo en muchas ocasiones) son la muestra más evidente de esta tendencia.
Metodología de la investigación
La metodología ha consistido en el análisis discursivo de las páginas web de los destinos turísticos: Andalucía,
Castilla y León, Extremadura, Canarias, Galicia y Zaragoza, más el Instituto de Turismo de España, porque
son los primeros que aparecen en Google tras introducir: “Turismo”. También hemos estimado importante
consultar en Google Imágenes cuales son las representaciones iniciales que surgen al introducir “turismo”,
“marca turística”, “vacaciones” y “viaje” (estos dos últimos por las claras implicaciones que tienen con el
fenómeno turístico). Y finalmente, hemos realizado un trabajo de campo sobre la videografía en YouTube con
los mismos descriptores.
Para completar la presencia de una imagen corporativa en el espacio virtual, hemos revisado la red social
FACEBOOK, el mundo virtual SECONDLIFE y los espacios colaborativos como los BLOGS o las WIKIS.
176
Resultados
Los resultados del trabajo de campo (en número) realizado para detectar la presencia de las marcas turísticas
en el espacio virtual que representa la red de Internet, son los siguientes:
Google
Google
Imágenes
YouTube
Turismo
Aprox.
141.000.000
Aprox.
2.500.000
Aprox. 259.000
Marca turística
Aprox. 241.000
Vacaciones
Aprox.
38.700.000
Aprox. 552.000
Aprox. 982
Aprox. 113.000
Aprox. 4.350.000
Viaje
Aprox.
41.400.000
Aprox. 511.000
Aprox. 274.000
Figura 1- Fecha: 26/06/10. Búsquedas en toda la Web
Hemos observado que introduciendo el término “marca turística” sin tilde, obtenemos los siguientes resultados:
Enfermeria
Aprox. 4.860.000
Aprox. 240.000
Aprox. 1.000
Google
Google Imágenes
YouTube
Figura 2 - Fecha: 26/06/10. Búsquedas en toda la Web
En las redes sociales como Facebook apenas aparecen sobre las cuatro palabras clave que hemos utilizado
13.631 referencias; en los mundos virtuales, como SecondLife, hemos encontrado 7.600 referencias para
nuestros descriptores; y en los espacios colaborativos, como los blogs sobre turismo en páginas localizadas
en España, hemos encontrado 6.640.000 referencias, y en el caso de las Wikis, las referencias ascienden a
15.926 en España. Pese a las elevadas cifras en algunos casos, las muestras son poco significativas, porque las
referencias en la mayoría de las ocasiones aunque hacen mención al turismo, no tienen una relación directa
con la cultura corporativa de la marca del destino turístico. Si introducimos los descriptores “marca turística”,
“viaje” ó “vacaciones”, el sentido se tergiversa demasiado para ser considerado en el estudio.
Las distintas muestras analizadas de espacios virtuales en la red presentan los siguientes resultados generales:
1. El diseño de los portales institucionales de turismo (responsables de la gestión de la imagen del destino turístico) no se muestran unificados en su identidad visual, ni anillados electrónicamente, lo cual
supone un esfuerzo dividido en la difusión de información tanto al público interno, como al externo o
al público general.
2. La información sobre la marca turística está mal estructurada respecto a la creación de una identidad
deseada. Aunque esto no puede extenderse a todos los portales oficiales, hemos comprobado que algunos sitios web carecen de valores que transmitan una ideología concreta. Así, es habitual encontrar
la página de inicio con banners donde el primer impacto visual lo provoca una inserción publicitaria
ajena al contenido del sitio. La falta de unidad también hace más complicado el discurso corporativo
que debe ser matizado por su municipio correspondiente.
3. La imagen de la marca (su identidad visual) está mal cuidada. Es frecuente encontrar que la marca
177
turística tiene formato de emblema, que connota tiempos pasados, y que sitúa a la organización en una
etapa distinta de la evolución del turismo.
4. En España, los portales turísticos de las Comunidades Autónomas, principales gestoras de las marcas
turísticas en el país, están mal diseñados en la mayoría de las ocasiones. La marca en la página institucional adoptada por algunas entra en contradicción con los usos de la promoción turística. En otras
páginas, o la visibilidad de esta marca institucional es reducida, o ni siquiera aparece.
5. Los contenidos volcados en los portales tampoco cumplen con los requisitos de una correcta comunicación corporativa, provocando desorientación sobre los individuos o los colectivos afectados. En
muchos casos, la información es superficial o se muestra aglomerada, haciendo imposible el proceso
de recuperación o reutilización por los usuarios.
6. En general, existe una falta de aplicación de una estrategia corporativa orientada a la creación de una
marca turística orientada a la creación de una imagen positiva, reflejada en la información mostrada
por las propias organizaciones responsables de la marca.
7. Las imágenes del banco de Google muestra un tratamiento sexista desigualitario respecto a las mujeres, reproduciendo estereotipos machistas, sobre todo cuando se habla de destinos de sol y playa,
donde en infinidad de casos, la imagen de mujeres atractivas está unida a la propia promoción de los
atractivos turísticos del destino.
8.También debemos señalar que las imágenes mostradas en la base de datos de imágenes de Google se
nutren de multitud de páginas, la mayor parte de ellas no provienen de las páginas oficiales de los destinos turísticos. Por lo cual, existe una débil presencia de la organización a nivel institucional en la red.
9. Los clips de YouTube sobre el turismo son el ejemplo contrario, pues abundan los videos institucionales (provenientes de organismos institucionales o de programas de televisión).
10.La marca turística no tiene presencia en los mundos virtuales, seguramente por un problema de
desconocimiento por parte de las instancias directivas de la organización. En cuanto a las redes sociales
y los Blogs, la participación también es generacional. Son fundamentalmente los jóvenes profesionales
del turismo los que comparten información sobre su actividad formativa universitaria, profesional y
laboral.
178
C onclusiones
Desde lo analizado podemos observar la falta de una gestión de la cultura corporativa a distintos niveles. Para
comenzar, no existe un desarrollo adecuado entre todos los estamentos implicados en la organización. Desde
los responsables de la Organización del Destino Turístico, a los colectivos de profesionales del turismo, los
departamentos universitarios, los turoperadores y los responsables de las instituciones administrativas implicadas (ayuntamientos, diputaciones, comunidades autónomas, etc.). Excepción hecha del Portal Corporativo
del Turismo de España: TURESPAÑA (http://www.tourspain.es/es/Home/ListadoMenu)
Usted puede acceder a tres niveles de información. Un primer nivel de acceso libre, para la información
relativa al organismo y su actividad. Un segundo nivel, para usuarios registrados, en el que tendrá acceso
al Plan de Objetivos para la Promoción Exterior del Turismo y a otras prestaciones para profesionales. Y un
tercer nivel, restringido a suscriptores, que le dará acceso a todo lo anterior y a la totalidad de los estudios
realizados por TURESPAÑA.
En principio es el Instituto de Turismo de España (TURESPAÑA) el que debe gestionar en todo el país la
filosofía corporativa de la organización: ¿quién soy y qué hago?, ¿cómo lo hago?, y ¿a dónde quiero llegar?
Estas preguntas deben ser asumidas por las distintas “sucursales” en base a unos parámetros estándares:
1. La misión corporativa. Define los beneficios que ofrece la marca turística a los distintos públicos.
2. Los valores corporativos. Concreta los valores y principios fundamentales de todos los destinos turísticos.
3. La visión corporativa. Es el plan de futuro de la marca turística. Debe ser viable y bien estudiado para
que no desmotive a los miembros de la organización. Que la gestionan y a los visitantes.
Para crear una cultura corporativa adecuada, la organización de la marca turística desde su entidad fundadora debe actuar siguiendo el siguiente esquema:
Etapa
Objetivo
Determinación de la cultura
actual de la marca turística
Definición de la cultura deseada
Análisis de la cultura actual
Actuación sobre la cultura
actual
Procedimiento
Investigación de la cultura
actual
Fijación del perfil de la cultura
Comparación de la cultura
deseada
deseada con la cultura actual
Adecuación de la cultura actual a la Cuidado, desarrollo o
cultura deseada
modificación de la cultura
actual
Figura 3
No obstante, y para concluir, debemos aclarar que la multiplicidad de marcas turísticas existentes, así como
sus distintos niveles territoriales y de implicación de las administraciones, hacen que sea muy difícil (por
no decir imposible) la existencia de una Cultura Corporativa única. Cada destino turístico debe construir su
propia cultura corporativa, entendiendo que, además de la más eficaz herramienta de gestión empresarial,
la cultura corporativa, correctamente gestionada, supone una excelente herramienta de diferenciación con
otros destinos de similares características y permite la apreciación de la calidad por parte de posibles visitantes y una mayor visibilidad mediática.
179
Referencias bibliográficas
Belting, Hans (2007): Antropología de la imagen, Madrid, Katz Editores.
Benjamin, Walter (2008): Obras, Libro I, Vol. 2, Madrid, Abada Editores.
Hellín, Pedro A. (2009): El concepto de imagen corporativa, (material inédito).
Foucault, Michel (1985): Herculine Barbin llamada Alexina B, Madrid, Editorial Revolución.
Harris, Marvin (2008): El desarrollo de la teoría antropológica, Madrid, Siglo XXI.
Jung, C. G. (1994): Arquetipos e inconsciente colectivo, Barcelona, Paidós.
Manovich, Lev (2005): El lenguaje de los nuevos medios de comunicación. La imagen en la era digital, Barcelona, Paidós.7
Solórzano Sánchez, Manuel (1997): “Todo un siglo para la enfermería: Colegio de Practicantes de Guipúzcoa”, en JALGI, 20 de diciembre de 1.997 (también en www.euskonews.com/0229zbk/gaia22901es.html,
consultado 15/11/2009).
Unamuno, Miguel de (2007): Del sentimiento trágico de la vida, Madrid, Austral.
180
A construção de vínculos de
sentido por meio de personagens
e mascotes de marca - uma análise
comparativa Brasil x Espanha
Clotilde Perez1
Resumo As personagens e mascotes apresentam importante crescimento como expressão identitária
de marcas nos últimos anos. Tal fato deve-se a uma tendência comportamental alicerçada, por um
lado, na valorização da afetividade, da intuição e da emoção características da sociedade pós-moderna,
como atestam Bauman (2005, 2007), Lipovetsky (1989, 2006), Giddens (1989) entre outros, e por outro, pelo fetichismo contemporâneo em sua busca de carregar de vida o mundo dos objetos (Canevacci
2005, 2007). Por meio de pesquisa bibliográfica, observação em pontos de venda, monitoramento
publicitário e entrevistas em profundidade no Brasil e na Espanha, foi possível entender o estado da
arte da temática nos dois países e mapear as diferenças culturais e representações de subjetividade
presentes na construção e sustentação dessas expressões. A partir do mapeamento edificou-se uma
sistematização das estratégias utilizadas pelos gestores das marcas, com vistas à geração de interpretantes favoráveis e o fortalecimento de vínculos de sentido com seus públicos.
Palavras-chave: Mascote, Personagem, Marca, Consumo, Produção de Sentido.
Keywords: Mascot, Character, Brand, Consumption, Production of Meaning.
1 Livre-docente em Ciências da Comunicação pela ECA – USP. Pós-doutora em Comunicação pela Universidad de Murcia, Espanha.
Doutora em Semiótica e Mestre em Administração de Marketing pela PUC SP. Professora da ECA – USP e da PUC SP. Professora
visitante na Universidad de Murcia, Espanha e na Universidade Católica Portuguesa, Porto. Líder do GESC3 – Grupo de Estudos de
Semiótica, Comunicação, Cultura e Consumo, certificado pelo CNPq. [email protected]
181
Clotilde Perez
Introdução
O século XXI se apresenta por meio de uma sociedade atravessada pelo consumo, onde cada um dos produtos disponíveis no mercado busca impor-se de forma distinta e sedutora para ser captado pelos consumidores “sedentos por momentos de volúpia”.
A publicidade incrementa e diversifica seu poder e se converte em uma poderosa ferramenta, muito valiosa
para transmitir e demonstrar os atributos dos produtos e os valores simbólicos das marcas e das corporações.
Exatamente ao mesmo tempo, a publicidade – como manifestação privilegiada da contemporaneidade - é a
antítese do cenário de caos, excessos e sofrimento vivenciado no cotidiano. Apoiando-se em temas como o
escapismo, o surrealismo, a ambiguidade, a afetividade, o humor e a sensualidade, a publicidade configurase como a promessa do paraíso “definitivamente” perdido. É a “tábua de salvação” – é um caminho possível
para o equilíbrio fugidio, mas sempre desejado.
Marcas tradicionais, inovadoras, contestadoras… segmentos de grande consumo ou de especialidade, de
bens duráveis ou não, orientam-se e manifestam-se por meio de slogans absolutamente afetivos e íntimos
“feito para você” (Itaú), “perfeito para você” (Personnalité), “o poder dos sonhos”, “drive your way” (Hyundai), “for life” (Volvo), “feel the difference” (Ford), “lugar de gente feliz” (Pão de Açúcar)... O novo milênio
vem acompanhado de um entorno “politicamente correto”, refletivo na linguagem cotidiana pelo edulcorar
da fala. Alinhado com os pensamentos de Bauman (2005, 2008) não nos referimos mais aos deficientes, mas
aos “especiais”, não somos mais velhos, mas “idosos”, “da melhor idade”, não somos mais empregados, mas
“colaboradores”, assistentes... Parece que cada um de nós passou a manifestar vozes aeroportuárias sedosas
e conteúdos adocicados, no melhor lifting semântico (Bauman, 2009).
Entendo que as mascotes e personagens de marca encontram-se ressuscitadas após o ostracismo dos anos
80 e 90, justamente por serem manifestações do mesmo fenômeno da edulcoração do mundo, porém com
imensa vantagem sígnica: a força da afetividade e da construção de vínculos e pelo resgate da ludicidade de
cada um.
Há muitos anos notamos na publicidade a presença de animais e mascotes associados a marcas, porém o que
encontramos na atualidade apresenta-se de forma distinta. No pós-guerra observamos o crescimento efetivo
da industrialização e o surgimento inquestionável de empresas transnacionais. As mascotes de marca tinham
o papel inequívoco de aproximar produto/marca dos consumidores, sendo em muitos casos, portadores do
didatismo necessário aos pioneiros em novos mercados – é fato que a moça holandesa do leite condensado
MilkMaid foi fundamental na sua aceitação no Brasil, por exemplo, tanto assim que passou a denominá-lo
pouco tempo depois “Leite Moça” o que de forma semelhante, ainda que menos intensa, aconteceu na Espanha com La Lechera e vários outros países.
Porém na contemporaneidade notamos a presença de personagens e mascotes mais encarnadas, mais
orgânicas em sua trajetória simbólica e de “vivência” cotidiana. Com o avanço dos meios visuais e sinestésicos e com as tecnologias digitais, há muitas outras formas de manifestação e cada vez mais interativas, o
que amplifica e aprofunda a vitalidade das personagens. Com muitas variáveis, mascotes virtuais, desenhos
animados, animais reais, antropomorfizações de objetos, licenciamentos etc., o fetichismo é a marca das
mascotes e personagens nesse novo milênio. Assim, como notamos o fetichismo presente no design, na
publicidade, na moda, na arquitetura, as mascotes são quiçá seu mais legítimo representante.
182
A construção de vínculos de sentido por meio de personagens e
mascotes de marca - uma análise comparativa Brasil x Espanha
Metodologia do estudo
O presente artigo é decorrente de uma pesquisa de pós-doutorado junto à Universidad de Murcia, com bolsa
da Fundación Carolina da Espanha. O estudo, que envolveu Brasil e Espanha, integrou pesquisa bibliográfica,
pesquisa de campo com metodologias qualitativas, com destaque para as entrevistas em profundidade com
especialistas e a observação com abordagem etnográfica. Posteriormente, foram procedidos estudos quantitativos que trouxeram pragmatismo às interpretações.
Sendo assim, a metodologia foi dividida em três partes. A primeira delas referiu-se à busca de fundamentação teórica em áreas como a Publicidade e as Teorias da Comunicação, bem como em outras regionalidades científicas como a Literatura, a Mitologia, o Teatro, a História, a Psicologia e a Psicanálise, o Design, e
até mesmo a Etologia. Os autores de maior destaque e que contribuíram decisivamente para o desenvolvimento teórico foram, Montigneaux (2003), Bree & Cegarra (1994), Gomarazca (2001), Mizerki (1995). No
que se refere à literatura autores como Antonio Cândido (1964), Almeida Prado (1993), Pallottini (1989),
Rosenfeld (1995) e Foster (2004) foram fundamentais para esclarecer o conceito de personagem sob suas
diferentes possibilidades signicas, bem como os reflexos desse conceito nas distintas mídias e expressões
artísticas, ou seja, a personagem na literatura, no teatro, no cinema e na televisão. O conceito de mito foi
estudado por meio das reflexões de Campbell (1989). O estudo da etologia justificou-se a partir do momento
que passamos a analisar a antropomorfização de objetos em direção aos animais, bem como a animação
desses seres e a utilização do próprio animal como expressão de uma marca, idéia, produto ou empresa. A
etologia ocupa-se do entendimento dos comportamentos dos animais.
A psicologia e a psicanálise foram fundamentais no entendimento do conceito de desejo e suas expressões
contemporâneas, além do aprofundamento sobre o fetiche e suas interfaces com a construção de personagens e mascotes. Esses temas também são abordados em teóricos da comunicação e antropólogos, cabendo
destaque, para autores como Canevacci (2005, 2008), Voli (2002) e Perniolla (2001). Das teorias da comunicação, por conveniência, fiz uso da semiótica de extração Peirceana o que permitiu uma interpretação mais
fecunda dos processos signicos manifestados e sugeridos. Adicionalmente, foram agregadas reflexões sobre
a sociedade contemporânea, por meio do diálogo interpretativo com Bauman (2009, 2006, 2003, 2002),
Lipovetsky (2007, 2005), Lyotard (1989), bem como autores que aproximam essas reflexões da Publicidade e
do Marketing, como Hellín (2006), Trindade (2008), Lencastre (2007).
A segunda parte da metodologia empregada contemplou o trabalho documental revelado pela busca de
materiais por meio do acesso a diferentes sítios na internet, arquivos de agências e recolha de embalagens,
cartazes e publicidade impressa nas principais revistas semanais nos dois países de janeiro de 2008 a janeiro
de 2010. Foram analisadas publicidades impressas, que continham personagens e/ou mascotes recolhidas
em 250 revistas, sendo os títulos mais recorrentes no Brasil, Vogue, Marie Claire, Época, Veja, Isto É e Caras e
na Espanha as revistas, Telva, Elle, Vogue Espanha, Ronda Ibéria (revista de bordo), Woman e Glamour.
A terceira parte da metodologia foi destinada à pesquisa de campo. Foram procedidas 12 visitas de observação dirigida a supermercados e lojas de conveniência nas cidades de São Paulo, Rio de Janeiro e Curitiba
com o objetivo de auxiliar na seleção e busca de produtos/embalagens e materiais de PDV que manifestassem o uso de personagens e mascotes. Foram realizadas 3 entrevistas em profundidade com criativos de
agências brasileiros. Na Espanha foram realizadas 5 visitas para observações dirigidas em supermercados,
os selecionados foram Mercadona, Carrefour e El Corte Inglés. Este procedimento serviu de apoio à busca
das personagens e mascotes. Também foram realizadas 3 entrevistas em profundidade, 2 com diretores de
criação de agência e outra com um pesquisador em publicidade.
183
Clotilde Perez
Ao final deste percurso foi possível não apenas entender a complexidade conceitual e simbólica das personagens e mascotes de marca, como também proceder a uma classificação, como sempre arbitrária, e sem
a intenção de esgotar as possibilidades desses fenômenos. O objetivo central da taxionomia era mapear as
diferentes formas e usos desses personagens comunicacionais, bem como identificar os setores da economia
que mais se utilizaram esses recursos como expressão de suas marcas e, também identificar a estratégias e
os resultados obtidos.
Análise dos resultados
Durante a pesquisa nos deparamos com as mais distintas personagens e mascotes de marca, algumas sem
pretensões identitárias, conectadas à efemeridade das promoções, enquanto outras com uma notável permanência, configurando-se como vigorosas expressões da marca. Diante disso, iniciamos o processo de
análise das características signicas de cada personagem, sempre com o objetivo de entender como os vínculos de sentido eram/são construídos, o que possibilitou a proposição de uma metodologia robusta com
amplas utilizações, tanto para criação, quanto para análise e gestão desses personagens. A partir da Teoria
Geral dos Signos proposta por Peirce (1977) construímos um roteiro metodológico para o entendimento e a
interpretação da capacidade comunicativa de que esses fenômenos (personagens, mascotes e suas hibridizações) são potenciais portadores.
Tendo em conta a tríade peirceana, signo, objeto e interpretante, temos:
O signo encarnado no objeto, caminho adequado ao estudo proposto, permite uma análise encapsulada
do fenômeno a partir dos parâmetros, qualitativo-iconico, singular-indicial e legi-simbólico, sempre com o
objetivo de identificar as potencialidades de sentido, os interpretantes, dentro de um determinado contexto
cultural.
Os ícones, qualidades encarnadas, vinculam-se à semelhança existencial entre signo-objeto, enquanto os
índices, fragmentos de sentido, constroem relações mais pragmáticas e funcionais decorrentes de seu poder
de sugestão. Já os símbolos criam construções culturais, portanto, convencionais, sem aderirem necessariamente à afetividade ou funcionalidade. Os símbolos para funcionarem como tal, dependem da comunhão
de códigos para não tornarem-se herméticos e enfraquecerem na sua capacidade de atualização de sentido.
184
Sendo assim, podemos entender que as explorações icônicas têm a maior probabilidade de gerar interpretantes emocionais, as indiciais, relações mais pragmáticas, enquanto as incursões simbólicas dependem de
repertório e, portanto, demandam capacidade de interpretação, cognição, inteligência por serem signos da
terceiridade. Esquematicamente temos:
Como vimos no esquema metodológico anteriormente apresentado, podemos manejar a expressividade
de sentido das personagens e mascotes a partir da intencionalidade interpretante que almejamos. Por isso,
o método é analítico e criativo ao mesmo tempo. Se pretendemos construir relações afetivas é mais indicado o caminho qualitativo icônico em toda a potencialidade sensível que a semelhança permite. Quando
a exigência recair sobre efeitos mais pragmáticos, por exemplo, pôr em evidência o efeito causado por um
determinado produto que a marca encarna, o caminho singular indicial é mais eficiente. Ainda se gozamos
de um vasto campo de experiência, repertório amplo ou ainda investimentos vigorosos, o caminho simbólico
pode ser interessante pela sua capacidade de ampliar a subjetividade da marca por meio da personagem/
mascote criada.
Para nos aprofundarmos nesse entendimento é preciso explorar as relações de semelhança, funcionais e
cognitivas, como faremos a seguir.
As semelhanças são normalmente construídas por meio das qualidades sensoriais e sinestésicas que os fenômenos apresentam ou suportam, como cores, contraste de cores, formas, texturas, fragrâncias, sons... Tem
ampla capacidade associativa, uma coisa se assemelha a outra por guardar com ela alguma semelhança, por
isso, sua potencialidade em gerar efeitos de sentido predominantemente afetivos. As relações sugestivas
são construídas por meio de relações de causa e efeito, vestígios, pistas, indícios, rastros e marcas signicas
que permitem a construção de um efeito de sentido direto, funcional e comportamental – tendem a levar à
ação e não geram interpretações complexas. Sobressai-se aqui a dimensão contextual do signo/objeto. As
relações convencionais são decorrentes dos processos culturais construídos pelas mentes que compartilham
os códigos empregados, que podem ser puramente arbitrários, sem fundamento lógico ou validade universal, daí os efeitos de sentido constituírem-se a partir da cognição, ou seja, por meio de um processo mental
de percepção, interpretação, memória e raciocínio.
185
Clotilde Perez
É fundamental ter em conta que o interpretante peirceano é o potencial que o signo apresenta de ser convertido em outro signo, muitas vezes, mais evoluído e mais complexo. Ou seja, a sua capacidade de gerar
semioses vigorosas que permitam fundamentar sua identidade. Assim, um signo que é capaz de gerar um
efeito de sentido como, por exemplo, beleza, carrega em si o desdobramento de novos processos signicos
decorrentes do signo gerado, em uma semiose ilimitada (Santaella, 2001).
Desse modo, há personagens e mascotes que estabelecem de forma predominante, relações icônicas, enquanto outros constroem relações indiciais e ainda outros simbólicas. A partir de cada uma dessas expressões
constitutivas, os fenômenos passam a carregar a potencialidade de se vincularem com seus “públicos-destino” de maneira mais ou menos afetiva, mais ou menos funcional ou ainda arbitrária, ou seja, simbólica.
É notório que as relações de semelhança dependem de relações mentais associativas. Algo é semelhante
a algo para alguém, somente quando houver uma apropriação da relação significante historicamente constituída. Na grande maioria das vezes, as relações mentais associativas que nos levam a constatar que algo
é semelhante a algo são processadas na mente sem a participação do pensamento consciente, quer dizer,
tratam-se de relações que fogem de nosso autocontrole, ou seja, que não são formalizadas. Poderíamos nos
perguntar: se não dependem do controle consciente do nosso pensamento, então como são produzidas as
relações de semelhança? Elas são produzidas pelo poder de sugestão (associação significante) que as qualidades das coisas possuem. São essas qualidades que despertam em nós a constatação de similaridades entre
as coisas. Quais são essas qualidades? Geralmente, elas estão ligadas aos nossos sentidos. Há assim qualidades visuais, olfativas, táteis, sonoras etc.
As qualidades visuais, predominantemente icônicas, dizem respeito, por exemplo, às cores, às formas, às
linhas etc. Qualidades táteis, indiciais, dizem respeito, por exemplo, à textura, luminosidades e assim por diante. Qualidades verbais referem-se aos significados semânticos das palavras e expressões em determinado
contexto, sem deixar de lado, no entanto, o fato semiótico de que o texto também é visual. Notamos que as
relações de semelhança podem ser construídas nas mais diversas configurações expressivas.
Quando nos deparamos, por exemplo, com antropomorfizações de produtos ou de embalagens, estamos ao
nível das construções por semelhança, ou seja, a personagem/mascote guarda relações de similitude tais que
permitam acionar a rede associativa mental dos intérpretes conectando-os ao universo signo da marca pelas
suas qualidades. Daí os efeitos de sentido assumirem, predominantemente, uma dimensão mais afetiva e
emocional. Exemplo típico é o caso da marca Assolan com o Assolino (figura 1) ou ainda a antropomorfização
da bisnaguinha Pullman e o surgimento do Bisnaguito (2), dos brejeirinhos da Arroz Brejeiro (figuras 3 e 4)
ou ainda da Phoskitos (figura 5):
Figuras 1 e 2: Assolino
da Assolan e Bisnaguito
das bisnagas Pullman
186
Figuras 3 e 4: Brejeiro arroz inteiro e arroz “quebrado” (perna de pau)
Foto: Janiene Silva - Acervo: Clotilde Perez
Figura 5: Phoskitos, marca espanhola de biscoitos
Figura 6: Kinderino mascote da Kinder
Há também relações de semelhança que lançam mão da estilização, distanciando-se assim da verossimilhança primordial, o caso exemplar é do Bibendum da Michelin, que foi criado a partir do amontoamento de
pneus de bicicleta (relação de semelhança com o produto principal da Michelin à época), mas que ao longo
do tempo se distanciou criando forma e conteúdo próprios.
187
Clotilde Perez
Figuras 7 a 10: Evolução da mascote Bibendum da Michelin
Algumas construções levam ao máximo as relações de semelhança o que potencializa seus efeitos de sentido. Caso exemplar é dos biscoitos Osito Lulu, onde o produto biscoito é produzido em formato de urso, a
marca na sua expressão visual contém urso (o urso Lulu) e a mascote é o próprio urso. Os efeitos de sentido
associados à verossimilhança caracterizam-se pela segurança e credibilidade, pois não são o “real modificado”, são “o real”. Nesse sentido, eliminam qualquer possibilidade de falseamento e insegurança.
Figura 11: embalagem dos biscoitos Osito Lulu – Espanha
As relações de semelhança podem ainda se construir por meio de uma relação verbal-figurativa, como no
caso do bolinho sobremesa Ana Maria ou mesmo do Baianinho das Casas Bahia. Ana Maria é o nome da
menina-mascote, assim como a marca do produto envolvida pela marca-mãe Pullman. Outro exemplo é do
Brasilino, mascote da Fábrica de Móveis Brasil, a semelhança é verbal Brasil/Brasilino.
188
Figuras 12 e 13: Embalagem do bolinho Ana Maria e Baianinho mascote das Casas Bahia
Quando a constituição da mascote se dá por meio de relações indiciais, ou seja, pelo poder de sugestão ou
ainda pelas potenciais relações de causa e efeito, temos com eles uma relação mais funcional e pragmática.
Assim podemos exemplificar os casos do Bond Boca de Cepacol (relação de causa-efeito) boca saudável,
hálito puro e sorriso conquistador (permitidos por meio do uso do produto) ou ainda Bunny o coelho das
pilhas Duracell que existe e se constitui em função da durabilidade (funcionalidade) proporcionada pelo
produto. Também o coelho da marca de papel higiênico Personal estabelece uma relação absolutamente
funcional – espera-se que o produto seja macio como é a sensação de estar em contato com os pelos fofos do
coelho, ainda que o coelho seja em si um animal afetivo quer por suas características genotípicas, quer pelas
fenotípicas. A mesma estratégia é apresentada pela marca de amaciante de roupas Fofo, que tem no afetuoso urso a relação de causa-efeito: maciez proporcionada pelo uso do produto/maciez e aconchego proporcionado pelo ursinho (aqui muito mais em função da maciez do pelo do animal do que propriamente pelas
suas características intrínsecas/naturais que o distanciariam: ferocidade, robustez...). A marca de produtos
esportivos El Niño também estabelece na construção de sua mascote uma relação indicial ainda que El Niño
seja um fenômeno climático e também o nome usado para designar, na língua espanhola, menino (o que
caracterizaria uma relação de semelhança (nome/personagem). A relação indicial está presente no design da
personagem que simula o vento (a rapidez, a leveza etc.) ainda que antropomorfizado.
Figuras 14 e 15: Bond Boca, Cepacol e Bunny, da Duracell
189
Clotilde Perez
Figura 16: Bunny, Duracell
Figura 17: Coelho do papel higiênico Personal
Figura 18: El niño, marca de produtos esportivos caracterizada
pela construção indicial da personagem com “o vento”.
As convenções são construídas a partir de pura arbitrariedade ou por meio da comunhão de códigos. Com
isso, não há uma conexão por semelhança, nem indicial, mas a construção de sentido depende de códigos
pré-existentes ou ainda gerados para tal. Exemplo foi o caso do Elefantinho, mascote da marca da petrolífera
190
Shell nos anos 60 e 70, onde fica evidente que não há relações de semelhança, nem indiciais, mas simbólicas.
O elefante passou a ser símbolo da marca por pura arbitrariedade dos gestores e isso foi possível por meio
de amplos investimentos publicitários e promocionais.
Assim, também poderíamos entender que os licenciamentos fazem uso dessa estratégia, com o intuito de
que a personagem/mascote torne-se símbolo, independente de possibilitar ou não relações icônicas e ou indiciais. Exemplo é o caso do Jotalhão associado à marca de extrato de tomates Cica durante muitos anos, da
Turma da Mônica na linha de produtos infantis da Perdigão. Em princípio, não há uma conexão entre elefante
e molho de tomate, entre animações de crianças e embutidos de carnes da marca Perdigão.
Figuras 19 e 20: evolução do Jotalhão vinculado à marca Cica e a Turma da Mônica licenciamento da linha infantil de alimentos Perdigão.
Figura 21: Elefantinho da Shell
191
Clotilde Perez
O dinossauro do iogurte Danone, bastante explorado no mercado espanhol, é exemplar como símbolo,
porém ainda assim, construiu-se uma relação de semelhança com a marca quando o produto foi batizado de
Danonino – semelhança verbal, nominativa.
Figura 22 : Danonino, dinossauro mascote do iogurte infantil Danone, na Espanha
Além dessas vinculações bastante claras e inequívocas, há ainda as hibridizações, ou seja, a integração de
mais de uma estratégia sígnica. Desse modo, obtêm-se com o seu uso, efeitos de sentido múltiplos e abertos
ao repertório das audiências-alvo. Exemplo que podemos analisar a partir da marca de detergente em pó
Minuano e da criação das mascotes Minus. Os Minus guardam uma relação de semelhança verbal com o
signo-marca, mas também simbólica porque trazem referência a uma cultura milenar. A civilização minóica
foi uma civilização que se desenvolveu na ilha de Creta, a maior ilha do Mar Egeu, entre 2.700 a.C. e 1.450
a.C., o período anterior ao da civilização micênica. Teve como principal centro a cidade de Cnossos. O termo
“minóico” deriva de Minos, título dado ao rei de Creta. Os minóicos foram uma civilização pré-helênica da
idade do bronze. Baseando-se em descrições da arte minóica, essa cultura é frequentemente descrita como
uma sociedade matriarcal voltada para o culto à deusa. O termo “minóico” foi criado pelo arqueólogo inglês Sir Arthur Evans do “rei” mítico Minos, associado ao labirinto, que Evans identificou como sendo o sítio
de Cnossos. É possível, embora incerto, que Minos fosse um termo usado para identificar um governante
minóico específico. Pode também ter sido usado para descrever o governante minóico da época. Como os
minóicos chamavam a si mesmos ninguém sabe, mas a palavra egípcia “keftiu” e a semítica “kafto” ou “caphtor” e “kaptara” nos arquivos de Evans, referem-se evidentemente à Creta Minóica. Todas essas referências
históricas podem não ser acionadas tendo em conta o padrão médio de escolaridade do cidadão brasileiro,
no entanto, continuam presentes como potência, podendo ou não se concretizar em algum momento e sob
alguma determinada condição – dependem de repertório ou nas palavras de Peirce (1977) da “experiência
colateral”. O mais provável é que Minus se conecte apenas e tão somente pela via verbal Minus-Minuano,
como uma decorrência “natural” na língua.
192
Figura 23: Minus, mascotes da marca de produtos de limpeza Minuano
Diante dessas reflexões a partir da pesquisa de campo e da análise semiótica das personagens e mascotes,
foi possível concluir que:
1 – Quando desejamos obter efeitos de sentido de ordem essencialmente emocional e afetiva, os caminhos criativos devem ser explorados no sentido de maximizar a semelhança, ou seja, explorar a dimensão
qualitativo-icônica das criações.
A verossimilhança entre produto, embalagem e a mascote é uma das explorações mais fortes no sentido de
construir vínculos afetivos. Por meio de antropomorfizações esse recurso permite a exploração dos fatos de
vida, conferindo sentido “existencial” à personagem criada.
A pesquisa quantitativa realizada com mais de 200 marcas e suas diferentes mascotes e personagens indicou que os recursos predominantemente icônicos constituem 40% de todos os casos analisados, com predomínio da estratégia de antropomorfização de produtos e embalagens, seguida de explorações da semelhança semântica nome da marca/personagem.
Foi possível identificar que as categorias de produtos e serviços que mais exploram o caminho expressivo
icônico são os alimentos e as bebidas com 60% dos casos, seguida pelos serviços com 20%. Tal constatação
está vinculada à afetividade da comida e também das bebidas na trajetória histórica da humanidade. As
conquistas eram e são comemoradas com banquetes, festas com abundância de pratos... nada mais afetivo:
celebração da vida.
2 – Quando desejamos obter efeitos de sentidos mais pragmáticos e funcionais, aqueles que estabelecem
relações de causa-efeito (uso do produto-efeito), as explorações estéticas devem direcionar-se ao poder de
193
Clotilde Perez
sugestão que brota dos índices. Um caminho interessante é a construção estética das relações de causaefeito, bastante facilitadas quando estamos ao nível dos produtos concretos: efeito gerado ou proporcionado
pelo uso ou consumo.
De todos os casos analisados as explorações indiciais são as menos incidentes, com apenas 9% dos casos. As
categorias de serviço e produtos que exploram as relações indiciais são higiene e limpeza com 80% dos casos
analisados. O que se coloca em evidência é o feito causado pelo uso ou consumo do produto o que conecta
perfeitamente com a categoria de maior incidência: efeito do produto de limpeza ou ainda do produto direcionado à higiene.
3 – Quando o objetivo é o estabelecimento de uma relação a partir de um “esforço” cognitivo, é possível
explorar as manifestações simbólicas, que são muitas vezes arbitrárias e prescindem de valores universais
ou mesmo locais. Cabe aqui o esforço inicial, muitas vezes publicitário e promocional, na construção dos vínculos de sentido que depois são fortalecidos, criando uma dinâmica própria, chegando ao nível máximo de
semelhança, ou seja, a iconicidade. Por meio dos processos cognitivos, em princípio, qualquer mascote (nas
suas diferentes possibilidades) pode ser expressividade de marca.
Dos casos analisados cerca de 51% estão enquadrados no que chamamos de estratégia de exploração simbólica. Tal constatação explica-se em função da sua total abertura à sustentação signica, ou seja, está nas
“mãos” dos gestores da marca e na capacidade de investimento publicitário e promocional a construção da
carga de sentido da forma que for mais conveniente, sempre respeitando os valores socioculturais.
A utilização de relações simbólicas e arbitrárias são mais comuns nos alimentos com 30% dos casos, seguida
pelos serviços com 28% dos casos analisados. A grande expressão dos símbolos nos serviços é explicada
uma vez que estão ancorados na intangibilidade de sua oferta. Cabe destaque para os postos de gasolina/
petrolíferas, bancos, serviços de telefonia e internet.
Como toda classificação é sempre arbitrária, não podemos deixar de lado a relativização desta sistematização, além da constatação das hibridizações e da mobilidade dos signos no tempo. Uma estratégia pode
iniciar-se simbólica e no tempo e com a sua força signica passar a ser icônica. Exemplo típico é o caso do ator
Carlinhos Moreno, que se inicia como um símbolo (esforço publicitário e promocional para torná-lo “parte”
da marca) e depois constitui-se como um ótimo representante da consolidação do ícone, ou seja, ele é hoje
semelhante à marca Bombril podendo representá-la e substituí-la nos mais diferentes contextos, inclusive
com vantagens de sentido por ser absolutamente afetivo.
Como vimos, há ainda as hibridizações, ou seja, as misturas em termos estéticos e, consequentemente,
também no potencial de gerar novos interpretantes. Essas misturas normalmente acontecem por meio da
exploração das capacidades mágicas, oníricas e transformadoras que algumas criações de personagens e
mascotes, podem apresentar. Como por exemplo, a potencialidade mágica dos gênios, das fadas, dos superheróis ou mesmo de gnomos e monstros. As categorias de produtos que melhor exploram a hibridização
estética e interpretante é a de higiene e limpeza e dos serviços de telefonia e internet. Com isso notamos que
os meios híbridos e flexíveis como a internet demandam criações também ambíguas, abertas e transitórias,
que operam entre o real e o surreal.
Ao nível das diferenças culturais entre as personagens e mascotes no Brasil e na Espanha, a maior evidência
está na vinculação de marcas a animais domésticos e aves no Brasil, sem qualquer marca de agressividade,
194
como cães, gatos, coelhos, frangos, galinhas, araras etc. E na Espanha maior presença de animais com traços
de força e belicismo, sendo o maior representante o touro (serviços), seguida pela vaca (alimento) e raposa.
No entanto, como muitas marcas nas categorias de alimentos, bebidas e limpeza são globais, tais afirmações
têm de ser relativizadas e, nesse sentido, os animais com maior presença são o urso (desprovido de sinais
como garras, prezas...) e o coelho (em diferentes categorias) e o pingüim para serviços (baixa rejeição cultural).
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197
Turismo cultural em Guimarães:
da imagem do destino turístico às
percepções dos residentes
Paula Cristina Remoaldo
J. Cadima Ribeiro
Resumo A cidade de Guimarães é um território que tem associada uma elevada carga simbólica,
estando estreitamente ligada à imagem de “berço da nacionalidade”. Nos últimos anos, tem tentado
tirar partido em termos de desenvolvimento turístico da designação de Património da Humanidade,
que lhe foi atribuída pela U.N.E.S.C.O. em 2001, através do incremento da oferta de infra-estruturas
turísticas e da implementação de um programa de animação cultural crescentemente diversificado.
O presente texto propõe-se fazer uma análise da imagem do destino turístico que é veiculada, em
particular aquela que é passada via sítios electrónicos dedicados à divulgação do património cultural e
pelos placards que encontramos na cidade. Propõe-se ainda casar brevemente essa informação com a
que resulta das percepções do turismo que encontramos nos residentes de Guimarães.
Palavras-chave: Imagem do destino; Percepções dos residentes; Desenvolvimento turístico; Estratégias
de promoção; Turismo cultural.
Abstract The city of Guimarães, in the northern Portugal, is a place of strong symbolic and cultural
significance and, mostly after its nomination by U.N.E.S.C.O. as world heritage, in the year 2001, is succeeding in attracting increasing amounts of visitors. Meanwhile, tourism success is a two ways path, as
tourists` flows can have strong impact on the quality of life of residents if some thresholds of visitors
are surpassed. This paper aims to address the issue of the residents perception of cultural tourism benefits. To capture their perception, a survey was implemented, both addressed to city centre inhabitants
and non-urban residents of the Guimarães municipality. It also includes a brief analysis of the promotional tourism websites and outdoors of the city.
Keywords: Image; Cultural heritage; Cultural tourism; Residents’ perceptions; Tourism development,
Guimarães.
198
Introdução
O turismo é actualmente uma das actividades que mais contribui para a sobrevivência económica de numerosos territórios. Esta actividade tira partido económico dos recursos existentes e representa um importante
factor desincentivador do processo de despovoamento.
Quando se fala de turismo histórico-cultural há vários factores que interagem e que devem ser considerados:
os recursos e os produtos, a imagem do destino, as estratégias de marketing que vão sendo ou não postas em
prática, os agentes envolvidos, a percepção mantida pela comunidade local sobre o interesse da actividade
e a sustentabilidade ambiental. Como afirmou recentemente Hotola (2009: 1) “(…) a tourism development
policy may become a strategic way of appearing decisive, while making a firm decision not to make a decision. Moreover, they are frequently riddled with unrealistic expectations”.
Na realidade, o turismo tem sido encarado como um poderoso instrumento de desenvolvimento económico
e social de um qualquer país ou região, ainda que a sua potencialidade não seja fácil de ser convertida num
caminho sustentável. O turismo não pode ser encarado como uma “poção mágica”, um caminho seguro para
o desenvolvimento económico. Só o poderá ser se o desenvolvimento da actividade for prosseguido de uma
forma sistemática e profissional, fazendo uso de muita prudência e respeitando a identidade e o equilíbrio
ambiental e social dos territórios, pois o turismo também pode gerar vários efeitos negativos (Brunt e Courtney, 1999; Williams e Lawson, 2001; Besculides, Lee e McCormick, 2002; Kuvan e Akan, 2005; Sharma e Dyer,
2009; Hotola, 2009).
A criação e sustentabilidade de um produto turístico pressupõem metas delineadas para um horizonte de
longo prazo, com resultados bem equacionados e suportados por um extenso conjunto de actores sociais e
políticos.
No presente texto preocupamo-nos com a imagem cultural da cidade de Guimarães e com a construção de
um produto turístico que tem vindo a atrair cada vez mais turistas. Começa-se por definir turismo cultural e
os factores que lhe estão subjacentes. Continua-se relembrando algumas ideias centrais da literatura empírica sobre a percepção dos residentes dos impactos do turismo. Depois de se caracterizar sumariamente o
município de Guimarães, a análise centra-se nas percepções mantidas pelos residentes de Guimarães sobre
os benefícios do desenvolvimento do sector e na imagem de Guimarães veiculada por alguns sítios electrónicos e placards promocionais. Para situar o primeiro dos aspectos mencionados, a percepção dos residentes,
serão usados resultados de um inquérito específico aplicado entre Janeiro e Março de 2010, naquele que foi
um levantamento de informação ainda muito pouco protagonizado pelas cidades portuguesas.
O interesse deste tipo de estudos de opinião não parece irrelevante se se tiver presente a importância que os
residentes têm na concretização de políticas sustentáveis de desenvolvimento turístico local.
1. Definição e dimensões da configuração de um destino de turismo cultural
O turismo cultural pode ser definido, em sentido lato, como sendo todo o movimento de pessoas que satisfaz
a necessidade dos indivíduos de diversidade, tendo subjacente a vontade de aumentar o seu nível cultural
e propiciando novos conhecimentos e experiências (Henriques, 2007). Em sentido restrito e seguindo a perspectiva da Organização Mundial de Turismo, corresponde ao movimento de indivíduos associados a deslocações por razões unicamente culturais e educativas.
Há inúmeros factores que interagem quando se equaciona a problemática do turismo cultural. De forma sim-
199
Da imagem do destino turístico às percepções dos residentes
plificada, a Figura 1 retém aquelas que são as principais dimensões associáveis à configuração de um destino
de turismo cultural. A primeira dimensão ou factor a considerar refere-se aos recursos e aos produtos turísticos que a partir daqueles se podem estabelecer. Os recursos naturais e o património material e imaterial,
assim como o respectivo aproveitamento turístico sobre a forma de produtos capazes de ser inseridos em
pacotes turísticos, são condições sine qua non para fazer emergir o potencial turístico de um qualquer território. A esses recursos e competências básicas haverá que associar depois infra-estruturas e equipamentos
que viabilizem o desenvolvimento da indústria turística.
Importa não esquecer que a actividade turística tira partido económico dos recursos e capacidades existentes
e que pode ser fortemente desincentivadora do processo de despovoamento a que muitos territórios estariam votados.
Figura 1-Dimensões e factores de viabilização de um destino
de turismo cultural. Fonte: elaboração própria.
Sublinhe-se que o turismo pode ajudar a preservar o património, material e imaterial, nomeadamente, contribuindo para a certificação de vários produtos (e.g., lenços de namorados, doçaria conventual), mas nem
sempre o seu aproveitamento é realizado de forma conveniente. A ausência de aposta na autenticidade, na
diversificação dos produtos a oferecer e na actuação concertada dos agentes envolvidos podem questionar a
viabilidade dos projectos de desenvolvimento assentes no turismo (Brunt e Courtney, 1999; Besculides, Lee
e McCormick, 2002; Cadima Ribeiro e Remoaldo, 2009).
A imagem do destino é um primeiro e decisivo factor na atracção do turista, para mais num momento em
que estamos perante um turista que busca cada vez mais uma atmosfera única e memorável e qualidade de
serviço. Essa imagem é desde logo construída a partir das fontes de informação a que aquele tem acesso,
pelo que a consistência e qualidade da imagem veiculada são peças centrais na configuração de uma certa
identidade do destino e, logo, na respectiva atractividade.
200
As variáveis sócio-demográficas (e.g., género, idade e nível de instrução), bem como as motivações psicológicas, têm também que ser consideradas quando pensamos na imagem do destino que se quer construir ou
afirmar no mercado. As estratégias de marketing têm que ter isso presente e não podem, por outro lado,
descurar a perspectiva dos vários stakeholders (todos os elementos preocupados com a problemática do
turismo cultural e que intervêm no processo turístico), sob pena de se estar a vender uma imagem que não
tem correspondência com a realidade, isto é, que não é suportada pelos agentes do sector.
Em Portugal, a percepção da comunidade local, por exemplo, é um factor que na maior parte das vezes tem
sido descurado, pese dever ser retido por qualquer política que prossiga o objectivo da sustentabilidade do
projecto de desenvolvimento turístico (Cunha, 1997; Andrade, 2008).
E não se está só a pensar na necessidade de garantir a sustentabilidade ambiental, nem sempre garantida
em projectos desta natureza. Na verdade, no sentido de potenciar os benefícios e minimizar os problemas
associados ao desenvolvimento do turismo torna-se premente definir estratégias de desenvolvimento que
considerem uma utilização responsável do espaço e dos recursos, harmonizando os interesses do turismo, do
ambiente e da comunidade local (Vera, 1997; Bote Gómez, 2001; Henriques, 2007; Peres, 2008).
2-O papel da imagem e a percepção por parte dos residentes dos impactos do turismo
2.1-O papel da imagem do destino
A imagem de um destino é formada por uma série de elementos ou atributos individuais que a influenciam
de forma decisiva. A noção de imagem refere-se à atitude, à percepção, às crenças e às ideias que uma pessoa tem sobre uma área geográfica, considerando-se ainda como o “quadro mental” que os promotores tentam incutir no público para a escolha do destino (Gartner, 1996). Por isso, se se quer analisar o destino será
necessário avaliar a imagem e os elementos particulares que a formam.
Na literatura, a importância da imagem dos “lugares de turismo” é de um modo geral reconhecida. Concretamente, considera-se que a imagem afecta a percepção subjectiva do indivíduo e, consequentemente, o seu
comportamento e a eleição do destino (Telisman-Kosuta, 1989; Chon, 1990, 1992; Echtner e Ritchie, 1993;
Stabler, 1995; Gallarza et al., 2002).
Uma característica importante da investigação sobre a imagem é a sua multidisciplinaridade (Gartner, 1989;
Bramwell e Rawding, 1996; Gallarza et al., 2002). De facto, são variadas as abordagens que é possível encetar
dada a estreita relação entre a formação da imagem de um destino e os enquadramentos socioculturais dos
indivíduos e diversas facetas do comportamento humano. Deste modo, é natural que possamos encontrar
estudos que se debrucem sobre, entre outros aspectos, os seguintes (c.f. Baloglu e McCleary, 1999): i) a
relação entre a imagem de um destino e as preferências ou intenções de visita; ii) o impacto de visitas anteriores ou da familiaridade na imagem de destino; iii) a relação entre a localização geográfica dos turistas
e a imagem; iv) a medição e as componentes da imagem; v) os factores que influenciam a imagem; vi) as
influências temporais na mudança da imagem; vii) as diferenças entre a imagem que o turista tem e a que
é projectada pelos destinos; e viii) a relação entre as variáveis sócio-demográficas e a imagem do destino.
Apesar de tudo, constata-se que poucos estudos focam a forma como a imagem é efectivamente formada,
sobretudo no caso de não existir uma experiência prévia com o destino (Baloglu e McCleary, 1999).
Na realidade, um aspecto importante da imagem é a sua fase inicial de formação, antes da viagem, sendo
esta a fase mais importante no processo de selecção do destino por parte do turista (Mercer, 1971; Gunn,
1972; Baloglu e McCleary, 1999). Como salienta Brokaw (cf. Baloglu e McCleary, 1999: 869) “antes da imagem
poder ser usada para influenciar o comportamento, é importante perceber o que é que influencia a imagem”.
201
Deste modo, se se conhecerem os factores que influenciam a imagem será possível identificar os mercadosalvo e decidir que imagem deverá ser promovida junto de cada segmento de mercado (Goodall, 1995).
Apesar dos estudos que colocam a ênfase na determinação dos factores que influenciam a formação da
imagem não serem abundantes, importa destacar neste âmbito um de Baloglu e McCleary (1999). Baseado
na literatura de diversas áreas e disciplinas, o modelo que propõem sistematiza as forças e os elementos que
influem na formação da imagem e adianta relacionamentos entre os diferentes níveis de avaliação dentro da
sua estrutura (cognitiva, afectiva, global), bem como os elementos que determinam estas avaliações.
De acordo com estes autores, a formação da imagem resulta de duas forças principais: os factores de estímulo e os factores pessoais. Os factores de estímulo relacionam-se com os estímulos externos e com as
experiências anteriores. Os segundos factores respeitam às características sociais e psicológicas do receptor
(Baloglu e McCleary, 1999). Estes factores são apresentados na Figura 2.
Figura 2 – Processo de formação da imagem do destino
Fonte: Elaboração própria a partir de Baloglu e McCleary (1999).
Pela observação da Figura 2, pode-se concluir que na formação da imagem intervêm factores como as motivações, a personalidade e variáveis sócio-demográficas, além das várias fontes de informação às quais se tem
acesso. Neste sentido, o último factor representa variáveis de estímulo, enquanto os primeiros representam
características do consumidor.
Na literatura sobre marketing turístico ressalta a ideia da imagem como um conceito que se forma através da
interpretação racional e emocional do consumidor e resulta da combinação de duas componentes que estão
interrelacionadas: as avaliações perceptivas/cognitivas e as avaliações afectivas (Moutinho, 1987; Baloglu e
Brinberg, 1997; Baloglu e McCleary, 1999; Beerli e Martín, 2004).
As avaliações perceptivas/cognitivas referem-se às crenças e aos conhecimentos que os indivíduos têm sobre o destino, tendo esta componente da imagem por base um conjunto de atributos que corresponderiam
aos recursos, atracções, ou oferta turística em geral, de que dispõe o destino (Stabler, 1995; Gartner, 1996).
Quanto às avaliações afectivas, dizem respeito à resposta emocional ou afectiva do turista face ao objecto ou
destino (Gartner, 1996).
A imagem global de um destino resultará deste conjunto de avaliações, perceptivas/cognitivas e afectivas, do
destino (Baloglu e McCleary, 1999).
202
2.2 As percepções dos residentes dos impactos do turismo
A literatura internacional sobre a percepção dos residentes, quer em termos de impactos positivos quer de
impactos negativos do turismo é extensa (Jackson, 2008; Sharma e Dyer, 2009). Na realidade, desde os anos
setenta do século XX que se assiste a um aumento do número de investigadores preocupados com esta vertente do mercado turístico. Paralelamente, os enfoques têm-se revelado cada vez mais sofisticados devido
à possibilidade de recorrer a novas técnicas de recolha e tratamento de informação (Kuvan e Akan, 2005).
Várias investigações empíricas realizadas em diversos pontos do mundo têm revelado que as atitudes dos
residentes e as respostas aos impactos do turismo (socioculturais, psicológicos ou ambientais) se relacionam
com múltiplos factores, incluindo os sócio-demográficos, a proximidade das atracções turísticas de áreas
residenciais, a relevância do turismo para a economia local e a importância concedida pela comunidade local
à preservação ambiental (Williams e Lawson, 2001; Kuvan and Akan, 2005; Jackson, 2008; Sharma and Dyer,
2009).
Como seria de esperar, os residentes encaram positivamente os benefícios resultantes da actividade turística, mas são muito sensíveis aos impactos negativos deste sector. Tendem a colaborar no desenvolvimento
desta actividade se assimilam que a mesma lhes traz benefícios, enquanto os que não sentem esses benefícios tendem, com mais facilidade, a opor-se ao seu desenvolvimento (e.g., Kuvan and Akan, 2005; Jackson,
2008). Deste modo, torna-se necessária a compreensão do tipo de turismo que os residentes estão dispostos
a apoiar para minorar o conflito.
Sharma e Dyer (2009), numa investigação realizada recentemente na Austrália, conseguiram aferir as
seguintes circunstâncias que demonstram ter uma maior influência no comportamento dos residentes:
-a dependência económica dos residentes relativamente à actividade turística;
-a distância do local de habitação dos residentes das principais atracções turísticas;
-o tipo de turismo ou de visitantes;
-o tempo de residência no território em causa;
-determinadas características demográficas e socioeconómicas da população residente (e.g., género
feminino, estar empregado, possuir um rendimento e um nível de instrução elevado, ser urbano ou
rural).
Besculides, Lee e McCormick (2002), aditaram outro factor, a saber: o enraizamento dos indivíduos.
Quer isso dizer que quanto mais os residentes estão enraizados na sua comunidade maior é a preocupação com que tendem a encarar os impactos do turismo.
3. Estudo de caso da cidade de Guimarães
Guimarães é um município do noroeste português com uma área de 241,3Km2, distribuída por 69 freguesias e, em 2008, contava com 162.636 habitantes (I.N.E. 2008). Possui um importante património material
e imaterial e assistiu, entre 1940 e 2001, à duplicação da sua população. Possui um centro histórico que é
Património Cultural da Humanidade desde Dezembro de 2001, que constitui a principal atracção turística do
município e que tem vindo a ser palco de um relevante processo de reabilitação desde 1985.
A estratégia promocional de turismo alicerçou-se em dois elementos de singularidade: por um lado, a classificação pela U.N.E.S.C.O. como Património Cultural da Humanidade do seu do centro histórico; por outro
lado, o facto de Guimarães ser encarado como o berço da nacionalidade portuguesa e ter sido palco do nascimento do primeiro rei de Portugal (D. Afonso Henriques). Daqui lhe resulta um elevado simbolismo no que
respeita à génese da identidade e nacionalidade portuguesas.
203
3.1-As percepções dos residentes de Guimarães dos impactos do turismo
Com base nos factos antes alinhados e sabendo que o número de turistas tem crescido de forma sustentada
desde 1995 (com números mais expressivos desde 2000), realizámos um inquérito por questionário, entre
Janeiro e Março de 2010, a 540 residentes do município de Guimarães. A taxa de resposta conseguida foi de
67,1%.
O inquérito foi aplicado em quatro Escolas Secundárias e numa Escola Profissional, tentando cobrir as 69
freguesias do município. Subjacente à escolha das escolas esteve a vontade de abranger várias gerações: dos
15 aos 24 anos, dos 25 aos 64 anos e a geração dos maiores de 64 anos. Para tal, foi solicitado a cada jovem
de, pelo menos 16 anos, que implicasse os seus irmãos, pais e avós no preenchimento do questionário, concedendo duas semanas para a finalização da operação.
A amostra recolhida segue as características da população do município, ainda que haja uma sub-representação do grupo dos 25 a 64 anos (53,2% versus 69,5% do universo municipal), que tentou ser colmatada com
a realização, em Março de 2010, de inquéritos a adultos que utilizaram os serviços da Câmara Municipal de
Guimarães. Na amostra contámos com 53,2% de inquiridos do sexo feminino, o que é razoavelmente coincidente com a realidade do município.
O questionário utilizado seguiu grande parte das questões utilizadas na investigação realizada para os Açores
por Monjardino (2009), incluindo 25 questões. Um número significativo de questões foi categorizada, usando nalgumas delas a escala de Likert, variando entre o “completamente em desacordo”e o “completamente
de acordo”.
No presente texto retivemos apenas algumas das questões principais formuladas, começando pela questão
11, que correspondeu à seguinte afirmação: O turismo é bom para Guimarães. Esta era uma das questões em
que o inquirido deveria fazer uso na sua resposta de uma escala de Likert.
Os resultados foram surpreendentemente expressivos, visto 98,2% dos inquiridos terem dito que concordavam completamente (80%) ou concordavam com a afirmação apresentada. O valor médio identificado foi de
4,78. Somente 0,2% dos inquiridos expressaram uma opinião na categoria “completamente em desacordo”.
No Quadro 1 podemos observar as médias encontradas, e constatar que não há diferenças significativas em
Quadro 1-Percepções dos
benefícios do turismo e
contacto com turistas no
tempo de lazer, por género,
idade e nível de instrução
204
termos de género, visto as médias estarem muito próximas do valor máximo de 5. Este resultado segue o
obtido para a questão 5 do questionário (No seu tempo livre [actividades de lazer] costuma cruzar-se com
turistas?).
Interessante é também a percentagem baixa daqueles que responderam ao inquérito indicando que o desenvolvimento da actividade turística tinha contribuído para melhorar a sua posição económica; ou seja,
acreditando que o turismo é bom para a sua cidade, 54,8% dos inquiridos não está de acordo que o turismo
traga benefícios para sua própria vida (média de 3,37 na escala de Likert – Quadro 1). Assim sendo, os residentes avaliam a indústria do turismo como uma oportunidade para o desenvolvimento de Guimarães, e
acreditam que muitos dos seus habitantes beneficiarão com isso, mas não têm tanta certeza de que tal ocorrerá no seu próprio caso.
Tendo em consideração que o turismo cultural é emergente no território objecto da nossa análise, os resultados encontrados podem estar associados a uma grande expectativa que os residentes mantêm relativamente
às oportunidades socioeconómicas que o turismo pode proporcionar. De certo modo, este pressuposto materializa também uma percepção que poderíamos classificar de ingénua dos impactos do turismo.
Os residentes mais jovens (15-24 anos) são os que maior expectativa têm sobre os benefícios para a cidade do
desenvolvimento turístico (média de 4,92), ainda que não tenham um maior contacto com os turistas no seu
tempo de lazer (média de 3,21). A esta luz, somos levados a pensar que estes resultados se relacionam com as
suas expectativas em termos de criação de postos de trabalho (em seu benefício) no sector. Paralelamente, em
consonância com o expectável, parecem encarar de forma mais positiva o contacto com outras culturas, além
de possuírem um maior conhecimento de línguas estrangeiras do que os outros grupos etários. Esta circunstância permitir-lhes-á interagir mais facilmente com os turistas estrangeiros.
O nível de instrução é uma variável que várias investigações identificaram como sendo explicativa de parte
das percepções que os residentes mantêm sobre os turistas. Neste sentido, partimos da hipótese de que
pessoas mais instruídas tendem a ser mais receptivas ao turismo e ao turismo cultural, em particular. Na
nossa amostra, a maior parte dos inquiridos detinha o ensino secundário (31,7%), enquanto no município o
nível de instrução mais representativo era o de até seis anos de escolaridade (55,7%), ainda que os dados se
refiram ao último Recenseamento Geral da População (2001).
Se observarmos novamente os resultados do Quadro 1, constatamos que, na avaliação da afirmação O turismo é bom para Guimarães, se é verdade que foi encontrado um elevado valor médio para todos os níveis de
instrução (superior a 4,5 em 5), não é menos verdade que a mais elevada pontuação média (4,90) foi obtida
no seio dos inquiridos com mais elevado nível de instrução.
Um outro resultado interessante reporta-se aos impactos do turismo percepcionados (Quadro 2). O contacto
com culturas diferentes (4,37) e o estímulo da cultura local e do artesanato (4,25) foram os impactos mais
percepcionados, com percentagens de inquiridos acima dos 90% a manifestarem-se nesse sentido.
De um modo geral, os resultados eram expectáveis, sabido que é que o povo português tende a ser visto
pelos estrangeiros como hospitaleiro e disponível para ajudar e fornecer informação aos turistas. Por outro
lado, não podemos olvidar que a maior parte dos visitantes de Guimarães são oriundos da Europa (e.g.,
Espanha, França), e que daí resulta que as diferenças culturais com as quais são confrontados não são significativas, nomeadamente quando nos referimos a valores éticos e modos de vida.
No mesmo sentido irá também o facto de se tratar de um território de tradições muito arreigadas, com
205
expressão no esforço feito de preservação de várias manifestações da cultura local e de alguns produtos de
artesanato (e.g., bordados de Guimarães, cantarinha dos namorados).
Quadro 2 . Os impactos do turismo em Guimarães percepcionados pelos inquiridos.
3.2-Os sítios e os placards usados na promoção do município
Desde 2004 que o sítio da responsabilidade da ex-Zona de Turismo de Guimarães (http://www.guimarães.
turismo.com) constitui o elemento privilegiado de divulgação de informação, registando uma maior procura
no período da Páscoa e nos meses de Verão, principalmente por portugueses, espanhóis, franceses e brasileiros (Cadima Ribeiro e Remoaldo, 2009). Foi objecto de uma reformulação em meados de 2009, passando
a proporcionar informação em seis línguas (para além da língua portuguesa) e prevendo uma versão para
invisuais. Até àquela data disponibilizava informação apenas em português e inglês.
O sítio, desde então mais atractivo em termos gráficos, passou a disponibilizar mais informação e mantém
diversas publicações para descarga (download), desde alguns aspectos históricos, passando pela Carta Gastronómica de Guimarães e receituários editados nas Quinzenas de Gastronomia. Continua a fazer uma divulgação de roteiros pedestres culturais, uma visita virtual e um resumo das visitas audio-guiadas. No Quadro
3 fazemos uma análise sumária dos principais sítios que realizam a promoção do município de Guimarães.
Em termos gerais, pode-se salientar que a reestruturação do sítio www.guimaraesturismo.com permitiu que
a informação turística deixasse de estar tão centrada nos elementos que dizem respeito ao centro histórico
e passasse a haver uma informação mais equilibrada entre este e os restantes locais turísticos do município.
Não obstante a informação ser divulgada em várias línguas, o turista estrangeiro continua a não ter acesso
à tradução para outras línguas (pelo menos o inglês) da Agenda Cultural municipal, publicada mensalmente
pela Câmara Municipal de Guimarães e acessível através de uma ligação activa para o sítio desta última instituição (www.cm-guimaraes.pt).
206
Quadro 3-Identificação e avaliação sumária de alguns elementos promocionais disponíveis na internet e nos
placards localizados na cidade de Guimarães.
O sítio www.guimaraesturismo.com possui uma ligação para o Centro Cultural Vila Flor (www.ccvf.pt) que,
desde 2005, constitui o mais relevante espaço cultural da cidade. No seu sítio, é possível a aquisição de
bilhetes “em linha”, mas a disponibilização da informação em inglês (única língua para além do português)
deveria merecer, na nossa perspectiva, uma maior preocupação.
Apesar das alterações que ocorreram recentemente, os sítios mais ligados à promoção turística da cidade
necessitam de se tornar mais interactivos e interagirem com os que se relacionam com outros municípios
com potencial turístico (e.g., Braga, Barcelos, Ponte de Lima), seguindo o exemplo de outras regiões, tais
como o Portal da Cultura da Euroregião “Pirineos Mediterráneo” (http://www10.gencat.net/pc/AppJava/es/
la_cultura_en_la_eurorregion/juega_con_el_patrimonio/).
Neste sítio, o turista acede a uma informação actualizada dos eventos que vão ocorrendo nas várias regiões/
cidades que integram a dita Euroregião. Tem, também, a possibilidade de efectuar reservas e fazer a compra
de bilhetes “em linha”.
Com a entrada em funcionamento, em 2009, do Portal Regional do Ave (www.avedigital.pt), no âmbito do
programa público designado “Ave Digital”, conseguiu-se colmatar apenas parcialmente as deficiências encontradas, já que, apesar de estar disponível informação sobre as actividades culturais do município de Guima-
207
rães e dos restantes municípios do Vale do Ave, não existe uma ligação activa entre o sítio www.guimaraesturismo.com e o www.avedigital.pt. Acrescente-se ainda a circunstância da informação que aí existe estar
redigida apenas em português.
4.Conclusões
O município de Guimarães tem vindo a reforçar o seu peso relativo no contexto regional, constituindo uma
peça importante de uma grande conturbação urbana que, nas últimas décadas, se tem pautado por um forte
dinamismo de cariz demográfico e económico. A duplicação da sua população entre 1940 e 2001 é um dos
comprovativos deste dinamismo.
A cidade de Guimarães constitui um exemplo de preservação do património construído e é referência para
a compreensão do urbanismo e do planeamento urbano em Portugal, tendo como principal desafio para os
próximos anos a organização do evento “Capital Europeia da Cultura 2012”, depois de ter visto certificado o
seu centro histórico como Património Cultural da Humanidade, em Dezembro de 2001.
São vários os factores que influenciam o turismo cultural, tendo sido a nossa atenção no presente texto direccionada para a análise de dois factores que têm sido pouco avaliados nas cidades portuguesas: por um
lado, a percepção dos residentes sobre os impactos do turismo; e, por outro, a estratégia de promoção do
município, centrando-nos na análise de alguns sítios promocionais e placards.
Da análise empírica desenvolvida emergem como principais ilações a reter as que enunciamos de seguida.
Daí se derivam também algumas recomendações em termos de acção.
A primeira conclusão a retirar é que a autarquia deve esforçar-se por incorporar na sua estratégia de desenvolvimento turístico a percepção dos residentes, pois o município detém grande potencial turístico e a
comunidade local, com forte apego às tradições e cultura locais, será, inevitavelmente, uma peça importante
no desenvolvimento da actividade no município.
Em segundo lugar, o levantamento empírico prosseguido permitiu concluir que a população tem uma percepção razoavelmente esclarecida de vários impactos do turismo e já assimilou que a componente cultural é
central no desenvolvimento do território que habita.
Em terceiro lugar, a autarquia deve preocupar-se com a opinião pouco realista da população no que se reporta à importância do turismo a nível de dinamização da actividade económica local e esforçar-se por construir
na população uma imagem mais fidedigna da mesma. Essa intervenção permitirá, nomeadamente, evitar
frustrações a quem tenha expectativas demasiado elevadas sobre os benefícios directos a obter pela via do
desenvolvimento do sector.
Por último, sugere-se-nos clara a necessidade de se concretizar uma estratégia concertada com os outros
municípios da região em matéria de promoção e planeamento da indústria, sob pena de se ser incapaz
de combater a sazonalidade e o baixo número de dias de permanência dos visitantes e de fazer crescer o
número de visitantes. Em matéria de promoção, importa também fazer melhor aproveitamento dos canais
de informação e comunicação existentes que, para tanto têm que ter claro que produto querem “vender” e
ultrapassar limitações importantes, nomeadamente na dimensão do uso das línguas estrangeiras.
208
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211
Paisagem periférica,
fragilidades e desafios
PERIPHERAL LANDSCAPE,
FRAGILITIES AND CHALLENGES
Ortelinda Gonçalves
Bruno Martins
Resumo A paisagem é uma área de investigação de especial valor quando percepcionada na sua
acepção mais vasta, permitindo, uma abordagem integradora da realidade física e humana. Ao longo
do tempo, o conceito foi evoluindo, em resultado do progressivo interesse do estudo da paisagem,
ultrapassando a sua materialidade física e a sua expressão visual, atribuindo, também, um maior relevo à sua componente sócio-cultural, económica e estética, evidenciando as designadas “dimensões
ocultas” da paisagem. No caso do estudo da região do Barroso, a paisagem reflecte uma interacção
multissecular entre o meio e a intervenção do ser humano, ameaçada pelo acelerado despovoamento
da região, com importantes prejuízos para o desenvolvimento. Neste artigo pretende-se analisar potencialidades e fragilidades desta região, bem como propor algumas estratégias de desenvolvimento.
Palavras-chave: Paisagem; Região do Barroso; Riscos naturais; Despovoamento.
Abstract Landscape is a research area that takes on a renewed importance when apprehended in its
broader meaning, thus allowing for a comprehensive approach of the physical and human reality. Over
time, the concept has developed as a result of the ever increasing interest in landscape studies, overtaking the physical materiality and its visual expression, and also allocating more focus on its socio-cultural, economic and aesthetical component, thus underlining the “hidden dimensions” of landscape.
Regarding the study of the Barroso region, the landscape reflects an interaction many centuries old
between the environment and the intervention of the human-being, threatened by the increasing depopulation of the region, which has negative effects on the development. In this article, we aim to analyze the potentialities and fragilities of this region, as well as suggesting some development strategies.
Keywords: Landscape; Barroso region; Natural risks; Depopulation.
212
Introdução
A paisagem reflecte a transformação do território e dos ecossistemas naturais pela apropriação humana do
espaço, exercida por práticas agro-pastoris milenares, ainda que, regionalmente e localmente diversificadas.
É na paisagem que é reflectida a força de tensão entre Homem e Meio, sendo esta também, pelo seu valor
cénico, potencial para o desenvolvimento de uma região.
A importância das práticas agro-pastoris para a prevenção de diversos tipos de riscos naturais e para a manutenção da paisagem pode estar comprometida com o crescente despovoamento, como é o caso na região
do Barroso (Gonçalves 2003: 2009) onde predominam actividades com baixo nível de produtividade e de
rendimento, com sub-emprego crónico, mão-de-obra pouco qualificada e população envelhecida.
Neste artigo pretende-se evidenciar algumas potencialidades da região do barroso, bem como algumas das
suas fragilidades, como ponto de partida para a definição de linhas estratégias de desenvolvimento regional.
1. Paisagem cultural
As especificidades paisagísticas das vertentes dos sistemas montanhosos, em particular na região do Barroso, enquadram-se, inequivocamente, dentro do conceito de “Paisagem Cultural”, expressando uma realidade
continuamente construída e reconstruída, resultante da conjugação e interacção multisseculares entre as
características do meio físico e a intervenção do ser humano1.
A paisagem reflecte a transformação do território e dos ecossistemas naturais pela apropriação do Homem,
evidenciando a sua acção modeladora do território ao longo do tempo, exercida por práticas agro-pastoris,
reflectindo, ainda, especificidades regionais e localmente diversificadas. Reflecte pois a acção de dois grupos
de factores, por um lado os aspectos físicos como o clima, a morfologia, as características edáficas e a hidrografia, em associação com o tipo de povoamento e os sistemas agro-pastorícios, condicionando a ocupação
e, naturalmente, a organização do espaço. É neste contexto relacional que emerge a identidade cultural intrínseca à paisagem, resultado da partilha de fundamentos históricos e culturais, expressos na organização
e ocupação do território, bem como, das estratégias, divisão e apropriação do espaço agro-florestal sobre o
território.
Enquanto geógrafos, o estudo da paisagem é uma área de investigação de especial valor quando percepcionada na sua acepção mais vasta, permitindo, uma abordagem integradora da realidade física e humana
(Pedrosa & Pereira, 2007).
O conceito de paisagem é, contudo, polissémico, bem como, possui um domínio de significância extremamente vasto, integrando progressivamente o léxico de múltiplas ciências. Esta tendência é o resultado
do crescimento progressivo do interesse do estudo da paisagem, principalmente ao longo do século XX,
tornando o seu conceito mais alargado, ultrapassando a sua materialidade física e a sua expressão visual,
atribuindo, também, um maior relevo à sua componente sócio-cultural, económica e estética, evidenciado
as designadas “dimensões ocultas” da paisagem (Gomes, 1999).
1 Somente na última década do século XX é reconhecido o valor patrimonial das Paisagens Culturais pela UNESCO – Organização
das Nações Unidas para a Educação, Ciência e Cultura – com a definição, em 1992, dos princípios operacionais para a inclusão das
Paisagens Culturais na Lista do Património Mundial. Deste modo, a Convenção Para a Protecção do Património Mundial, assinada
em 1972, constitui-se como o primeiro instrumento legal de âmbito internacional a reconhecer e a defender a protecção das Paisagens Culturais.
213
A visão da paisagem como um sistema complexo e dinâmico em resultado da relação entre o ser humano
e o meio é muito incipiente na transição para o século XX, e a sua compreensão, como uma realidade construída e humanizada, em resultado da força de tensão entre actuação antrópica e espaço físico, mais tardia
ainda. Só na segunda metade do século XX é incorporado no conceito de paisagem a noção de geossistema,
assumindo uma abordagem sistémica dinâmica que estabelece trocas de energia e matéria com o exterior,
possuindo lógica e processos de funcionamento internos (Bertrand, 1968; Bercurchavhvili & Bertrand, 1978).
Da abordagem muito próxima da Geografia Física, vista mesmo como elemento unificador e potencial solução
para a cisão secular entre os dois ramos da Geografia, a Física e a Humana, o conceito de paisagem foi progressivamente incorporando preocupações com os processos económicos e culturais, procurando abarcar a
totalidade de fenómenos no espaço estudado (Salgueiro, 2001), surgindo, hoje, como objecto de estudo, em
virtude da emergência de novas ciências do Ambiente e da integração da componente ambiental noutras
áreas disciplinares como o Urbanismo, o Paisagismo ou o Planeamento. Por outro lado, a importância da
paisagem como elemento potencial de desenvolvimento assume especial importância, quando esta apresenta um elevado valor cénico, como é o caso da região do Barroso, mas que exige uma manutenção, comprometida pelo abandono de práticas agrícolas tradicionais e o despovoamento.
2. Os (des) equilíbrios e dinâmicas de interdependência
As práticas agrícolas e pastoris constituem parte integrante dos ecossistemas dos espaços de montanha, com
reflexo na paisagem, levando à sua conversão em geossistemas antropizados. As comunidades humanas,
no seu processo de apropriação do espaço geográfico, foram transformando profundamente o território a
nível geomorfológico, hidrológico, pedológico e biológico, introduzindo profundas mutações de ordem morfológica, com alterações significativas do coberto vegetal e da fauna locais e à artificialização dos processos
de drenagem.
Na verdade, todos os processos de funcionamento sistémico dos ambientes de montanha passam a ser
condicionados pelo ser humano, que interfere, de modo directo ou indirecto, nos vários canais e fluxos de
troca de energia e matéria e com forte impacto na própria paisagem. Jorge Miranda & Juan Rey (id. ibidem)
descrevem, de forma sumária, o modo como o território dos espaços de montanha se organiza em função da
variação altitudinal do uso solo, evidenciando a complementaridade funcional e económica existente entre
os três níveis de aproveitamento das vertentes serranas: o nível supra-florestal (o mais elevado em altitude,
o nível florestal (nível intermédio) e o nível das culturas agrícolas permanentes (base das vertentes e fundo
de vale) [Figura 1].
Figura 1. Paisagem do Barroso
– No fundo de vale o nível de
culturas agrícolas permanentes
e o no mais elevado, o nível florestal.
214
A ligação entre os níveis funcionais é baseado numa lógica de interdependência de factores produtivos relacionados com o pastoreio do gado, a exploração silvícola e a exploração agrícola, e a sustentabilidade destes
ecossistemas semi-naturais encontra-se dependente das várias intervenções do ser humano sobre o meio e
sobre os processos naturais actuantes, condicionando a drenagem hídrica superficial e sub-superficial dos
solos, assegurando a conservação e limpeza das matas e florestas, contribuindo para a manutenção da biodiversidade (Pedrosa & Pereira, 2007).
Figura 2. Ravinas numa área reflorestada próximo da povoação de
Parada de Monteiros, a Norte do
rio Avelâmes.
A importância das práticas agro-pastoris para a prevenção de diversos tipos de riscos naturais, nomeadamente ao nível da instabilidade de vertentes, influenciada quer pelas dinâmicas hidrológicas, quer pela evolução
das características hidro-morfológicas das vertentes, bem como no risco de incêndios florestais foi bem evidenciado por inúmeros investigadores (Pedrosa, 1993; Rebelo, 2001; 2010; Lourenço, 1994; 2007). Ao conceito de risco está sempre intrínseco o papel do ser humano, a propósito, Fernando Rebelo (2010) refere, os
riscos podem ser de toda a ordem, aqueles que se relacionam directa ou indirectamente com a natureza são
chamados riscos naturais. O que não quer dizer que o Homem não esteja envolvido, pelo menos através da
noção de vulnerabilidade, às vezes, tornando-se responsável pelo incremento da violência da sua manifestação, outras vezes, expondo-se a ela descuidadamente.
A perda de importância económica das florestas tem sido acompanhada de um descuido na sua limpeza e
um aumento do risco de incêndio. O despovoamento é um dos factores mais negativos sobre o equilíbrio ambiental nas áreas de montanha, bem evidenciado no documento “Estratégia Nacional para as Florestas (Direcção Geral Dos Recursos Florestais - DGRF, 2006) que foca o caso específico do risco de incêndio florestal2.
Estes são responsáveis por fenómenos erosivos com impactos ao nível da perda do solo e no desenvolvimen2 Não há análises sobre o impacto do despovoamento humano no sector florestal, mas várias hipóteses têm sido avançadas. Uma
é que o despovoamento leva a um aumento na dimensão das áreas ardidas, devido a uma menor capacidade informal de detecção,
apesar de isto ser contradito por uma muito maior probabilidade de ocorrência de incêndios em zonas mais povoadas. A segunda
hipótese é que o êxodo rural disponibilizou áreas agrícolas para o uso florestal, originando manchas florestais mais contínuas. A
terceira hipótese é que a ausência dos proprietários levou ao abandono da gestão florestal tradicional (roça do mato, cortes selectivos e resinagem) (Direcção Geral Dos Recursos Florestais - DGRF, 2006).
215
to de outros riscos. Recentemente Luciano Lourenço (2009) analisou alguns fenómenos erosivos associados
a incêndios florestais no Centro de Portugal, embora a temática tenha sido estudada em Portugal, pelo menos desde a década de setenta (Rebelo, 1981).
O risco de ravinamentos relacionado com a ocupação e uso do solo, e naturalmente com a existência de áreas incendiadas foi analisado recentemente por Bruno Martins (2009) ao desenvolver um modelo cartográfico
das áreas de risco de ravinamento na área de Chaves-Vila Pouca-Telões. Após o incêndio é feita por vezes a
reflorestação. A preparação dos solos, removendo solo e rocha, contribui para a presença de material pouco
coeso susceptível de sofrer ravinamento. Posteriormente, a escolha de espécies de má adaptação poderá ser
responsável pela formação de ravinas [Figura 2].
3. Migrações e Sustentabilidade Territorial
O envelhecimento, o declínio populacional e consequente despovoamento das regiões periféricas tem na
sua base uma reduzida fecundidade, uma baixa mortalidade e essencialmente uma contínua migração, que
procura noutros lugares, melhores condições de vida, originando-se um ciclo vicioso de desinvestimento
e abandono territorial. Este facto é sustentado pelos autores da teoria do capital humano ao explicarem o
acentuar da estagnação (ou regressão) nos países/regiões de emigração com o esvaziamento do mais valioso
recurso económico – o capital humano.
O cruzamento das relações de “dependência” com relações de “denominação” entre a “perifericidade” (subdesenvolvimento) com a “centralidade” (desenvolvimento) levaram à criação de excedentes de mão-de-obra
nas periferias do sistema mundial, acompanhados de uma situação de baixos salários e uma necessidade de
recursos humanos versus os altos salários dos países desenvolvidos, per se apelativos e “transportadores”
dos migrantes.
Assim, a periferia define-se pelo modo particular de inserção na rede de trocas de uma economia-mundo,
ou, mais precisamente, na divisão internacional do trabalho promovido pelas potências que dominam a
economia mundial num processo de periferização. A metáfora espacial “periferia” designa o processo de reestruturação das produções das regiões sobre controlo político ou económico do centro da economia-mundo, em função das suas características de consumo final ou intermediário. As produções periféricas são assim
dissociadas de satisfação das necessidades locais e directamente incorporadas no mercado dito mundial.
Segundo Petras (1981), um dos traços principais do actual sistema-mundo – o capitalismo moderno – é, a
criação de um mercado de trabalho global. A implantação de empresas liberta-se das fronteiras políticas.
O planeta sem fronteiras, no sentido do movimento global de capital e de mercadorias, está relacionado
com importantes fluxos de trabalho que constituem as migrações internacionais. Vivemos num mundo mais
fluído, mais móvel.
Para muitos países do sul, a migração é um dos aspectos da crise social que acompanha a sua integração no
sistema global e o seu desenvolvimento económico e social. As desigualdades internacionais e as redes migratórias parecem continuar a influenciar a quantidade e a direcção das migrações. Segundo Sassen (1996)
os processos migratórios ainda são alimentados pela existência de ligações materiais e ideológicas de colonização, de processos contínuos do alargamento dos mercados e por outros factores, tais como língua comum
e ligações comerciais e de comunicações intensas entre diferentes países. No entanto, a causa mais evidente
das migrações é a disparidade inter-regional quanto aos níveis de rendimento, de emprego e de bem-estar
social (Castles, 2005).
216
A temática das migrações e sustentabilidade coloca em questão o conceito de desenvolvimento. Alguns
autores consideram que o processo de desenvolvimento dos países passa pela transformação estrutural da
economia (acumulação de capital físico e humano, alterações ocorridas na composição da procura, produção
e comércio) necessária ao crescimento económico (Glytsos, 2002). Por outro lado o desenvolvimento deve
ser sustentável. A sustentabilidade é um conceito sistémico, relacionado com a continuidade dos aspectos
económicos, sociais, culturais e ambientais da sociedade humana. Reflecte o desejo do ser humano superar
a pobreza com soberania e dignidade, cooperando com o “outro” na procura do bem-estar comum.
Assim, o desenvolvimento sustentável é relativo no tempo, no espaço e no contexto em que os países se
inserem. “As migrações são, frequentemente, o resultado do desenvolvimento económico e social…, podem
contribuir para o processo de desenvolvimento e de melhores condições económicas, sociais e ambientais
ou, alternativamente, ajudar a perpetuar a estagnação e a desigualdade” (Castles, 2000: 269).
4. A paisagem periférica da Região Barrosã
O concelho de Boticas e o concelho de Montalegre definem uma unidade territorial enquadrada numa outra
unidade paisagística e natural a que se deu o nome de “Terras de Barroso”. No período entre 1960 e 2001,
sofreu um decréscimo populacional de mais de metade da sua população (Gonçalves, 2003).
Quadro 1. Pirâmide etária para os anos de 2001 e 1960, no concelho de Boticas.
Apesar da importância da diminuição do crescimento natural verificada na região do Barroso, é a dinâmica migratória que constituiu o principal factor responsável pelas divergências demográficas registadas no
espaço rural em estudo (Gonçalves, 2009). A emigração contribuiu para acentuar pela negativa a variável
endógena-crescimento natural, impulsionando este espaço periférico para um esvaziamento populacional
com impacto na paisagem.
É no quadro de políticas de desenvolvimento concebidas a dois níveis, políticas de base e políticas territorialmente específicas, que o futuro da paisagem periférica deve ser pensado e avaliado. A região do Barroso
é um território onde predominam actividades com baixo nível de produtividade e de rendimento, com sub-
217
emprego crónico, mão-de-obra pouco qualificada e população envelhecida. Apresenta uma elevada qualidade ambiental e paisagística às quais, entre outras, estão associadas inúmeras oportunidades que urge
desenvolver.
Partindo da premissa que o objecto e o sujeito de progresso é o ser humano, delineamos, como principais
objectivos do processo de crescimento, o melhorar as condições de vida das populações locais e transformar
as actividades económicas, desenvolvendo as potencialidades desta idílica região e evitando o seu despovoamento. Neste sentido, torna-se urgente encontrar um equilíbrio entre desenvolvimento, preservação
e consequente erradicação da pobreza. Julgamos importante identificar as virtudes e carências da região
para que sejam delineadas estratégicas fundamentais a desenvolver já que, somente superando os pontos
fracos e reforçando os pontos fortes, com o consequente aproveitamento e valorização das potencialidades
existentes, poderemos direccionar para um desenvolvimento sustentável.
Potencialidades:
- grande diversidade de fauna e flora;
- importância das explorações com DOP (Carne Barrosã, mel do Barroso) e com IGP (Cabrito de Barroso,
Presunto do Barroso);
- património molinológico;
- zona de paisagem protegida;
- crescente interesse por desportos radicais;
- procura crescente de actividades ligadas à natureza;
- boa utilização dos fitofármacos e químicos na agricultura;
- múltiplos projectos e iniciativas de Desenvolvimento Local apresentam características diferenciadas,
sendo uma das suas principais riquezas;
- importância do surgimento de novas formas de turismo, mais sensíveis às questões ambientais, à
cultura, aos circuitos pedestres, etc.
- culturas rurais em que sobressaem as feiras e mercados, as festas e romarias tradicionais;
- existência de nascente minero-medicinal em Carvalhelhos;
- disponibilidade de artesanato vivo, em especial – burel, linho, bordados, socos de pau, miniaturas, em
madeira, de bois, grades, etc.
- confraria Gastronómica da Carne Barrosã;
- cooperativa local de apoio aos produtos agrícolas do Concelho;
- boas condições cinegéticas (coelho, perdiz, raposa) e piscícolas (truta e outros);
- existência de condições para o desenvolvimento de uma boa e típica gastronomia, baseada no produto da caça e da pesca, não esquecendo a tenra e suculenta Carne Barrosã;
Fragilidades:
- diminuição da população – sobretudo dos mais jovens;
- idade avançada dos agricultores;
- abandono crescente e grande desinteresse pela actividade agrícola;
- insuficiente formação profissional;
- carência de equipamentos de apoio ao turismo;
- descaracterização urbanística;
- pequena dimensão e fragmentação da exploração agrícola;
- analfabetismo e baixa qualificação;
- insuficiente aproveitamento dos produtos endógenos com potencialidades;
218
- excessivo protagonismo pessoal na condução e gestão de alguns projectos;
- falta de recursos (financeiros, humanos, materiais, etc.)
- excessiva dependência do exterior (iniciativas, recursos humanos, mercados, etc.);
- dificuldade em levar à prática uma perspectiva interdisciplinar, por falta de técnicos em algumas
áreas;
- pouca ligação com grupos e centros de investigação;
- dificuldade de escoamento de produtos e de ligação ao mercado;
- inadequação de alguns programas (por exemplo, de formação profissional) às características das populações e às situações a que os projectos procuram responder;
- défice de capacidade de iniciativa de algumas zonas de intervenção;
- inexistência de uma tradição de acolhimento turístico e limitada capacidade de alojamento;
- escasso apoio dado aos turistas no posto de turismo, que se encontra, a maior parte das vezes, fechado;
- ausência de postos de apoio a percursos equestres;
- panorama de escolaridade pouco satisfatório, com elevadas taxas de analfabetismo, de insucesso e
de abandono;
- serviço de transportes públicos inadequado às necessidades da população;
- tecido económico incapaz de garantir a auto-sustentação do desenvolvimento e falta de iniciativa
empresarial;
- falta de oportunidades de emprego e consequente rarefacção do pessoal qualificado;
- degradação das matas e desinteresse, sob o ponto de vista económico, dos agricultores pela floresta,
favorecendo incêndios, desvalorizando o património florestal e criando externalidades negativas na
paisagem;
- índices de poder de compra e do PIB, per capita, claramente inferiores à média nacional;
- reduzida dinâmica em matéria de diversificação sectorial, problemas tirando o reforço da competitividade e a modernização da base produtiva do concelho;
- inexistência de uma programação cultural e desportiva regular que promova práticas e hábitos diversificados e que ultrapasse as dinâmicas mais tradicionais;
- as deficientes condições de acessibilidade interna e externa do concelho, de segurança rodoviária e
de sinalização afectam, de forma sensível, as condições de mobilidade e de coesão.
Considerando a necessidade de valorização dos pontos fortes e de diminuição do impacto dos pontos fracos,
propomos, uma estratégia de desenvolvimento para a região assente em 4 parâmetros fundamentais:
Figura 3. Estratégia de desenvolvimento.
219
Conclusão
O caminho para um desenvolvimento integrado na região do Barroso deve permitir rentabilizar os recursos
endógenos naturais e humanos através de apoios técnicos e financeiros internos e externos.
Pensar o desenvolvimento da região do Barroso exige, de facto, a definição/aplicação de objectivos e prioridades bem como de modelos de desenvolvimento específicos ou um modelo sectorial que explorem, dentro
da capacidade de regeneração, os recursos existentes. Procurar definir uma estratégia de aplicação num
concelho que sofre de isolamento (devido à sua altitude e interioridade), de sub-emprego crónico, com uma
mão-de-obra pouco qualificada e uma população envelhecida e dispersa, é fundamental para o seu desenvolvimento.
Neste artigo procuramos ainda encontrar um modelo sectorial de desenvolvimento sustentável, que promova o aproveitamento dos recursos locais e a realização das pessoas, passando pelo espírito de diálogo entre
a associação de municípios à escala local/regional, definindo determinadas estratégias ao nível nacional,
constituindo-se em estruturas de parceria com capacidade para se consolidarem e onde o valor cénico da
paisagem é fundamental.
No entanto, o despovoamento tem contribuído para a perda da sustentabilidade deste recurso que é a paisagem e poderá ainda proporcionar o aumento de riscos naturais. Neste sentido é fundamental o desenvolvimento de formas de fixação da população num princípio de sustentabilidade com o meio.
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221
LA CIUDAD HISTÓRICA COMO ESCENARIO
DE UNA EXPERIENCIA TURÍSTICA
(DES)ENCANTADA INDUCIDA POR EL CINE:
EL CASO DE ESCONDIDOS EN BRUJAS
THE CITY AS A STAGE OF AN HISTORIC
TOURIST EXPERIENCE (DES) ENCHANTED
INDUCED FILM: THE CASE OF HIDDEN IN
BRUGES
Salvador Martínez Puche
Antonio Martínez Puche
Resumen La diferenciación entre ciudades para vivir y para visitar opone el “espacio vivido” habitual
frente al “espacio visitado” en un contexto ocioso. Es precisamente esta ruptura con lo cotidiano (Urry,
1990) la que otorga hoy día a la experiencia turística urbana su sentido de excepcionalidad en un
tiempo más emocional que sincrónico y un espacio más simbólico que geográfico. La película Escondidos en Brujas (In Bruges, 2007-Martin McDonagh) permite reflexionar sobre las paradojas del turismo
histórico cultural a partir de la (re)interpretación y (re)visión de la iconografía más tópica y estimulante
proyectada con fines persuasivos por esta “ciudad de cuento de hadas”. A través de la ficcionalización
fílmica se genera un imaginario inédito, que sigue haciendo fascinante un destino turístico.
Palabras clave: Turismo histórico-cultural; Cine; Espacio urbano; Movie map; Promoción turística.
Abstract The differentiation between cities to live and to visit opposes to the “living space” in front
of the usual “space visited” in a context of leisure. It is this rupture with everyday life (Urry, 1990) which
now gives the urban tourist the chance to experience their sense of uniqueness in a time more emotional than synchronous and a space more symbolic than geographical. The film In Bruges (In Bruges,
2007-Martin McDonagh) allow us to reflect on the paradoxes of cultural heritage tourism from the (re)
interpretation and (re) vision of topical and inspiring iconography designed for this persuasive purpose
of the “fairy tale city.” The fictionalized film generates an unprecedented imagination, and still makes it
a fascinating tourist destination.
Keywords: Historical-cultural tourism; Film; Urban space; Movie map; Tourist promotion.
222
“Tal vez eso fuera el infierno: pasar el resto de la eternidad viviendo en Brujas”.
Ray (Colin Farrell)
Introducción: ciudades reales donde vivir y ciudades ficticias para visitar
La diferenciación entre ciudades para vivir, o donde se está, y ciudades para visitar, a donde se llega, opone
el “espacio vivido”, correspondiente al entorno habitual, frente al “espacio visitado”, al que nos aproximamos
en un contexto de ocio. Es precisamente esta ruptura con lo cotidiano (Urry, 1990) la que otorga hoy día a la
experiencia turística urbana su sentido de excepcionalidad en un tiempo y un espacio que resultan, respectivamente, placentero y atractivo. Las vacaciones adquieren así un significado emocional y una dimensión
simbólica en la que el turista lleva a cabo una lúdica búsqueda de su propia identidad en un territorio más
imaginario que geográfico. Por eso, la mayoría de ciudades históricas se transforman en espectaculares escenografías donde mirar, consumir y disfrutar colectivamente un rico patrimonio anticipado a través de las
guías turísticas, que codifican el entorno, estableciendo rutas por los monumentos más significativos. No en
vano estos recorridos poseen una naturaleza diegético-narrativa que favorece y simplifica la comprensión de
lo visto. Después, las imágenes capturadas por la cámara fotográfica o videográfica actúan como recordatorios que dan validez a la fungible y efímera visita cuando solo queda la memoria del turista. De este modo, el
turismo cultural consigue que una parte de la Historia del Hombre termine siendo el principal argumento de
la vivencia historiada de cada individuo posmoderno.
La película Escondidos en Brujas (In Bruges, 2007-Martin McDonagh) permite reflexionar sobre el turismo
cultural a partir de la (re)interpretación y (re)visión de la iconografía más tópica y estimulante proyectada con
fines persuasivos para generar una percepción idílica y provocar el deseo de visitar esta “ciudad de cuento
de hadas”. Es evidente que junto a efectos beneficiosos como la recuperación, rehabilitación y reutilización
patrimonial y la revitalización comercial, fuera de escena existen, sin embargo, conflictos reales derivados
del doble desarrollo de las funciones tradicionales urbanas y los intereses de los usuarios-ciudadanos (Russo,
2004: 59). La oferta turística puede producir un excesivo flujo de turistas y problemas de “capacidad de carga
física, económica y social”, insostenibilidad en el medio ambiente urbano “natural, arquitectónico y urbanístico” (Troitiño, 1999: 41), así como la banalización de la identidad y lo cultural conforme a las directrices del
mercado.
El patrimonio ha de ser considerado ante todo como un revulsivo para la sociedad local, una seña de identidad que ancle a la comunidad en el espacio de los lugares. Sólo después cabe plantearse las posibilidades de
aprovechamiento turístico (De la Calle, 2002: 29).
Pero además, el relato fílmico analizado se construye en torno a un insólito y original contrasentido. En esta
ocasión es el visitante quien reniega de la ciudad turística como lugar donde vivir, mientras, a la inversa, suele
ser el ciudadano quien denosta al turismo por considerarlo una invasión que menoscaba su calidad de vida
cuando supera los límites de tolerancia. Por tanto, el (des)engaño de uno de los protagonistas, convertido
a la fuerza en turista tras un desgraciado suceso, replantea la percepción subjetiva sobre la urbe históricomonumental en un texto dramático e irónico que nada tiene que ver, por ejemplo, con la amable mirada de
Audrey Hepburn en Vacaciones en Roma. La película de Martin McDonagh pergeña inconscientemente una
imbricada metáfora entre la redención existencial de las culpas y la actual experiencia de consumo turístico.
Es decir, en el filme un asesino debe reconciliarse con su deplorable pasado en una tranquila ciudad turística que, paradojas del destino, se transforma en su particular purgatorio. Pues lo mismo ocurre cuando la
explotación racionalizada y sistematizada de un lugar de ensueño [“encantado”], que persigue rentabilizar
sus recursos al máximo, deviene en una insatisfactoria vivencia masificada y aburrida [“desencanto”] que
necesita recuperar la fascinación por medio de un proceso de simulacros y ficcionalizaciones [“reencantami-
223
La ciudad histórica como escenário de una experiencia turística
(des)encantada inducida por el cine: el caso de Escondidos en Brujas
ento”] (Ritzer, 2000). Y es la industria audiovisual la que, gracias a su gran capacidad para (re)crear fantasías
y difundirlas, ejerce una importante función como inductor de la visita, a la vez que origina nuevos productos
y experiencias gratificantes para consumir.
A pesar de que el largometraje no es complaciente con la ciudad belga, el movie map de Escondidos en Brujas se ha incorporado a los materiales utilizados con fines turístico-promocionales, propiciando una ruta que
dirige los pasos del espectador-visitante para (re)descubrir los lugares en los que se llevó a cabo el rodaje. En
definitiva, se trata de aprovechar la coyuntura favorable tras el estreno de la película para ofrecer una imagen
distinta, ampliar el perfil de los turistas y diversificar la oferta cultural en su vertiente más popular y contemporánea. La experiencia cinematográfica y la experiencia turística se comercializan bajo un mismo relato
continuo que multiplica sus beneficios económicos y potencia sus efectos comunicativos en la sociedad del
entretenimiento y el espectáculo. Tal vez este sea uno de los fundamentos de la posmodernidad, una época
convulsa e inescrutable de futuro tan incierto como apasionante.
Revisión fílmica de la imagen de Brujas como destino paradigmático de turismo cultural
A través de la multitudinaria difusión de sus reiteradas representaciones, el medio cinematográfico ha configurado la imagen cultural colectiva y ha validado la noción vivencial subjetiva que tiene cada individuo
acerca de lugares no conocidos in situ. Según Burguess y Gold, la mediatización contribuye de un modo decisivo a la manera en que el individuo concibe la realidad (Gámir y Valdés, 2007), aunque esta visión pueda
correr el riesgo de ser reduccionista o estar “manipulada”. Como afirma el director Jacques Tourner, cuando
rueda una película “la cámara no lo ve todo, yo sí” (Virilio, 1989: 25).
Se trata, por tanto, de un acto de fe, de una creencia afectada por el imaginario y el contexto, que se ejerce
sobre un mundo inaprensible e intangible que requiere la mediación, en palabras de Neisser, de “un complejo sistema que interpreta y reinterpreta la información sensorial” (Op. Cit: 6). La pantalla difumina los
límites entre ficción y realidad, entre realidad y verdad (Maccannell, 2003). La imagen fática, que fuerza la
mirada y retiene la atención, sólo se centra en zonas específicas, mientras el contexto desaparece en la indeterminación de una experiencia espacio-temporal desanclada (Virilio, 1989: 26). De esta forma, el cine puede
alterar lo percibido y llevar a cabo no una representación, sino más bien una recreación de lo que existe,
como señalan Hyounggon y Richardson (Hernández, 2004). Este factor es determinante a la hora de modificar y transformar los rasgos identitarios conforme a fórmulas esteticistas, estereotipadas y significantes en
un proceso de codificación con fines comerciales en el que “la autenticidad misma procede a habitar la mistificación” (Maccannell, 2003: 123). Es el primer paso hacia, lo que Lukács denomina, la homogeneidad y la
estandarización cultural del capitalismo de ficción, que convierte las experiencias en productos de consumo
masivo a través de la reificación de lo inmaterial (Jameson, 1991).
Así pues, Brujas no es solo lo que es, una ciudad histórica, sino lo que los demás creen que es o esperan que
sea, una ciudad de cuento. Y su valor como destino turístico viene dado por la expectativa creada por medio
de la percepción simbólica que se tiene de ella. Es decir, entra en juego un mecanismo perceptivo influenciado por la mediación que ha ido consolidando un imaginario anticipado y diferido de este espacio urbano
consumible que se promociona o se “vende” como una experiencia holística de ocio cultural.
Más que tratarse de un conjunto de atracciones individuales de gran importancia histórica o arquitectónica,
el turismo cultural en Brujas se centra en un conjunto en el que los elementos culturales son inseparables
de los elementos de contexto y de actividades turísticas de entretenimiento e interacción con el visitante.
La oficina turística de Brujas, de hecho, propone diversos recorridos temáticos, eventos de carácter cultural
y religioso y actividades como el shopping y la degustación de productos especializados como el chocolate
224
o la cerveza (Russo, 2004: 62).
Escondidos en Brujas es un relato de ficción inspirado, sin embargo, en la propia vivencia turística del guionista y director Martin McDonagh, que proyecta una visión subjetivada e inédita. Como él mismo cuenta,
después de pasar tres o cuatros horas visitando la ciudad belga “tuve sentimientos muy encontrados. Una
parte de mí empezó a aburrirse y otra seguía estando fascinada por su belleza”. El testimonio refleja dos
modos diferentes de aproximarse al destino turístico-cultural que algunos autores han conceptualizado así:
Desde el ámbito del patrimonio cultural, Revilla plantea estos extremos en términos del binomio turismo
de exploración intelectual – turismo de ocupación, este último indiferente al objeto cultural ante el que se
sitúa. Desde una perspectiva diferente, Chazaud distingue los dos segmentos característicos y opuestos que
forman el mercado del turismo cultural: un primer mercado, efímero y barroco, basado en las prácticas de
ocio cultural de un segmento creciente de la población, que requiere productos simples y no sujetos a gran
complejidad; un segundo mercado, permanente y minoritario, cuya demanda se centra en productos especializados y complejos (De la Calle, 2002: 95).
Esta dualidad se encarna en los personajes interpretados por Colin Farrell (Ray) y Brendan Gleeson (Ken),
dos asesinos a sueldo que deben ocultarse temporalmente en Brujas tras matar a un niño por un error fatal
del primero. Mientras Ray manifiesta absoluta apatía y claro fastidio, Ken se muestra motivado y decidido a
aprovechar el obligado descanso para conocer la ciudad y sus numerosos atractivos. Se trataría de un “turista
cultural accidental” que, conforme a la clasificación de Jansen-Verbeke, realiza un viaje sin pensar visitar
ninguna atracción cultural, pero una vez en el lugar de destino se ve involucrado en algunas de ellas (Op. Cit.,
2002: 94). De ahí que asuma gustosamente su condición y a lo largo del primer tercio de la película se sirva
de una guía turística para, sin mucho éxito, intentar ilustrar con algunos datos de interés las visitas a museos,
iglesias o monumentos que realiza junto a su contrariado y taciturno compañero: “es la ciudad medieval
mejor conservada de Bélgica, según dicen”, le explica a bordo de una barca turística que surca los canales.
Situaciones como ésta se repiten durante el metraje en un constante tira y afloja que enfrenta la cultura y
la diversión como términos antagónicos. Ray sigue considerando los monumentos históricos como “edificios
viejos”, las obras de los maestros flamencos como “garabatos pintados por retrasados” y solo quiere ir al pub
a tomar cervezas y emborracharse porque “esto sí son vacaciones, esto es vida”. Recobrar los hábitos cotidianos supone volver a sentirse seguro, como en casa, y representa a sensu contrario la contraposición del “espacio vivido” y el “espacio visitado” aludidos en el epígrafe anterior. Cuando Ken le recrimina que es el turista
más ingrato del mundo, Ray responde con desprecio: “yo nací en Dublín y me encanta. Si hubiera crecido en
el campo y fuera un ignorante, Brujas me impresionaría; pero como no lo soy, no me impresiona”. Tal vez su
nefasta opinión está influida por el sufrimiento y el depresivo estado de ánimo causado por su último crimen.
Las actitudes divergentes y opuestas ante la percepción de la ciudad y el hecho turístico-cultural se reflejan
nada más empezar el filme. Sobre la imagen en negro que sigue a los créditos iniciales, se escucha un diálogo
en el que ya un prejuicioso Farrell afirma: “Brujas es un estercolero”. Gleeson contesta: “no, no lo es”, y
sugiere: “acabamos de llegar, reservémonos nuestra opinión de Brujas hasta que la veamos”. En el plano
siguiente, aparecen los dos protagonistas recorriendo las pintorescas callejuelas que son flanqueadas por
impresionantes fachadas, en una luminosa y apacible urbe poblada de turistas que se sientan a la sombra
de los árboles, montan en bicicleta o dan un paseo en carruaje cruzando por los puentes situados sobre los
canales. Sin duda, el mejor escenario para descontextualizar los lugares comunes de un atípico thriller de
gánsteres, que son (des)colocados en un decorado urbano, exótico, extraño y desconcertante también para
el espectador, demasiado alejado de su imaginario más reconocible compuesto por ciudades como Chicago,
New Jersey, Ciudad Juárez, Medellín, o Sicilia y personajes arquetípicos del cine negro americano o de series
televisivas más recientes como Los Soprano. Así, tanto el argumento de ficción como la localización real ejer-
225
cen un mutuo efecto paradójico que llama poderosamente la atención y ayuda a redefinir las percepciones
clásicas. Ya no estamos en una ciudad turística sino en un lugar donde los personajes sufren una transformación. En palabras del crítico de cine Sergi Sánchez, “la película es una extravagante delicia, la versión
belga-bizarra de lo que habría ocurrido si los matones de Pulp Fiction hubieran sido condenados a vagar por
el paraíso del turismo de cartón piedra” (2008: 29).
Brujas compartió con Salamanca la Capitalidad Europea de la Cultura en 2002. Su propósito fue aprovechar
este evento, precisamente, para modernizar su imagen y huir del peligro de encasillamiento en un falso cliché y una mirada esquematizada. Entre las medidas adoptadas, se impulsó una política cultural basada en la
utilización “viva” y “estimulante” de su patrimonio y en la articulación más completa de su oferta. En resumidas cuentas, como apuntamos en la introducción, volver a lograr el “reencantamiento” y el descubrimiento
de una ciudad renovada.
El objetivo era asociar a los contenidos simbólicos tradicionales una serie de atracciones y temas contemporáneos, propuestos estratégicamente para atraer jóvenes y talentos creativos, ya sea como visitantes de
un perfil cultural y económico interesante, o como grupos de interés urbanos (Russo, 2004:67).
El centro histórico de esta ciudad, uno de los más hermosos y mejor conservados de Europa, fue declarado
patrimonio mundial de la UNESCO en el año 2000. En sí mismo es una atracción turística que integra los elementos inmateriales y arquitectónicos medievales en un ambiente atemporal y romántico dispuesto para ser
consumido. El papel que ostenta este espacio urbano en la película es primordial no solo como “contenedor”
sino como “contenido” del relato. Al margen de que el nombre sustancia el título del filme (In Bruges), Brujas exhibe dos caras entrelazadas muy distintas que se adaptan perfectamente al desarrollo de la narración:
“una ciudad decorado, un parque temático medieval que no tarda en revelar su lado oscuro” (Sánchez, 2008:
29). La trama argumental y la trama urbana se complementan de una manera armoniosa, hilando la comedia negra y la tragedia en escenarios que oscilan desde la ciudad de ensueño de calles adoquinadas y días
brumosos hasta la ciudad de pesadilla con inquietantes noches y amenazantes gárgolas. En este particular
universo urbano se entremezclan obesos turistas estadounidenses, parejas canadienses de intolerantes no
fumadores, antipáticos taquilleros que venden las entradas a los monumentos, guapas jóvenes narcotraficantes que engañan y roban a los turistas compinchadas con sus ex-parejas skinsheads, actores enanos y
drogadictos, prostitutas, anticuarios rusos traficantes de armas, y, por supuesto, violentos matones.
Contribuye a realzar este contraste de las diversas Brujas la inclusión del rodaje de una película europea de
arte y ensayo que, inspirándose en las figuras metamórficas y deformes de la pintura de El Bosco sobre la
Divina Comedia de Dante, aporta al sangriento final de Escondidos en Brujas un tono onírico pero grotesco.
Es entonces cuando la voz over del malherido Ray, actuando como narrador omnisciente, acepta su “destino” (en tanto que redención vital y lugar donde establecerse) para terminar así el relato fílmico: “(…) tal
vez eso fuera el infierno; pasar el resto de la eternidad viviendo en Brujas. Y en ese instante desee no morir.
En serio lo digo, esperé no morir”. A estas alturas la ciudad belga “es un infierno que no nos interesa visitar
[tampoco]”, (Sánchez, 2008: 29).
Movie Map: Geografías de la ficción audiovisual al servicio de la promoción turística
Como señala Hernández Ramírez, “la experiencia turística es, en gran medida, visual” (2004: 1). Hoy día las
motivaciones del sujeto al iniciar un viaje no son la pasión por descubrir territorios ignotos, como el explorador, ni vivir una experiencia “contemplativa” e íntima en lugares ya descubiertos, como el viajero. El interés
del turista surge de la voluntad de registrar en imágenes su recorrido y de verificar y revivir a través de ellas
otras ya conocidas y preparadas para él por las estrategias publicitarias del sector turístico (Urry 1990; Del
226
Rey-Reguillo 2007b). Como sostiene Augé, “el viaje (…) construye una relación ficticia entre mirada y paisaje
(…) donde el individuo se siente como [un] espectador” y esta posición es la que constituye “lo esencial del
espectáculo” (2004: 91).
De ahí el interés por identificar, capturar y hacer suyo mediante la fotografía, la grabación de la cámara de
vídeo o del teléfono móvil lo que ha aparecido ante sus ojos como algo destacado en los materiales promocionales que le han persuadido a viajar. Para el turista la experiencia viajera “más que vivida, se demuestra
como una sensación [intrínsicamente] relacionada con la mirada (…) que es un referente primordial” (Benet,
1999: 37). Por eso el componente icónico-visual ocupa un lugar preferente respecto al texto en las campañas turísticas. Si bien, las palabras son un constructo evocador previo a la imagen o el mito del no lugar,
entendido como el espacio imaginario desprendido de su componente antropológico, que es sugerido en los
folletos (Augé, 2004: 98).
Aplicando esta misma idea al ámbito cinematográfico, Michel de Certau defiende que el relato fílmico y el
viaje turístico se basan en la doble necesidad de “ver” y “hacer” (Op. Cit., 2004). Es decir, el cine contribuye
con su poder simbólico a crear y soportar la imagen de un territorio a través de representaciones cinematográficas (experiencia fílmica) que producen significados. Éstos actúan como mediadores de la realidad
y (des)encadenan un proceso de reinterpretación sugerido por la vivencia particular nacida al contemplar la
película. Como afirma Gubern, “el observador, durante la acción de mirar, está comparando lo que ve con
los modelos perceptivos adquiridos en su anterior experiencia cultural, prestando más atención a lo nuevo
y desconocido que a lo obvio y familiar” (Gómez, 2002: 3). De manera que tales estímulos pueden incitar
un comportamiento y condicionar la posterior visita (experiencia turística) a lugares quizá reconocibles por
la anticipación de novelas, noticias, reportajes, anuncios, folletos, guías turísticas, etc., pero que ahora son
exhibidos y percibidos de un modo diferente, inédito y más atractivo.
Las actuales sinergias entre cine y turismo, dos industrias del entretenimiento complementarias, se materializan en estrategias y acciones comunicativas muy rentables y eficaces, que se potencian mutuamente
aprovechando lo que se conoce como cross media o narraciones infinitas; es decir, la integración de múltiples medios para contar un relato de manera continua. Así ocurre cuando un best seller literario es adaptado
a un blockbuster cinematográfico, que a su vez se convierte en un exitoso videojuego y finalmente en una
multitudinaria ruta turística. En este sentido, se puede afirmar que “los datos de las experiencias culturales
están formados por modelos de vida social novelados, idealizados o exagerados que son de dominio público,
a través del cine, la ficción, la retórica (…) y los espectáculos” (Maccannell, 2003: 33). Más concretamente,
Hemos de tener en cuenta que todas las producciones culturales, incluidas las propias del turismo, son signos. Relatos simbólicos ritualizados basados en modelos que pretenden transportar al individuo más allá
de sí mismo y de las restricciones de la experiencia diaria (…), bajo el poder hipnótico del relato o del ámbito
temático creado para servir de sostén simbólico (San Nicolás, 2008: 125).
La tematización turística otorga a los espacios urbanos un sentido, conforme a los utilitaristas planteamientos de la explotación económico-comercial, que también participa en la definición del territorio considerado
como una compleja unidad de significado y una permanente construcción colectiva en la que la comunicación, en este caso persuasiva, cumple una función básica (Bustamante, 2000). Aunque, muchas veces,
asistimos a la progresiva sustitución de la realidad histórico-social por su tipicidad auténtica fruto de un simulacro: “la relación entre lo real y el signo se ha invertido: el simulacro en el mundo posmoderno determina
lo real” (Cohen, 2005: 16).
La puesta en escena del destino turístico, en un ejercicio de superación simbólica, se transforma literalmente
en el escenario donde revivir la experiencia ficticia del relato cinematográfico. La percepción de la ciudad
ya no se efectúa a partir de los elementos urbanísticos capturados por el ojo, que está influenciado por los
227
instrumentos convencionales de promoción turística, sino que se inspira en el poder sugestivo de la memoria imaginativa que reconstruye la geografía con sucesivas escenas y emociones presentadas en la sala de
proyección. Los largometrajes cautivan, inspiran y guían el itinerario ficcional de los turistas en una dimensión plagada de ilusiones postergadas. “Los espectadores no fabrican sus imágenes mentales a partir de lo
que les es dado de modo inmediato para que vean, sino a partir de recuerdos (…) e imágenes que crean a
posteriori” (Virilio, 1989: 12) con la participación de elementos vivenciales, culturales y sociales. Como explica De Lauretis, la percepción no consiste en hacer una copia de la realidad sino en simbolizarla, de modo
que adquiera un considerable elemento de ficción (Gómez, 2002).
La efectividad del discurso cinematográfico frente al de la publicidad se fundamenta en cuatro parámetros:
La implicación del espectador por medio de una identificación imaginaria, sustentada en el poder de atracción, seducción y fascinación del cine convertido en un signo o símbolo más evocador que denotador; e
identificación narrativa, que se produce en el ámbito consciente, es decir, cognitivo y afecta a los personajes
y los hechos acaecidos, e inconsciente, o sea, emotivo vinculado con los conflictos existenciales planteados
(González Requena, 1999). Se refiere a la relación dramatis personae que se produce entre cada uno de los
miembros del público y lo proyectado.
La suspensión de la incredulidad experimentada al ver una película hace que la historia de ficción sea percibida como si fuera la misma realidad. Es el “efecto de realidad” del que habla González Requena (1999:
116) que produce el cine cuando representa al mundo en una pantalla y ejerce de mediador ante la falta de
experiencia perceptiva directa del espectador. Así se refuerzan y retienen motivaciones y sentimientos asociados a imágenes e historias.
La inmersión espectatorial en el relato fílmico facilitada por las condiciones ambientales específicas de percepción del cine que se “manipulan con el fin de neutralizarlas para que el sujeto pueda proyectarse en el
interior del universo que el espectáculo le ofrece”: gran pantalla, sala oscura, silencio colectivo, sonido y
música envolventes y voluntariedad del acto (Op. Cit. 1999: 104; Del Rey-Reguillo 2007a). Aunque el consumo cinematográfico en las multisalas ha ido disminuyendo en los últimos años motivado por la proliferación
de los equipamientos domésticos digitales (DVD y Dolby Surround), así como de las descargas de filmes a
través de Internet. El sistema 3D está siendo la gran apuesta para recuperar espectadores.
El consumo vicario de experiencias se traduce en el deseo o “la sensación alterada, creada, intensificada”
(“influencia”) de reconocer in situ las imágenes turísticas idealizadas (“modelo”) representadas o anticipadas
en la pantalla de cine (“medio”). Este esquema de MaCcannell (2003: 34 y ss.) sirve para explicar el proceso
de producción cultural en el que se inscriben las prácticas del cine y el turismo. La interacción entre ambas
industrias ha dado origen a un nuevo tipo de turista denominado “set-jetters” (en inglés set significa “escenario” y jet “volar, viaje en avión”). Según María Eugenia Brito, responsable de la Oficina de VisitBritain
en Madrid, se trata de personas que “van viajando a los sitios que aparecen en las películas porque les han
impresionado”.
El movie tourism, es decir, el turismo inducido por el cine, es un fenómeno cada vez más extendido que
viene a redefinir la vivencia del turista convertido en espectador y actor de una ficción. Los movie maps son
editados normalmente por las films commission y, al igual que las tradicionales guías turísticas, delimitan en
un plano el itinerario por los hitos arquitectónicos y urbanísticos más relevantes que, en este caso, coinciden
con las localizaciones de un rodaje. El lugar físico es confirmado y conformado a partir de un recuerdo fílmico
hermenéutico-cognoscitivo. A través de estas rutas el espacio geográfico adquiere un sentido inscripto que
transforma las coordenadas del lugar en una narración útil para promocionar, orientar y dirigir la visita. Así
228
pues, el trayecto es “desviado” con una intención que persigue darle un “sentido” conforme a unas estrategias de marketing (Augé, 2004: 89-90). Si como afirma Jameson (1991: 115), tomando prestadas las nociones
althusserianas, “la cartografía se presenta como la instancia clave en la mediación”, los movie maps se revelan como una potente herramienta simbólica que dibuja un “mapa cognitivo” para organizar el tránsito del
turista según los datos de una vivencia cinematográfica previa.
Como ya hemos indicado, aunque la película Escondidos en Brujas no ofrece, aparentemente, una imagen
muy recomendable de la ciudad para ser utilizada en su promoción turística, sin embargo, el movie map
(figuras 1 y 2) se ha incluido entre los materiales publicitarios, dando continuidad a la estrategia de modernización de la imagen de Brujas iniciada en 2002. La función principal es recuperar el “encanto” y conectar con
los intereses emocionales del público objetivo al que se dirige, estableciendo vínculos afectivos de reconocimiento y pertenencia, así como corrientes de simpatía. Nos referimos, sobre todo, a jóvenes sofisticados,
multimediáticos, poco convencionales, nada conformistas, con ganas de experimentar nuevas sensaciones y
que prefieren estremecerse con algo “extraordinario” y “fantástico”, redescubriendo la vertiente más popular de la cultura urbana por medio de la actualización de sus diversas manifestaciones. No es de extrañar, por
tanto, que al margen de otros muchos atractivos, Brujas enriquezca su oferta con el Friet Museum, un museo
“friki” dedicado a las choco frites, delicias de chocolate blanco con forma de patata frita muy apreciadas en
Bélgica.
El díptico de la ruta cinematográfica muestra en su portada el cartel del filme y en su contraportada el plano
que identifica y sitúa 13 localizaciones del rodaje. En el interior, a doble página, aparece una breve descripción del hito monumental destacado, acompañándose de un fotograma de la escena correspondiente: Markt
Square (plaza en la que se desencadena el trágico final de la película), Belfort (torre del campanario desde
donde un moribundo Gleeson se lanza al vacío), Groeninge Museum (pinacoteca en la que Farell y Gleeson
contemplan el arte de los maestros flamencos), Basilica of The Holy Blood (donde Farell acude a regañadientes para complacer a Gleeson a cambio de que éste le deje acudir a su cita nocturna), etc. También se
incluye debajo de cada explicación el nombre de algún restaurante u hotel cercano. La mayoría de las localizaciones se ubican en la constreñida zona turística de la ciudad belga, su centro histórico medieval.
El movie maps puede descargarse en formato PDF desde el apartado del sitio web de la Oficina Municipal
de Turismo de Brujas dedicado al largometraje, en el que también se recogen dedicatorias y testimonios del
productor y los protagonistas, información sobre hoteles y restaurantes en los que se desarrolla parte del
argumento, además de un enlace para ver el tráiler del filme.
Conclusiones
La experiencia turística contemporánea se articula en torno a tres ejes fundamentales: el tiempo de ocio, la
separación de la vida cotidiana y la significación, entendida como la codificación simbólica de una vivencia estimulante que se convierte en producto de consumo conforme al modelo de explotación y comercialización
económica actual del capitalismo de ficción. En este sentido, el turismo intenta aprovechar todos los recursos comunicativos a su alcance, que sean susceptibles de ser utilizados como instrumentos promocionales,
para generar imaginarios capaces de acortar las distancias con las expectativas de los potenciales clientesusuarios-turistas. A este fin, en las estrategias de marketing se incluyen no solo las campañas publicitarias
convencionales sino, más recientemente, también los relatos cinematográficos que potencian el poder de
atracción y los efectos persuasivos sobre aquellos lugares, sean o no destinos turísticos maduros, en los que
se ha localizado un rodaje.
En el caso de las ciudades históricas, el espacio urbano y toda su oferta patrimonial y cultural se transforman
en el escenario de una narración fílmica que actúa, por una parte, como descriptor-cognitivo del entorno y,
por otra, como reclamo e incentivo de la posterior visita con la que se podrá corroborar la promesa antici-
229
pada. Además, estas mediaciones audiovisuales (re)presentan o, más aún, (re)crean una realidad mitificada
y mistificada en la que la geografía se ve sustituida por la fantasía y el simulacro.
El filme Escondidos en Brujas propicia una visión diferente y renovada, en ocasiones incluso desagradable,
de esta urbe turística considerada tradicionalmente una “ciudad de cuento de hadas” que, sin embargo, ha
necesitado redefinir su imagen “encantadora” para adaptarla a un contexto posmoderno y a un turista que
busca nuevas sensaciones.
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231
As marcas e o carnaval do Rio
de Janeiro: uma possibilidade
Bruno Pompeu
Resumo Embora estejam conquistando um crescente nível de importância e preenchimento sígnico, as
marcas existentes no mercado encontram-se cada vez mais semelhantes em suas formas de se posicionar, enfrentando dificuldades para conseguir diferenciação e relevância. A proposta deste estudo
é mostrar como o desfile carnavalesco de uma escola de samba pode ser um interessante meio de se
conseguir essa diferenciação, tendo em conta que a raíz signica do carnaval é a festa e a ruptura com o
cotidiano, momento privilegiado de associação às marcas.
Palavras-chave: Branding, Patrocínio, Carnaval, Semiótica.
Keywords: Branding, Sponsorship, Carnival, Semiotics.
232
Bruno Pompeu
1. Armação – A apresentação do estudo
É hoje o dia e lá vêm eles. Altos, negros, imensos, perfeitamente coreografados, de rostos pintados de branco
e peruca. São marqueses, são araras. Têm casaca, colete e jabô. Têm asas, penas, crista e esporão. Tocam
violinos, dançam minueto, adejam com graça, sorriem ao povo, alinham-se, agradecem e seguem pela avenida. Nota dez.
Os quinze membros de uma comissão de frente de uma escola de samba são apenas os componentes primeiros a entrar na avenida. Atrás deles, segue-se uma infinidade de elementos – alguns fixos, obrigatórios,
tradicionais e indefectíveis; outros inovadores, pontuais, únicos e surpreendentes –, procurando contar uma
história, apresentar um enredo. Vem tudo sambando, cantando, evoluindo, como se diz, no compasso acelerado da bateria. Abre-alas, baianas, mestre-sala e porta-bandeira, velha guarda, tripés etc. Cada qual com
seu significado, com seu potencial comunicativo, com sua função simbólica dentro do contexto do enredo
carnavalesco (FERREIRA 2004; MAGALHÃES 1997; CABRAL 1996; GOMES 2009).
É chamado pelos ufanistas de maior espetáculo da Terra. Mas o carnaval carioca pode ser visto também –
agora com a precisão dos números e o rigor das comparações sérias – como maior evento audiovisual ao ar
livre do mundo. Nenhum outro espetáculo reúne tantas pessoas empenhadas no mesmo propósito artísticocultural e poucos conseguem atingir tantos espectadores ao redor do mundo, via televisão ou via internet.
E não faz muito tempo que algumas poucas empresas atentaram para essa grandiosidade do carnaval carioca
e perceberam que se tratava de um evento de alto potencial mercadológico. Além dos milhares de turistas
que a cidade atrai todos os fevereiros; do fato de o sambódromo, seus arredores e a cidade como um todo
serem espaços de intenso consumo, as escolas de samba passaram a ser vistas como possibilidade de mídia
publicitária de marca. É especificamente esse, diga-se outra vez, o tema do presente texto: o desfile das escolas de samba do carnaval carioca como mídia publicitária de marca.
Porque não é de hoje que as marcas vêm encontrando dificuldades para se fazerem visíveis, relevantes e
valorizadas pelos consumidores. O branding tradicional, a publicidade, os estudos de comunicação e os teóricos de relações públicas apontam – cada qual a seu estilo e à sua esfera – várias possibilidades de ações de
gestão e divulgação de marcas. Todas elas são válidas, têm sua parcela de eficiência e podem ser bem trabalhadas. Entretanto, o consumo vem ganhando diferentes contornos na contemporaneidade, assumindo um
papel que antes não tinha, muito mais simbólico do que prático; muito mais autoral do que paciente; muito
mais complexo. Daí que ferramentas consagradas de divulgação institucional – como o patrocínio cultural, o
patrocínio esportivo, o patrocínio filantrópico, e o evento – venham perdendo relevância e conseguindo cada
vez menos chamar a atenção das pessoas.
Material bibliográfico e acadêmico procurando investigar o chamado marketing cultural – “o uso da cultura
como base e instrumento para transmitir determinada mensagem a um público específico, sem que a cultura
seja a atividade-fim da empresa” (REIS 2003, p. 4) ou “prática das empresas de patrocinar atividades culturais, associando seu nome ou marca a um evento de caráter sociocultural” (COSTA 2004, p. 35) – já existe
em quantidade razoável. Mas quase todos eles abordam o assunto de forma semelhante, valendo-se de
exemplos parecidos e já banalizados, procurando ser didáticos ao aventar possibilidades tão mirabolantes
quanto seguras. Todavia, as manifestações artísticas – e o presente texto vai dar preferência ao termo “arte”
em detrimento de “cultura”, por entender esta como algo diferente, mais amplo e mais complexo – não
acontece de acordo com manuais, não aflora segundo leis de incentivo, não surge a partir de cotas de patrocínio, tampouco se limita ao seguro substrato-plataforma-voz-veículo-caminho que conseguem enxergar
e querem prever os diretores de marketing das empresas potencialmente patrocinadoras. Não. A musa não
dança conforme a música. A musa não reza essa cartilha. A musa é mutante, a musa é confusa, “severa musa,
233
As marcas e o carnaval do Rio de Janeiro: uma possibilidade
musa libérrima, audaz”1! Como nos apresenta Walter Benjamim (1981, p. 45) “uma pessoa que se concentra
plenamente diante de uma obra de arte é absorvida por esta. Ao contrário, a massa em estado de distração o
que faz é absorver a obra de arte”, e certamente é assim no carnaval. E o desfile das escolas de samba do Rio
de Janeiro tem suas musas próprias, não as passistas e rainhas de bateria, todas elas doudas – assim como o
samba do crioulo doido também é.
A proposta deste trabalho, então, é evidenciar como um desfile carnavalesco – manifestação genuinamente
artística, cultural e popular do Brasil – é situação privilegiada para se promover uma marca. Atente-se para
o fato de não se estar aqui falando de mero patrocínio. Está se pensando em uma forma realmente nova e
atrevida de se associar todo o desfile de uma escola de samba – seus preparativos, seus eventos correlatos,
a comunidade envolvida – a uma determinada marca, de modo que esta atinja altos níveis de distintividade, conseguindo não só se destacar em meio ao universo saturado das marcas, mas também conquistando
prestígio e se associando a conceitos desejáveis. A idéia central é mostrar como o desfile de uma escola de
samba pode ser eficientemente aproveitado como meio de se propagar uma mensagem publicitária em
forma de patrocínio, uma das ferramentas do marketing cultural.
Antes de se chegar ao ponto mais relevante deste estudo, o texto vai apresentar um breve histórico da intervenção de empresas nos desfiles das escolas de samba do carnaval carioca. Quer-se, com isso, proporcionar
uma ambientação temática e uma preparação teórica para a parte seguinte.
Na sequência, autores atuais, envolvidos com o estudo e a prática do marketing cultural – Reis (2006), Costa
(2004) e Farias (2007), entre outros –, servirão de referencial teórico para uma aproximação entre a publicidade, o marketing e o carnaval. Cada possibilidade instrumental ou estratégica levantada pelos autores vai
ser adaptada ao contexto carnavalesco, para que fiquem claras as potencialidades mercadológicas.
Logo em seguida, o trabalho vai procurar mostrar como o investimento por parte de uma empresa em uma
escola de samba não significa – nem deveria significar – uma intervenção artística violenta, que cale as musas, que censure criatividades ou que bloqueie devaneios. É nesse ponto do texto em que a semiótica peirceana dará sua contribuição. Porque, se o desfile de uma escola de samba envolve cores, temas e alegorias;
se o carnaval é um momento de interação humana; se o que se busca no desfile é a comunicação com o povo,
a semiótica não poderia ficar de fora. Rica e festeira – tal qual um bicheiro-patrono –, a semiótica vai ceder
seus conceitos mais preci(o)sos para que a união entre marketing e samba seja ainda mais animada.
2. Concentração – A introdução do tema
O carnaval é uma expressão popular que remonta à Idade Média e ao Renascimento. É a evidência da festa
coletiva. Na comunidade, a festa pretende ser o momento de ruptura com o cotidiano. Nesse sentido, a
preparação para o “grande dia” é alongada e trabalhosa. O caráter de ruptura que marca o acontecimento
da festa carnavalesca talvez seja mais característico no fato de inaugurar uma outra linguagem que não é a
do cotidiano. Na festa popular (e o carnaval como emblema) aparece nitidamente a vontade do instante se
transformar em eternidade, elemento imaginário constitutivo da utopia da festa. Se, por um lado, o carnaval
é o gozo da felicidade, o real da fantasia popular – na medida em que ele, em si mesmo, é o mais profundo
caráter repetitivo da significação, enquanto elemento de cultura –, por outro lado, é o impossível de se interpretar e de dizer. Pelo pouco que se pode interpretar, sugere-se que a fantasia da fartura e do excesso, criada
pelo carnaval, busca, concomitantemente, a repetição da tradição e a criação de uma imagem idealizada de
futuro.
1 Castro Alves. O navio negreiro.
234
Bruno Pompeu
A fantasia da fartura, tão comum e reiterada no carnaval (BAKHTIN 1987), acaba significando a construção de
uma imagem de futuro, baseada no presente da repetição que não se apresenta com o objetivo da reflexão
ou da racionalização iluminista. No carnaval, a fartura poderia significar a escassez do passado. A indumentária nova pode conotar os trapos do dia-a-dia na favela. A imagem da fartura poderia ser apenas a repetição
do modelo do passado, onde a ilusão da plena identidade tornava-se uma verbalização da tradição recalcada.
O brilho impecável da avenida, a roupa nova, o sapato lustrado, a maquiagem impecável denegam o dia-adia árduo do trabalho e da incomodação cotidiana. O carnaval é uma alegoria do cotidiano. A festa lembra a
escassez no cotidiano, ressignifica-a, é bem verdade, mas não deixa de remeter ao doloroso trabalho do diaa-dia. A festa exprime a idéia de que a fartura é uma raridade e que o comum é a falta de, a total desfiguração
da possibilidade de prazer contínuo. A festa inverte o cotidiano, justamente por revelá-lo ao avesso através
do excesso.
Por significar um microcosmo cultural, o carnaval proporciona importantíssima fonte de expressão da linguagem superlativa do realismo do cotidiano. Não delimitando fronteiras espaciais e sociais, o carnaval é
a mais viva possibilidade de soltar o riso, num clima onde todos são atores e espectadores, concomitantemente. A fantasia delineia uma linguagem ontológica, dando-lhe uma tópica cultural. Mundo imaginário significado e significando no riso. O imaginário festivo é o espaço preponderante na linguagem para consecução
das condições de possibilidade da utopia.
E o abre-alas vem chegando, gigantesco. Pode ser um pavão, um beija-flor, uma coroa ou uma estrela. Pode
ser uma águia, um condor, um leão ou mesmo um tigre. Vem iluminado, cintilante, reluzente. Traz ao lado do
símbolo de sua escola os signos iniciais da história a ser contada. Explode, coração.
3. Abre-alas – Os primórdios e os casos mais famosos
Foi Joãosinho Trinta o primeiro carnavalesco a perceber que suas alegorias, suas fantasias, seus enredos e
os sambas de enredo da sua escola tinham um grande
potencial mercadológico e que o mercado das marcas
por isso tudo talvez pudesse se interessar. E foi a partir dessa percepção que João decidiu estampar na gigantesca bola de futebol que ocupava o espaço central
do carro abre-alas do seu desfile de 1986 pela BeijaFlor, “O mundo é uma bola”, o logo da marca Adidas.
Se houve ou se não houve algum acordo financeiro
entre as duas partes, ninguém soube até hoje confirmar. O que há de verdade é que depois, muito depois, pode-se dizer com certa segurança que foi esta a
primeira vez em que uma marca ocupou um espaço no
desfile de uma escola de samba.
Figura 1 - Carro abre-alas da Beija-Flor, com o logo da marca Adidas, 1986.
Mas as primeiras escolas de samba a abrir de fato as portas de seus barracões aos enredos patrocinados por
empresas do setor privado foram duas das mais tradicionais: o Estácio de Sá e o Império Serrano. E quem
primeiro resolveu apostar no carnaval carioca como forma de se comunicar mercadologicamente foram –
não por acaso – marcas brasileiras, fortes signos de brasilidade: o Clube de Regatas Flamengo e o Beto Carreiro World. Em 1995, ao som de um samba enredo extremamente animado, o Estácio de Sá entrou na avenida tendo como enredo o centenário de fundação do Flamengo. O vermelho-e-branco da escola de samba
deu as mãos ao rubro-negro do clube e o desfile foi uma grande festa. Dois anos depois, em 1997, quando o
235
Império Serrano faria 50 anos e todos esperavam um enredo autocentrado, a escola anunciou que desfilaria o tema “O mundo dos
sonhos de Beto Carreiro”. A escola fez um desfile repleto de falhas,
com soluções visuais de gosto questionável, e acabou sendo rebaixada para o Grupo de Acesso.
Entretanto, o desfile de 2002 pode ser considerado o carnaval decisivo no que se refere à presença das empresas. É que as companhias aéreas TAM e Varig apostaram respectivamente no Salgueiro
e na Beija-Flor como forma de divulgar suas marcas. Enredos coincidentes não eram novidade na passarela do samba, mas enredos
patrocinados por empresas aéreas concorrentes, sim.
Figura 2 - Ala do Estácio de Sá, em 1995,
homenageando o Flamengo.
Figura 3 - Alegoria do Salgueiro, 2002,
com escultura do Comandante Rolim.
O Salgueiro, em seu enredo, homenageou os grandes pioneiros da
aviação, como Bartolomeu de Gusmão e Santos Dummont – cada
um com seu devido carro alegórico. A TAM, patrocinadora, investiu
cerca de R$ 3,8 milhões no Salgueiro e, em contrapartida, teve os
signos que compõem sua marca apresentados ao longo do desfile.
Uma grande alegoria representando a aviação contemporânea trazia uma réplica de um avião, com a fuselagem pintada de forma que
se remetesse obrigatoriamente às aeronaves da TAM. Como o uso
de logotipos pelas escolas é proibido pelo regulamento do carnaval,
a criatividade falou mais alto e, onde deveria estar escrito “TAM”,
lia-se “SAL”, apelido do Salgueiro. A inventividade dos responsáveis
pelo desfile não parava por aí e ainda foi possível ver pela avenida a
Velha Guarda fantasiada de comissários de bordo e a última alegoria homenageando o comandante Rolim.
A Beija-Flor, escorada nos quase dois milhões de reais investidos pela Varig, levou para a Sapucaí um carnaval extremamente luxuoso. O enredo falava do sonho de voar, sem
necessariamente se fixar na realidade, abrindo espaço para
mitos e lendas. Os signos que formam a marca do patrocinador – como logo, mascote, slogan, jingle, produto etc. (PEREZ
2004, p. 152) – foram deixados de lado no desfile, tendo havido referência apenas ao fundador da empresa, Rubem Berta,
e à fuselagem prateada de seus aviões.
Ainda que, no carnaval de 2002, a Beija-Flor tenha sido a vicecampeã, parece que quem melhor soube associar as estru- Figura 4 - Carro da Beija-Flor com avião de fuselagem
prateada, remetendo à Varig, 2002.
turas carnavalescas aos objetivos de comunicação de uma
marca foi o Salgueiro, que alcançou apenas um sexto lugar.
Usando de criatividade, a escola patrocinada pela TAM conseguiu apresentar na avenida um enredo coerente, sem ares de pura propaganda. Por outro lado, a Beija-Flor fez um carnaval brilhante, mas sem conseguir
trazer à percepção do público os signos da marca Varig.
236
Bruno Pompeu
No carnaval seguinte, em 2003, outra parceria interessante: a Companhia Vale do Rio Doce investiria R$ 2,5
milhões na escola de samba Grande Rio. O enredo seria “O nosso Brasil que vale”, com o desfile exaltando
as riquezas minerais do Brasil, lembrando os ciclos de mineração na história brasileira e, por fim, mostrando
o lado positivo da mineração contemporânea, com seus investimentos em preservação ambiental, em educação etc. Além disso, a Vale ainda elaborou um complexo e consistente conjunto de ações promocionais
a fim de potencializar comercialmente o evento carnavalesco. Um grande e luxuoso camarote foi montado
pela mineradora na Marquês de Sapucaí para receber seus principais fornecedores, executivos, parceiros e
futuros investidores, principalmente estrangeiros. Contam os que lá estiveram que não foi preciso esperar
mais do que quatro horas para que acordos e contratos fossem fechados lá mesmo – em meio aos confetes
e às mulatas –, envolvendo valores centenas de vezes maiores do que os investidos pela Vale no carnaval.
O terceiro lugar obtido com o carnaval financiado pela Vale fez com que a Grande Rio apostasse, em 2005,
em uma nova parceria. Dessa vez, a Nestlé seria a grande patrocinadora, injetando no barracão da escola
quase três milhões de reais. O enredo falaria sobre a alimentação de uma forma ampla, abrangendo os lados
afetivo, simbólico e cultural das refeições e das comidas. O samba enredo da escola trouxe referências claras
aos produtos da Nestlé, como o Leite Moça e o Leite Ninho. Entretanto, o desfile em muito se distanciou dos
signos da marca patrocinadora e a comunicação mercadológica por meio do carnaval ficou praticamente
anulada.
O que faz com que investimentos vultosos nas escolas de samba resultem em desfiles confusos, sem mensagem definida, que em nada colaboram para a empresa patrocinadora? O que pode ser feito para que uma
escola de samba e uma empresa privada possam sambar juntas, com conjunto, harmonia e evolução nota
dez? Respostas a essas perguntas é o que procuram gerar as próximas partes deste trabalho.
4. Enredo – O patrocino, um tema em evolução
O marketing cultural – ou a “comunicação por ações culturais”, como prefere chamar Yanaze (2007, p. 457)
– e o patrocínio são importantes ferramentas no planejamento de comunicação de uma empresa. E um
primeiro passo nesse planejamento é a busca pela adequação entre os interesses da empresa e as características da manifestação artística financiada. Porque, “da mesma forma que uma marca, um evento patrocinado
pode ter uma série de associações” (COSTA 2004, p. 27). E, no caso específico do carnaval, isso se torna mais
relevante ainda, porque, além de o evento em si ter sua atmosfera própria, as escolas de samba também
possuem “personalidade” – e isso deve ser levado em conta.
Embasando o marketing cultural com fins de construção ou aprimoramento de imagem está o fato de que,
ao associar-se a projetos culturais, a empresa logra transferir para sua marca os atributos relacionados à
própria cultura, como criatividade, inovação, modernidade, flexibilidade, tolerância e respeito às raízes da
sociedade. (REIS 2006, p. 86).
Uma empresa que tenha por objetivo posicionar sua marca no campo da ousadia e da inovação não deve
procurar patrocinar agremiações tidas como tradicionais e conservadoras, como a Portela e o Império Serrano, por exemplo. Da mesma forma que uma empresa antiga e familiar não deve se vincular a agremiações
vistas como modernas e pirotécnicas, como a Grande Rio e a Viradouro. Ainda: Beija-Flor e Mangueira são
escolas potentes, guerreiras, muito ligadas às comunidades – ideais para se comunicar liderança e vitalidade;
Salgueiro e Vila Isabel são escolas animadas, eufóricas, tradicionais, porém abertas a inovações – boas para
se comunicar renovação.
Costa (2004, p. 28) afirma que uma das associações mais importantes que se pode ter a partir de um patrocínio artístico é “ser global: a marca aproxima-se da comunidade onde está inserida, desenvolvendo as-
237
sociações locais mais fortes”. Eis aí o ponto em que o carnaval carioca se destaca. Todas as escolas de samba
do Rio de Janeiro possuem um enraizamento bastante forte na sua comunidade, contando com ela na confecção de fantasias, nos ensaios técnicos, no dia-a-dia como um todo. Ou seja: marcas que queiram exaltar
sua penetração nessas comunidades, (em geral, carentes) ou que desejem se aproximar das massas podem
se valer do carnaval.
De maneira bastante didática, Reis (2006, p. 72) destaca os objetivos mais comuns que as empresas buscam
ao patrocinar a arte e a cultura:
a) Estabelecer uma comunicação direta com o público-alvo: o desfile de uma escola de samba é,
sem dúvida nenhuma, um evento de comunicação. “O espetáculo não é um conjunto de imagens, mas uma
relação social entre pessoas, mediada por imagens” (DEBORD 1997, p. 14). A escola de samba, então, se vale
de signos – icônicos, indiciais e principalmente simbólicos – para entrar em sintonia com seus públicos. E,
por públicos, entendam-se os quase cem mil pagantes que anualmente lotam o sambódromo, os milhões de
espectadores que assistem à festa pela TV, os incontáveis foliões que enchem as quadras das escolas o ano
inteiro etc.
b) Atrair, manter e treinar funcionários: eis aí outro ponto em que o carnaval pode ser interessante.
Pouca gente sabe, mas o barracão de uma escola de samba funciona o ano inteiro e abriga profissionais
de diversas áreas, como engenheiros, arquitetos, ferreiros, marceneiros, escultores, pintores, costureiros,
aderecistas e decoradores, todos trabalhando em um ambiente familiar, animado, descontraído e acolhedor.
De modo que os funcionários da empresa patrocinadora seriam muito bem recebidos, tornando possível a
realização de oficinas de criatividade ou cursos de chapelaria e bordado, por exemplo. A Vale, quando patrocinou a Grande Rio, criou um jeito de envolver seus funcionários: realizou concurso interno cujos prêmios
eram desfilar na escola e assistir aos demais desfiles do camarote oficial. Sucesso absoluto.
c) Estabelecer relações duradouras com a comunidade: uma marca que patrocine uma escola de
samba – e que se faça presente durante todo o ano na quadra e na comunidade – acaba ganhando o afeto
dessa população. “Hoje, e cada vez mais, o envolvimento da empresa com a sociedade se dá através de projetos dos quais ela é parte atuante” (REIS 2006, p. 81).
d) Reforçar ou aprimorar a imagem corporativa ou da marca: na medida em que, a cada ano, as
escolas de samba apresentam um enredo diferente, os conceitos a que a empresa patrocinadora deseja se
associar podem ser selecionados e desenvolvidos de forma criativa e ampla. Além da personalidade própria
da escola, o enredo escolhido também vai compor o universo semântico de que se servirá a marca patrocinadora. Assim, por exemplo, a liderança típica da Beija-Flor pode ser compatibilizada com traços emocionais
de um possível enredo afetivo. A empresa financiadora, nesse caso, teria seus signos apresentados durante
o desfile, sob uma atmosfera guerreira, potente e, ao mesmo tempo, afetiva e emocional.
Baseado em casos de patrocínios bem-sucedidos e fracassados, Aaker (2000, p. 236) apresenta “as sete
chaves dos patrocínios eficazes”, como um rol de etapas rumo ao sucesso. Todas elas são perfeitamente
aplicáveis em caso de patrocínio carnavalesco. Porém, a chave de número cinco se destaca: “Busque oportunidades de publicidade”.
No Brasil, os festejos de Momo costumam gerar um volume considerável de matérias jornalísticas, nos mais
variados meios. Mal se dissipa a fumaça dos fogos de artifício que anunciam o ano novo, e a Rede Globo salpica ao longo de sua programação vinhetas com os sambas de enredo para o próximo carnaval. Em termos financeiros, quanto custaria para uma empresa anunciar durante os meses de janeiro e fevereiro, diariamente,
238
Bruno Pompeu
na Rede Globo? Isso sem falar nos programas de televisão e de rádio, nas revistas, nos jornais e nos sites que
se dedicam a cobrir o carnaval carioca.
Durante o carnaval, diversas revistas são distribuídas gratuitamente pelo sambódromo e pelos hotéis e aeroportos do Rio de Janeiro. São publicações bem acabadas, de alta qualidade gráfica, que comportam anúncios
de vários tipos e formatos. Se ainda pode ser negativo para uma escola de samba anunciar abertamente o
fato de ter um enredo patrocinado, nada impede que uma empresa se orgulhe de estar patrocinando uma
agremiação carnavalesca. Donde anúncios pagos por tal empresa podem – e devem – aparecer nos veículos
acima citados, propagando a parceria, incentivando a escola, saudando os turistas, exaltando o carnaval. Não
bastasse isso, as próprias escolas de samba distribuem suas revistas no sambódromo, a fim de detalhar o
enredo, explicar as fantasias e as alegorias etc. São outros espaços publicitários viáveis, de preços absolutamente passíveis de negociação.
Além disso, a empresa patrocinadora conta com outras diversas possibilidades de publicidade, sendo a quadra da escola uma das principais. Geralmente comportando cerca de dez mil pessoas, as quadras são locais
extremamente concorridos – especialmente de setembro a fevereiro –, onde pessoas dos mais diferentes
extratos sociais convivem – e consomem – harmoniosamente. São locais em que facilmente se consegue
anunciar – seja por meio de grandes banners, de quiosques, de mobiliário (mesas e cadeiras), de camisetas,
de brindes, de jingles etc.
Como faz lembrar Costa (2004, p. 53),
o patrocínio não é suficiente para vincular marca a evento patrocinado, sendo necessário conjugar outras
ações para reforçar esse vínculo. Não considerar isso talvez seja o maior risco para o sucesso de um patrocínio, levando-o a resultados abaixo do esperado.
Daí que se recomende, outra vez, um verdadeiro engajamento da empresa patrocinadora no cotidiano do
carnaval.
As celebridades – cada vez mais em alta no que se refere à publicidade – são personagens constantes no
contexto de uma escola de samba. Moniques e Lumas sempre foram estrelas da passarela, carregando em
seus esplendores imensas quantidades de carisma, identificação e sedução. Assim, uma Adriane Galisteu ou
uma Juliana Paes – garotas-propaganda das mais caras, e rainhas de bateria sempre presentes – acabariam,
de certo modo e de graça, colaborando para a comunicação da marca patrocinadora.
Outras duas das “sete chaves dos patrocínios eficazes” – “Busque uma adequação excepcional” e “Gerencie
ativamente o patrocínio” – merecem atenção, na medida em que podem configurar a real pavimentação da
ponte perfeita entre as marcas privadas e as escolas de samba. Sonhar não custa nada e o meu sonho é tão
real.
5. Apoteose – A proposta semiótica inovadora
O patrocínio carnavalesco, “em termos de controle, difere da propaganda, pois o patrocinador tem pouco
controle sobre a cobertura dada ao evento patrocinado” (COSTA 2004, p. 19), e menos ainda sobre o conteúdo exato do desfile. Uma visão simplista poderia gerar a idéia de que a marca patrocinadora deveria
exigir da escola patrocinada a inserção de seu logo, seus produtos, seu slogan de forma explícita no desfile.
É Debord (1997, p. 33) quem sugere outro caminho: “o consumidor real torna-se consumidor de ilusões. A
mercadoria é essa ilusão efetivamente real, e o espetáculo é sua manifestação geral”. E continua: “o mundo
presente e ausente que o espetáculo faz ver é o mundo da mercadoria dominando tudo o que é vivido”. Zoz-
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zoli (2007, p. 36) também toma partido: “a publicidade procede por alusões, elipses e metáforas, provocando
convivências. Em nenhum caso deve ser vista como descrição meramente informativa”. Ou seja, para se falar
de produtos e marcas (mercadorias), o carnaval (espetáculo) não precisa ser didático e literal. A linguagem
carnavalesca é um ambiente privilegiado para a cenografia das marcas.
Mas, para que se consiga essa harmonia, é necessário que haja confiança mútua entre patrocinador e escola
de samba. Mais ainda:
partindo-se do pressuposto de que o nome da empresa estará atrelado ao do projeto, é fundamental
que seu proponente tenha comprometimento, competência e responsabilidade, seja ele um produtor
cultural, um representante do artista ou instituição cultural (REIS 2006, p. 115).
Isso faz pensar, então, nos agentes envolvidos em um caso de patrocínio carnavalesco. Se, de um lado, estão
o planejamento e o marketing (cultural) das empresas, quem está do outro? É sabido que escolas de samba
ainda não têm, em seus quadros de funcionários e colaboradores, produtores culturais, especializados em
captar recursos para os desfiles. De modo que “artista” e “agente cultural” – segundo a classificação de Costa
(2004, p. 89) – geralmente se fundem na figura do carnavalesco. É ele que, antes de desenhar os carros
alegóricos e as fantasias, vai conversar com os patrocinadores, procurando um caminho viável de se adequar
os propósitos da empresa aos objetivos da escola. Em outros casos, a escola conta com uma comissão de
carnaval ou ainda com uma diretoria cultural. De modo geral, para uma boa relação entre a empresa patrocinadora e a escola de samba, há que se contar com “profissionais de larga cultura geral, de espírito curioso e
disponível, que façam prova de rigor e objetividade, mas também que sejam intuitivos, imaginativos e críticos” (ZOZZOLI 2007, p. 42). Por isso, cada vez mais, equipes de profissionais do carnaval (ex-carnavalescos, diretores de harmonia, jornalistas, pesquisadores) fazem o intermédio entre a empresa e o artista (carnavalesco). Nas reuniões iniciais entre as duas partes,
para que se tenha sucesso com a estratégia de patrocínio, deve-se buscar uma visão abrangente e ao
mesmo tempo do passo-a-passo da ação. Toda a reflexão deve partir da minuciosa explicação e do total
esclarecimento acerca da atividade (FARIAS 2007, p. 424).
Uma exigência que se costuma fazer à escola patrocinada diz respeito ao samba enredo. Geralmente, obrigam-se os compositores a incluir nas obras “palavras-chave”, como nome de produtos, slogans e títulos. Só
que exigências desse tipo podem gerar grandes fracassos. Fazendo uso da teoria de Peirce, apresentada por
Santaella (2004), pode-se dizer que o samba de enredo é um signo – “alguma coisa que representa algo para
alguém” (p. 11) –, e que se refere a duas instâncias separadas: o enredo, expresso em uma sinopse, [objeto
imediato, “sugestão ou alusão que indica o objeto dinâmico” (p. 39)]; e o desfile como um todo [objeto
dinâmico, “referência última” (p. 45)].
Os compositores de uma escola de samba não são semioticistas (não?), mas parecem já ter entendido perfeitamente essa relação signo-objetos. De modo que uma sinopse bem escrita e uma palestra com a comissão
de carnaval (que pode incluir membros da empresa patrocinadora) bastam para que grandes sambas sejam
apresentados, contendo em seus versos – e obedecendo à linguagem típica do gênero – todos os elementos
necessários para a divulgação da marca.
Quanto ao desenvolvimento do desfile, outras importantes considerações devem ser feitas: “para que seja
eficaz, o patrocínio deve ser gerenciado ativamente, estabelecendo metas claras, supervisionando atividades
de perto e medindo resultados”. Porém, “é importante que se resista à tentação de interferir no produto cultural em si” (COSTA 2004, p. 110). Novamente: o diálogo e a transparência são a solução.
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Bruno Pompeu
Conforme ensina Perez (2004, 2007), uma marca é composta por expressividades sígnicas, e uma delas – notadamente icônica – é a cor. E as escolas de samba também têm suas cores – afinal, são marcas –, mas já faz
tempo que o uso dessas cores em todo o seu desfile não é obrigatório – salvo exceções verde e rosa. O que
se quer dizer é que seria fundamental uma adequação cromática entre a marca patrocinadora e a escola de
samba. Porque a dimensão icônica do signo é a primeira a atingir o receptor e, em um contexto em que citações literais da marca são proibidas, essa dimensão deve ser valorizada. Foi o que fizeram as já citadas TAM
(Salgueiro) e Varig (Beija-Flor).
Em 2005, a Grande Rio abriu seu desfile com um longo setor verde. Só que o patrocinador do enredo era a
Nestlé, muito mais fácil de se associar à cor azul. Simbologias à parte, é recomendável que “a cor” de uma
marca predomine no desfile.
A quantidade de signos, objetos e interpretantes de uma marca (PEREZ 2004, 2007) que pode aparecer ao
longo de um desfile carnavalesco é infinita, dependendo do arcabouço que a própria marca tenha desses
signos. A seguir, algumas possibilidades:
Signos da marca
Possibilidade carnavalesca
Nome
Sendo um substantivo comum, pode aparecer de forma polissêmica. Ex.: Surf (alegoria), Moça (ala),
Seda (fantasia).
Logotipo
Formas estilizadas, tridimensionais, animadas ou coreografadas podem fazer parte do desfile. Ex.:
Ninho, Dove, Kibon.
Embalagem
Formas célebres podem aparecer apenas como contorno.
Ex.: O Boticário, Coca-cola, Sonho de Valsa, Veja.
Slogan
Pode aparecer em versos do samba enredo.
Personalidade
Garotos-propaganda podem desfilar como destaque.
Mascote
Podem aparecer em alegorias ou alas e desfilar.
Ex.: Variguinho, Galinha Azul, Lequetreque.
Fragrância
Já são comuns carros alegóricos exalando cheiros. Podem exalar o cheiro de algum produto ou
categoria. Ex.: café, chocolate.
Jingle
Melodias já célebres podem aparecer nos sambas de enredo.
Ex.: Cobertores Paraíba, Guaraná Antarctica, Cerveja Brahma.
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Quanto aos objetos (em uma acepção semiótica) da marca, o que deve ficar claro é que o desfile da escola de
samba deve também ser adequado. Assim, surge uma série de outras possibilidades, sempre potencialmente
multiplicadas pela criatividade dos carnavalescos.
a) Produto: os carnavalescos usam diversos materiais na hora de elaborar suas alegorias e fantasias.
Em muitos casos, buscam-se opções criativas a partir de sucata. Embalagens vazias (sem rótulo aparente) da
marca patrocinadora são uma possibilidade.
b) Design: as escolas de samba e os carnavalescos possuem “estilo” (barrocos, tradicionais, high-tech,
criativos etc). Uma marca que tenha o design de seus produtos como forma de posicionamento moderno e
futurista deve fugir dos carnavalescos rococó, procurando agremiações com desfiles mais arrojados.
c) Matérias-primas: deve haver uma adequação entre os materiais escolhidos pelas escolas e aqueles
usados pelo patrocinador. Por exemplo: transparências, espelhos e brilho devem se adequar a marcas modernas e tecnológicas; plumas, paetês e espuma devem compor o desfile patrocinado por uma empresa que
se posicione como luxuosa.
Por fim, os interpretantes (os efeitos de sentido construídos nas mentes dos intérpretes). Funcionais ou
emocionais, os interpretantes de uma marca devem coincidir com os interpretantes potencialmente gerados
pelos signos que compõem o desfile patrocinado. É claro que não se pode ter domínio sobre o interpretante,
mas os carnavalescos e os profissionais de marketing são parceiros nessa tarefa: ao operar os signos, procuram descobrir seus objetos, para poder prever os interpretantes.
Assim, se uma marca sabe que seu interpretante – que, em uma perspectiva de gestão de marca, equivale
à sua imagem, conforme preconiza Perez (2007) – envolve conceitos como elegância, luxo, glamour, ostentação e poder, ela deve desenvolver – em conjunto com a escola – um desfile que procure gerar essas
mesmas potencialidades. Destaques bem vestidos (elegância), fantasias requintadas (luxo), alegorias bem
decoradas (glamour), materiais caros (ostentação) e bateria bem marcada (poder) são possibilidades interessantes. Seguindo a mesma idéia, um patrocinador ousado, irreverente, tecnológico e festivo deve procurar
uma agremiação que possibilite um desfile com fantasias criativas (ousadia), bateria fazendo várias paradinhas (irreverência), alegorias com néon (tecnologia) e samba enredo animado (festividade).
Então é assim: para marcas tradicionais, escolas conservadoras; para empresas contemporâneas, carnavalescos futuristas; para patrocinadores festivos, desfiles alegres. E a tristeza? Nem pode pensar em chegar.
6. Dispersão – As considerações finais
O Diagnóstico dos investimentos em cultura no Brasil (1998, p. 71), relatório da Fundação João Pinheiro2,
mostra que, dentre os fatores que motivam as empresas a investir em arte, destacam-se “ganho de imagem
institucional”, “agregar valor à marca da empresa” e “reforço do papel social da empresa”. Somente em
quarto lugar é que aparece a busca por benefícios fiscais como propósito de patrocínio. É louvável.
E isso tende a crescer. Porque, “a cada dia, a quantidade de ofertas entre produtos concorrentes aumenta”
(FARIAS 2007, p. 418), muitos deles dentro de uma mesma faixa de preço, eliminando o fator financeiro
como parâmetro decisório. Além disso, o aumento da complexidade dos mercados faz com que a qualidade
dos produtos se assemelhe, dificultando ainda mais uma diferenciação tangível. Isso tudo
2 Disponível no site do Ministério da Cultura.
242
Bruno Pompeu
direciona a responsabilidade pela decisão para o campo externo às condições de produto, venda e distribuição, momento em que a comunicação pode ser fator persuasivo determinante. Nessa situação, é
necessária a criação de elementos diferenciais capazes de agregar algo a mais ao discurso do produto,
algo que lhe acrescente a noção de utilidade marginal (FARIAS 2007, p. 418).
A proposta deste estudo foi mostrar como o desfile das escolas de samba do Rio de Janeiro pode ser uma
interessante forma de se obter os benefícios acima citados. Nesse sentido, Zozzoli (2007, p. 35) dá o aval, ao
lembrar que
a publicidade está em todos os lugares: em revistas, diários, na tevê, no cinema, na internet, nas paredes,
na rua, em outdoors, nos pontos-de-venda, nos meios de transporte, no correio tradicional e eletrônico e
em tantos outros veículos possíveis.
E continua, categórico (2007, p. 41): “qualquer mídia, analisadas suas audiências e sua relação custo-benefício, é vetor potencial de publicidade”.
Por que não no carnaval? Aprofundamentos e desdobramentos teóricos são mais do que possíveis: são
necessários. Porque tudo é ainda muito incipiente, com poucos exemplos para se tomar como referência.
Todavia, o fato de grandes empresas – como Nestlé, Vale e Petrobrás – já terem se interessado pelo carnaval
carioca como ação publicitária faz com que se desperte a atenção de todos.
A Academia, portanto, deve estar atenta a isso tudo. Porque o carnaval é arte e cultura. Porque o desfile das
escolas de samba é um evento eminentemente de comunicação. Porque a união entre mercado e cultura –
seja sob a forma de patrocínio, mecenato ou filantropia – não pode ser vista como sinônimo de pouca qualidade artística ou de pura enganação corporativa.
Os cinco sentidos das ciências da Comunicação devem estar abertos a tudo o que cheire a novo, a tudo o que pareça estranho,
a tudo o que seja recente. Sem preconceitos para que formas
comunicativas de arte recebam a investigação necessária e possam avançar no tempo embasadas em seriedade, rigor e conhecimento.
Para o carnaval de 2011, está anunciada uma parceria que promete causar impacto e chamar a atenção. É que a Fox Filmes
do Brasil firmou acordo de patrocínio com a escola de samba
Acadêmicos do Salgueiro (em um valor estimado em cinco mil- Figura 5 - Logo do enredo do Salgueiro para 2011:
hões de reais) para divulgar durante o desfile carnavalesco da
parceria com Fox Filmes
escola a nova animação dos estúdios Fox: “Rio 3D”. O enredo da
escola recebeu o nome de “Salgueiro apresenta: o Rio no cinema”, está sendo desenvolvido pela sua Diretoria Cultural e deve abordar a história da produção cinematográfica brasileira, sem deixar de mencionar filmes
célebres que tiveram o Rio de Janeiro como cenário.
Se o que foi apresentado neste breve estudo for levado em conta, pode-se dizer que a parceria tem tudo para
dar certo. Trata-se de uma grande marca, dona de signos absolutamente interessantes e extremamente ricos
em memorabilidade, aliada a uma grande escola de samba, que conta com um genial carnavalesco e com
uma comunidade aguerrida. Se os signos das marcas patrocinadoras serão apresentados de forma criativa e
eficiente, sem que se precise abandonar a tradicional linguagem carnavalesca, só o tempo vai dizer.
Como será amanhã? Responda quem puder.
243
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245
Imagens da publicidade
de alimentos amazônicos:
valores e práticas de
consumo sugeridos1
IMAGES OF FOOD ADVERTISING
FROM AMAZON: VALUES AND
CONSUMPTION PRACTICES
SUGGESTED
Eneus Trindade
Resumo O artigo discute sobre aspectos e implicações simbólicas das representações da mídia publicitária
sobre alimentos de origem amazônica que circulam no mercado de consumo como artigos raros, exóticos
ou naturais. O foco principal de discussão se dá em relação aos tipos de consumo e as implicações possíveis
sobre as respectivas práticas culturais e socioeconômicas que tal mediação exerce na vida social, ou seja, na
produção de sentidos desse contexto que cria visões de mundo estereotipadas sobre aspectos alimentares
da Amazônia que se difundem amplamente no mundo do consumo e que também escondem o sentido de
risco ambiental que tais consumos alimentares podem desencadear. No final do texto também são apontados caminhos para um estudo fotoetnográfico do consumo alimentar da Amazônia.
Palavras-chave: Publicidade; Comunicação; Alimentos; Amazônia; Produção de sentido; Consumo.
Abstract The article discusses aspects and implications of symbolic representations of food advertising from Amazon moving into the consumer market as rare items, exotic or natural. The main focus of
discussion is on the types of consumption and the possible implications on their socioeconomic and
cultural practices such mediation has in social life, that means, the production of meaning in this context that creates world views stereotypical aspects about food Amazon that spread widely in the world
of consumption and also hide the meaning of environmental risk that such consumption habits can
trigger. At the end of the text, we also suggest ways to a photoethnographic study of food consumption
in the Amazon.
Keywords: Advertising; Communication; Food; Amazon; Production of meaning, Consumption.
1 Trabalho originalmente apresentado no Encontro Representações da Amazônia na mídia, da programação da SBPL, durante a 61ª
Reunião Anual da SBPC, realizada de 12 a 17 de julho de 2009, na Universidade Federal do Amazonas, Manaus-AM.
246
Eneus Trindade
Introdução
Trata-se de uma discussão sobre aspectos e implicações simbólicas das representações da mídia publicitária
sobre alimentos de origem amazônica que circulam no mercado de consumo como artigos raros, exóticos
ou naturais. O foco principal de discussão se dá em relação aos tipos de consumo e as implicações possíveis
sobre as respectivas práticas culturais e socioeconômicas que tal mediação exerce na vida social, ou seja, na
produção de sentidos desse contexto que cria visões de mundo estereotipadas sobre aspectos alimentares
da Amazônia que se difundem amplamente no mundo do consumo.
Para tanto este trabalho busca definir o papel comunicacional da publicidade, discute suas implicações nas
construções de sentidos das práticas de consumo, bem como considera a reflexão sobre os riscos desse tipo
de consumo.
Por fim, o trabalho analisa três casos de publicidade de alimentos de produtos amazônicos. O primeiro se
refere ao anúncio da Amazonastur – Empresa Estadual de Turismo do Governo do Amazonas, que faz uma
síntese publicitária sobre os sentidos da gastronomia amazônica e exibe imagens de frutos amazônicos. O
segundo anúncio, é da rede de restaurantes Barbacoa que divulga seu menu especial composto por peixes
amazônicos e o terceiro anúncio expõe o consumo de uma marca de açaí Frooty que, depois do guaraná,
revela-se hoje como grande modismo da cultura alimentar de consumo nacional, que tem sua origem na
Amazônia.
Assim, apresentamos no final da discussão algumas considerações sobre as implicações dessas representações para o consumo e para o desenvolvimento sustentável da região em pauta, bem como aponta para
outras perspectivas de estudos a respeito da fotoetnografia da publicidade e do consumo alimentar na região
amazônica.
A publicidade e seu papel comunicacional
A publicidade com já enunciou Jean Baudrillard tem que ser vista como um discurso sobre o consumo e que
também é objeto de consumo psíquico. (Baudrillard 1973: 173-204). E como um discurso dialógico, no sentido dado em Bakhtin (1975), é capaz de dialogar com outros discursos do cotidiano e das mídias (cinema,
jornalismo, televisão, literatura, teatro, pintura, discurso científico, discurso doméstico, da vida do trabalho,
entre outros), gerando um conflito entre subjetividades e gêneros discursivos, cujo efeito hegemônico da
publicidade capitalista, tenta atenuar ou apagar tais conflitos polifônicos para criar um falso efeito, ao menos
no modo do parecer, de monofonia que cria um efeito de sentido de harmonia e equilíbrio também aparente,
pelo apagamento das vozes em conflitos.
Desse modo, o aspecto comunicativo da publicidade, mais do que nunca plasmada aos meios de comunicação, se define pela função de colaborar para a construção da ambiência sociocultural e econômica das
marcas, bem como de seus valores na vida do consumo. Mas embora tal estímulo comunicativo implique em
desencadear um possível processo de compra/consumo, isso não significa dizer que o indivíduo ao entrar em
contato com a publicidade irá necessariamente desenvolver o ato de compra.
Mais do que influenciar no ato de compra, a publicidade sugere atitudes que se transformam em padrões
e tipos de comportamentos que se estratificam e criam, por empatia, identidades para os consumidores (Cf.
Garcia Canclini 1995). Certamente a publicidade colabora para o consumo, mas sua função não se resume ao
estímulo da compra em si.
247
Imagens da publicidadede alimentos amazônicos:
Valores e práticas de consumo sugeridos
A publicidade, sua recepção e as práticas de consumo
As afirmações anteriores podem ser compreendidas, quando buscamos estabelecer diferenças entre a recepção publicitária e as práticas de consumo realizadas na vida cotidiana, pois na maior parte das ocorrências
as compras não acontecem por influência direta da publicidade. O que também não significa dizer que a
publicidade não cumpre sua função comunicativa.
Desse modo, esclarecemos que o estudo da recepção publicitária se delimita à compreensão da interface
da mídia na vida das pessoas, a partir de um olhar orientado por algumas categorias mediadoras a serem
verificadas caso a caso. Contudo, a produção de sentido dessa recepção repercute diretamente em práticas
culturais, como as práticas de consumo, no caso da publicidade, criando elos sígnicos comuns a essas instâncias (recepção/consumo). É nesse percurso que buscamos entender o consumo na sua especificidade.
(Trindade 2008).
A partir do exposto, percebemos que o consumo só tem sentido dentro de uma prática ritualística das significações estabelecidas na relação dos objetos com seus consumidores. Isso nos mostra, que a antropologia tem muito a contribuir com a reflexão sobre o homem no seu ambiente de consumo o que tem levado
muitos pesquisadores como Brandini (2007) a refletir a necessidade de se pensar e realizar investigações
empíricas acerca de experiências etnográficas do consumo.
Longe de discutirmos se a utilização dos métodos etnográficos pelo mercado faz jus aos preceitos da antropologia clássica, manifestamos nossa concordância com o fato de que, aquilo que se vê como prática de
consumo deve ser densamente descrito na etnografia, respeitando-se os seus modos de ritualização, no
momento das conexões etnológicas, o que permitirá o entendimento de uma dada prática de consumo e a
constituição de uma antropologia do consumo.
Nessa perspectiva, esperamos encontrar caminhos que demonstrem a importância das práticas de consumo
à vida cultural, sabendo que a recepção publicitária, em sua produção de sentido, é a principal prática discursiva que dá condições simbólicas de existência a esse tipo de prática nas culturas. (Trindade 2008).
Mas esse não é o objetivo deste texto. Aqui nos interessa outro aspecto, pois de outro lado, no campo das
mensagens em si e de suas possíveis interpretações pelo público, possível consumidor, existem os registros
de práticas de consumo sugeridas referente ao universo simbólico do produto, marca ou serviço anunciados.
Isso implica concluir que o discurso publicitário idealiza seu consumo e busca modelá-lo em suas marcas discursivas, que podem ou não ser incorporadas na recepção publicitária e nas práticas de consumo.
Quando essa relação publicidade e prática de consumo se consolida, percebemos a existência de vínculos
entre a mensagen/recepção publicitária e as práticas de consumo, pois “os meios de comunicação lidam com
um comum social de informações, valores e necessidades que constituem a representação do que passa a
ser buscado na concretude das práticas cotidianas, segundo tempos e espaços definidos” (Souza 2005: 15).
Isto é, há uma relação identificadora de pertinência e pertencimento entre as representações das mensagens
e as vidas dos indivíduos. Mas que tipos de vínculos ou pontos de contatos seriam esses?
É na perspectiva de percebermos as sugestões de práticas de consumo pelo discurso da publicidade de alguns alimentos amazônicos, que buscamos compreender os tipos de vínculos de sentidos possíveis de serem
estabelecidos entre a recepção e as práticas de consumo que vamos dar sequência a este estudo. Contudo,
não podemos perder de vista as implicações que tais sugestões de práticas de consumo e tipos de vínculos
podem acarretar para os casos estudados, aqui delimitados às representações das publicidades e marcas de
alimentos da região amazônica.
248
Eneus Trindade
Assim, antes de passarmos aos estudos dos exemplos, gostaríamos de dimensionar alguns aspectos ligados
à sustentabilidade, ao consumo consciente e da comunicação de risco, no que se refere às implicações destas temáticas no campo da publicidade, para podermos estabelecer correlações com o discurso publicitário
sobre o consumo de alimentos amazônicos no contexto contemporâneo.
A publicidade, seus sentidos e a dimensão do risco amiental: opções metodológicas
Hoje uma das grandes problemáticas enfrentadas pelo capitalismo é a de encontrar alternativas para fornecer uma conexão coerente das suas ações de produção e consumo em acordo com a perspectiva do desenvolvimento econômico sustentável.
Nesse sentido, no que diz respeito à publicidade, ficam as seguintes questões: como o discurso que estimula
o consumo pode servir ao discurso do desenvolvimento sustentável? Considerando-se que o consumo sempre implica um desgaste, esgotamento. E, ainda, quando a publicidade se diz a serviço da sustentabilidade,
ela acontece de fato ou é uma ação retórica da comunicação em marketing?
Para buscar caminhos que auxiliem a responder questões tão desafiantes, que aqui não pretendemos resolvêlas, indicamos algumas perspectivas que vislumbram um papel socioambiental, mais engajado da publicidade.
A origem do termo publicidade em latim deriva de publicus ou publicitas, aquilo que deve ser vulgarizado ou
tornado público, acessível a todos. (Barbosa 1995: 31-32). Nessa perspectiva, a publicidade teria um papel
social de tornar público aquilo que é de interesse público e, dessa forma, podemos dizer que hoje o que a
publicidade faz é uma comunicação que atende o interesse de alguns públicos e de alguns anunciantes, mas
efetivamente não cumpre sua missão de tornar público o que seria de interesse de todos. E quando faz isso,
essas ações são confundidas com ações de caráter governamental.
Fica de fora desse cenário publicitário, a comunicação de risco, por exemplo, que pode ser entendida como
uma comunicação de verdadeiro interesse público. Para Batista (2007: 427), a comunicação de risco seria
uma propaganda que tem um papel distinto da relação que a propaganda tradicional tem com o receptor,
pois nesta última, o receptor percebe os elementos positivos ou benefícios do que é anunciado e na primeira
o receptor, a partir de seu grau de percepção sobre o risco apresentado, é colocado diante de uma situação
que implica em uma decisão, tomada de atitude, para a prevenção contra o risco anunciado.
No caso do consumo, muitos produtos oferecem benefícios, mas também oferecem riscos. Todavia, nem
sempre as empresas produtoras ou distribuidoras são obrigadas a comunicar o teor desse risco, às vezes restritos às comunicações de embalagens. No que diz respeito ao objeto de nossa investigação a publicidade de
alimentos amazônicos, sabemos que a produção dessas mercadorias é muitas vezes dada por processos de
produção extrativistas, poucas vezes respeitando os direitos trabalhistas, humanitários e a sustentabilidade
ambiental da matéria explorada. Isso implica dizer que muitos dos bens consumidos pela sociedade, podem
estar mais próximos de um desenvolvimento perverso do que do desenvolvimento sustentável.
Em função do exposto, como se pode trazer à tona as discussões aqui levantadas, se o discurso publicitário
cria em suas mensagens um efeito de neutralização de vozes que estão contra a lógica perversa da produção
consumo?
É neste momento que lançamos mão da metodologia semiótica, como caminho para revelar aspectos ocultos do discurso publicitário sobre alimentos da Amazônia. Os estudos da semiótica narrativa e discursiva de
Greimas e Courtés (1979) e os avanços contemporâneos da sociossemiótica de Pais (1989), sobre tradição vs
249
modernidade e desenvolvimento perverso vs o modelo de sociedades dinâmicas sustentáveis, configuram
modelos teóricos para análise das conjunturas socioculturias como textos. Isso nos possibilita entender o
jogo e confrontos ideológicos entre os sujeitos/instituições no campo das narrativas sobre a sustentabilidade.
Para a semiótica discursiva os textos do mundo se articulam em níveis de organização do conteúdo: a) o
nível fundamental das ideologias manifestadas nos textos, cuja axiologia é analisada pela lógica dialética; b)
o nível narrativo que permite perceber os jogos de força enunciativos entre os sujeitos das narrativas, nosso
objeto de estudo; e, por fim, c) o nível discursivo com seus elementos temáticos e figurativos, para compor a
superficialidade dos discursos.
As narrativas são transformações de um sujeito de um estado inicial para o estado final em relação ao objeto
de valor almejado por este sujeito em seu percurso narrativo. No caso da narrativa da sustentabilidade, o
objeto de valor dos sujeitos/instituições é instituir no mundo uma prática de ações frente ao sistema produtivo capitalista que possibilite a preservação ambiental, bem como manutenção das condições de vida para
as futuras gerações.
A narrativa publicitária busca dois programas narrativos distintos e interdependentes. No primeiro as indústrias, empresas, por meio do trabalho publicitário, oferecem aos consumidores seus produtos e serviços que
precisam ser comercializados e atender às necessidades dos consumidores para que as empresas tenham o
lucro, como objeto de valor.
Já a publicidade é um discurso que destina uma mensagem (um saber/informação) para estimular o consumo, criando expectativas para a satisfação do consumidor a partir do valor agregado às mercadorias e não
às mercadorias em si. O objeto de valor da narrativa publicitária é o valor agregado às marcas/produtos/
serviços. Ver Barbosa e Trindade (2001).
O discurso publicitário da sustentabilidade é então uma sobremodalização ou combinação de discursos de
intencionalidades paradoxais. O primeiro dá freios ao sistema produtivo e o segundo dá vazão à produção
dos sistemas produtivos como trata Gorgulho Braz (2006). Isso cria, em termos interdiscursivos ou dialógicos,
um discurso polifônico, como trata Bakhitn (1975), carregado de subjetividades em conflitos, como enunciamos no início deste texto.
A publicidade como adjuvante do sistema capitalista que estimula o consumo, torna-se também estimuladora dos valores da sustentabilidade que, neste caso, tem seus valores neutralizados, na finalização do processo
de consumo, pois o ser consumidor dos bens do sistema produtivo tal como ele se manifesta nos dias de
hoje é, ontologicamente, algo que anula o ser consumeirista voltado a uma prática de sustentabilidade ou
do consumo responsável.
As constatações aqui feitas nos permitem afirmar que o discurso publicitário da sustentabilidade é muito
mais uma retórica utilizada pelas empresas e não se manifesta de fato como gostaríamos, enquanto prática
efetiva na realidade, uma vez que o sistema produtivo prevalece, na sua racionalidade técnica e na lógica do
esgotamento.
Isso implica em concluir que o discurso publicitário da sustentabilidade, ou seja, difusão de mercadorias e
serviços com os argumentos da sustentabilidade tende a ser falso. Mas a propaganda, como divulgação de
valores, ideologias dependendo do papel institucional do enunciador que a emite, pode ser um adjuvante
efetivo da sustentabilidade. Contudo, em termos do que deve ser uma comunicação de interesse público,
esse argumento parece ser bastante adequado aos propósitos da publicidade como comunicação de qualidade do que dever ser tornado público e realmente do interesse de todos.
250
Eneus Trindade
Além disso, temos que considerar também que há retóricas e “retóricas” sobre a publicidade e o marketing
ligados à responsabilidade social que criam ações mais coerentes e menos coerentes com vista a uma prática
sustentável. Como exemplo dessa busca, podemos citar o caso Natura. A retórica desta marca em suas ações
globais e comunicacionais é mais coerente do que, por exemplo, as ações da Petrobrás que buscam camuflar
suas atitudes prejudiciais ao meio-ambiente, a partir de financiamentos de projetos ambientais e culturais
para fortalecer e restabelecer sua imagem corporativa.
Posto isto, podemos passar a considerar os aspectos não revelados pelos discursos de algumas mensagens
publicitárias de alimentos amazônicos. Para avaliarmos os tipos de sugestões de práticas de consumo que
tais mensagens buscam estabelecer com o mundo do consumo e suas possíveis implicações.
Representações da publicidade de alimentos amazônicos no mundo do consumo
Cabe esclarecer que as análises aqui apresentadas seguirão o modelo semiótico e a consideração de alguns
aspectos de suas retóricas para a definição do consumo, que ao mesmo tempo serão contrapostos aos sentidos de risco que tais mensagens buscam ocultar no que se refere à construção de uma Amazônia sustentável.
O primeiro anúncio, refere-se a um folheto da Amazonastur_ Empresa Estadual de Turismo do Governo do
Amazonas, veiculado na 4ª Feira do Turismo em São Paulo realizada em 2009, cuja frente traz o Título em
destaque “Amazonas – O destino verde do Brasil”, escrito sobre uma folha verde, com gotículas de água, associado a imagens clichês da região (vitória régia, o encontro dos rios, prática de pesca esportiva no rio, teatro Amazonas) e no centro dessa série de imagens temos frutas tropicais – bananas e guaranás, este último
fruto típico da região.
Embora a frente do folheto tenha uma abordagem geral dos aspectos turísticos da Amazônia, o texto no
verso do folheto traz uma síntese interessante sobre a gastronomia da região que, na nossa opinião, busca
justificar o porquê da nossa escolha sobre este anúncio como primeira análise.
Figura 1.
Folheto Amazonastur
Na voz institucional da Amazonastur o texto que também traz informações sobre o encontro dos rios Negro
e Solimões, sobre o teatro Amazonas, sobre a pesca esportiva, sobre o artesanato da região, diz o seguinte
sobre a gastronomia do local:
A gastronomia do Amazonas é tão rica e grandiosa quanto a natureza que a cerca. Como forte influência
indígena, suas receitas se caracterizam pelo sabor inigualável e exuberante de suas ervas, frutas e peixes.
A culinária indígena influencia diretamente na mesa do povo amazonense e conquista inúmeros visitantes
que aqui chegam. (Folheto da Amazonastur, 2009).
Este discurso, no conjunto das demais informações, realça o aspecto da alimentação amazônica como fruto
de uma herança étnica indígena e pautada basicamente na oferta do que sua natureza peculiar, composta de
rios e florestas que proporcionam as ervas, os frutos e os peixes.
251
Portanto, fica claro que o apelo ao consumidor-turista dá-se numa experiência ideológica que valoriza o
mundo selvagem em detrimento do mundo civilizado, embora o teatro Amazonas seja um signo do desenvolvimento histórico da região que viveu seu apogeu de modernização no ciclo da borracha no século XIX,
sendo este um elemento turístico de contraste com a exuberância natural do lugar.
A alimentação seria um dos atrativos dessa experiência. Conseqüentemente, a narrativa turística busca a experiência do consumo com essa alimentação de origem indígena, selvagem, colocando o turista em contato
com um “mundo verde” que se mostra paradisíaco aos olhos desse sujeito (alguém externo ao ambiente que
visita ou que tem a intenção de visitar). Muito próximo ao olhar diagnosticado pelo trabalho de Melo (2007),
sobre as representações enunciativas de narrativas sobre a Amazônia.
A publicidade, como discurso manipulatório dos desejos humanos, funciona como um convite à conjunção
com esse objeto de valor, viver a experiência de estar no destino mais verde do Brasil. Os elementos figurativos do discurso, onde predomina a cor verde, imagens de rios e florestas intensificam o sentido corroborado pela narrativa e a ideologia que a sustenta e nos mostra no campo da alimentação que todo o discurso
a ser explorado pela gastronomia passa pelo aspecto do prazer em saborear algo de caráter étnico, indígena,
e pela figurativização nos textos, dos frutos naturais, exóticos, (castanha do Pará, açaí, cupuaçu, guaraná),
e pelos peixes da região, além das ervas, tubérculos e outros vegetais como o palmito, também extraído da
palmeira do açaí.
O discurso não aborda a questão dos riscos do turismo para a região, nem menciona qualquer tipo de preocupação com a sustentabilidade ambiental, o que também não quer dizer que tal preocupação não faça parte
das ações organizacionais do Estado do Amazonas, nem da Amazonastur, enquanto Empresa Estadual de
Turismo.
De qualquer modo, fica subentendido a este discurso a idéia de paraíso e de recursos naturais abundantes, que
estão em conformidade com a visão histórica de Sérgio Buarque de Holanda (1959) em Visão do Paraíso, que
indicam um olhar turístico é de alguém que, como os nossos colonizadores, ao optarem por visitar a região,
irão explorar as riquezas abundantes do paraíso amazônico. Seria este o real incentivo ao turismo sustentável
da Amazônia? Isso também é corroborado por Melo (2007), e será verificado em outros aspectos da temática
alimentar na publicidade de produtos amazônicos como iremos ver adiante.
O discurso fragmentado sobre a Amazônia atua no imaginário dos diversos sujeitos da metrópole de maneiras diferentes, uma vez que a pluralidade cultural é a marca da metrópole. Em relação a este aspecto, muitos
são os caminhos para a análise. Ainda que assim o seja, inegável é a constatação de que ao termos a temática
Amazônia, levando-se em consideração a maioria da população brasileira, e até mesmo internacional, deparamos com um fato: é um sujeito desconhecido. Conhecemos os fragmentos da vista aérea, dos rios, dos
índios [e da sua gastronomia]. Desejamos o que nos é apresentado, como os antigos em relação ao novo
mundo. Imaginamos e transferimos nosso olhar e nossos recortes culturais, mas desconhecemos o homem
da Amazônia, sua vida, suas dificuldades. Parece ser este um traço de nossa tradição. (Melo 2007: 99-100).
No intuito de aguçar as questões sem ter a preocupação de respondê-las, acrescentamos que o anúncio
analisado, embora turístico, serve-nos de base para seleção de dois produtos alimentares que se manifestam
como exemplos para ilustrar como esses aspectos se prolongam por vários setores do consumo, no nosso
caso a alimentação.
Assim, selecionamos o anúncio do menu de peixes amazônicos da rede de restaurantes Barbacoa e um
anúncio da marca Frooty de açaí. Esses dois produtos são signos do consumo de alimentos amazônicos (peixes e frutas) no mundo do consumo, como produtos naturais, exóticos, étnicos. A partir de agora iremos nos
252
Eneus Trindade
debruçar sobre os sentidos específicos desses dois exemplos.
O Anúncio do tradicional restaurante de carnes - Barbacoa, veiculado na Revista de bordo TAM nas nuvens,
de abril de 2009, traz a promoção do menu promocional de março a abril, daquele estabelecimento que contempla peixe amazônicos. A mensagem, de página inteira, estava situada na página 47 da revista, seguindo
a matéria sobre gastronomia da referida edição. Os leitores da revista, sobretudo os paulistas, conhecem o
restaurante Barbacoa e sabem que suas unidades podem ser encontradas em São Paulo, Campinas, Ribeirão
Preto e Salvador.
Na tentativa de criar uma promoção diferenciada para o seu público (o homem da metrópole), pessoas que
viajam e conhecem os vários sabores do Brasil e do mundo, o anunciante apresenta um peixe grelhado em
um prato branco centralizado, sob uma “cama de folhas com gotículas de água” (semelhantes ao primeiro
Figura 2 Anúncio Menu peixes amazônicos Barbacoa
Fonte: Revista TAM nas nuvens. Abril de 2009.
anúncio, mas com uma coloração mais intensa). O prato nas suas bordas, traz o seguinte texto “Esses peixes nunca tiveram uma vida social tão agitada” (borda superior) e em seguida “Menu especial de Peixes da
Amazônia” (borda inferior do prato). Abaixo do prato: “27 de março a 26 de abril” e na assinatura “Barbacoa.
Muito além da Carne”.
O discurso apoia-se no mesmo princípio do discurso turístico do primeiro anúncio, pois o menu especial de
peixes amazônicos, como promoção de um restaurante especializado em carne vermelha, busca resgatar o
sentido de exotismo, de diferença, de algo selvagem do paraíso amazônico, para ser desfrutado por cidadãos
do mundo, que possuem a competência de saber usufruir os prazeres e os sabores dos vários lugares.
Se no primeiro anúncio a narrativa publicitária buscava colocar o leitor, possível turista em conjunção com
a experiência de estar no mundo Verde, este anúncio tem como objeto de sua manipulação, trazer parte do
mundo verde para um sujeito apreciador que tem como objeto de valor saborear as características particulares dos peixes amazônicos, como uma experiência gastronômica.
No nível discursivo, a temática se estabelece na metáfora da vida social dos freqüentadores do restaurante,
colocada no paralelo irônico da vida social dos peixes amazônicos que passam a circular no ambiente urbano,
graças ao Barbacoa. Ou seja, o mundo selvagem chega à civilização e se sociabiliza.
No que diz respeito às dimensões de risco, a visão estereotipada dos fragmentos da Amazônia, não considera
os riscos da extinção das espécies consumidas e se a produção dos peixes é feita em piscicultura, pois todo
consumo ligado a Amazônia traz consigo essa discussão. Como já dito a publicidade realça o prato a ser consumido para o prazer gastronômico, utilizando aspectos figurativos e temáticos semelhantes ao do anúncio
turístico e os riscos são ignorados.
253
Embora se perceba hoje muitas discussões sobre a Amazônia e sua sustentabilidade, a percepção do risco
e uma resposta mais contundente na sua prevenção como diz Batista (2007: 436), está ligada aos seguintes
fatores: efeitos esperados na próxima geração; extensão do mal causado; possível controle sobre o risco;
possibilidade de ameaça estar associada a problemas desenvolvidos pela raça humana ou não; outras avaliações desse tipo.
No caso do consumo dos peixes amazônicos, os fatores de percepção dos riscos estão muito distantes dos
seus consumidores da metrópole. Isso remete à necessidade de um trabalho de regulação das práticas de
produção e de consumo, que precisam de uma maior atenção, principalmente nos casos dos produtos da
Amazônia.
Nesse sentido, o último exemplo auxilia a aprofundarmos essas discussões.
Hoje o açaí, tem sua produção regulada, ao se perceber que a espécie, pelo extrativismo desenfreado, corria
riscos de extinção. A palmeira açaí explorada para extração do palmito, ganhou outro lugar de exploração,
a comercialização da polpa da sua fruta congelada que ganhou o gosto do homem da metrópole, ligado aos
comportamentos de boa saúde, alimentação natural rica substâncias energéticas. Assim se difunde o famoso
açaí na tigela, aqui representado pela marca Frooty. Contudo, se a produção e consumo nesse caso parecem
demonstrar uma perspectiva de sustentabilidade. Ao menos no modo do parecer, pois toda a comercialização do palmito de açaí e da polpa de sua fruta passa por inúmeras fiscalizações e certificações, inclusive
do IBAMA.
Figura 3 Açaí na tigela Frooty
Fonte: fotografia realizada pelo autor, na
Rua Três Rios, Bom Retiro, São Paulo-SP.
Mas há, neste caso, a descaracterização étnica do consumo do fruto. O suco fresco do açaí é tomado acompanhado pelos amazonenses com farinha de tapioca. Hoje no mundo do consumo, a polpa congelada que
dá base ao consumo do suco do açaí é misturado e adaptado ao consumo do gosto do homem da metrópole
que come o produto com frutas (banana, morango, água de coco, cereais, entre outras possibilidades como
ilustra o banner de ponto de venda da marca Frooty. O modo tradicional do consumo do fruto do açaí na sua
origem, parece ser exótico demais aos olhos do homem da metrópole.
Em termos análogos, a comercialização do açaí, hoje já regulado na sua produção e com seu consumo ampliado em larga escala nacional, segue os rumos semelhantes ao que se viu acontecer com as frutas tropicais
e as bebidas coloniais (como o Chá, Café, Chocolate) nos séculos XVIII e XIX, como ilustram as explicações
dadas em Flandrin e Montanari (2001, 213-224 e 317-334), quando tais produtos começam a cair no gosto
das elites e aos poucos passam a ter sua popularização no comércio, sofrendo adaptações em relação ao seu
consumo original para o consumo nos padrões ocidentais, sobretudo europeu.
254
Eneus Trindade
Nesta perspectiva, somos obrigados a retomar as percepções de Melo (2007: 99-110), pois nos parece que
no caso do consumo dos produtos amazônicos, não só no caso específico dos alimentos, ainda temos o
mesmo olhar dos conquistadores. Isso implica perceber o espaço da Amazônia como algo a ser conquistado
e explorado e confirma nossa dificuldade em percebê-la como nossa, pois suas subjetividades são vistas
como sendo algo do outro/ estranho, desconhecido, e que precisa ser conquistado, explorado. O que indica
também que nosso olhar ainda segue a tradição européia, que nos faz perceber a nós mesmos como o Outro.
Uma visão contrária a essa, na perspectiva de gerar pertencimento e uma maior identificação da sociedade
brasileira como nossa realmente, poderia sim contribuir para a sua preservação. Esses aspectos culturais
colocados em termos de uma discussão sobre a sustentabilidade mostram-se como caminhos a serem percorridos e superados, pois em algumas dimensões eles se manifestam como algo incompatível com a idéia
de sustentabilidade.
Considerações finais e outras perspectivas de abordagem do assunto
Podemos afirmar, em função do que foi colocado, que os anúncios de alimentos amazônicos, no contexto
capitalista, portam-se conforme as categorias essenciais de sentidos da cultura alimentar dadas já na década
de 1960 por Roland Barthes (1961). Para o autor a publicidade tem papel fundamental na formação dos
hábitos alimentares e seu discurso representacional estaria sustentado em três temáticas: a publicidade comemorativa, em que o alimento está ligado a uma representação festiva ou comemorativa da vida cultural,
favorecendo a integração entre as pessoas; a publicidade de situação, em que são apresentadas as formas de
consumo alimentar _ da compra, modos de preparo, aos modos de usos (ingestão/degustação) dos alimentos_, bem como dos rituais dessas formas de consumo representados nos rituais de compra, posse e uso. E,
por fim, a publicidade de nutrição e saúde, que tem como argumentos as imagens do corpo ideal, saudável e
dos aspectos nutricionais da alimentação também saudável.
Nessa lógica, percebemos, quanto às práticas de consumo sugeridas, que os discursos das mensagens publicitárias se manifestam distantes das noções de risco ambiental sobre o consumo das mercadorias alimentícias da Amazônia, pois como vimos esse risco não é percebido pelo consumidor. Além disso, a comunicação
desse risco pode até ser de interesse público, mas não é do interesse dos anunciantes, que trabalham em
seus textos os atributos dos produtos como espetáculo para o consumo gastronômico (caso do anúncio do
Barbacoa), da alimentação natural, saudável (açaí Frooty) e da confraternização entre as culturas, como sugere o anúncio de turismo da Amazonastur a partir do item gastronomia de seu folheto.
Outro dado a considerar, é que os produtos amazônicos, de início, são vistos como commodities, mas aos
poucos eles passam a ganhar marcas que os personificam no mercado de consumo, como acontece com o
açaí Frooty. O que indica a necessidade de individuação e de constituição identitária de marca para o trabalho de posicionamento e conquista de mercados.
Além disso, também há ainda infinitas possibilidades de exploração sobre o consumo dos alimentos amazônicos quanto às suas propriedades nutricionais e medicinais, também “publicizados” nas mídias que incrementam o potencial desses artigos alimentícios como mercadorias rentáveis, a exemplos das ervas e dos frutos
como a castanha do pára, que apontam para a complementação de aspectos importantes sobre os sentidos
do consumo dos alimentos amazônicos na mediação da mídia publicitária, e que neste texto não houve espaço para que explorássemos o assunto.
Outro aspecto a considerar, dentro de uma perspectiva mais ampla de estudos, refere-se a uma aboradgem
de pesquisa fotoetnográfica realizada em 2009 em Manau, que pode trazer informações estéticas sobre
as imagens sinestésicas que remetem ao consumo alimentar da região amazônica, com suas ervas, peixes,
255
texturas, aromas e sabores que saltam aos nossos sentidos pelas imagens que captamos, que merecem um
outro texto e que aqui em função dos nosso propósitos não pudemos aprofundar.
De qualquer modo encerramos esta discussão com um mosáico de imagens que nos obrigam em oportunidades futuras a aprofundar os aspectos da fotoetnografia da publicidade e do consumo alimentar como
modo de revelar um pouco do jeito de ser do povo amazônico.
Na Amazônia do teatro, dos índios, da floresta, dos rios surgem novos sentidos de um mundo especial. Um
mundo nutrido a farinhas, pimentas, peixes, frutas e ervas.
E num lugar em que o barco é principal meio de transporte, existem outros sabores, aromas, as cores das
coisas como conhecemos mudam e adquirem novas texturas...
Assim, encerramos nossa reflexão, conscientes de que estamos longe de esgotar as possibilidades de discussão sobre o tema em pauta. O que apresentamos aqui foi apenas um start para futuros aprofundamentos
acerca de uma abordagem que, no nosso entender merece maior atenção do mundo acadêmico.
256
Eneus Trindade
257
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258
“Não tem preço” – uma reflexão
psicanalítica sobre a imagem da infância
transmitida pela marca mastercard em
sua campanha publicitária priceless
“Priceless” - a psychoanalytic reflection
on the image of childhood transmitted
by THE Mastercard brand in its advertising campaign
Fátima Milnitzky
Resumo O presente texto se constitui numa proposta de estudo crítico do consumo no contexto
do acesso ao crédito. Orienta-se por apresentar o tema do consumo, tão explorado em outras áreas,
através do campo da reflexão dos conceitos psicanalíticos. A partir da análise de propaganda, examinará a imagem da forma crédito, explorada pela marca mastercard na sua campanha Priceless, não tem
preço. O exame tomará três peças da campanha Priceless, veiculadas no horário nobre da televisão
brasileira, cujo tema explorado é a infância e a relação pais e filhos. Será utilizada a referência da
análise do discurso psicanaliticamente orientada tal como Parker (2003) e Barthes (1972) sugerem. Os
resultados são tratados na forma de uma redescrição comparativa dos aspectos da idealização, da denegação, da recusa e das estratégias da formação de objetos percebidos nas propagandas examinadas.
Palavras-chave: Consumo; Crédito; Imagem de marca; Psicanálise; Propaganda; Infância.
Abstract This paper proposes a critical study on consumption in the context of access to credit.
It aims to present the subject of consumption, so explored in other areas, through the reflection of
psychoanalytical concepts. From the analysis of advertising it will examine credit image explored by
the “Priceless” campaign of the Mastercard brand. The survey will take three pieces of the “Priceless”
campaign broadcasted on prime-time television in Brazil on the subject of childhood and the relations
between parents and children. In order to do this, it will be used as a reference the psychoanalytically
oriented discourse analysis that Parker (2003) and Barthes (1972) have suggested. Results are treated
in the form of a comparative re-description of idealizing aspects, of denial, of disavow, and of strategies
on object formation, which could be perceived in the advertising examined.
Keywords: Consumption; Credit; Brand image; Psychoanalysis; Propaganda; Childhood.
259
Publicidad y cine:
inspiración para la persuasión
Advertising and Film:
Inspiration for persuasion
Resumen En este artículo se analiza la relación entre el mundo publicitario y el cinematográfico, buscando los elementos que representan vínculos de unión entre ambos y analizando aquellos ejemplos
publicitarios más representativos de la influencia de la industria cinematográfica en la realización de
los mensajes publicitarios.
Palabras Clave: Publicidad; Cine; Spot; Creatividad; Estrategia y medio.
Abstract This article explores the relationship between advertising and film. We analyze the most
representative examples of advertising in the film industry used to inspire their persuasive messages.
Keywords: Advertising; Film; Commercials; Creativity; Strategy and mass media.
260
Breve recorrido histórico: origen de la relación entre el cine y la publicidad
Al repasar la historia moderna de la comunicación, así como el desarrollo de sus distintos instrumentos y
tecnologías, podemos apreciar como son diversas las fuentes y múltiples los datos que nos muestran como
la publicidad actuó un factor fundamental en el desarrollo industrial del cine, ya que, como nos recuerda
González Martín (2004), el nacimiento y aceptación del cine por parte de la sociedad, no respondió a intereses políticos ni estéticos sino que desde sus orígenes, el cine se concibió como un medio publicitario porque
favoreció la ensoñación, la aventura y la evasión.
Igualmente, es notable la influencia de la concisión y precisión del lenguaje publicitario en la elaboración y evolución de un lenguaje cinematográfico (Martín, 2004). Sin
embargo, precisar un momento único que represente el
origen de la relación entre estas dos formas de expresión
resulta muy difícil. Creemos más acertado resaltar diversos ejemplos históricos que han fortificado esta relación.
González Martín significa este desarrollo al citar como elementos claves de esta evolución desde los carteles que
anunciaban diferentes espectáculos con sombras o fotografías hasta las obras de Cheret para anunciar las proyecciones chinescas de Reynaud en el museo Crevin de París o
Figura 1. Anuncio del Kinetoscope
los carteles anunciadores del funcionamiento de la linterna
mágica1. Estos ejemplos son la prehistoria de esta relación
y empezará la verdadera revolución publicitara al surgir los primeros spot. Según el autor, estos no fueron
ideados para ser expuestos en salas fijas, ya que no había, sino en espectáculos en la calle o itinerantes. Entre
los expuestos en su trabajo por González Martín, recogemos aquí algunos como ejemplos:
- Anuncios elaborados por los Hermanos Lumiére: Jabón Sunlight de Lord Lever y el anuncio para Moët
et Chandon, en 1904 rodado para emitirse en espectáculos itinerantes en forma de publirreportaje.,
“ruedan para Moët Chandon para emitirse en su espectáculos itinerantes, por lo que puede ser el
primer spot o publirreportaje” (Martín, 2004)
- La cinta de la American Biograph Co.
- La cinta patriotica Tearing down the Spanish flag a favor de la guerra hispano-yankee.
- Las cintas propagandísticas de londinense W. Paul para la armada británica.
Sin embargo, si bien es cierto que estos espectáculos, como los de los hermanos Lumière y su Cinématographe, tenían presencia en la ciudad a través de sus espectáculos en teatros, para González Martín, el cine
se asentó como espectáculo en la ciudad gracias a la publicidad y a George Méliès. Según recoge González
Martín, a principios del S. XX, los espacios con grandes aglomeraciones de gente (fachadas, terrazas de los
cafés, plazas, etc.) se convirtieron en grandes soportes sobre los que proyectar mensajes comerciales. Por
su parte Miélès, incorporó la primera publicidad al final de sus películas y rodó varias películas publicitarias,
donde aplicó las técnicas y efectos especiales que experimentaba en sus cintas. González Martín los relata
así: “Las realizaciones para la mostaza Bornibus, en la que se ve cómo un cerdo entra por la campana de una
máquina y sale convertido en embutidos; […] para el crecepelos Xour, en donde un personaje despistado se
deja caer la loción sobre los zapatos, que se pueblan inmediatamente de una inmensa cabellera […] o para
los sombreros Delion, en donde, gracias a un innovador paso atrás, gorros y sombreros se transforman en
conejos vivos” (Martín, 2004:12).
1 Otros ejemplos citados por el autor son las proyecciones, a finales del XIX de fotografías en el Boulevard de Montmartre, los
anuncios del Kinetoscope de Edison y los anuncios del Vitascope que permitieron la recepción masiva.
261
Desde este momento, el desarrollo es mucho más veloz y las figuras y hechos históricos que evolucionan esta
relación se multiplican. Algunos de los momentos más importantes, señalados por González Martín, son: 1.
Otros pioneros del cine publicitario: E. Col, anuncios en 1912 para Campbell Soups, C. Peiffer (fundador del
primer circuito de distribución de películas publicitarias en 1918). 2. La utilización de las primeras estrellas de cine en la realización publicitaria: D. Fairbank, M. Pickford, Ch. Chaplin o B. Keaton. 3. Las primeras
productoras publicitarias: En Francia (Publicine, Lortac y E. Col, La cométe de A. Sarrut, Cineastes Asocies,
Cinema et Publicité) y EE. UU. (W. Disney, en 1939 crea “Mickey Surprise Party” para la National Biscuit
Company,). 4. Primeros personajes animados al servicio de la publicidad (Nectar (desarrollado por Lortac)
para vinos Nicolás, Popeye de E. Segar, para promocionar las espinacas, Bibendum de Michelín, D. Padillo
de Pasan.). 5. Primeros festivales de cine publicitario (En 1954, la International Screen Advertising Service,
en Venecia, convoca el 1er Festival internacional de Cine publicitario, donde se premiaba principalmente a la
productora cinematográfica).
En España, las primeras agencias de publicidad (Los tiroleses 1881, Hijos de Valeriano Pérez,, Alas 1931,
Gisbert 1925, Hellos 1918, Publicitas 1922, Arco 1930, Dardo 1942, Cid 1945, Ruescas 1949) comenzaron
su relación con el cine a través de la exclusividad, de las vallas y los telones publicitarios. Así, Raúl Eguizábal
asegura que “las primeras formas de publicidad dentro del cine tenían más que ver con los letreros y los
carteles que con la publicidad filmada. Lo primero fue el cartelón, un telón pintado con diversos anuncios
recuadrados, entre cuatro y veinte, que se bajaba en los intermedios y permanecía idéntico durante años”
(Eguizábal, 2004:42). Para este autor, tres son las figuras claves del desarrollo del cine y la publicidad en España: Jo Linten, los hermanos Moro y Movierecord. De modo muy resumido, entre otros muchos logros, a
Jo Linten se le atribuye la creación en 1950 de un circuito de cines con exhibición de películas publicitarias.
Los hermanos Moro, antes de fundar Movierecord, trabajan en publicidad creando películas publicitarias
animadas, buscando clientes o escribiendo guiones. Además, se les atribuye el mérito de trabajar con técnicas de producción publicitarias pioneras y de conseguir implantar los primeros premios internacionales de
publicidad en España.
Características del cine como medio publicitario: consideraciones generales
El cine como medio publicitario presenta una serie de características que lo hacen único frente al resto de
medios. Sin embargo, como nos recuerdan González Lobo y Carrero López (2009:203), el cine posee un
alcance muy reducido entre la población. El cine ofrece tan solo un 4,2% de penetración entre la población
española de más de 14 años, según los datos del Resumen del Estudio General de Medios de España (EGM)2
de marzo de 2010. De modo más detallado, la misma fuente ofrece los siguientes datos de penetración según
edad: El grupo de población que más acude al cine son los jóvenes entre 14 y 19 años, pero solo un 8,1% de
éstos declara ir habitualmente al cine. La progresión es negativa a medida que aumentamos los márgenes de
edad; así, tan solo un 7,9% de las personas de 20-24 años va al cine, un 5,7% de los 25-35 y un 3,5% entre
los de 45-54 años. Si a esto le sumamos la progresión de la penetración de este medio entre la población
española de los últimos años (de 2003 hasta hoy hemos pasado de un 9% a un 4,2% de penetración) vemos
como las previsiones más positivas para el futuro de las audiencias del cine no terminan de alcanzarse.
Sin embargo, las cifras señaladas resultan de medias estadísticas que no deben simplificar la validez del cine
como medio publicitario, ya que su capacidad como medio publicitario no debe reducirse a su capacidad de
influir a una cuantificada masa de personas en un determinado periodo de tiempo. Entre sus características
más notables, González Lobo y Carrero López (2009:203-204) destacan su capacidad para motivar la respuesta del público frente a las propuestas de anunciantes de ámbito local, de ofrecer una buena segmentación
de la población, de asociar al anunciante la imagen y prestigio del medio y de facilitar una respuesta rápida
2 Disponible [on line]: http://www.aimc.es/aimc.php. Acceso: 14/05/2010.
262
o inmediata al mensaje. Por su parte el estudio “Evolución anual del cine publicitario”3 desarrollado por
Screenvision para el año 2007 es mucho más detallado que el resumen anual del EGM más detallado y nos
permite conocer cualitativamente algunas de las características de este medio publicitario y de su audiencia
(Ver Cuadro 1.).
Características del medio
- El cine es un medio medible:
- Alto retorno de la inversión al tener menor saturación
publicitaria: mayor notoriedad en el cine que en televisión. De media se calcula que hay 6 spots en el cine
por cada 38 en televisión
- El 83% de los espectadores está presente en la sala
antes de que se empezara a emitir la publicidad.
- En el 13.8% de los casos el espectador recuerda la
publicidad dos semanas después.
- Amplia diversidad de formatos: Morphing, Flash on
cinema, Golden Spot, Spots interactivos, stands en hall,
exposición de vehículos, cartones, reposacabezas, folletos, azafatas, incentivos para empresas, pases privados,
congresos, convenciones, Product placement
Características de su audiencia
- El 64% de la audiencia del cine está compuesta por
jóvenes entre 14 y 34 años que viven en zonas urbanas y
con alto poder adquisitivo.
- La edad media del público infantil es de 10,9 años.
- Un 38% de los niños asiste, al menos, una vez al cine y
en el 90% de los casos van acompañados.
- Un 21% de los usuarios de internet fueron al cine la última semana frente al 7% de la totalidad de la población.
- En el 50% de hogares con niños emplea el tiempo de
ocio del fin de semana en ir al cine.
- Para Screenvision, el cine es un medio interesante para
marcas que se dirigen a:
- Personas a las que les gusta cuidarse y estar a la moda.
- Personas cuyo tiempo de ocio ocupa un lugar importante en sus vidas, casi siempre compartido con amigos.
- Personas interesadas en su entorno cultural y artístico
- Con consumidores de tecnología, muy por encima de la
media de población europea.
- Personas interesadas en su entorno cultural y artístico
- Con consumidores de tecnología, muy por encima de la
media de población europea.
- Por preferencias temáticas según el tipo de espectador:
las de los jóvenes de 14 a 24 años son: terror, comedia
y ciencia ficción. Para los jóvenes de 24 a 34 son: terror,
acción y ciencia ficción, pero muy cercanos ya al resto de
géneros. Para los adultos de 34 a 45 años los contenidos
más afines son las películas infantiles. Para los hombres
adultos: Acción y películas de contenidos infantiles. Para
las mujeres adultas: Comedia romántica, drama y películas de contenidos infantiles
Cuadro 1. Elaboración propia a partir del estudio de Screenvision “Evolución anual del cine publicitario”
El cine como inspiración creativa de los spots.
En este epígrafe proponemos recopilar una serie de spots que muestren la clara influencia del cine en la
producción publicitaria, ya sea desde un punto de vista técnico o de contenido. Nuestra intención es ofrecer
una reflexión, a partir de una pequeña revisión bibliográfica, que nos ayude a comprender los objetivos o
intenciones a los que responden este tipo de estrategias publicitarias.
En el primer epígrafe de este trabajo hemos resumido los orígenes de la relación del cine y la publicidad
para llegar a este momento del trabajo y mostrar cómo el cine se convierte en una fuente de inspiración
para la publicidad. Sin embargo, debemos evidenciar que la relación de influencia entre estos dos modos
3 Disponible [on line]: http://www.marketingdirecto.com/estudios/cine_publicitario_feb07.pdf. Acceso: 22/11/2009
263
de expresión es recíproca. Es sabido que son numerosos los ejemplos de directores de cine que han dirigido
películas publicitarias. Entre otros, podemos citar a David Linch, Jonathan Glazer, Wes Anderson, Ridley Scott,
Terry Gilliam, Michael Mann, Michel Gondry, Tony Scott y Spike Jonze. En la misma dirección de influencia de
esta relación, Miguel Baños González y Teresa Rodríguez García, publicaron en 2005, su trabajo Al filo de la
verdad. Historias de la publicidad en el cine en el que, a través de una selección de 204 películas, nos ofrecen
una explicación del mundo de la publicidad relatada a través películas cuya trama se inspira o se centra en
polisémico fenómeno publicitario. Un ejemplo mixto de este tipo de relación lo encontramos en el reciente
documental Art&Copy del director de Scracth, Doug Pray, donde encontramos una visión del mundo publicitario norteamericano desde la perspectiva de la creatividad.
No podemos dejar de mencionar aquí la explotada relación comercial que ambas disciplinas mantienen a
través del product placement. Actividad, que según el profesor Méndiz Noguero, existe desde 1945, cuando
en la película Alma en suplicio Joan Crawford bebe Jack Daniel´s Bourbon y desde entonces los ejemplos son
incalculables (Matrix/Ducati, Misión Imposible/Rayband, Naufrago/FedEx, ET/Coca Cola, Superman III /Coca
Cola, Casino Royale /Sony).
Cuando encendemos nuestro televisor, leemos los periódicos,
caminamos por la calle o escribimos en nuestro muro de Facebook nos cruzamos sin dificultad con numerosos anuncios en
los que apreciamos su relación con el mundo cinematográfico.
Casi todos podemos recordar con facilidad algún anuncio que
de un modo u otro hace referencia a alguna película o algún
actor famoso. Sin embargo, no siempre nos planteamos por
qué esos anuncios recrean esa u otra película o por qué ese actor publicita hoy una compañía de seguros y mañana un reloj
deportivo. En realidad, preguntarnos por esto es preguntarnos
por la intención persuasiva que ese anuncio pretende al referFigura 2.
irse a tal película o utilizar tal actor. En el anuncio de la Figura
2 podemos observar una referencia clara a la película ET El Extraterrestre para anunciar un pegamento de
larga duración bajo el eslogan “Eternity” donde se amplifica el significado de amistad ET y su amigo, el niño
Elliott (Henry Thomas). En este caso, la famosa imagen del contacto entre los dedos de ambos personajes
sirve para mostrar las cualidades específicas de un producto. Mediante el uso de un lenguaje publicitario
sencillo (solo hay un término escrito) se transmite un mensaje igual de sencillo: Pegamento de contacto de
larga duración. Mediante la imagen de brazo “humano” envejecido por el paso de los años se consigue modificar el sentido original de amistad asociado al argumento de la película. Esta figura retórica de amplificación
modifica el sentido original y otorga al mensaje la sorpresa necesaria para que el mensaje pueda alcanzar
la notoriedad deseada sobre la mente del consumidor. Pero ¿Es posible sistematizar la utilización de las referencias cinematográficas por parte del discurso publicitario y comprender su finalidad persuasiva? Rafael
Jover Oliver, nos ofrece en un interesante trabajo sobre la influencia del cine en la realización de los anuncios
de automóviles que nos permite comprender mejor está habitual práctica y la utilización de los valores en la
construcción de estos mensajes publicitaros. “La guerra de ofertas entre los distintos fabricantes obliga a que
apelen a valores emocionales que se alejan de la razón para poder diferenciarse entre sí” (Oliver, 2007:101).
Es fácil encontrar ejemplos de la utilización de publicidad emocional y de valores en la publicidad del sector
de la automoción, ya que el propio objeto es en sí un símbolo (con distintos significados) para cada uno de
sus propietarios, lo que facilita su promoción a través de valores y no de cualidades, sobre todo cuanto más
4 Los autores escogen una serie de títulos en función del contexto publicitario sobre el que discurre la trama de la película: La
Agencia (Agency). El anunciante (Un, dos, tres). Los medios (Un mundo implacable). El público (Un padre en apuros). La investigación (Kate&Leopold). La producción (Riesgo extremo). Las relaciones públicas (Relaciones confidenciales). Los representantes,
los agentes (Última llamada). El publicitario: competidor (Pijama para dos), el perseverante (Como perder a un chico en 10 días),
el decidido (Todo por el éxito), el sincero (Gente loca) y el motivador (Milla blanca).
264
caro y más alta sea la gama a la que pertenece el vehículo5. Hemos recogido el trabajo de este autor y lo
hemos sintetizado para ofrecer tres claras estrategias a las que responde el uso de referencias cinematográficas por parte de la publicidad: 1. Estrategia persuasiva centrada en el valor del “actor-estrella”. 2. Estrategia
persuasiva centrada en los recursos estilísticos del cine (música, fotografía, ritmo, efectos especiales, etc.).
3. Estrategia persuasiva centradas en referencias a la historia de la película o en recreaciones/remakes de
la misma. Nuestro propósito en este 6º encuentro del Seminario IC/CI es ofrecer diferentes ejemplos actuales y de décadas anteriores del esquema planteado por Jover Oliver e intentar trasladarlo a otros sectores
para verificar su validez, a la vez que ofrecer una serie de ejemplos de la publicidad española que permita el
debate entre el resto de participantes en este encuentro, sobre todo con los colegas de habla portuguesa,
lo que permita un diálogo entre el uso persuasivo de las imágenes, el de su sentido original y el anclaje del
mismo al contexto cultural en el que se ponen en funcionamiento.
Terminamos nuestro trabajo recogiendo estas tres modalidades estratégicas y recogiendo algunos ejemplos:
Estrategia persuasiva centrada en el valor del “actor-estrella”: esta estrategia no es nueva, ya hemos hecho
referencia en el epígrafe 1 a los ejemplos de Chaplin y Keaton que desde los años 20 nos ofrecen estas técnicas persuasivas. “La influencia que un actor, un cantante o un deportista tiene en ciertos sectores de la sociedad valida comercialmente esta tendencia cada día más acusada” (Oliver, 2007:102). En España, la empresa
Personality Media asesora a las agencias de publicidad, de medios y a los anunciantes a la hora seleccionar a
un personaje famoso para sus anuncios. Esta empresa realiza un ranking de personajes donde se mide credibilidad, la confianza, la atracción, la familiaridad, el grado de adecuación a la publicidad, la categoría de producto asociado por los consumidores a cada personaje y los valores que trasmite al target al que se dirige la
campaña. Entre otras conclusiones, esta empresa asegura que un spot que utiliza una cara famosa consigue
un 25% más de notoriedad que uno que no la utiliza. Entre otros ejemplos, podemos destacar a Richard Gere
para A4 y Lancia y en España a Antonio Resines para Kia 1999. En España una de las caras más utilizadas en la
actualidad es la de Rafael Nadal, quien posee una alta aceptación entre consumidores de dispares productos.
Así es capaz de publicitar un anuncio de Cola-Cao y otro de automóviles Kia y atribuir las características de su
personalidad al producto; el sabor y energía al primero y el triunfo al segundo. Un ejemplo singular del objeto
de estudio aquí tratado es el papel de George Clooney en los diferentes anuncios en los que participa, ya que
casi siempre se interpreta a sí mismo. Representa al George Clooney de las películas, al personaje famoso galán y seductor que actúa como un símbolo, principalmente entre el público femenino (se puede apreciar con
claridad en los anuncios que ha rodado para las marcas Nesspreso, Fiat y Martini) y cuya gestión semántica
es similar a la de una marca. “Por mucho que la estrella de cine –u otro campo- sea una elaboración, en el
núcleo siempre hay un ser humano que limita su versatilidad como expresión de unos valores. En cambio, el
origen abstracto de la marca permite que se pueda trabajar sin limitaciones sobre lo que expresa y cómo lo
expresa para adaptarlo a la evolución de los tiempos” (Varéa, 2007:55). Otro ejemplo de la utilización del Star
System, actualmente de moda, es utilizar personajes del star system en su versión retro o extinguida. Es decir,
escoger secuencias de películas antiguas o imágenes de personajes populares en su época de mayor éxito. En
España, el ejemplo más famoso es la utilización de la figura de Bruce Lee para el anuncio de BMW “be water
my friend”. “El uso publicitario de actores emblemáticos, que siguen presentes en nuestra memoria gracias a
sus películas, es muy rentable pues en la virtualidad de la imagen ofrecen la ventaja de ser inmortales. Para
ellos, la muerte, sobre todo si les sobrepone en pleno auge de su carrera […] les añadió los valores de no
sufrir en la decadencia física, ser recordados por su virtudes […]” (Olivar 2007:113).
Estrategia persuasiva centrada en los recursos estilísticos del cine (música, fotografía, ritmo, efectos especiales, etc.): Este tipo de estrategia tiene una utilidad eminentemente temporal, ya que los anuncios utilizan
5 Dos eslóganes de Audi ejemplifican la utilización de la publicidad simbólica en la publicidad de automóviles. Ej. 1. “y si las cosas
soñaran con una vida mejor”. Ej. “Porque la forma de los sueños cambia”.
265
técnicas de producción desarrolladas en el cine, como el efecto Bull Time de Matrix o la cámara ultra-slow
motion. De igual modo ocurre con los recursos estilísticos de la película de moda que son aprovechados por
la publicidad hasta sus manidas consecuencias (ejemplos hay muchos pero sirva la influencia estética de la
película Amélie y de sus personajes en distintos anuncios como el que la Agencia tributaria española realizó
en 2002.).
Estrategia persuasiva centrada en las referencias a la historia de la película: A esta última estrategia pertenece el ejemplo de la Figura 1, donde el argumento de la película determina el sentido del mensaje y donde
se pueden apreciar dos versiones: una que el consumidor conoce la película o y otra en la que no la conoce.
En el caso de que el anuncio se estructure pensando en el reconocimiento de la película por parte del consumidor, la efectividad del mensaje será mayor si el espectador sí la conoce. Jordi Jover Olivar resume los
puntos fundamentales de este tipo de estrategia: 1. El conocimiento de la película por parte de la audiencia
permite respetar el principio publicitario de economía lingüística, ya que no se necesitan suministrar todos
los elementos narrativos de la película para mostrar el significado asociado al producto. 2. El spot publicitario, como enunciado retórico, provoca una ruptura del sentido original y provoca una relectura, un significado
alternativo y una satisfacción por parte del receptor ya que se siente participé de la producción del sentido.
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266
TENDENCIAS PUBLICITARIAS
GLOBALIZADAS
Pepa Bastida Durán
Resumen La investigación social y psicológica de la recepción publicitaria ha puesto de manifiesto
la existencia de una serie de constantes culturales que se repiten de una manera encadenada en la
sucesión seriada de los mensajes publicitarios actuales. Estos valores culturales inspiran determinados
patrones de comportamiento o tendencias, que, a través de la publicidad, se manifiestan como reflejos
de esos comportamientos a nivel mundial. Como instrumentos necesarios para la circulación de mercancías culturales a un nivel mundial, los productos culturales industrializados se integran bajo cuatro
elementos, como son, la sociabilidad, el universalismo, los bienes materiales y los bienes simbólicos,
incluidos todos, dentro de la conceptualización que se le ha dado al término cultura, a lo largo de décadas.
Palabras clave: Cultura; Globalización; Publicidad; Semiótica; Cultura visual; Postmodernismo.
267
Pepa Bastida Durán
Introducción
En 1980, Meinhard Von Gerkan construyó un complejo en Berlín al que llamó Tempodrom. A dicho complejo
ahora se le ha añadido una atracción más: el Liquidrom, que dispone de una piscina climatizada al aire libre- llamada Onse en referencia a los baños tradicionales japoneses. A su vez, inspirándose en el Oyster bar
Neoyorquino, en el restaurante Maimon de Tokio predominan los materiales fríos, como el vidrio y el acero,
todo bañado de una luz azulada. Estas interconexiones son frecuentes y obedecen a patrones establecidos
por lo que se conoce como “globalización cultural”.
Para esclarecer aún más este término, globalización cultural, mi propósito es delimitar el concepto de
cultura, establecer la dinámica del mercado mundial por medio de la globalización de mercancías, en especial los bienes culturales, e incluir ejemplos de la acción de la publicidad como herramienta para expandir y
comunicar las políticas culturales de las grandes corporaciones. Así pues, se reflexionará sobre la unificación
de una cultura universal, por parte de las grandes corporaciones mediáticas, como amalgama de restos estereotipados de comportamientos sociales, que son lo que nos presentan como tendencias o comportamientos dominantes de la acción cultural actual.
Si hacemos nuestra la definición que plantea Harrys de cultura como, “el modo socialmente aprendido de
vida que se encuentra en las sociedades humanas y que abarca todos los aspectos de la vida social, incluidos
el pensamiento y el comportamiento” (2000: 17), entonces en este mundo globalizado tendríamos que referirnos también a la existencia de una cultura global, en donde la publicidad se establece como el espacio en el
que la propia sociedad “exhibe y consume su propia imagen” (González Martín, 1982: 37). Para ello deberíamos tomar como punto de partida que el verbo globalizar hace referencia a hacerse global. Esta manera de
actuar mundializada ha afectado a todas las formas de hacer empresarial, según palabras de Keith Acheson
(2003: 391), en donde la cultura se integra dentro del mercado mundial.
La sociedad entonces debe abastecerse de un contenido cultural, dominado por grupos privados (tales como
Nike, Apple, Sony y otras majors norteamericanas, europeas y del Asia rica), que dominan los flujos culturales
y por lo tanto la emisión de una cultura mundializada basada en una lógica financiera. Esta ley de las ganancias se sitúa en un punto de vista global (Warnier, 2002: 104), aísla los productos culturales de su contexto,
los agrupa por categorías cuantificando su producción y distribución a escala mundial. Aporta por lo tanto,
los instrumentos necesarios para la circulación de mercancías culturales a un nivel más amplio, por medio,
de la comunicación publicitaria, dentro de un contexto de actividades múltiples y cotidianas, propias de
cualquier comunidad. Para ello los productos culturales industrializados se integran bajo cuatro elementos,
como son, la sociabilidad, el universalismo, los bienes materiales y los bienes simbólicos, incluidos todos,
dentro de la conceptualización que se le ha dado al término cultura, a lo largo de décadas.
Valores culturales asumidos por el mercado
En todo el mundo, las transformaciones sociales y técnicas aparecen unidas a un esfuerzo normativo e intelectual que pretende entender y distribuir los cambios culturales y sus contactos. En Occidente, ya a finales
del siglo XVII los filósofos de la Ilustración veían en la razón el agente de una universalización. El término de
globalización vino después. Así que el origen del sistema mundial moderno se sustenta en los intercambios
comerciales, el desarrollo de los transportes y los medios de comunicación, la tecnología, la inmigración y
de forma muy especial, la industria cultural, o mejor dicho, el tratamiento de la cultura como parte de una
industria montada por el comercio y la economía mercantil. En esta industria son las lógicas económicas
(Warnier, 2002: 62) de las grandes corporaciones, las que dirigen las actividades de las industrias culturales
y la distribución de sus mercancías. Dicho de otro modo, las empresas se aseguran ingresos vendiendo espa-
268
Tendencias Publiciarias Globalizadas
cios de antena a los anunciantes publicitarios, que ofrecen financiación y contenidos, o vendiendo productos
culturales. La publicidad se establece como un agente socializador que por medio de la producción cultural,
tanto de bienes materiales como simbólicos, establece conceptos como objetos efímeros y constantemente
renovados, que son el resultado del estudio de las tendencias y comportamientos sociales. Cada uno de los
elementos que componen el concepto de cultura, se desarrollan dentro de una práctica social (Martorell,
1984: 88-89) cuyo estudio esta interrelacionado con las coordinadas del tiempo y espacio propio de la sociedad actual. Esto proporciona, el conocimiento de que dichos componentes, son incorporados en el corpore
genuino de las marcas más reconocidas. Situación que ha sido progresiva a través de la denominada “sociedad de consumo” desde inicios de siglo XX.
La economía de acumulación privada llega a nuestros días a través de varias fases (Muñoz, 2005: 100); el subjetivismo de interés y el individualismo posesivo, junto con la economía del bienestar, en donde la industria
de la cultura (Mattelart, 1998:76-78) se convierte en el mecanismo para describir una conducta social, dominada por el imperialismo financiero de los monopolios y corporaciones transnacionales, que conllevan unas
expectativas económicas y una maximización de beneficios. Dicha relación comunicativa de interrelación con
los sujetos se ejecuta por medio de sus marcas y sus campañas de publicidad, mecanismos de comunicación
que hacen posible un control y una recreación de lo cultural, por medio, de los signos que representan a
dichas empresas económicas. El ambiente publicitario, como instrumento de estos signos economicistas, es
el propio de la sociedad posmoderna.
El emerger, dentro del posmodernismo, de una industria de la cultura, constituye para el individuo una perdida en cuanto a su capacidad para organizar su pasado y su futuro, y es por eso, por lo que la pieza cultural
posmoderna, además de ser heterogénea, fragmentaria y aleatoria es, una falsedad y una falsificación de
la realidad cotidiana de la sociedad, por lo que el producto cultural se convierte en simulacro, ya que altera
la memoria colectiva repercute en la compresión del presente histórico (Muñoz, 2005: 143). La cultura
del simulacro (Baudrillard, 1978: 88), plantea la consideración de dotar como simulacro a una copia exacta
de lo que nunca ha tenido original, materializándose ante el individuo a través de un consumismo, por la
representación publicitaria y una referencialidad simbólica, incluida en los signos de las grandes marcas o
corporaciones globales, que ha generado el valor de cambio hasta el punto de anular el valor de uso, dentro
del contexto de una cultura mediático-cotidiana (Sodré, 1998: 31-33). Los objetos son presentados como
metáforas de la realidad que se expanden en un escenario imaginario (Ibañez, 2002: 175), sin duda en el
discurso social dominante, se lo atribuye la industria publicitaria como mecanismo de transformación del significado. La vida cotidiana se embala de anuncios y mensajes persuasivos, que delimitan y legitiman nuestra
conducta, tanto individual como colectiva o social. Dichas simulaciones, transformaciones o re-creaciones de
la realidad, están bajo las órdenes de un sistema de consumo, que tal y como nos lo expone Ibañez (2002:
191) se sintetiza con esta frase: “la publicidad nos enfila hacia objetos no-reales”. De este modo la ideología
se reabsorbe, y sin duda, el premio por consumir es consumir. Esta consideración del discurso de la publicidad en ideología, nos presenta un discurso informativo y basado en un sistema de significación. Así se recoge
en las palabras de Eguizábal (2007:115), “los productos como las instituciones pierden su materialidad para
mudarse en signos. Su utilidad pasa a convertirse en algo residual, y es lo que representan (no lo son) lo que
adquiere sentido”. De este modo con respecto a las mercancías, la adquisición de estas, siempre conlleva la
posesión de otra cosa, como belleza o éxito, información que no forma parte del producto, y a su vez, es innecesaria.
Para aunar lo comentado, podemos decir, que el objetivo pilar de la publicidad es dotar a los objetos de
una existencia imaginaria, un manto simbólico diseñado por profesionales que ejecutan las pautas de comunicación dictadas desde empresas globalizadoras. En este mercado es donde la globalización, vocablo
moderno y muy atractivo para sugerir algo común a todos (Sampedro, 2002: 69), ha conseguido constituirse
269
Pepa Bastida Durán
totalitariamente como la forma de mercado capitalista actual, gracias a la diversificación y distribución de
objetos y ganancias económicas, de las grandes corporaciones. El poder económico se concentra en estas
marcas, cuya industria publicitaria condiciona los medios de comunicación social de forma imparable. Este
hecho sucede por medio del avance de la tecnología y su red captora (Sampedro, 2002:72) de apropiación
de nuevas formas de presentación de sus mensajes, que se constituyen en manifestaciones en todos los
aspectos de la vida colectiva y en todas las parcelas posibles del quehacer cotidiano de la sociedad. De este
modo, en la economía de consumo mundializada a través de la globalización, se establece, tal y como nos
presenta Lipovetsky, en su obra “la era del vacío” (1990), una nueva forma de organizar la personalidad del
individuo basada en el narcisismo del individuo, y a su vez, la estrategia del vacío por parte de las marcas
como consecuencias propias del capitalismo hiper-extendido globalmente.
Nuestro planteamiento es desde una perspectiva de socialización empresarial, ampliada a la adquisición de
las grandes marcas no sólo de valores sociales sino de valores culturales. Para ello es preciso hablar sobre
cuáles son estos valores culturales y su transmisión a través del discurso publicitario. Así que empezaremos
con la conceptualización de la cultura, recordando las palabras de Subirats (1984: 107), cuando comenta,
que la teoría de la cultura reside en la reconstrucción de los componentes culturales que la engloban.
En el estudio multidisciplinar, que ya fue expuesto por mí en el congreso pasado, sobre la delimitación del
concepto de cultura, se mostraba que eran cuatro los elementos que conforman dicho concepto; la sociabilidad, el universalismo, los bienes materiales y los bienes simbólicos. El seguimiento de las definiciones de
cultura volcadas desde esta visión interdisciplinaria son expuestas a continuación a modo de cuadro descriptivo, dicho cuadro de elaboración propia supone un resumen de lo comentado en su día.
Valor
Definición
Autor
Socialización
“todo complejo”
(E. B. TYLOR, 1871:29)
“La cultura incluye todas la manifestaciones de
(F. BOAS,
los hábitos sociales de una comunidad.”
1995:14)
citado
en
KAHN,
“Esta herencia social”; “La cultura incluye [...]
(MALINOWSKI, 1931:85)
procedimientos técnicos, ideas, hábitos y valores
heredados.”
“cultura, como un individuo, es una pauta más o (R. BENEDICT, citado en VILLARmenos coherente de pensamiento y acción.”
ROYA, 2003:299)
“La cultura en suma, es la herencia social del
hombre tomada como un conjunto o bloque.”
(AYALA, 1952:42)
“en modelos explícitos e implícitos, de conducta y (KROEBER, citado en
para la conducta.”
ROYA, 2003:300)
“representa una búsqueda de leyes históricas.” ( L. WHITE,
1975:23)
citado en
VILLARKAHN,
“que abarca todos los aspectos de la vida social,
(HARRIS, 2000: 17)
incluidos el pensamiento el comportamiento.”
“que sirven a dos fines: proteger al hombre contra
la Naturaleza y regular las relaciones, de los hom- (FREUD, 1970: 49)
bres entre sí.”
“La cultura no debe desconectarse de aquellas or( E. SAPIR,
ganizaciones de ideas y de sentimientos que con1959:148)
stituyen el individuo.”
270
citado en WHITE,
“La cultura es inteligencia
va y una memoria colectiva.”
colecti-
“dan significado y continuidad a la acción social.”
(LOTMAN, 1996:145)
(FABREGAT, 1984:64)
“Los valores son ideales abstractos, mientras que
las normas son principios definidos o reglas que (GIDDENS, 1994: 91)
las personas deben cumplir.”
“Es la forma de las cosas que la gente tiene en su
(W. H. GOODENOUGH, citado en
mente, sus modelos de percibirlas, de relacionarGEERTZ, 1990: 25)
las o de interpretarlas.”
Bienes simbólicos
Bienes materiales
“los contenidos y patrones de valores, ideas y
y otros sistema significativamente simbólicos crea(LEVI-STRAUSS, citado en VILLARdos y transmitidos en tanto que factores modeROYA, 2003:300)
ladores de la conducta humana y de los artefactos
producidos mediante la conducta.”
“el arte.”
(E. B. TYLOR, 1871:29)
“Cultura se refiere a los valores que comparten
los miembros de un grupo dado, a las normas que (GIDDENS, 1994: 65)
pactan y a los bienesmateriales que producen.”
Bienes simbólicos
“modelos adquiridos y transmitidos mediante (KROEBER, citado en VILLARROYA,
símbolos.”
2003:300)
“la Cultura es, pues, la clase de las cosas y acon(WHITE, 1959: 139)
tecimientos que dependen del simbolizar.”
Universalismo
“las creencias.”
(E. B. TYLOR, 1871:29)
“cultura de simulación y de fascinación”
(BAUDRILLARD, 1978: 84)
“La cultura es la fábrica del significado con arreglo
(C. GEERTZ, citado en HARRIS,
al cual los seres humanos interpretan su experi2000: 18)
encia y guían sus acciones.”
“un mecanismo supraindividual de conservación y
transmisión de ciertos comunicados (textos) y de (LOTMAN, 1996:145)
elaboración de otros nuevos.”
“el término cultura designa la suma de las producciones e instituciones que distancian nuestra
(FREUD, 1970: 49)
vida de la de nuestros antecesores los animales y
[...]”
“cultura es el modo socialmente aprendido de vida
(HARRIS, 2000: 17)
que se encuentra en las sociedades humanas. ”
“rescata los aspectos sociales adquiridos.”
(E. B. TYLOR, 1871:29)
“no consiste en una mera suma o yuxtaposición
de partes o factores independientes, sino en una
(R. BENEDICT, citado en VILLARconfiguración particular que determina tanto las
ROYA, 2003:299)
relaciones de los distintos componentes como su
naturaleza.”
Figura 1 y 2. (Fuente propia)
Al confeccionar este cuadro se ha pretendido hacer un recorrido por algunas de las definiciones que desde
la Sociología y la Antropología se han expuesto sobre el término de cultura, para volver a nuestra idea inicial;
el poder omnipresente de las grandes marcas se basa en estrategias comunicativas, con las que se reformulan los valores genuinos de la idea de cultura por medio de nuevos escenarios comunicativos, productos
culturales, experiencia mediatizadas, novedosas imágenes y discursos que generan a su vez nuevos comportamientos sociales.
271
Pepa Bastida Durán
La globalización del quehacer económico está acompañada de olas de transformación cultural, es lo que
Beck (1998: 71) denomina dentro de este proceso como “globalización cultural”. Es aquí donde se trata la
fabricación de símbolos como suceso que viene observándose desde hace ya tiempo. En general, se ha
adoptado ante este hecho una postura, que está bastante cerca de la denominada tesis de la convergencia de
la cultura global. Según esta tesis, se está produciendo una paulatina universalización, en el sentido de unificación de modos de vida, símbolos culturales y modos de conducta transnacionales. En una palabra: que la
industria de la cultura global significa cada vez más la convergencia de los símbolos culturales y de formas
de vida. Esta convergencia, proporciona un acceso integrado, no una imposición por parte del mercado, tal
y como nos comenta Keith Acheson (2003: 396-397), “el comercio no obliga, sino que ofrece posibilidades”.
La globalización, es presentada según Beck (1998: 29), como
los procesos en virtud de los cuales los Estados nacionales soberanos se entremezclan e imbrican
mediante actores transnacionales y sus respectivas posibilidades de poder, orientaciones, identidades y entramados varios.
Estos procesos se desarrollan a lo largo de varias dimensiones (Beck, 1998: 40), dentro de las técnicas de
comunicación, las económicas y las culturales. En este contexto, la teoría social posmoderna ya apuntó el
hecho, de que hemos superado el mundo moderno pasando a un nuevo mundo, un mundo muy distinto
social y culturalmente, donde prima la idea del intercambio simbólico tal y como lo postulara Baudrillard.
Para construir un marco, en la posmodernidad y la actual hiperrealidad (o tardomodernidad, según el decir
de varios teóricos), donde entender el significado de la transmisión de valores culturales por parte de la comunicación corporativa, debemos aceptar la idea de que la cultura, supone también la asunción de unos
valores sociales, establecidos por la misma, y que se asemejan a los valores económicos que son compartidos
por la empresa y la sociedad, para diseñar de este modo lo que Justo Villafañe (1999) denominaría como
atributos de marca.
La Comunicación Corporativa se engloba en la filosofía del corporate, entendida ésta como la gestión integral
de la imagen de una organización, integrando su función de comunicación, su comportamiento y su cultura
corporativa. La comunicación es la variable básica, siempre y cuando tenga en cuenta, no sólo el comportamiento corporativo, es decir, la actuación de la empresa y sus respuestas en la relación con sus públicos, que
constituyen el primer eslabón en la proyección de su imagen corporativa, sino también de prestar atención a
la cultura corporativa, que es la construcción social de la identidad de la organización, a través de la expresión
de los valores que la definen en el ámbito interno. Dichos valores vienen representados por acciones donde
se promueven cuatro elementos; la distribución global (universalismo), la cotidianeidad (socialización), los
objetos (bienes materiales) y las marcas (bienes simbólicos). Toda esta descripción del entramado que organiza el hacer y el ser de una organización, hoy en día a nivel global, viene ampliada con la incorporación al
corporate del estudio sobre la vida cotidiana de los individuos. Lo cotidiano, se explica desde una formulación macroestructural en donde la ideología se objetiva en instituciones difusoras de mensajes y contenidos
fabricados con sistemas tayloristamente estandarizados (Adorno, Horkheimer y Marcuse). O bien se explica
dentro de los Estudios Culturales, como esa manera en que la conciencia social se traduce en términos culturales (Thompson), que se expone de forma poliédrica, afirmación compartida también por Foucault, ya que
se destaca una íntima conexión entre poder, control y cotidianidad.
La cultura está más de moda que nunca y se adhiere a otras cosas en cuanto a su relación con la eficacia, del
mismo modo que Foucault establece una relación entre conocimiento y poder, o bien Bourdieu cuando pone
en relación el análisis del arte en referencia a su afirmación. Para el estudio de la publicidad, es preciso la
272
consideración, de que sus mensajes son objetos semióticos que funcionan en un contexto histórico determinado, desde este punto de vista, la publicidad sería una práctica significante que requiere un espacio semiótico donde se sitúa tanto el sujeto anunciador como el sujeto enunciatario. La publicidad es utilizada para
transmitir valores, pero también existen otras formas de publicidad (de producto, de promoción entre otras),
pero en la publicidad corporativa son valores en sí los que se transmiten, ahí es donde interviene el corporate y su objetivo de socializar a la empresa, de integrarla en su hábitat, de colonizar lo cotidiano. Para poner
de manifiesto cuáles son esos valores y qué incidencia adquieren dentro de la comunicación corporativa y
publicitaria actual tenemos que tener en cuenta los cuatro elementos extraídos como valores culturales y
utilizados por las marcas transnacionales en la elaboración de sus estrategias comunicativas y sus mensajes
publicitarios.
La identidad empresarial, el posicionamiento activo de ciertas marcas consolidadas, hace que la conceptualización arbitraria de distintos símbolos de nuestra cultura mediática, de paso a una lucha comercial y
publicitaria por ostentar la patente del valor dentro del ámbito de la comunicación empresarial y, por ende,
publicitaria.
La investigación social y psicológica de la recepción publicitaria ha puesto de manifiesto la existencia de una
serie de constantes culturales que se muestran en los mensajes publicitarios actuales. Valores que no son
sino índices sintomáticos de una estructuración de los criterios que imperan, actualmente en lo social y en
lo cultural.
Tendencias publicitarias globalizadas de dichos valores culturales
Centrándonos en la búsqueda de nuestro interés, hemos localizado la vinculación entre los valores culturales
estudiados con anterioridad y el posicionamiento de cada uno de los anuncios, entendidos éstos, como la
base del concepto de campaña. El interés de estudiar estas tendencias nos permite entender porque las
grandes corporaciones se desmarcan con una comunicación más polivalente y de acceso mundial.
Para facilitar lo expuesto se ha agrupado las tendencias con valores culturales, esto nos permitirá razonar el
uso de unas líneas argumentales comunes en el uso publicitario. Vamos a describirlas de forma separada,
pero a su vez, unida a un valor cultural específico.
Figura 3
273
Pepa Bastida Durán
Si establecemos el vínculo que existe entre los valores culturales, anteriormente mencionados, con las tendencias publicitarias que se han podido desarrollar en estos últimos años, tenemos entonces un estudio de
fenómenos macroeconómicos, culturales y sociales. Estos inspiran determinados patrones de comportamiento o tendencias, que, a través de la publicidad, se manifiestan como reflejos de esos comportamientos.
Si echamos una mirada en el contexto en el que se desarrollan las tendencias publicitarias en la actualidad,
debemos tener en cuenta, que son el posicionamiento de las corporaciones económicas basadas en valores
culturales. Así pues, si antes habíamos hablado de valores como la socialización, el universalismo, los bienes
materiales o los bienes simbólicos, ahora veremos como dichos valores se han adaptado a los mensajes publicitarios en conceptos como; espontaneidad, transparencia, escapismo, nuevo colectivo, intensidad o bien
una hipervalorización de la experiencia, ideas todas ellas aceptadas en la sociedad actual. Por lo tanto, veremos como los valores culturales son utilizados como ejes de tendencias publicitarias y a su vez ejecutadas
dentro de las campañas de comunicación elaboradas por las marcas.
1. La Socialización
La Sociabilidad, como ya vimos puede ser definida según palabras de M. Harrys (2000: 17), como aquel valor
que nos habla de todos los aspectos de la vida social, incluidos el pensamiento y el comportamiento. Es por
tanto, el argumento de la interacción y la espontaneidad, así como el escapismo ejemplos de ese comportamiento social, del que Harrys nos hacía referencia.
Espontaneidad (Socialización)
El consumidor quiere participar, dejar su propia marca, quiere interactuar con los productos/marcas/publicidad. Se produce una sensación de espontaneidad a la hora de expresarse, se actúa de forma directa y sin una
elaboración premeditada. Se opta por una estética de lo casual en todas sus expresiones, tanto intelectuales
como orgánicas. Esta característica de humanización es aplicada en la publicidad de las grandes marcas a
través de la elección de una grafía en cursiva, con tachones y una apariencia desenfadada. Por lo tanto es
la autenticidad una idea transmitida por la publicidad que nos hace referencia al valor cultural de la socialización por medio de comportamientos de expresión desenfadados y espontáneos.
Figura 4. [Volkswagen. Agencia DDB, Milán, Italia]
274
Escapismo (Socialización)
Figura 5. [Nokia. Agencia JWT,
Jakarta, Indonesia]
El escapismo, también incluido en el valor cultural de la sociabilidad, se desarrolla como una tendencia que
recurre a la temática infantil, la estética del surrealismo o la ciencia ficción. Se publicitan tanto productos
de limpieza como coches o bebidas, por medio de dibujos animados y ficción. Se recupera la representación
surrealista, como puente para mostrar la multiplicidad de los sentidos y la atracción del ser humano hacia el
universo de la magia y los sueños. La exaltación de mundos imaginarios se incorpora como idea que se desarrolla en la publicidad y se integra a la comunicación empresarial de las marcas.
2. El Universalismo
El Universalismo, puede ser resumido por las palabras de C. Geertz (citado en HARRIS, 2000: 18), cuando
se convierte este concepto en la fábrica del significado con arreglo al cual los seres humanos interpretan su
experiencia y guían sus acciones. Un argumento que expresa un sentimiento de colectividad y de conciencia
global por los problemas tales como el calentamiento del planeta, la utilización de energías renovables, etc.
Todos estos comportamientos son adoptados por las corporaciones, integrados en la significación de sus
marcas-símbolos, e incluidos en sus campañas publicitarias.
Nuevo Colectivo (Universalismo)
Figura 6. [Cruz Roja. Agencia Tif Comunicação,
Curitiba, Brasil]
El establecimiento de un nuevo colectivo, y por ende, de una conciencia pragmática universal, como una
tendencia dominante dentro de las campañas de comunicación de las marcas. Que la marca se adosa a un
valor, que está plenamente enlazado con la cultura, es un hecho. Reflejo de ello, es el cambio de actitud
que ha generado socialmente manifestaciones y acciones que muestran una preocupación mundial por la
ecología. A esta idea se acogen también las marcas, por lo que no es extraño ver campañas de publicidad
275
Pepa Bastida Durán
cuyo eje central está basado en idealismo ecológico. La palabra eco ya va ligada a marcas de coches, publicidad institucional y otros bienes y servicios. Esta preocupación por el futuro es una forma característica de
esta tendencia que argumenta reflexiones sobre la vida caótica actual, aboga por una acción para el cambio
como el reciclaje o apoya organizaciones que atienden problemas sociales.
3. Los Bienes Materiales
Los bienes materiales, es otro de los valores culturales extraído, que en palabras de F. Boas (citado en Kahn,
1995:14), se expone como los productos de las actividades humanas en la medida que se van determinadas
por dichas costumbres. Una idea que se presenta en la actual comunicación publicitaria y es gestionada por
las marcas. Son dos los argumentos que están sujetos a lo que representa este valor cultural; la intensidad y
la transparencia.
Figura 7. [Cadbury. Agencia Publicitis QMP, Dublín, Irlanda]
Intensidad (Bienes materiales)
La atracción a intensidades, se expresa en publicidad a través de la expresión “splash”, este término inglés
hace referencia a la exageración y suele ser muy utilizado en publicidad. Comunica festividad, euforia, explosión de sentimiento. Nos recuerda, a la vez, sensaciones de expansión. Se suele utilizar el “splash” en la
publicidad de moda, bebidas alcohólicas, productos de ocio y entretenimiento, así como en productos de
uso personal. La ostentación por la exageración y los brillos, se hace más presente en la publicidad que hace
referencia a la industria de la moda, pero en la actualidad viene adosada también a otros bienes, productos
y/o servicios.
Hipervalorización de la experiencia (Bienes materiales)
En la actualidad, la experiencia del consumo se ha tornado en un hecho más importante que el consumo en
si. Se valora todo aquello que significa una vivencia, como momento personal e intransferible. Se ha edificado
todo un imperio de lo diferente e inusitado, que representa un foco activo hacia los placeres sensoriales, de
forma inmediata y efímera. Son nuevas formas de consumo abierto a un público mundial.
Figura 8. [Queer-travel. Agencia Scholz &
Friends,Berlín, Alemania]
276
4. Los Bienes Simbólicos
Los bienes simbólicos, como ya vimos en el capítulo anterior pueden ser definidos según palabras de A.
Giddens (1994: 65), como los valores que comparten los miembros de un grupo dado, que para este autor
son ideales abstractos. En la transposición al lenguaje publicitario este valor cultural viene definido por la
tendencia de la transparencia.
Transparencia (Bienes simbólicos)
Figura 9. [Redesma. Agencia Nexus BBDO, La Paz, Bolivia]
La transparencia es un concepto que aparece en diferentes áreas como el diseño, la arquitectura o bien
como en la comunicación. El término transparencia, entendido como mostrarse, expresa confianza, seguridad, pureza, modernidad. La transparencia es un importante signo de contemporaneidad que suele ser un
elemento eje de la comunicación publicitaria de corporaciones bancarias, gestores institucionalizados o bien
marcas de moda y diseño.
Conclusiones
Todas y cada una de las tendencias o posicionamientos (interacción y espontaneidad, escapismo, nuevo
colectivo y conciencia pragmática, euforia y deseo de intensidad, transparencia e hipervalorización de la
experiencia), que se han puesto de manifiesto aquí, muestran como nuestro vivir cotidiano forma parte de
unos valores culturales, que dan sentido no sólo a nuestro existir sino también a como nos relacionamos.
Es clara, la presencia de estas tendencias, su vinculación con valores establecidos como culturales y su ejecución a través de los actos de consumo. Touraine comentaba que, “el individuo ha buscado durante mucho
tiempo su derecho a la existencia en un universo portador de sentido, obedeciendo a un mensaje divino o
avanzando hacia el progreso universal” (2005: 131). En este momento, de mercado globalizado, ese individuo
debe abordar por medio del consumo su propia historicidad, teniendo como referencia el estatuto expuesto
por las marcas por medio de sus campañas publicitarias. Al individuo social tan sólo le queda encontrar en
lo cultural una tabla a la que agarrarse en este contexto de lo público y lo publicitado, lleno de tendencias y
mensajes que están sujetos a unas bases organizadoras propias del consumo simbólico actual que se encubre
tras la marca. Debemos tener en cuenta, que lo publicitario está vinculado a un sistema capitalista y cuya
condición pública le permite estar conectado a un conjunto de imágenes, que parten de un sistema cultural
que propicia la interacción simbólica con sus destinatarios. Este sistema cultural está compuesto por una
serie de valores como son, la sociabilidad, el universalismo, los bienes materiales y los bienes simbólicos.
Valores que nos hacen más globales y a su vez más iguales.
Se ha pretendido destacar, el hecho de que el fenómeno comunicativo de las marcas emplea la cultura como
dispositivo de legitimación, ya que no simplemente se contenta con mostrar estilos de vida, sino que hace de
éstos, estilos productivos, cuyo único interés es el de la obtención de beneficios, siguiendo unos marcados
277
Pepa Bastida Durán
ejes de conducta puramente economicistas. Por esa razón, cuando hablamos de la “cultura” dentro de este
contexto, debemos considerar que el uso de sus valores, antes que nada, forma parte de una estrategia de
circulación del sistema de mercancías a un nivel global. El engranaje de la publicidad de las grandes organizaciones comerciales, se apropia de los valores de la cultura, para elaborar mensajes que potencien la integración de dichos valores como propios de sus marcas.
La difusión de una marca, no del producto en sí, es lo característico de la publicidad moderna. La marca,
dentro del contexto actual, es, un signo asociado a una realidad corporativa, como constructo semiótico y
cultural (aúna una imagen con un nombre), se apropia de valores que representan atributos socioculturales.
Por medio de mensajes publicitarios, la marca, pone en juego un dispositivo comunicativo dando una significación a aquellas experiencias y sensaciones cotidianas, reconocidas por sus públicos y consumidores. Pese
a todo, son pocas las marcas que han logrado alcanzar ese ideal de convertir su nombre en concepto global.
Instaladas de forma perenne en el inconsciente colectivo, estas marcas globalizadas han logrado el éxito que
otras quisieran para sí, ya que son capaces de transformar los productos en marcas, los objetos en signos.
La necesidad de encontrar una vivencia personal intensa, muestra la transformación del consumo actual, ya
que el individuo busca una libertad cotidiana que le permita elegir entre lo más auténtico o exclusivo. Este
suceder lo resuelve en la actualidad el discurso publicitario, por medio de los actos de consumo que proporciona. Ninguna imagen nos aparece con tanta frecuencia como las imágenes publicitarias, los mensajes que
desde ella proyectan y se integran a través del recuerdo o de la expectación. La imagen publicitaria se establece
como la herramienta cultural más importante de la sociedad de consumo y se instala como un sistema filosófico
(Berger, 2000), interpreta el mundo explicando con sus propios términos, retrospectivos y tradicionales, que el
mundo es el mismo para todos, un mundo globalizado, y que la cultura, se establece como el eje que centra la
publicidad en valores no en objetos.
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279
ARQUITECTURA Y SÍMBOLO:
VALENCIA, IMAGEN EN ESTADO
DE INCERTIDUMBRE
ARQUITECTURA E SIMBOLO:
VALÊNCIA, IMAGEM EM ESTADO
DE INCERTEZA
ARQUITECTURE AND SYMBOL:
VALENCIA, IMAGE IN A STATE OF
UNCERTAINTY
Mayka Puche Ruiz
Resumen
La imagen de marca actual de Valencia es resultado de una justificación constante hacia su turismo
globalizado. Esta imagen, sin embargo, debería formularse gracias a su participación en la sociedad
del (re) conocimiento, huyendo de la “urbanalización” y “festivalización” de su identidad territorial.
Los “proyectos bengala”, asociados a grandes proyectos constructivos, y destinados a entrar en el imaginario público (Ciudad de las Artes y las Ciencias), han borrado del mapa turístico iconos vitales
como su centro histórico, su Huerta o su gastronomía.
Sin discurso y sin objetivo, la imagen turística de Valencia bascula entre su parcialmente obsoleta
tradición agrícola y una modernidad estandarizada, con la que quizá no se identifica, pero con la que
sí la identifican en el exterior.
Palabras clave: Imagen de marca; Marca lugar o ciudad; Identidad local; Turismo.
280
Mayka Puche Ruiz
Resumo
A imagem de marca actual de Valência é o resultado de uma justificação constante ao seu turismo
globalizado. No entanto, esta imagem deveria formular-se devido à sua participação na sociedade do
(re) conhecimento, escapando da “urbanalização” e d a “festivalização” da sua identidade territorial.
Os “proyectos bengala”, associados a grandes projectos construtivos, e destinados a entrar no imaginário público (Ciudad de las Artes y las Ciencias), apagaram do mapa turístico ícones fundamentais como
o seu centro histórico, a sua Horta ou a sua gastronomia.
Sem discurso e sem objectivo, a imagem turística de Valência balança entre a sua tradição agrícola
parcialmente obsoleta e uma modernidade estandardizada, com a qual talvez não se identifique, mas
com a qual a identificam no exterior.
Palavras-chave: Imagen de marca; Marca lugar ou cidade; Identidade local; Turismo.
Abstract
The present brand image of Valencia is the result of a constant justification towards its globalized tourism. However, this image should be created thanks to its involvement in the society of knowledge (acknowledgment), avoiding the “urbanization” and “festivalization” of its territorial identity.
The “proyectos bengala”, associated with great constructive projects, and meant to be part of the
public imaginary (Ciudad de las Artes y las Ciencias), have deleted essential icons from the tourist map,
such as its historic centre, its Huerta or its gastronomy.
Without a speech or a purpose, the tourist image of Valencia fluctuates between its semi-obsolete
agricultural tradition and a standardized modern nature, with which it might not identify, but with
which it is identified from the exterior point of view.
Keywords: Branding; Place branding; Local identity; Tourism.
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282
Construtores de paisagem,
uma outra imagem do douro
Fernando Faria Paulino
Resumo Da mesma forma que a imagem é uma construção, também as paisagens – enquanto espaços
turísticos – são construções culturais, podendo a imagem de uma determinada paisagem adquirir um
valor de referência colectiva. A escolha de uma imagem de um dado espaço resulta de um processo de
selecção e valorização dessa mesma paisagem em detrimento de uma outra. Esta inter-relação de imagens conduz assim à construção de um determinado conjunto de mitos, relativamente às paisagens,
em que todo o espaço imaginário toma o lugar do espaço real.
A imagem do Douro é uma imagem socialmente construída, mediatizada, fruto de uma totalidade de
outras representações visuais, que remetem constantemente para uma interrelação Douro / paisagem
/ vitivinicultura, e na qual o papel protagonizado pela paisagem – paisagem cultural – é determinante.
Este processo de selecção e valorização da paisagem (evolutiva e viva) na região do Douro é de tal
forma evidente, que o papel por ela desempenhado parece ser determinante na identidade turística
de toda a região, na qual o homem está ausente.
O vídeo-documentário Construtores de Paisagem, tenta olhar a região pela voz daqueles que contribuíram e contribuem para a construção desse lugar, enquanto paisagem cultural, pelos trabalhadores
que acompanham o ciclo da vinha, com um destaque particular para os oriundos da serra do Montemuro – os “serranos” – e que permanecem longe dos cartazes turísticos ou da imagem de marca do
Douro.
Palavras-chave: Paisagem; Paisagem cultural; Imagem; Douro; Identidade; Mito.
Keywords: Landscape; Cultural Landscape; Image; Douro; Identity; Myth.
283
CINEMA E SOCIEDADE
Maria do Céu Marques, CEMRI, Universidade Aberta, Portugal
Jorge Campos, ESMAE, Escola Superior de Música, Artes do Espetáculo, IPP, Porto, Portugal
Ariane Cole, Universidade Mackenzie, Brasil
Glaúcia Davino, Universidade Mackenzie, Brasil
Peter Anton Zoettl, CEMRI, Universidade Aberta, Portugal
Jose Gabriel Ferreras, Universidad de Murcia, Espanha
Salvador Martínez Puche, Universidad San Jorge, Espanha
O cinema enquanto forma de socialização constituiu-se num objecto de estudo com um forte
impacto ao longo do século XX. A fácil acessibilidade aos filmes e à televisão suscitou, e ainda
suscita, um incremento na educação do espírito crítico do espectador que representa uma parte
importante na transmissão de mensagens pelas obras cinematográficas, por isso, continua a ser
considerado uma das formas de arte mais influentes e importantes no século XXI. Trata-se de
uma arte narrativa que possui uma linguagem própria e multidisciplinar que recorre a outras formas de arte como a literatura, a fotografia, a pintura e a música para transmitir mensagens e possibilitar um diálogo com o espectador. Enquanto ficção representativa da nossa vida, o cinema
influencia a nossa realidade, levando-nos a adoptar, de uma forma consciente ou inconsciente,
uma determinada postura modelada pelo que vemos e ouvimos.
Desde o seu aparecimento que o cinema funcionou como um espelho da sociedade que o inventou. O cinema de Lumière levou, de forma realista, o familiar e o exótico à sala de cinema,
enquanto Méliès se atreveu a criar espectáculos que inverteram as regras do “real”, mas que não
obstante reflectiam o mundo social que o envolvia. A história da antropologia e a história da arte
cinematográfica apresentam percursos e preocupações bem semelhantes. A praxis do cinema
(de Flaherty, de Vertov, de Rouch) frequentemente antecipou o debate teórico dos antropólogos,
mas a metodologia antropológico também não deixou de inspirar o mundo artístico.
As contribuições deste capítulo procuram interrogar, dum ponto de vista antropológico, os variados níveis de interacção entre “cinema” e “sociedade”. Constança Silva Coelho fala-nos das di-
285
ficuldades que o cinema documental enfrenta quando a complexidade do tema não corresponde
às possibilidades do formato cinematográfico escolhido. O olhar da câmara de Sergio Treffaut no
seu, bem divulgado, filme Lisboetas paira, por vezes, distante da realidade etnográfica, embora
consiga captar alguns momentos chave da vida dos “Novos Lisboetas”, e das suas tentativas de
encontrar um novo lar, sem perder os seus laços familiares e identidades culturais anteriores. A
aproximação realista de Treffaut contrasta com a encenação ficcional de João Canijo em Ganhar
a Vida, que Maria Celeste Cantante toma como fundo para uma análise das potencialidades do
cinema de ficção em relação às questões sociais actuais.
A maioria dos autores utiliza um “texto” cinematográfico como “terreno” para uma etnografia
da imagem. Alice Guimarães procura traçar o processo no qual a literatura se transforma em
imagens, em movimento, enquanto Maria do Céu Marques nos apresenta uma realidade etnográfica pouco conhecida, através da análise de um filme do realizador Artur Ribeiro. O “duplo
exílio” de emigrantes portugueses que vivem nos Estados Unidos, mas que “tecnicamente” não
são cidadãos americanos, e, portanto, estão sujeitos à repatriação para a sua “terra de origem”
(que é a sua terra natal) é um bom exemplo de um trabalho fílmico que representa, com os meios
próprios do cinema de ficção, uma realidade etnográfica complexa e ainda pouco estudada.
Em “Imagens (re)construídas”, Peter Anton Zoettl fala-nos da experiência de uma etnografia filmada pelos próprios “objectos” da pesquisa antropológica. Em Quilombo do Lago, um grupos de
jovens de uma comunidade rural no nordeste brasileira vai à procura da sua “cultura popular”,
uma procura que os leva (junto com o antropólogo) a uma reflexão fílmica da sua negritude. Num
outro exemplo de exploração compartilhada do terreno etnográfico, Sandra Marques apresentanos as diferentes Faces de Kolkata, num filme em que o photo-voice serviu como catalisador e
promotor do encontro entre o pesquisador e os sujeitos-participantes da análise antropológica.
Do cinema como método de pesquisa antropológica, Glaúcia Davino finalmente leva-nos de volta
ao cinema como objecto da pesquisa, analisando as questões da “industrialização” da arte no
contexto brasileiro, e a sua consequente “americanização” da produção cinematográfica.
286
Práxis e Reflexões
nas Margens do Tempo
Practice and reflections
over the margins of time
Ariane Daniela Cole, Regina Lara, Artur Cole, Ana Paula Calvo
Resumo Buscamos desenvolver uma análise sobre o processo de realização do audiovisual Nas Margens do Tempo. Este apresenta a obra de Evandro Carlos Jardim, artista plástico e gravador brasileiro,
que hoje conta com 50 anos de produção íntegra e ininterrupta, tanto como artista quanto como professor. Além de lidar com este universo, tão extenso quanto profundo, outras complexidades se apresentaram como grandes desafios, como por exemplo, abordar seu trabalho e as questões provenientes
de sua obra, constituída de imagens, através da linguagem audiovisual; o registro do espaço e do tempo,
dos seres e objetos que o habitam; a narrativa; o gesto; o texto; a oralidade; a música e a poesia. Objetivamos refletir sobre os seus objetivos, escolhas e seus desdobramentos formais, éticos e estéticos.
Palavras-chave: Documentário, Arte, Linguagem audiovisual, Processo de criação, Roteiro, Representação.
Abstract We will try to develop an analysis of the production process of the audiovisual piece Over
the Margins of Time. This presents the work of Evandro Carlos Jardim, Brazilian artist and engraver,
who now has had 50 years of full and uninterrupted production, both as an artist and as a teacher.
Apart from dealing with this universe, in its vastness and depth, other complexities present themselves
as great challenges, like for instance the approach to his work and the questions originated by his work,
made of images through the audiovisual language; the record of space and time; of beings and objects
that inhabit it; narrative; gesture; text; speech; music and poetry. Our aim is to reflect over his objectives, his choices and their formal, ethical and aesthetical deployment.
Keywords: Documentary, Art, Visual language, Creative process, Script, Representation.
287
Apresentação do filme
Kolkatar Mukh – Faces de Kolkata (2009) DVD. Dir. Sandra C. S. Marques & Fernando Sousa. Portugal:
Edição de autor.
Kolkatar Mukh – Faces de Kolkata é a versão portuguesa de um documentário de 30’ (também disponível em
versão inglesa: Kolkatar Mukh – Faces of Kolkata) realizado como actividade paralela no âmbito do projecto
de doutoramento “As Câmeras1 e o Turismo em Kolkata: Representações em Photovoice” (que terá dado
origem à tese de doutoramento com o mesmo nome) pela antropóloga Sandra C. S. Marques, no ISCTE-IUL,
em Lisboa, apoiado com bolsa da Fundação para a Ciência e a Tecnologia (2004-2007).
Neste documentário, histórias da cidade de Kolkata são contadas através do olhar e voz de vários residentes
e turistas internacionais de origens distintas em visita à cidade. O filme explora a multiplicidade de histórias/
representações sobre a cidade e os seus habitantes, geradas a partir de photovoice (conceito metodológico
desenvolvido por Caroline Wang e Mary Ann Burris em 1992) e técnicas multivocais. Foram distribuídas
câmeras fotográficas entre turistas e residentes e convidados a mostrarem a sua visão da cidade. Além das
histórias contadas a partir das fotografias, um dos residentes optou por recorrer à poesia e dois jovens,
sendo músicos, optaram por contar a sua cidade através de uma canção baul.
O plano de trabalho implementado para a realização deste documentário na cidade de Kolkata, capital do
estado de West Bengal, Índia foi cumprido sob a égide dos mesmos pressupostos epistemológicos que subjazem à investigação antropológica que o suporta, em coerência com a opção de uma aproximação ao objecto através da didáctica combinada às metodologias reflexivas. Ou seja, o estilo de narrativa utilizado foi
cuidadosamente organizado no sentido de reflectir a partilha de espaço de reflexão e exposição deliberada
da representacionalidade de todas as partes envolvidas, procurando minimizar a assimetria da posição de
poder da investigadora, embora obviamente preservada na escolha de conteúdos, metodologia, nível de
análise e resultados apresentados.
Margaret Mead defendeu, incondicionalmente, a utilização do filme sistemático e controlado, para recolha
1 “Câmera” e “câmara” são duas formas ortográficas em uso para designar o mesmo referente. Mas dada a ausência de consenso
em torno do seu uso, quero clarificar as razões da minha escolha pela grafia “câmera”. O termo é assumido como tecnologia representacional, associada a uma mecanização da apropriação de amostras do visível gravadas pela luz. O uso desta grafia (visualmente) mais próxima do latim “camera” pretende relembrar a cada momento a extraordinária inovação tecnológica que foi a camera
obscura na criação da maravilhosa ilusão da analogia “olho - câmera (imago rerum visibilis) - realidade objectiva”. Um maravilhoso
que é esquecido frequentemente na modernidade; em que pela sua banalidade e acessibilidade, a câmera é muitas vezes assumida como tecnologia de produção de índices do real (ver Frade 1992).
288
de material que possa ser repetidamente analisado com teorias e técnicas cada vez mais desenvolvidas, assumindo que apesar de todos os problemas de imposição do ponto de vista do autor, a negação da utilização
do filme se traduz sempre em maiores perdas do que ganhos. Já para Peter Ian Crawford é na diferença de
produção do texto e do filme que reside a reivindicação da superioridade do primeiro. No primeiro caso,
argumenta o autor, o antropólogo é o responsável pela codificação do produto final, enquanto no filme, a
codificação depende directamente das imagens e do som recolhidos (muitas vezes por outros) e, sobretudo
da edição e do editor. Este tipo de condicionalismo, refere também, tem como alternativa o chamado Observational Film (“filme directo”) que deixa em aberto os possíveis significados que podem transcender a
análise do etnógrafo-realizador: «Observational film with its emphasis on objectivity, neutrality and transparency, has provided anthropological cinema with a filmic strategy which complies with the requirements of
modernist ethnographic representation» (Crawford 1992: 73).
O meu posicionamento relativamente à utilização de imagens na investigação antropológica é essencialmente discordante destas duas propostas. Relembro o conceito de objectividade de Bourdieu:
Objectivism constitutes the social world as a spectacle presented to an observer who takes up a ‘point of
view’ on the action, who stands back so as to observe it and, transferring into the object the principles of
his relation to the object, conceives of it as a totality intended for cognition alone, in that all interactions
are reduced to symbolic exchanges (Bourdieu 1977: 96).
Ou seja, a diferença entre a presunção do “estilo reportagem” e a afirmação da observação participante é
precisamente a distanciação de um registo ilusoriamente exposto como “objectivo”, “neutral” e “transparente” por um registo deliberadamente revelado como subjectivo ou reflexivo.
A parceria com Fernando Sousa em todas as fases do processo de realização deste documentário, a quem,
pela sua proficiência técnica facultei a latitude de alargar também à sua interpretação pessoal a captação
de imagens-objecto no terreno, bem como intervenção no planeamento, soluções técnicas e de análise do
material fotográfico e de vídeo terão sido essenciais para a eficiência da execução e concretização do produto final desejado. Do mesmo modo, a extensão desta parceria ao editor Ricardo Damásio, na fase de pós-produção efectuada já em Lisboa, no decurso de 2008-2009 (depois de finalizado o trabalho de campo), terá
sido igualmente indispensável na procura conjunta de soluções ao nível das possibilidades de construção da
narrativa fílmica em ordem à desejada tradução dos pressupostos estabelecidos no produto final. Ao contrário de autores a que fiz referência, não considero que, por isso, haja uma perda de responsabilidade do
investigador na codificação do produto final. Pelo contrário, tal como com o photovoice e as outras técnicas
aplicadas, o enriquecimento através da reflexão partilhada, tanto com os sujeitos-objecto de estudo como
com outros colaboradores, permite subverter o uso de uma voz “monológica” que condiciona a tomar apenas um ponto de vista particular.
Relativamente ao princípio da reflexividade, a enunciação de uma “antropologia da experiência” deve-se
a Victor Turner que, inspirado por Wilhelm Dilthey (1833-1911) e pelo seu conceito erlebnis - experiência
pessoal “vivida”: «Existence itself, reality, being - these are only expressions for the way in which my consciousness possesses its impressions and its representations» (Dilthey 1989: 246) -, cria uma corrente de
abordagem antropológica alternativa ao “Estruturalismo”, da qual se destacam nomes como Milton Singer,
Dell Hymes, Richard Bauman, Renato Rosaldo, Bruce Kapferer, Edward Bruner, entre outros. Na hermenêutica de Dilthey a experiência constitui a realidade primária. O conceito inclui não apenas comportamentos,
acções e sentimentos mas também a reflexão sobre os mesmos - a experiência interior, pessoal. Assim, aceder à experiência do “outro” é aceder à relação dialéctica entre a experiência e as suas expressões, pois uma
é estruturante das outras e vice-versa (Bruner 1986).
289
Kolkatar Mukh – Faces de Kolkata
Mas se a experiência é sempre pessoal, se é sempre a expressão singular da consciência que cada sujeito
possui do real, como aceder à experiência do outro? A resposta de Dilthey a esta questão é a de que: «Our
knowledge of what is given in experience is extended through the interpretation of the objectifications of
life and their interpretation, in turn, is only made possible by plumbing the depths of subjective experience»
(Dilthey 1976: 195). Ou seja, se é universal o relativismo experimental também o é a capacidade de imaginar
o outro - a reflexividade; e é este o instrumento que permite ao investigador aceder à experiência dos outros.
A vantagem deste tipo de aproximação é o partir das expressões como significados dos outros, i.e., da análise
estabelecida pelos sujeitos em estudo, evitando a imposição das categorias mentais do antropólogo num
primeiro momento de interpretação.
A reflexividade parece então incontornável a qualquer cientista social. E no entanto, raros são os estudos de
formato reflexivo. Para que o produto de uma investigação possa ser caracterizado desta forma é necessário
que o autor o revele deliberadamente. Que explicite publicamente a propósito dos seus resultados, não só
os pressupostos epistemológicos e as metodologias utilizadas mas, também, das razões das suas escolhas
de resultados apresentados e da sua relação com a investigação (Ruby 1980: 157). Por outras palavras, que
deliberadamente revele a sua presença como autor. Neste sentido, este documentário propõe também a
exposição em formato audiovisual da aproximação que terá sido efectuada ao objecto de estudo e ao trabalho de campo nesta investigação antropológica, maximizando a transparência dos modos de construção dos
conteúdos e significados manifestos em outros produtos, designadamente em formato textual.
BOURDIEU, Pierre (1977) Outline of a Theory of Practice. Cambridge, Cambridge University Press.
BRUNER, Edward (1986) “Experience and its Expressions”, em BRUNER, E. e V. Turner (eds.), The Anthropology of Experience. Urbana, University of Illinois Press: 3-30.
CRAWFORD, Peter e D. Turton (eds.) (1992) Film as Ethnography. Manchester, Manchester University Press.
DILTHEY, Wilhelm (1989) “The Facts of Consciousness (Breslau Draft)”, em MAKKREEL, R. A. e R. Rodi (eds.),
Selected Works, I: Introduction to Human Sciences. Princeton, Princeton University Press: 245-271.
DILTHEY, Wilhelm (1976) Dilthey: Selected Writings (ed. H. P. Rickman). Cambridge, Cambridge University
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FRADE, Pedro (1992) Figuras de Espanto: A Fotografia Antes da sua Cultura. Porto, Ed. ASA.
RUBY, Jay (1980) “Exposing Yourself: Reflexivity, Anthropology, and Film (1)”, Semiotica, 30 (1/2): 153-179.
290
Imagens (re)construidas
O “vídeo participativo” e a
questão da imagem indígena
e quilombola no nordeste
brasileiro
Peter Anton Zoettl
A “questão quilombola” no Brasil, nos últimos anos, tem ganhado um novo dinamismo. Embora tivesse
sido a revisão constitucional de 1988 que garantiu aos “remanescentes das comunidades dos quilombos” a propriedade definitiva das terras “que estejam ocupando” (art. 68), somente as mudanças políticas ocorridas na última década fizeram com que o artigo saísse dos arquivos jurídicos, e começasse
a servir como base legal para reivindicações relacionadas à igualdade racial e à distribuição da terra.
Desde o início, a abrangência do termo “quilombo” foi, naturalmente, uma condicionante chave do artigo 68.
A definição “lexical” de “esconderijo, aldeia, cidade ou conjunto de povoações em que se abrigavam escravos fugidos” (Buarque de Holanda 2004) ou “lugar escondido ou fortificado em que se refugiavam escravos”
(Caldas Aulete 1987) tem passado por um processo de “ressemantização” que sucessivamente alargou o
significado literal da palavra, permitindo que o respectivo artigo seja aplicado a um número cada vez maior
de comunidades negras rurais (cf. Arruti 2006). Até meados de 2010, a Fundação Cultural Palmares (FCP),
órgão oficial do governo ligado ao ministério de cultura, emitiu certidões para 1523 comunidades em todo
Brasil (FCP 2010).
Como pretendo mostrar nas seguintes páginas, há uma ligação estreita entre o “nome” e a “imagem” quilombola, no que refere ao processo de atribuição de ambos. A ressemantização pela qual passou a palavra, é
acompanhada pela criação de certas “imagens de referência”, ambos fruto do mesmo “ato de nomeação”.
Neste contexto, uma oficina de vídeo organizada junto com uma comunidade quilombola no litoral ocidental maranhense se mostrou útil para examinar o complexo imagem-identidade, no processo de formação
quilombola. A produção de um pequeno documentário sobre o dia-a-dia da comunidade catalisou uma reflexão sobre os conceitos da “cultura popular”, e a forma como essa se manifesta – ou se define – através de
imagens reprodutíveis associadas a ela.
O decreto que regulamenta o artigo constitucional referido define o termo “remanescente de quilombo”,
para fins político-administrativos, como “grupos étnico-raciais, segundo critérios de auto-atribuição, com
trajetória histórica própria, dotados de relações territoriais específicas, com presunção de ancestralidade
negra relacionada com a resistência à opressão histórica sofrida” (Decreto 4.887). A definição legalista portanto diverge em alguns pontos importantes da definição “lexical” dos dicionários de língua portuguesa. Em
291
Peter Anton Zoettl
primeiro lugar, ela se refere a “grupos étnicos raciais” que, em termos legais como no senso comum, não
eram conhecidas por tal nome. Como observa Arruti (2006: 67), “o objeto da lei”, no caso quilombola, “não
é anterior a ela ou, de um outro ângulo, nele o direito cria o seu próprio sujeito”. Podia-se falar portanto da
“invenção” de um grupo étnico, pela força do “poder de nomeação” (Bourdieu), num “exemplo privilegiado”,
como diz Arruti, “como o poder simbólico de nomeação depositado no Estado pode, ao menos em parte,
criar as próprias coisas nomeadas” (ib.: 121).
É necessário porém, ressaltar que não se trata da “invenção” de algo que não estivesse “lá”. O ato de nomeação é, antes de tudo, um ato de classificação, que delineia e demarca certos grupos sociais em relação
aos demais indivíduos. O que o estado “inventa” não é a existência dos indivíduos que apresentam os – alegados ou presumidos – traços do grupo nomeado, mas as fronteiras que os separam dos demais indivíduos
que – a partir do ato de nomeação – serão considerados extra-grupo. Segundo Arruti, no caso quilombola, o
uso do termo
nunca teve um interesse descritivo, mas, antes de tudo, classificatório, delimitando um objeto que, em
realidade, incluía diversas formações sociais muitos diferentes entre si. Enfim, o ‘quilombo’ é uma daquelas categorias classificatórias que respondem à necessidade do Estado de produzir unidades genéricas de
classificação para a intervenção e o controle social … independentemente da diversidade real dos objetos
classificados (ib.: 173).
Recorrer à figura do “remanescente” permitiu ao poder legislativo “resolver a difícil relação de continuidade
e descontinuidade com o passado histórico, em que a descendência não parece ser um laço suficiente” (Arruti 2006: 81). As referências do regulamento da lei à “ancestralidade negra” e à “opressão histórica” – que
substituem o elemento da “fuga” que integra a definição lexical dos dicionários – por sua vez demonstram a
tentativa do poder executivo de chegar a uma formulação legalmente praticável que, ao mesmo tempo, procurou satisfazer as reivindicações dos demais agentes envolvidos no “ato de nomeação”, como por exemplo
os do movimento negro. De facto, o “ato de nomeação” quilombola, mais adequadamente, poderia ser descrito como um “processo de nomeação”, durante o qual – mediante a intervenção dos agentes interessados
– foi, e está a ser, definido o que é que é – e quem é que é – um quilombo, um quilombola. Além do referido
movimento negro, representado, por exemplo, pela Coordenação Nacional de Quilombos (CONAQ), não faltam outros agentes interessados na “questão quilombola” – nomeadamente os proprietários de terra, por
sua vez representados através de lobbies ou partidos políticos. Neste momento, o decreto que regulamenta
a titulação de quilombos está a ser contestado pelo partido PFL/DEM denunciando a sua suposta inconstitucionalidade, numa acção que ainda aguarda julgamento pelo Supremo Tribunal Federal (STF) de Brasília.
Um outro grupo de agentes que actuam no mesmo campo são os cientistas sociais, nomeadamente os antropólogos, com um crescente número de publicações sobre o tema. A sua “produção científica” endossa a
produção simbólica do estado. Como observou Bourdieu (1996 [1994]: 127), as categorias, tanto científicas
como as do senso comum, contribuem “para criar a realidade que evocam”, já que no mundo social “as palavras criam as coisas”, criando o “consenso sobre a existência e o sentido das coisas”. Embora a actuação
do antropólogo não seja (mesmo quando contratado por entidades governamentais) uma acção do estado,
o facto de muitos antropólogos estarem a pesquisar a “questão quilombola” não é inteiramente alheio ao
sistema de financiamento do sistema académico, e de projectos e programas governamentais nessa área.
Participando, conscientemente ou não, no “processo de nomeação”, o trabalho dos antropólogos, naturalmente, não está livre do perigo de “criar” o seu próprio objecto de estudo, confundindo, como formulou
Bourdieu, classes teóricas com classes reais (ib.: 24). “Pensar” um certo objecto de estudo, sobretudo “em
sua fase de construção e consolidação” é participar “de modo mais ou menos eficaz e mais ou menos direto,
de sua construção, logo, de sua própria existência” (ib.: 95).
292
Imagens (re)construidas: O “vídeo participativo” e a questão da
A produção de um “vídeo participativo” numa comunidade quilombola no município de Guimarães-MA reflectiu em vários níveis a actuação dos diversos agentes envolvidos no processo de formação quilombola.
A comunidade, quando surgiu a ideia de lá administrar uma oficina, encontrava-se ainda na fase de certificação pela Fundação Cultural Palmares. Justamente no tempo em que me aproximei dos representantes da
comunidade, eles estavam a elaborar uma “ata”, na qual iam juntando os elementos que, no seu entender,
apoiariam o requerimento. Por um mal entendimento interno, um primeiro pedido em que a comunidade
requisita o seu registo oficial junto com a FCP, nunca fora enviado.
Essa necessidade legal, estabelecida pela FCP (2007: Art. 3/III), de munir o pedido de certificação com “dados,
documentos ou informações, tais como fotos, reportagens, estudos realizados, entre outros, que atestem a
história comum do grupo ou suas manifestações culturais” encontra-se em evidente contradição com a ideia
da auto-definição, que o artigo 68 inicialmente estabelecia, observando as disposições da Organização Internacional do Trabalho sobre povos indígenas e tribais (OIT 1989). A cláusula (auto-atenuada pelas palavras
“caso … os possua”) somente foi acrescentada pela FCP em 2007 (ib.), e deve ser fruto de dificuldades na implementação do artigo 68. Se, na portaria publicada pouco depois da regulamentação do artigo (FCP 2004),
ainda não houvesse a necessidade de “justificar” o pedido de auto-definição, provavelmente era porque o
artigo 68 ainda não chegasse a surtir efeitos práticos. Mas com a certificação subsequente de cada vez mais
comunidades, o artigo 68 se ofereceu como um “jeitinho” legal para atacar um antigo problema de elevada
relevância política, que há décadas se mantivera sem solução: a questão da terra. Como afirma Arruti (2006:
82), até o momento, o que está em jogo “em qualquer esforço coletivo pelo reconhecimento oficial como comunidade remanescente de quilombos são sempre … os conflitos fundiários em que tais comunidades estão
envolvidas, e não qualquer desejo memorialístico de se afirmar como continuidade daquelas metáforas da
resistência escrava”.
Na comunidade onde pretendia organizar a oficina de vídeo, ainda se discutia qual seria a melhor forma
de sustentar a sua auto-declaração como quilombo perante à FCP. Os professores tinham elaborado algumas páginas, pela falta de um computador escritas à mão, em que falavam da história da comunidade e da
cultura que nela se podia encontrar. Essa ata, julgavam, ainda precisava de ser aperfeiçoada, para depois ser
digitada e remetida para Brasília, para que a comunidade finalmente pudesse ser certificada. A importância crucial dessa certificação explicaram da seguinte forma: a comunidade teria, no ano passado, perdido a
oportunidade de “ganhar” uma escola “de primeiro mundo”, pelo fato de o programa governamental que ia
financiá-la ter sido direccionado, unicamente, a comunidades quilombolas. A comunidade se inscreveu no
programa, pensando já ter sido registada pela FCP, o que não era o caso, e consequentemente fora excluída
do concurso.
Nessas circunstâncias, os professores da comunidade, dos quais alguns também eram representantes da associação dos moradores que tinha aberto o caminho para a auto-definição quilombola, abraçaram espontaneamente a ideia de organizar uma oficina de vídeo, na qual seria produzido um pequeno vídeo documental
sobre “algum tema em volta da vida da comunidade”, como eu havia sugerido. “Se tivéssemos tido esse
filme”, afirmava um deles, “já estaríamos certificados”, numa presumível referência à necessidade de juntar
elementos que possam demonstrar a “quilombilidade” do povoado à FCP. Foi resolvido fazer uma chamada
entre os jovens da comunidade e, depois de duas reuniões preliminares, formou-se um grupo de 6 realizadores que iam pesquisar, filmar e montar o tal documentário.
O histórico da produção do vídeo pode ser entendido como um reflexo da visão divergente dos vários agentes nela envolvidos. Esses agentes incluíam, primeiro, os jovens realizadores, cuja participação seguia um
sentimento de curiosidade, e que viram na oficina a oportunidade de “poder experimentar algo que até
hoje nunca tinham feito”, como o formulou uma das participantes mais empenhadas. Contudo, como fiquei
293
Peter Anton Zoettl
a saber mais tarde, a maioria dos participantes eram ao mesmo tempo familiares dos professores, e foram
“convencidos” por estes a participar na oficina. Assim, quando a curiosidade inicial abrandava, uma parte dos
jovens preferia voltar ao trabalho da roça, o trabalho de casa ou o campo de bola, em vez de gravar mais uma
entrevista, filmar mais um plano ou reflectir sobre conceitos de montagem. Nessa altura, o segundo grupo
de agentes, os professores da comunidade, procurou reanimar os discípulos, para que não desistissem de
“filmar toda a nossa cultura”, como um deles afirmava.
A actuação e o discurso dos professores salientou a sua formação enquanto “líderes” da comunidade: na
sua maioria, faziam parte da Associação dos Moradores e, de vez em quando, frequentavam seminários
organizados pelas organizações regionais que promoviam a “questão quilombola”, como por exemplo a ACONERUQ (Associação das Comunidades Negras Rurais Quilombolas do Maranhão). Um dos representantes
locais dessa organização era ao mesmo tempo líder de uma comunidade quilombola vizinha, a única do município que já tivera recebido a certificação definitiva da FCP. Em consequência, o discurso de uma parte dos
professores em relação à “questão quilombola” não deixou de mostrar sinais da sua politização, empregando
algumas das palavras-chave do movimento negro. A necessidade de “se assumir” como negro, por exemplo,
foi sublinhado pelo professor que era ao mesmo tempo pai-de-santo da comunidade, para explicar porque
algumas das povoações do município se auto-definiam como quilombos, enquanto outras – cuja população
apresentava um fenótipo e um modo de vida praticamente igual – não se tinham decidido por essa possibilidade. Arruti, que também registou a preeminência desse termo no contexto quilombola por ele investigado
(2006: 207), vê no conceito de “se assumir” uma “objectificação” da identidade assumida:
Mesmo que uma pessoa não possua todos os critérios substantivos, se ela «se assumir» … ela é aceita
pelo resto do grupo sob aquele rótulo. Assim, no Mocambo, a remanescência não está vinculada, exclusivamente, a uma origem ou a uma identidade racial, mas, fundamentalmente, à adesão a uma categoria
social … A expressão «se assumir» constrói uma eficiente estratégia de objetificação dessa opção, como
se não houvesse outra forma de agir e como se a recusa em agir dessa forma é que deve ser explicada.
Pelo meus interlocutores, a decisão de “se assumir” como quilombola era uma consequência da decisão de
“se assumir” como negro. Se as comunidades vizinhas – que também podiam reivindicar uma “trajetória
histórica própria” no sentido do artigo 69 – não se auto-denominavam como quilombolas, era então pelo
facto de não se quererem assumir como comunidades negras. A sua negritude foi colocada como uma característica chave pela auto-definição da comunidade, e para a imagem que esta desejava de comunicar de si.
A busca pela “cultura popular” do lugar, ocasionada pela oficina de vídeo, transformou-se assim numa busca
pela “cultura negra” que, supostamente, equivalia a “cultura quilombola”.
Nesse quadro, o antropólogo entrou em campo como agente duplo: por um lado como “perito” em questões
de cultura, pelo outro (sendo antropólogo visual) como “fazedor de imagens”. Por um lado, a visita de um
“homem de estudos”, prometia à comunidade o reconhecimento do seu dia-a-dia como “Cultura”, pelo outro, a produção de um documentário asseguraria que essa mesma cultura se ia materializar em um suporte
reprodutível e divulgável. O mero facto da minha presença como pesquisador, para os representantes dos
moradores, já constituía mais uma prova da “quilombilidade” do lugar, prova que, além do mais, ia ser conservada em imagens em movimento. A presença do antropólogo-documentarista portanto reafirmava, e
legitimava para a comunidade, a sua identidade quilombola, justamente no momento em que esta se encontrava no processo de certificação mediante a nomeação oficial pelos agentes do estado.
A citada portaria da FCP sublinha o papel central das imagens na definição, afirmação, e reafirmação da
identidade quilombola. Na sua referência às “manifestações culturais” que devem apoiar a requerimento de
certificação, a FCP (2007: Art. 3/III) sugere um conceito de cultura que se limita àquilo que “se manifesta”,
ou seja, àquela parte da cultura que se torna pública, notória, que se revela, que se mostra – enfim, tudo o
294
que possa ser observado e que, portanto, é visível e consequentemente representável por imagens. Mas as
imagens não são somente um reflexo da cultura, elas objectificam – num processo homólogo às palavras e
aos nomes – o conceito de cultura. Elas não somente operam como um espelho daquilo que é considerado
“cultura” na visão dos diversos agentes envolvidos na sua definição, a imagem, ela própria, torna-se parte
integral dessa cultura. Durante este (interminável) processo, a imagem reprodutível adquire um papel cada
vez mais preeminente na descrição e definição das identidades, que vai da mera representação de “manifestações culturais” à norma cultural. As imagens da cultura visível, observável, que – inicialmente – somente
retratam essa mesma cultura, posteriormente podem se transformar numa “imagem-referência”, da mesma
forma como o “nome” – que nunca apenas descreve, mas sempre, em parte, prescreve. Bourdieu, apoiandose no exemplo da “família”, chamou a atenção ao facto de as palavras construírem além do que retratem a
realidade social:
Se é verdade que a família é apenas uma palavra, também é verdade que se trata de uma palavra de ordem, ou melhor, de uma categoria, princípio coletivo de construção da realidade coletiva. Pode-se dizer,
sem contradição, que as realidades sócias são ficções sócias sem outro fundamento que a construção
social e que, ao mesmo tempo, existem realmente, coletivamente reconhecidas. Em todos os usos de
conceitos classificatórios, como o de família, fazemos ao mesmo tempo uma descrição e uma prescrição
que não aparece como tal porque é (quase) universalmente aceita, e admitida como dada: admitimos
tacitamente que a realidade à qual atribuímos o nome família, e que colocamos na categoria de famílias
de verdade, é uma família real.
O caso quilombola é um exemplo da criação de um imaginário que serve não somente para mostrar, memorizar, arquivar etc., mas igualmente para atestar o que um certo agente identifica como cultura de uma certa
identidade. Os tal “documentos ou informações, tais como fotos, reportagens” que a FCP (2007: Art. 3/
III) pede das comunidades que se auto-denominam “quilombolas”, por meio de um regulamento legal, são
levadas ao estatuto de uma prova ou, pelo menos, um indício da identidade dos requerentes. Portanto, o
processo de nomeação quilombola, que exige que a comunidade que queira ser assim nomeada apresente
– e observe – o que o poder de nomeação resolvera serem os elementos definitórios da sua condição, paralelamente lhes exige que corresponda – e que produza – um certo cânone de imagens.
No caso indígena (do resto só aparentemente parecido com a “questão quilombola”) por sua vez pode-se observar como certos atributos, identificados com o nome, podem acarretar uma conduta específica dos “nomeados”, particularmente a produção de certas “manifestações culturais” vistos, pelo poder de nomeação
(aqui no sentido mais restrito), como desejáveis ou até imprescindíveis. O toré, uma dança supostamente
tradicional dos índios do nordeste brasileiro, é um exemplo flagrante deste efeito: Vários grupos indígenas que requereram o seu reconhecimento oficial como “índios” ou “remanescentes de índios” pelo antigo
SPI (Serviço de Proteção ao Índio), viam-se confrontados com a exigência deste órgão do estado de exibir
perante os seus agentes a sua capacidade de apresentar o toré, como prova da sua indianidade. Vale a pena
aqui citar um trecho mais longo de um trabalho de Grünewald (2004: 151f) sobre os índios Atikum do estado
de Pernambuco:
Era bem o início dos anos 1940 e os habitantes estavam insatisfeitos com fatos que vinham ocorrendo.
Primeiramente, os cultivos dos agricultores … eram constantemente invadidos pelo gado de fazendeiros.
Além disso, todo ano aparecia na serra o „cobrador“ … da prefeitura de Floresta a fim de recolher impostos … sobre o uso do solo na mesma. Os habitantes da Serra mantinham contato com parentes … e ao
relatarem para eles sua indignação com os fatos acima mencionados, eram informados de que havia um
órgão do governo que estava criando reservas indígenas para „remanescentes de índios“. É assim que alguns habitantes da Serra se organizam e partem para Recife à procura do chefe da 4ª Inspetoria Regional
do SPI, Raimundo Dantas Carneiro, informando-lhe de suas insatisfações e afirmando ser a Serra „terreno
de índio“, que haviam sido expulsos „os caboco mais velho, mas tem a descendência que é os caboco mais
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Peter Anton Zoettl
novo“. O citado chefe afirmou que enviaria um fiscal para averiguar se havia um toré organizado na Serra,
o que garantiria o reconhecimento oficial de sua condição de índios e conseqüentemente a criação de
uma reserva indígena … Em seu retorno à Serra do Umã, os caboclos começam a organizar um toré a fim
de esperar uma equipe „de reconhecimento prá área“. Contudo eles estavam „fracos de toré“. Chamam,
então, alguns Tuxá de Rodelas para „ensiná“ tal tradição … Em meados da década de 1940, chegam à
Serra os enviados do SPI a fim de atestar a presença indígena ali. Já bem treinados na execução do toré, os
Atikum recebem a citada comissão com uma grande festa, que foi a pedra de toque para a consolidação
do reconhecimento oficial da área indígena, pois, muito satisfeitos com o toré que presenciaram, os homens do SPI informam aos caboclos que tomariam providências para a demarcação da reserva, sugerindo,
desde aí, as figuras de um cacique … e de um pajé.
Hoje, o toré é considerados, pelos índios Atikum como por muitos outros grupos de índios “emergentes”
do nordeste brasileiro, um elemento fundamental do seu corpo de tradições. Portanto, uma “manifestação
cultural”, instituída pelo poder de nomeação, como característica definitória da identidade indígena, virou,
ao longo dos anos, um “traço cultural” de facto identitário nas comunidades assim “nomeadas”. Uma vez
integrado no imaginário indígena, a mesma servirá, futuramente, como “padrão” para o reconhecimento
(legal ou na opinião pública) dos demais grupos que reivindiquem a mesma identidade cultural. A visão estereotipada do poder de nomeação deste modo se reitera e se auto-confirma. No final deste processo, frequentemente são os próprios grupos étnicos que esperam que os seus congéneres apresentem as mesmas
práticas que eles próprios outrora (re‑)aprenderam.
No que refere aos quilombolas, vê-se um processo semelhante: O imaginário quilombola – uma construção
social (no sentido de serem os agentes envolvidos no processo de nomeação que definem a identidade
quilombola) – tende a ser adoptado ou promovido pelas comunidades que resolveram se auto-definir como
tal. Neste caso, a identidade quilombola é concebida como uma subcategoria da identidade negra, com
um imaginário construído em volta da ideia da negritude “tropicalista” brasileira. O exemplo do cultivo da
mandioca mostra até que ponto o imaginário quilombola é uma construção social antes que uma referência
histórica. Um dos elementos da cultura local que, no percorrer da oficina de vídeo, sempre fora citado como
dos mais “típicos” é o trabalho da maniva – que de facto dominava o dia-a-dia da maioria dos moradores.
Uma “manifestação cultural” dos indígenas brasileiros assim se viu, por convenção social, incorporado no
imaginário negro e quilombola.
Tal como o toré virou o “bilhete de identidade” dos indígenas nordestinas, o tambor de crioula, o bumba meu
boi, o candomblé ou tambor de mina frequentemente são referenciadas (dependente da região) quando se
fala em cultura quilombola. Como o toré, todas essas expressões da chamada “cultura popular” – além de
serem manifestações visíveis e facilmente observáveis – igualmente se destacam pela sua beleza e espectaculosidade visual. São as imagens dessas práticas, que inadvertidamente decidem o que é visto como “típico”
ou “característico” por certas identidades. No caso do toré, Arruti observou como a facilidade da observação
fez com que surgisse uma “prática-padrão” entre os índios nordestinos:
É possível que o que passou a ser reconhecido por Toré originalmente não constituísse um ritual autônomo, sendo apenas uma parte recorrente em outros rituais e, com certeza, não idêntico em todos os
grupos que o possuíam. Mas foi essa realidade mais imediatamente identificável, possível de ser isolada e
rotulada, que assumiu o lugar de marca identificadora, primeiro para o indigenismo, depois para os próprios grupos indígenas, tornando-se assim símbolo de identidade. (Arruti 2004: 257)
Há sinais de que está a ocorrer um processo semelhante, por exemplo, relativo ao tambor de crioula e outras práticas do nordeste brasileiro que, neste momento, se parecem solidificar como uma marca da cultura
maranhense em geral, e quilombola em específico. O site da Superintendência de Cultura Popular (SCP 2010)
do Estado do Maranhão elaborou uma lista extensiva de “Manifestações culturais do Maranhão”, cataloga-
296
das nas rubricas “Danças”, “Festas”, “Carnaval”, “Religiosidade afro-maranhense”, “Lendas do Maranhão”
e “Ciclo natalino”. A listagem corresponde, quase ao pé da letra, à lista elaborada pelos representantes da
comunidade quilombola para a ata que aguardava ser enviada à FCP, e em parte, à shot list elaborada pelos
participantes da oficina. Clicando, no site da superintendência, em “Festas”, o cibernauta é levado ao tambor
de crioula, clicando em “Festas” à “Festa do Divino Espírito Santo” e aos “Festejos Juninos”. A “Religiosidade
afro-maranhense” é representada por somente uma manifestação, o citado tambor de mina, que foi filmado
na comunidade durante a oficina.
Quando a classificação oficial é adoptada pelos agentes da cultura local, a noção de cultura reduz-se às práticas
mais visíveis, equiparando-a com “rótulos” culturais aptos de se transformarem em normas culturais para as
comunidades que se identificam com o “nome” em questão. A coincidência das listagens da superintendência e dos próprios quilombolas pode ser tomado como um indício de por um processo no qual as imagens
reprodutíveis empenham o papel de um mediador que fixa – de forma homóloga aos “rótulos” verbais – o
que é, e o que deve ser. O cânone de imagens associadas a uma certa identidade nomeada (o índio dançando
o toré, o quilombola praticando o bumba-meu-boi) tem a tendência de se transformar num conjunto de
“imagens de referência” que instiga as comunidades que reivindicam tal identidade a produzirem as imagens
correspondentes, duplamente. Em primeiro lugar, há a expectativa (por parte do estado, da opinião pública
etc.) de que possam ser encontradas (quer dizer, observadas) pelo menos algumas das “manifestações culturais” identificadas com a identidade reivindicada. Depois, espera-se que as comunidades também possam
mostrar (quer dizer, visualizar) que de facto são o que dizem ser, nem que seja através de “documentos ou
informações, tais como fotos, reportagens” (FCP 2007). As imagens, tanto como os “traços culturais” nelas
representadas, tornam-se assim um indício, uma prova da pertinência de uma certa identidade reclamada.
Elas atestam, mais do que mostram, no processo de certificação quilombola, a “história comum do grupo ou
suas manifestações culturais” (ib.).
Nesse círculo que vai da “Cultura”, pelo nome e a identidade à “imagem da cultura”, as imagens (tal como
as “manifestações culturais”) tornam-se cada vez mais repetitivas. Um vídeo recentemente produzido sobre uma comunidade quilombola vizinha – já certificada – não deixou de ser citado como referência para o
possível resultado da nossa oficina. O poder estatal, através de financiamentos direccionados a actividades
culturais que se enquadrem na visão oficial da “cultura popular”, promove a representação em imagens das
identidades culturais por ele reconhecidas. O recente edital de financiamento de produção de documentários (Etnodoc 2009), por exemplo, no seu regulamento favorece projectos que demonstrem “relação com
as prioridades da política federal de salvaguarda do patrimônio cultural imaterial” das comunidades “indígenas, afro-descendentes, imigrantes e demais grupos socialmente constituídos” (Art. 5.4.b). No carnaval
maranhense de 2010 (patrocinado pelo poder público) era notável o número elevado de grupos folclóricos
que representavam o tambor de crioula. As políticas do governo assim não somente promovem o cânone
oficial de expressões culturais tomadas como típicas ou representativas por certas identidades (o toré pelos
índios, o tambor de crioula pelos quilombolas), elas também fomentam a sua divulgação imagética através
da produção de imagens “canónicas”. Como resultado, por exemplo, uma comunidade indígena, exposta às
expectativas dos seus conterrâneos indígenas e não-indígenas, quando “fraco no toré” (Grünewald), provavelmente sentirá a falta de uma prática que os outros possuem. Não poderão – por enquanto – visualizar a sua
indianidade para o Outro da mesma forma como os demais índios.
A procura pela “cultura popular”, catalisada pela oficina de vídeo, mostrou como a população local adaptou –
pela necessidade de atestar a sua cultura perante os agentes do estado (nesse caso, a FCP) – um conceito de
cultura que se tende orientar numa espécie de trait list de práticas mais ou menos espectaculares e, antes de
tudo, visíveis e visualmente reprodutíveis. A convicção de que somente aquilo valesse a pena ser filmado o
que correspondia ao cânone estandardizado das “manifestações culturais” da negritude quilombola, fez com
que os professores da comunidade até sugerissem reencenar o que não estava a acontecer durante o tempo
297
Peter Anton Zoettl
limitado do workshop, mas o que lhes parecia essencial para um retrato abrangente da sua identidade. Tal
como os grupos indígenas “emergentes” mencionados, os quilombolas envolvidos na oficina de vídeo pareciam ter parcialmente adequado a sua visão de si próprio à visão do poder que lhe ia conferir o seu nome e,
com efeito, a sua identidade oficial.
Numa espécie de roda de reprodução da ordem social, as imagens associadas à cultura quilombola (pelo
poder público, pelos meios de comunicação, pelos representantes dos movimentos sociais etc.) se consolidam sucessivamente na cultura “real”. As “coisas da cultura”, constituídas pela acção do Estado, como diz
Bourdieu (1996 [1994]: 95), são instituídas “nas coisas e nos espíritos”, o que finalmente confere a um arbitrário cultural “as aparências do natural” – aparências secundadas por um “círculo de reprodução imagética”, no qual as imagens, acompanhantes das identidades como a sua face visível e reprodutível, se produzem, re-produzem, até formarem uma caixa de “imagens de referência” que, para todos os efeitos, parece
somente reflectir a ordem regular das coisas.
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298
Cinema independente chinês
Maria Fátima Nunes
Resumo Na década de noventa do século XX, a par do cinema oficial chinês surge uma nova geração
de cineastas independentes, uma nova estética marcada pela era do digital, um novo cinema onde a
ficção e o real se fundem, um cinema que olha para China não através de um olhar propagandístico
como era apanágio do cinema documentário chinês (cujas origens remontam ao Central Newsreel and
Documentary Film Studio (中央新闻记录电影制片厂), criado em 7 de Julho de 1953), mas através de
um olhar que capta imagens invisíveis que não têm lugar na paisagem audiovisual oficial, imagens do
quotidiano de jovens sonhadores e pobres da cidade, da desterritorialização e desagregação da vida
rural, de marginais nas cidades, do desemprego, do alcoolismo, da homossexualidade, … Um cinema
que representa não apenas as mudanças sociais, mas também as mudanças no cinema devido ao uso
da tecnologia digital. Este novo cinema independente, que coexiste com o cinema oficial, sai da China
para frequentar e ganhar prémios nos palcos dos Festivais Internacionais de Cinema.
Palavras-chave: Cinema independente chinês; Documentário; Sociedade chinesa.
Keywords: Chinese independent cinema; Documentary; Chinese society.
299
Maria Fátima Nunes
INTRODUÇÃO
Jia Zhang Ke é um dos cineastas da nova geração de cineastas independentes chineses que elejo por vários
motivos: 1. A estética presente nos seus filmes próxima da linha do documentário; 2. Um novo olhar para a
China, um olhar que perscruta o real, o presente; que observa, contempla, desnuda com longos planos fixos o
mundo interior das personagens; que escuta as palavras da memória dos actores sociais, que revivem e contam as histórias vividas em espaços de trabalho desactivados devido ao “progresso” e o modo como vivem
as mudanças económicas da China fruto de uma vontade política e não de um desenvolvimento natural, ou
seja, um olhar e um ouvido cinematográficos atentos e críticos em relação às mudanças políticas, económicas, sociais, culturais “forçadas” que a China vive actualmente; 3. A incorporação das novas tecnologias na
sua estética para dar conta não apenas das mutações na sociedade, mas também das mudanças no cinema.
Numa entrevista concedida a Excessif.com no dia 22 de Setembro de 20091, Jia Zhang-ke considera os seus
filmes “como documentos que poderão ser utilizados mais tarde para ver, compreender e reestudar este
período particular da História da China”, ou seja, uma concepção de cinema como “documentário de representação social” próxima da ideia defendida por Bill Nichols de que há um vínculo forte e profundo entre o
documentário e o mundo histórico (Nichols, 2005:27).
Escolhemos quatro filmes seus que já passaram nos circuitos de cinema e estão disponíveis no mercado internacional: Plataforma/Zhan Tai (2000), O Mundo/Shijie (2004), A Natureza Morta/Sanxia Haoren (2006),
Leão de Ouro no Festival de Veneza de 2006, 24 City (2009).
Plataforma /Zhan Tai (2000)
Figura 1. Zhan Tai [Plataforma] (2000)
Plataforma é um filme de ficção que procura reconstituir momentos da história da China “como fragmentos presentes de memórias afetivas nossas – não reproduzindo a história, mas criando pequenas situações
históricas, como esquetes através da memória”2, cuja forma de rodagem é muito próxima da do cinema
documentário. Jia Zhang Ke refere que é preciso encontrar uma nova forma de cinema e novas formas de
produção cinematográfica. Para isso, tem tentado pôr em prática três ideias que considera básicas: 1. equipas
de rodagem pequenas que possibilitem uma maior flexibilidade tanto na organização como na improvisação;
1 http://www.excessif.com/cinema/actu-cinema/news-dossier/24-city-interview-jia-zhang-ke-page-1-4995069-760.html [site
consultado em 30/08/2010].
2 Excerto da entrevista a Jia Zhang Ke publicada em http://www.revistacinetica.com.br/entrevistajia.htm [site consultado em
23/02/2009].
300
Cinema Independente Chinês
2. actores não profissionais ou com formação não tradicional que lhe facilitem uma maior proximidade com
as suas histórias de vida e uma fusão mais fácil com actores sociais no desempenho dos seus papéis; 3. o uso
de tecnologia digital para uma produção mais económica e com mais possibilidades de manipulação e acertos fotográficos para a pós-produção, para que as definições se tornem mais livres e dinâmicas.3
Neste filme, Jia Zhang-Ke observa um grupo de jovens artistas de uma pequena cidade chinesa e as mudanças por que passa devido à política de abertura económica da China, na era de Deng Xiao Ping.
A acção começa no Inverno de 1979, na pequena cidade de Fenyang, situada na província de Shanxi (ao
norte da China, rica em minas de carvão), onde este grupo representa “Comboio para Shaoshan”, uma peça
de teatro de enaltecimento a Mao Zedong. Como sabemos, na época de Mao, a disseminação dos lugares
de projecção de filmes e dos espaços de representação cultural foi uma estratégia de ruptura com a tradição
urbana, intelectual e cosmopolita. O cinema, o teatro, a música eram instrumentos de propaganda.
Na década de oitenta, os jovens do grupo cultural de camponeses de Fenyang começam a descobrir elementos
da cultura ocidental: as calças à boca-de-sino, a música pop, a vida longe da pequena cidade onde nasceram e
a conhecer o «mundo lá fora». A vontade destes jovens de experimentarem uma nova forma de vida, assente
em valores culturais provenientes do estrangeiro, a que tiveram acesso devido à globalização, é posta em contraponto com a geração dos pais, que lhe atribuem a conotação de capitalismo. A noção de família também
é questionada neste filme. Já não a família alargada como na sociedade feudal, onde o senhor tinha uma esposa e várias concubinas, mas a família monogâmica constituída com base em laços de afecto e não a partir
de casamentos «arranjados» pelos pais do noivo ou da noiva, numa sociedade onde o aborto é considerado
como uma das medidas de contracepção e o processo de divórcio é frequente nesta época. Na pós-revolução
comunista (início dos anos 1950) e durante a Revolução Cultural (1966-1976) a taxa de divórcios foi da ordem
dos 1.8 milhões4.
Os subsídios do Estado a este grupo cultural são cortados devido à mudança da política do Governo da
República Popular da China. Face a esta situação, o «chefe» do grupo reúne todos os seus membros para
a privatizar. A coexistência do sistema comunista e do sistema capitalista é apresentada pelo olhar de Jia
Zhang-Ke como algo de absurdo. Para exprimir este sentimento, a câmara detém-se em longos planos fixos
sobre as personagens.
A incerteza relativamente ao futuro do grupo assoma em muitos destes jovens, que abandonam o grupo,
preferindo um futuro mais estável, mais fixo, trabalhando por exemplo como funcionário dos correios, em
vez de continuarem a ter uma vida mais livre, mais criativa, mais errante, menos controlada pelo olhar do
Estado.
O Mundo/Shijie (2004)
Na primeira sequência do filme, a câmara acompanha, através de um longo plano-sequência, a jovem Tao
(vestida com um traje verde de bailarina indiana) a caminhar ao longo de um corredor estreito, sem luz natural, onde há pequenos espaços/bastidores ocupados com jovens actores e a gritar «Quem tem um penso?».
Estão aqui lançadas questões que vão ser desenvolvidas ao longo da narrativa: a procura de uma «cura», de
uma fuga num espaço asfixiante e prisioneiro, a incomunicabilidade entre as pessoas, a representação, o
espectáculo como uma forma de estar e passar pelo mundo.
3 Idem.
4 Este valor pode ser confirmado em http://www.thestandard.com.hk/stdn/std/Opinion/GF13Df01.html [site consultado em
23/02/2009].
301
Maria Fátima Nunes
Figura 2. Shijie [O Mundo] (2004)
No início deste filme, há algo em comum com o filme Plataforma. Também aqui, estamos perante um grupo
de jovens actores. Uma trupe que recria e representa espaços culturais de outras culturas: indiana, japonesa,
francesa, … Em Plataforma, o grupo cultural de jovens de Fenyang foi mudando o seu repertório, vindo
mesmo a transformar-se num grupo Rock.
Em O Mundo, não observamos transformações no espaço físico, geográfico, marcadas pelo tempo como em
Plataforma, porque a acção decorre essencialmente em dois espaços: um espaço de recriação do Mundo,
um parque de atracções (situado nos arredores de Beijing) onde os visitantes podem ver réplicas da Torre
Eiffel, as pirâmides do Egipto, o Big Ben, a Torre de Pisa, do Taj Mahal… e os espaços exíguos, sombrios,
degradados, sem privacidade, onde os jovens desta trupe vivem sem a luz, o brilho, a magnificência, o ar de
felicidade que cintila no palco. Ambos os espaços são vividos como lugares de prisão, de onde não se sai para
ver o Mundo. “Vejo o mundo sem nunca sair de Beijing” são palavras ditas por Tao.
O primeiro espaço é um cenário real, usado neste filme ficcional como uma metáfora do Mundo, do mundo
globalizado em que vivemos, marcado pela vigilância electrónica através de câmaras e sobretudo através do
telemóvel, instrumento de controlo constante ao longo do filme.
O segundo espaço funciona como revelador das condições de vida precárias em que os migrantes vivem. Ao
longo do filme, sabemos que o namorado de Tao, Chen Taisheng, oriundo de Shanxi (a província de origem
de Jia Zhang Ke e a província de que faz parte a cidade de Fenyang, onde se desenrolava uma parte da acção
de Plataforma), quando chegou a Beijing foi viver para uma casa, partilhada por outros migrantes, sem privacidade, onde dormia numa cama suja, dura, ouvindo os comboios e com vontade de ascender socialmente
e que Tao, dormia numa cave húmida e suja, vestida com uma gabardine de plástico. Esta situação é vivida
também pelos imigrantes nos primeiros tempos de vida, no país de acolhimento. Como sabemos, os imigrantes portugueses em França, à chegada iam viver nas barracas, nas caves, aos bairros de lata.
No filme de Robert Bozzi, Gens des Baraques, ouvimos uma voz off a dizer que viviam 400 000 imigrantes portugueses no bairro de lata em Saint-Denis. Em Gens du Salto (sete filmes sobre passageiros clandestinos para
França), Alfredo recorda a sua chegada a França com 9 anos para ir viver com os seus pais, que haviam emigrado há mais tempo. Lembra-se de ter chegado à casa onde viviam os pais, uma cave, por baixo do edifício
onde moravam os proprietários. “Num dos lados, havia barracas de madeira, onde habitavam quatro jovens
portugueses, um tunisino e um casal português com duas crianças […] A cave onde os meus pais viviam, eram
302
duas assoalhadas que escorriam humidade. Eram condições miseráveis. Não tinha nada a ver com a coisa
idílica que eu tinha imaginado. Eram condições difíceis. Tínhamos sempre frio, no inverno tínhamos sempre
frio. […] Quando vi aquilo pela primeira vez só pensava em voltar para Portugal, pelo menos lá havia janelas
e sol. Fiquei tão decepcionado que chorava e pedia à minha mãe que me levasse para Portugal. Passei assim
um ano” [Alfredo].
Também em Portugal, os imigrantes chineses nos primeiros anos da sua estada vivem em condições desumanas. Uns dormem ao fundo da loja, num espaço frio e exíguo. Outros, no armazém de revenda ou no
restaurante onde trabalham, sendo as camas substituídas por cadeiras. O local de trabalho funciona simultaneamente como local de habitação, até terem possibilidade de alugar ou comprar um apartamento. Frequentemente, quando alugam um apartamento este é ocupado por vários casais para maior facilidade de
gestão das economias.
Taisheng é a personagem que, ao longo do filme, vai fazendo a ponte com o mundo fora do parque de
atracções. Um mundo onde a falsificação de documentos e de vestuário é uma realidade, um mundo de
deslocação de jovens dos espaços rurais para a cidade de Beijing para trabalharem em grandes obras na
construção civil, sem condições de segurança, um mundo de emigração em busca de uma vida melhor ou
de um familiar de quem não se sabe se entrou com vida em França, pois só seis das pessoas que partiram
nesse barco conseguiram chegar ao seu destino, um mundo onde o vício do jogo (mah-jong) e das mulheres
provoca um acumular de dívidas, a ruína.
As relações tecidas de forma superficial entre Tao e outras personagens, normalmente femininas, são reveladoras do mundo de relações proibidas, escondidas entre homens de negócios e jovens chinesas ou estrangeiras que vendem os seus corpos em troca de dinheiro para poderem, mais rapidamente, ter melhores
condições de vida para si e para os seus filhos ou para poderem aceder a um melhor posto de trabalho.
No filme O Mundo, Jia Zhang Ke utilizou uma intervenção «surrealista», ou seja, inserts de animação em flash
“por entender que ali ela revelava um olhar para um novo espaço de existência que foi trazido pelas redes
digitais de informação. É um espaço virtual, mas um espaço virtual que realmente existe e por isso, é parte
integrante do mundo real – ainda que como imitação do sonho”5.
Para representar o Mundo, Jia Zang Ke recorre aos planos-sequência e à banda sonora. Raramente assistimos
a uma sequência do filme onde apenas estejam duas personagens a conversar, sem que algo aconteça à sua
volta, ou porque o som invade os espaços e quartos – e há poucas sequências em que os únicos ruídos ouvidos são apenas os produzidos pelas personagens, ou pelos objectos enquadrados –, ou porque os visitantes
ou o enquadramento dos monumentos ocupam a atenção do espectador – em especial a Torre Eiffel, visível,
pela sua dimensão, em qualquer sítio do parque ou até fora dele. No Mundo, não é possível a existência
de um espaço íntimo, pois devido à ânsia de uma globalização, são impostos padrões como única forma de
convívio social. Esse realce é nítido na sequência em que Taisheng contesta o seu amigo por já não falar o
dialecto da sua terra mas o mandarim e na sequência em que Tao é informada que vai ter de representar o
papel de uma africana.
Sem espaço íntimo e sem possibilidade de construção de uma identidade pessoal, as personagens deambulam sem comunicação entre si. Nesse sentido, é muito interessante a construção da relação de amizade entre
Tao e a colega russa, Anna, sem entenderem as palavras uma da outra. Apesar disso, trata-se da relação mais
profunda estabelecida ao longo da narrativa, onde as amizades são superficiais (de tal modo que Taisheng,
5 Excerto da entrevista a Jia Zhang Ke publicada em http://www.revistacinetica.com.br/entrevistajia.htm [site consultado em
23/02/2009].
303
Maria Fátima Nunes
ao ser questionado por Tao sobre uma possível traição, responde dizendo para não confiar em ninguém,
incluindo ele próprio). A história é construída a partir de várias tentativas para encontrar um ponto de fuga,
tanto físico – os passaportes –, como afectivo – o amor –, para fazer face a essa situação. A única solução
encontrada no filme é a morte, tanto na sequência em que a personagem “Irmã Mais Nova” sai do mundo
com um bilhete em que revela as dívidas que tinha e também o seu verdadeiro nome – abrindo assim um
caminho para a construção da identidade e para a libertação –, como na sequência em que Tao, tendo descoberto a traição do namorado, se suicida e leva Taisheng com ela. Após ter deixado o mundo, revela-lhe que
a morte é só o começo, o início da libertação.
Natureza Morta/Sanxia Haoren (2006)
Natureza Morta é, tal como os filmes já
apresentados, uma complexa e densa narrativa sobre o quotidiano. Agora, uma narrativa sobre os efeitos da construção da
barragem das Três Gargantas no rio Yangtze na vida da população local (Fengjie, na
província de Sichuan).
Para contar a história da lenta submersão
de Fengjie, o realizador criou duas histórias paralelas de duas personagens. Han
Sanming, o mineiro que viaja em ferryboat
de Shanxi para Fengjie à procura da sua
ex-mulher que o abandonara há dezasseis
anos e, sobretudo, da filha e uma enfermeira também de Shanxi, que procura o
marido, que ficara a trabalhar nas obras
ligadas à barragem e enriquecera.
Estas histórias são um pretexto do realizador para observar a forma como estas
personagens vêem e vivem a política de
reformas “forçadas” da República Popular da China. Utiliza longos planos fixos
ou travellings laterais lentos, para mostrar como os moradores e os visitantes de
Fengjie assistem à destruição desta cidade
Figura 3. Sanxia Haoren [Natureza Morta] (2006)
milenar. Todo esse drama é representado
sem dramatizações, mas com uma câmara que caminha observando atentamente este «espectáculo». A utilização da fotografia (a fotografia da turma da filha, a fotografia da filha sozinha) na trama narrativa da história
do mineiro é mais uma opção do realizador próxima da usada no documentário e pelos antropólogos visuais. Não é por acaso, pois Jia Zhang Ke mesmo quando faz filmes de ficção utiliza técnicas do documentário.
No mesmo ano em que realizou este filme, rodou também o documentário Dong, no mesmo local, sobre o
pintor Liu Xiao-dong que se desloca à região das Três Gargantas para pintar retratos a óleo de 12 operários
que trabalham no desmantelamento de instalações de Fengjie, que vai ser alagada para construção de um
enorme dique.
304
As mudanças sociais, culturais, políticas na China devido ao desenvolvimento económico e tecnológico e o
confronto entre dois mundos – o tradicional e o moderno, são assim uma constante nos filmes de Jia Zhang
Ke. Um sinal de modernidade presente nos filmes deste realizador chinês é o telemóvel, visível em O Mundo
e em Natureza Morta.
Enquanto em O Mundo, o mundo moderno, global ocupa o centro da história, em Natureza Morta, o mundo
moderno (a barragem das Três Gargantas) destrói o local e o seu mundo de tradições: a cidade de Fengjie,
na província de Sichuan, que tem uma história de 2600 anos, demolida em apenas dois anos. Mais uma vez,
Jia Zhang Ke se serve de uma intervenção «surrealista» para criticar as mudanças na China, pois segundo
ele a “velocidade com que as coisas acontecem hoje na China parece ultrapassar a capacidade dos sentidos
realistas de apreensão da vida e de representação cinematográfica”6. Daí ter usado “a “descolagem” de um
edifício inteiro em computação gráfica e a presença de um disco voador para apresentar de forma muito mais
rica o sentimento daquele espaço.
No entanto, apesar dessa mutação as personagens parecem viver sem revolta esta situação, talvez seja uma
forma de resistência. Até que ponto o partido comunista está por detrás deste alheamento social? Ou será
que a revolta está contida e limitada apenas à discussão entre velhos familiares? Em Natureza Morta, quando o mineiro de Shanxi fala com o seu antigo cunhado, as mudanças na China são bem evidenciadas tanto
nas redes familiares como nos grupos sociais. Essas redes são débeis. A filha que o mineiro procura rever
não vive com a mãe, mas numa cidade mais a sul, onde procurou estabilidade de emprego. Contudo, a solidariedade ainda é um valor. Vejamos dois exemplos ainda neste filme. Um observa-se num grupo de jovens
que decide espancar um grupo, pois um dos elementos do seu próprio grupo tinha sido espancado. Outro,
quando o mineiro brinda com o grupo de trabalhadores da construção civil quando se despede deles antes
de regressar à sua terra natal.
Em Natureza Morta, a câmara observa ainda as relações entre a classe média baixa (o construtor civil, cuja
mulher procura para pedir o divórcio) e os trabalhadores braçais (o mineiro, os operários que trabalham nas
obras de demolição dos prédios de Fengjie).
24 City (2009)
As coisas que fizemos e pensámos/espalham-se antes de desaparecerem/como leite derramado sobre
pedra. W.B. Yeats
Este excerto do poema de W.B. Yeats, citado num intertítulo, a negro, é como o mote do filme que vamos
ver. Um filme sobre o fim da Fábrica 420, que antes de desaparecer será espalhado através das palavras da
memória de antigos trabalhadores.
He Xikun, nascido em Chengdu, em 1948
Hou Lijun, nascida em Shenyang, em
1953
6 Idem.
305
Guan Fengjin, nascido em Haicheng,
em 1935
Maria Fátima Nunes
Hao Da-Li, nascida em Shengyang,
em 1953
Song Weidong, nascido em Chengdu,
em 1966
Gu Minhua, nascida em Shanghai,
em 1958
Su Na, nascida em Chengdu,
em 1982
Zhao Gang, nascido em Chengdu,
em 1974
24 City abre com um grande plano da fachada da fábrica de Chendgu, conhecida com o nome de Fábrica
420 (código militar), “fábrica de Estado secreta. No início, chamava-se «Fábrica de mecânica Xindu». Depois
tornou-se no Grupo Chengfa. Mas o seu nº de Estado foi sempre o 420” (Hao Da-Li7).
Em seguida, a câmara passa do exterior para o interior da Fábrica. Vemos máquinas obsoletas, homens a
trabalhar sem condições de segurança. Mudança de plano. Multidão vestida com uniforme. Assistimos à cerimónia de despejo da velha fábrica do Grupo Chengfa, no dia 29 de Dezembro de 2007. No palco do teatro/
sala de espectáculos estão as figuras importantes. Do outro lado, na plateia, apenas se divisam rostos de homens e mulheres dispostos geometricamente, fazendo lembrar o último filme de Abbas Kiarostami, passado
há pouco tempo no circuito comercial de cinema, Shirin8.
Terminado o genérico, que nos situa o filme no espaço, fábrica 420, em Chengdu, no sudoeste da China, ouvimos as seguintes palavras “Hoje, vai escrever-se uma nova página gloriosa do desenvolvimento do grupo
Chengfa. Após ter atravessado 50 anos de vicissitudes, […], o grupo Chengfa encontra uma nova vitalidade e
diz adeus ao bairro da velha fábrica”. Estas palavras marcam o fim de um espaço de trabalho para 30 000 operários, e, ao mesmo tempo, constituem o ponto de partida para este filme, que se baseia mais em palavras
do que na acção. Palavras da memória de cinco antigos operários da Fábrica de Chengfu que, numa situação
de entrevista, vão falando das suas experiências vividas nesta fábrica estatal de munições e de motores de
aviões, e monólogos ficcionados de 3 mulheres. Mais uma vez, Jia Zhang-ke integra o documentário e a
ficção. Desta vez, para representar os últimos 60 anos da história chinesa.
Neste filme, o realizador dá-nos uma visão histórica da República Popular da China, a partir da identificação
dos vários espaços de vida desta empresa: espaço de trabalho, cantinas, dormitórios dos operários, salas de
7 Hao Da-Li nasceu em em 1953, em Shenyang (a capital da província de Liaoning na República Popular da China. Situa-se no nordeste do país, na antiga Manchúria). Foi operária de manutenção do ateliê 63 da Fábrica 430.
8 Em todo o filme, o espectador acompanha uma história medieval, apenas através do som off e do rosto de 112 actrizes iranianas
e uma francesa, Juliette Binoche.
306
aula frequentadas pelos filhos dos operários; campo de basquetebol e essencialmente através das memórias
verbalizadas de antigos trabalhadores.
Guang Fengjing lembra que, durante a Guerra da Coreia (1950-1953), a fábrica reparava os motores de
aviões. Foi nessa altura que a indústria de armamento e de aeronáutica situada no nordeste foi mudada
para sudoeste, para Chengdu, ou seja, “a fábrica 111 foi encarregada de construir a fábrica 420”. Nesta época
histórica, a fábrica de armamento e de aviões tinha uma grande actividade, tendo os operários que trabalhar
todos os dias da semana, inclusive aos fins-de-semana.
A este período áureo, seguiu-se um período de estagnação durante a revolução cultural chinesa (entre 1966 e
1976), como o refere He Xicun. No momento seguinte, assistiu-se à abertura da China para a economia de
mercado. A fábrica passa a ser gerida por entidades privadas, embora continue a ser propriedade do Estado,
como o refere Hao Da-li. Anos 90, novo período de mudanças na economia chinesa. A indústria acelera-se a
um nível assombroso, mas o ímpeto capitalista, a competitividade empresarial, os despedimentos em massa,
o encerramento das fábricas sobrelotadas de operários, não se conseguiram ajustar às necessidades da nova
economia. A Fábrica 420, especializada em motores de aviões, fundada há 60 anos e sedeada em Chengdu,
foi desmantelada.
Ainda que Jia Zang-ke dê uma visão histórica do seu país, deixa, à semelhança do que fez em Still Life, um
espaço para o tratamento do presente, através de planos do exterior e do interior da Fábrica, que vão acompanhando as operações de desmontagem das máquinas, a substituição do nome da instituição, quase no fim
do filme, de Fábrica do Grupo Chengfa para China Resources Landt Ltd: 24 City, o nascimento de um complexo residencial de luxo, o stand de vendas deste complexo, onde se pode ver a maquete deste projecto.
A demolição do espaço ocupado pela Fábrica e a sua reconfiguração num novo espaço, um complexo de
apartamentos de luxo, é uma temática que interessa aos documentaristas e que interessou a Jia Zhangke. No entanto, este filme não assume apenas a forma de um documentário, que ouve as vozes de antigos
operários que falam deste espaço como um mundo fechado, “esta fábrica 420 constituía um conjunto de
grande dimensão e integrado. Ela própria era um pequeno mundo. Eu, por ex., fiz toda a minha escolaridade,
jardim-de-infância, ensino básico e ensino secundário nas escolas reservadas aos empregados da fábrica. […]
Na fábrica, havia um cinema, uma piscina. No Verão, a fábrica produzia a sua própria limonada […] A 420 não
tinha ligações com Chengdu. Pensávamos que não tínhamos necessidade das pessoas que viviam ao lado”
(Song Weidong9). Tal como no filme O Mundo, Jia Zhang-ke aborda a questão da incomunicabilidade entre os
espaços fechados e o mundo exterior, a questão de um espaço fechado onde quem lá trabalha vive, mas em
24 City, os operários ou os seus filhos sentem-se bem neste espaço, não o sentem como uma prisão, como
um espaço asfixiante, mas como um espaço auto-suficiente, um espaço de segurança. À semelhança do que
fez noutros filmes, Jia Zhang-ke, mistura a ficção no documentário. Alguns testemunhos foram escritos e representados por actrizes, nomeadamente Joan Chen. Mais uma vez, num filme sobre as mudanças da China,
os sentimentos, a poesia chinesa e a poesia do mundo (W. B. Yeats, poeta irlandês) e a música pop irrompem.
Palavras finais…
Nestes filmes de Jia Zhang Ke, o olhar para a China e para as suas mudanças é construído a partir das personagens da classe média baixa, que se deslocam do seu local de origem para trabalhar nos serviços (Plataforma, O Mundo) ou em grandes obras de construção (O Mundo) ou de demolição (Natureza Morta) ou na
indústria (24 City).
Uma vez mais, os espectadores dos filmes de Jia Zhang Ke estão a assistir a uma situação de morte. Morte de
um estilo de vida, morte da tradição, de deslocamento, de viagens forçadas de pessoas que são empurradas
para outros espaços errantes. Essa incerteza presente desde Plataforma ganha em Natureza Morta e em 24
9 Palavras ditas por Song Weidong, antigo assistente do director geral do Grupo Chengfa, que nasceu em Chengdu em 1966.
307
Maria Fátima Nunes
City, proporções gigantescas, na medida em que a política do governo leva à morte de uma cidade milenar,
no caso de Natureza Morta, e à morte de uma «cidade» operária, em 24 City, ao fim um estilo de vida, ao
desemprego, sob a divisa do desenvolvimento económico.
Plataforma, O Mundo, Natureza Morta, 24 City, promovem a reflexão em torno das mudanças vertiginosas
que a sociedade chinesa está a viver e um novo olhar para a China, não um país com uma cultura milenar
estática, reificada, imutável, mas uma China que não está fechada sobre si mesma, mas integrada num processo de globalização, que não esquece as suas tradições, o seu passado mesmo quando vai incorporando
elementos da cultura ocidental, mesmo quando a família parece estar a desmoronar-se, surge uma personagem (em 24 City, a jovem Su Na10, a actriz mais jovem do filme, que após um tempo de afastamento dos
pais, de experiência de vida mais livre, mais autónoma, sentiu necessidade da ligação ancestral à família,
como podemos observar nas suas últimas palavras “Agora, o meu desejo é ganhar dinheiro, muito dinheiro.
Quero comprar um apartamento em 24 City para os meus pais. É muito caro… Mas vou conseguir, pois sou
filha de operários…”
Referências Bibliográficas, Webgráficas e Filmográficas
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10 Su Na, filha de antigos trabalhadores da Fábrica 420. Nasceu em Chengdu, em 1982.
308
A utopia de Winstanley:
Da literatura ao cinema
Alice Guimarães
Resumo
Ao procurar, desde as mais remotas origens, uma sociedade perfeita ou melhor do que aquela em
que vive, o ser humano ousou muitas vezes realizar as suas utopias. Este foi o caso de Winstanley, um
homem que visionou para o futuro da Inglaterra do Interregnum o estabelecimento de um comunismo
agrário, pois acreditava que “a terra era um tesouro comum a todos”.
A utopia pode ser considerada um projecto de uma sociedade futura na qual se realiza a felicidade humana, manifestando-se, como afirma Ernest Block, nas mais variadas vivências humanas, inclusivé na
arte. Block sustenta ainda que o cinema usa a realidade para criar “outra realidade”.
Ao analisarmos a utopia de Winstanley na literatura e no cinema, apercebemo-nos que a capacidade
de o cinema passar para a sua arte todas as outras, vem do facto de ele reunir em si uma linguagem
tanto visual como auditiva cuja união faz com que a sua linguagem seja dialógica e polifónica. Através
deste exemplo de transposição intersemiótica, constatamos que a apropriação da literatura para a
adaptação fílmica (bem como para outras manifestações artísticas) se revela uma das características
cada vez mais comum na produção estética da sociedade deste terceiro milénio.
O filme Winstanley baseado na sua vida, no seu legado literário e na sua própria utopia, não tem unicamente um objectivo político. Ele é uma viagem ao século XVII, às aspirações políticas da sociedade
do Interregnum e à utopia de Winstanley.
Palavras- Chave: Winstanley, utopia, literatura, sociedade, cinema
Abstract Trying to achieve a perfect or better society for living, men dared, from the very beginning, to fulfill their own utopias. This was the case of Winstanley, a man who envisioned for the future
of the English Interregnum the establishment of a rural communism as he believed that “earth was a
common treasure for all”.
Utopia can be understood as a project for a future society in which man achieves a better and happy
way of life. According Ernest Block that project is evident in several human experiences, including in the
art. Block asserts that cinema uses reality to create “another reality”.
Through an analysis of Winstanley’s utopia in literature and cinema we realize that the skill in which
309
Alice Guimarães
cinema embodies in itself all the other arts, is due to the gathering of a visual and sound language together which makes its own language dialogic and polyphonic at the same time. Through this intersemiotics transposition we find out that literature appropriation for film adaptation (as well as for other
art performances) reveals a more and more common feature in the aesthetic production of the third
millennium society.
This film, based on his life, his literary work and his utopia, doesn’t have a unique political aim. It is,
above all, a travel back to the seventeenth century, to the political ambitions of the Interregnum society and to Winstanley’s utopia.
Keywords: Winstanley, utopia, Literature, society, cinema
WINSTANLEY – DA LITERATURA PARA O CINEMA
Ao procurar, desde as mais remotas origens, uma sociedade perfeita ou melhor do que aquela em que vive,
o ser humano ousou muitas vezes realizar as suas utopias. Este foi o caso de Gerrard Winstanley, um homem
que visionou, para o futuro da Inglaterra do Interregnum, o estabelecimento de um comunismo agrário,
partindo do pressuposto que “a terra era um tesouro comum a todos”. O facto de o pensamento político
de Winstanley estar séculos à frente do seu tempo, confere-lhe uma enorme relevância política. Gerrard
Winstanley – soldado e líder radical do exército revolucionário de Cromwell – traduziu o sonho das grandes
utopias igualitárias da História para a escrita e para a agenda política moderna.
Os quatro anos cruciais da vida de Winstanley caracterizam-se por uma produção de escrita política radical.
Nos seus vinte panfletos escritos entre 1648 e 1651, os quais viriam mais tarde a constituir-se como a primeira exposição sistemática do comunismo libertário em Inglaterra, a sua escrita revela-se imbuída de um
espírito milenarista. No entanto, na sua obra utópica, The Law of Freedom, que marca o final da sua produção
literária, regista-se uma mudança desse tom para uma escrita bastante mais secular. Esta obra literária publicada em linguagem vernacular, no clímax da Revolução Inglesa, tinha como objectivo despertar as classes
populares, exortando-as à acção política. Contrariamente aos utopistas tradicionais como Thomas More,
Andrea ou Campanella, Winstanley não escreveu para alcançar prestígio no dominio literário mas sim para
exortar um povo à acção pela concretização de um sonho por um futuro melhor. A grande diferença entre
Winstanley e More, por exemplo, reside na finalidade e objectivo da sua produção literária. Enquanto para
More o texto era, só por si, o produto final da sua ambição utópica, para Winstanley o texto representava
apenas um veículo para atingir essa ambição utópica que se encontrava para além da sua escrita.
A escrita de Winstanley é embelezada pelo uso de metáforas e analogias bíblicas, o que lhe confere uma
energia poética semelhante à poesia profética de Blake. A grande metáfora que domina todo o seu discurso
é, sem dúvida, a comparação da terra a um “common treasury”. De acordo com Christopher Hill, “we should
read Winstanley as we read a poet, as we read William Blake” (1996:54).
A sua ideologia provinha de uma leitura radical da Bíblia, que interpretava contra o sistema político, económico e eclesiástico do capitalismo mercantilista inglês. O seu discurso profundamente teológico, argumentando
a abolição da propriedade privada e a auto-organização da sociedade em comunas, é apoiado pelo recurso
à linguagem bíblica. Usando inúmeras imagens e alegorias bíblicas, este autor chega mesmo a identificar-se
com alguns profetas tais como Moisés ou Jeremias, quando exorta o seu povo a agir em conformidade com
as Escrituras ou como se fosse Cristo ou um Apóstolo, quando alude indirectamente ao Sermão da Montanha
e outras passagens do Novo Testamento. As imagens, as metáforas e as citações biblicas acrescentam, desta
310
forma, um forte poder retórico à sua visão política. Segundo T. Hayes: “Winstanley so internalized Scripture
that it was a part of his natural speech” (1979: 245).
A preocupação de Winstaley com o próprio texto e a sua eloquência poética é mínima. A sua agenda é uma
agenda política, a sua realização está para além do texto. Ao contrário de Blake ou Milton, Winstanley não
escolheu tornar-se um poeta. A escrita foi o seu último recurso, o único meio de expressão política ao seu
alcance. A sua revolução provém das páginas dos seus tabalhos mais ou menos poéticos, mas sem qualquer
intenção de residir lá. A sua acção representava a ponte crucial entre o utopismo e a realidade.
A apaixonante citação de Winstanley, “action is the life of all and if thou dost not act, thou dost nothing”
(Winstanley, 1983:315) foi o leitmotiv usado não só para exortar a sociedade a agir, como o que o iria impulsionar a ligar utopia, acção e escrita. Coward pensa que tenha sido talvez a acção de Winstanley, mais que a
sua filosofia, que o lançou para os livros da História: “what makes Winstanley particulary interesting is that
not only was he is a religious visionary who advocated the restructuring of many major aspects of society,
government, law, and education, but also that he tried to put that formula to the practical test” (Coward:
1980: 243-244).
Tudo o que se sabe sobre o movimento Digger, na maioria factos ignorados no seu tempo e facilmente esquecidos pela História, conhece-se através dos registos escritos de Winstanley.
Em Janeiro de 1649, Winstaley publicou um pequeno livro intitulado The New Law of Righteousness no qual
relatava uma visão que tivera e afirmava a sua intenção de pôr em prática as ideias que daí lhe tinham surgido. Após ter conhecido William Everard, um soldado do parlamento do New Model Army, planearam a formação de uma comuna, na qual o comando “work together, eat bread together” teria de ser obedecido. O local seria perto de St. George Hill e no primeiro dia de Abril. Nesse dia, muitos pobres das redondezas subiram
à montanha e começaram a escavar, juntando-se a eles. Grande parte desta terra tinha-se tornado pastagem
para o gado dos homens ricos e, durante as convulsões políticas, alguns donos desprovidos de escrúpulos
tinham conseguido, através de acordos de manipulação legal e subornos, aumentado esses territórios.
A pobreza após a guerra era galopante. Planos para a erradicação da pobreza existiam, antes e depois dos
Diggers, mas a maioria eram encenações do poder governante para acalmar as rebeliões dos pobres. Mais
do que um projecto forçado sobre um governo hostil, as comunas Diggger eram a criação de comunidades
de pessoas afectadas pela pobreza. O pequeno grupo de Diggers, liderado por Winstanley para escavar a
terra desperdiçada e cultivá-la, teve de lutar constantemente contra situações adversas. O acto inicial não foi
talvez mais do que uma assumpção simbólica de posse – ou melhor, uma renunciação simbólica do conceito
de posse da terra. Winstanley esperava que muitos outros o seguissem neste exemplo e se juntassem à causa
Digger. Enquanto um número adicional de colónias nasciam no campo, as esperanças de Winstanley em ver
um enorme número de seguidores, deixaram-no desapontado. Ele não conseguiu atrair um número razoável
de pessoas e a sua colónia Digger permaneceu sempre sub-povoada. O sonho romântico de Winstanley de
criar uma vida de terra colectiva e comunal foi muito cedo destruído por uma realidade hostil. Por diversas
vezes as suas comunidades e colheitas foram destruídas, as suas casas queimadas. Apesar das constantes
tentativas de Winstanley, os Diggers não conseguiram obter a protecção da lei e das autoridades locais. Embora tivesse tido dois encontros pessoais com Lord Fairfax, Winstanley não conseguiu assegurar garantias
para a protecção do seu movimento. Ele não tinha influência suficiente junto das autoridades, dado que elas
próprias eram possuidoras de terras. Os dias de Winstanley na colónia Digger duraram pouco mais de um
ano e as outras colónias depressa sofreram o mesmo fim. A nova era que eles acreditavam estar próxima
ainda não tinha chegado. A prontidão de Winstanley para a acção, distanciou-o dos outros escritores de panfletos e marcou-o como um perigo potencial para a classe dos proprietários políticos.
311
Alice Guimarães
No entanto e como afirma Nigel Smith: “Winstanley plays down the importance of ‘writing’ in favour of ‘digging’: the former is a distraction, preventing men and women from meeting their true purpose, the return to
Eden by union with the Godhead in the cultivation of the land” (Smith apud Bradstock, 2000:162). E conclui
Smith que, neste sentido, Winstanley “did something quite remarkable, something achieved by no other
contemporary, namely ‘digging’ on the page as well as in the ground” (Ibidem).
Se a relevância da literatura de Winstanley nos fornece uma valorosíssima fonte histórica que nos ilustra a realidade sócio-política da sua época bem como o sentimento generalizado de um povo assolado pela miséria,
o cinema, através do impacto da imagem, irá no século XX, retomar a sua utopia (re)vivendo essa realidade
em vez de a sugerir através de um texto, como acontecia na literatura. O pensador alemão Ernest Block diz
que o cinema usa a realidade para criar “outra realidade” (Block, 2005:397). O filme é uma das artes utópicas
que, carregando em si elementos utópicos, também produz utopias. Esta facilidade do cinema passar para
a sua arte todas as outras, vem do facto de ele reunir em si uma linguagem tanto visual como auditiva, cuja
união faz com que a sua linguagem seja dialógica e polifónica. Ao trabalhar directamente com a realidade dos
objectos e dos homens e não, como a escrita literária, com a representação abstracta das palavras, o cinema
manifesta-se mais realista que o texto que, neste sentido e em certos momentos, se torna uma obra inglória.
A imagem pontua o real. O espaço, profundamente imerso no sentimento e nas emoções do espectador, torna-se um espaço mítico. Perante a subtileza das palavras, o esquematismo da imagem torna-se redutor mas,
ao mesmo tempo, torna-se valorativo pois é o suporte imaginário da experiência do mundo. Das palavras às
imagens, a narrativa purifica-se na medida em que, através das personagens, elas adquirem uma densidade
de vida perante o espectador.
Neste âmbito podemos afirmar que o filme Winstanley retrata claramente, na sua forma mais realista, a pobreza, a forma de trabalhar a terra, as guerras e as armas, a violência contra o povo. Aqui encontramo-nos
com o passado através daquilo que consideramos serem os seus aspectos visuais, difíceis de se perceberem
nos textos escritos. Conforme afirma R. Rack:
Más facilmente que la palabra escrita, la imágem cinematográfica parece permitirnos mirar directamente
a través de una ventana a los hechos pasados, conocer la gente y los lugares como si estuviéramos allí. Las
enormes imágenes en la pantalla y los sonidos nos sumergem, inundam nuestros sentidos y destruyen los
intentos de permanecer apartados, distanciados, críticos. En la sala de cine estamos, por un tiempo, prisioneiros de la historia. (Rack apud: Rosenstone,1988:177)
O filme Winstanley é uma adaptação da obra de John David Caute, Comrade Jacob, publicada em 1961 e
adaptado para o cinema em 1975, por Kevin Brownlow e Andrew Mollo. Para uma fidelidade desta adaptação, os seus realizadores procuraram como base para a narrativa da imagem e recursos históricos, a produção literária de Gerrard Winstanley (nomeadamente os panfletos e a sua utopia literária The Law of Freedom,
arquivada no British Museum de Londres). Este filme é um extraordinário exemplo de uma perfeita recriação
estética com a recriação e reaplicação de elementos visuais extraídos de documentos autênticos. Winstanley (película) narra a utopia e a história pouco conhecida de Winstanley e da comunidade Digger durante a
Revolução Inglesa. Podemos considerar o filme um exemplo notável da integridade entre forma e conteúdo,
confinado a rigorosos padrões de autenticidade onde nos deparamos com uma quase obsessiva atenção aos
detalhes e exactidão da época a que este nos transporta. Bronwnlow e Mollo são dois dos realizadores mais
provocadores e idiossincratas da actualidade. A sua demanda pela autenticidade, pela equidade na importância das cenas, para que nenhum acontecimento sobressaia sobre os outros, a sua devota inspiração pelo
passado concedem a este filme um híbrido de aventura e história, de forte intriga e de uma enorme beleza
visual. A história é captada para a tela a preto e branco, o que nos favorece uma aproximação à realidade
312
histórica. A recriação aqui é uma forma de realismo que funciona transportando o espectador para “dentro
da história”.
O facto de ter sido filmado com actores amadores (com a excepção de Jerome Willis que interpreta o papel
de Lord Fairfax) concedeu-lhe um nível de autenticidade e realismo que nos permite olhar para o passado
com manifesta reverência. A falta da elegância hollywoodiana nestes actores não profissionais, joga a seu
favor, tornando a acção ainda mais real e genuína. O meticuloso rigor do cenário e dos trajes, reforça a autenticidade histórica que o filme pretende transmitir. Para além do aspecto das personagens, a ênfase nas
cenas de miséria e a forma como é registado o sofrimento dos Diggers, acentuam a convicção com que nos
é traduzida a realidade histórica daquela época.
Esta película inicia com um prólogo, no qual se ilustra brevemente a batalha de Naseby (1646) e passa rapidamente à experiencia de Winstanley e dos Diggers. Ilustrado através da prosa de Winstanley narrada em
voice-over, o filme questiona a nossa inevitavel relação com a terra e os verdadeiros sentimentos das pessoas
começam a emergir conduzindo ao trágico conflito final. O filme é um relato surpreendentemente meticuloso da miséria e retrata a vida de um grupo de pessoas cuja causa era a rectidão e a não-violência. Winstanley
evoca a atmosfera de meados do século XVII – quando a força parlamentar de Cromwell derrotou e decapitou o rei, para concluir apenas que haveria uma outra guerra civil e sangrenta onde os Diggers e os Levellers,
aqueles que pretendiam uma porção de terra, acabariam esmagados por Cromwell, terminando assim com
o curto período de optimismo em que se acreditava que a vida dos pobres iria melhorar.
Winstanley esteve sempre consciente de que as suas acções viravam contra ele gente de muita influência e
poder. Por isso escreve: “Freedom is the man that will turn the world upside down, therefore no wonder he
hath enemies” (Winstanley, 1983: 128).
A utopia de Winstanley, apesar de fracassada, merece mais do que uma referência histórico-literária. A prova disso é que ela tem sobrevivido ao longo dos tempos. No século XIX, essa ideia assumiu uma forma mais
consistente no programa mínimo de governo proposto por karl Marx, no Manifesto Comunista de 1848. Três
séculos e meio após o registo literário e a acção política, em meados do século XX, a sua utopia projecta-se
finalmente no grande écran onde conseguiu uma disseminação e um sucesso mais do que justo.
A transcrição fílmica de Winstanley através da qual, o filme e o texto, ser híbrido, se tornam o espaço de uma
reflexão recíproca, permite-nos, recorrendo a um exercício intertextual, comparar a carga valorativa de cada
um e despertar para a verificação das potencialidades que fazem com que estas linguagens tão distintas se
aproximem.
Para concluir gostaríamos de salientar que na produção estética da actualidade se torna cada vez mais evidente o vertiginoso intercâmbio de informações que advêm das intersecções e convergências entre literatura
e cinema (ou literatura e outras manifestações artísticas) revelando-se isto uma característica particular da
sociedade deste início do terceiro milénio.
313
Alice Guimarães
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314
O Emigrante Português,
Eterno Apátrida
em ganhar a vida
The Portuguese Emigrant,
The Eternal Man with no
Land in ganhar a vida
Resumo Esta comunicação pretende evidenciar a tenacidade de alguém que se recusa a dar continuidade ao conformismo e ao ostracismo a que o emigrante português está, frequentemente, votado
e a sua luta pelo direito à dignidade, através do filme, intitulado Ganhar a Vida, realizado por João
Canijo, no ano de 2000. Proscrito pela negação de uma oportunidade de vida condigna no seu país de
origem, o seu espírito inquieto leva-o à busca de ser ressarcido. Apátrida, o emigrante português vive
o isolamento e a solidão numa comunidade fechada, ficando desenraizado e à mercê de dois mundos
diferentes. A revolta perante um tratamento de exclusão e negligência, revela-se impulsionadora de
uma enorme peleja.
Palavras-chave: Ostracismo; Exclusão; Revolta; Luta; Dignidade.
Abstract The present communication intends to display the tenacity of one, who refuses to give in
to the conformism and ostracism the Portuguese emigrant is often subject to, and his fight for the right
to dignity. This will be achieved through the film, Ganhar a Vida, directed by João Canijo, in 2000. After
being denied the opportunity for a dignified life, his restless spirit takes him on a search for amends.
With no nation to call his own, the Portuguese emigrant lives in isolation and solitude in a closed community, the result of which is the inexistence of roots that connect him to one place and him being
between two different worlds. The resentment towards being excluded and neglected turns into a
driving force.
Keywords: Ostracism; Exclusion; Resentment; Fight; Dignity.
315
Velas acesas crepitando, em plano aproximado, iluminando o ecrã, a imagem de Nossa Senhora de Fátima,
culto tradicional do povo português, ao fundo, antecedem uma cerimónia religiosa, na qual se integram
rostos desconhecidos, em planos aproximados, corpos em movimento, em planos médios. A câmara de filmar percorre as faces silenciosas de olhares devotos, nostálgicos e fixa-se numa mulher, de pé, encostada
à parede, e aí se detém como se de flash fotográfico se tratasse, destinado a reter nas memórias uma contemplação perdida, uma letargia. Um grande plano fixo do interior de uma igreja repleta, filmado à entrada,
deixa-nos, no anonimato, uma comunidade que assiste, em silêncio, à missa.
Um genérico que se reporta à vida quotidiana de um grupo de emigrantes portugueses, em França, serve
de fundo à relação de atores de um filme de ficção que apresenta uma situação de verosimilhança com a
realidade da diáspora de um povo que, desde longa data, procurou a sobrevivência e o bem-estar longe da
sua terra de origem. Homens e mulheres de parcos meios carregaram na bagagem o legado de um quotidiano
suportado em tradições e comportamentos próprios, uma cultura suis generis sustentada num folclore de
raiz rural e numa crença religiosa profunda.
A obra cinematográfica intitulada Ganhar a Vida, realizada no ano de 2000, constitui o culminar de um processo de investigação e recolha in loco que resultou numa partilha de saberes que o realizador, João Canijo
soube, de forma perspicaz, equacionar socorrendo-se de atores profissionais e pessoas comuns, emigrantes
que deram forma a personagens e situações verosímeis. O realizador do filme em análise, conviveu, durante
cerca de dois anos, com emigrantes portugueses dos arredores de Paris, dando, em seguida, forma e conteúdo a um projecto que pretendia ficcionar, no ecrã, um pouco da alma portuguesa sabiamente analisada pelo
poeta português Fernando Pessoa, no excerto da obra literária intitulada Mensagem (anexo 2). Este escritor
adotou vários heterónimos e transpareceu, através deles, a sua própria diversidade interior.
A alma portuguesa é, para Fernando Pessoa, um conceito com múltiplas facetas. Um conceito que ele
analisou de diversas perspetivas, desde a histórica, à sociológica, passando pela filosófica e até religiosa.
(…) Pessoa tinha um grande interesse pelo que ele chamava de “Homem Português”. Penso que o interesse do poeta seria no sentido de ver como se poderia operar um renascimento, uma nova era de um
povo. (…) Na sua opinião esse homem era (como o próprio Pessoa) múltiplo. Havia o português “número”,
trabalhador obscuro, o português “que não é”, estrangeirado e afrancesado e o português “fundador”, o
português que cria civilizações.1
Este povo aventureiro e temerário entregou-se ao mutismo e à obscuridade na geração de 1960, bem como
nas décadas que se seguiram, sobretudo para diversos países da Europa, da América do Sul, Canadá e Estados Unidos da América. Todavia, João Canijo, nesta obra cinematográfica, remete-nos para a alma portuguesa fecunda que não se deixa abater perante as adversidades e galga montanhas, conquistando vida própria,
através de uma personagem poderosa: Cidália Ribeiro, mãe, dona de casa, mulher de limpeza e, acima de
tudo, mulher e ser humano, cidadã do mundo, na diáspora da conquista de uma trajetória de libertação interior.
Um plano aproximado de um rosto dolorido, de olhar perdido, de uma mulher de meia-idade, Cidália, dá
início à ficção. A alvorada insinua-se por detrás de prédios altos, enegrecidos pela noite que parte. A cidade,
ao fundo, ergue-se em silêncio, salpicando de minúsculas luzes os lares que se levantam. Cidália percorre
os arredores da cidade, espalhando uma mágoa recente e, dirigindo-se para uma ponte pedonal, deixa-se
cair, prostrada, junto à vedação azul cinza. Em baixo o comboio passa, indiferente. A barreira que a separa
do abismo, talvez do suicídio, deixa antever, embora ainda pardo, o amanhecer de um novo dia, apesar das
“grades” que, em simultâneo, a protegem, a sufocam e lhe mostram um caminho. Esta parede esburacada
oferece-lhe uma alternativa.
1 S.a. s.t. 25 May 2010 <http://www.umfernandopessoa.com/an%C3%A1lises/alma-portuguesa-em-fernando-pessoa.htm>.
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O Emigrante, Eterno Apátrida em Ganhar a Vida
Inspirada na tragédia grega de Sófocles, Antígona, segundo as palavras do realizador numa entrevista que
consta do DVD vídeo, intitulado Rita Blanco em Ganhar a Vida, a obra cinematográfica objeto desta breve
análise, prende, de imediato, o espetador ao grande ecrã, que ávido buscará, acompanhando a narrativa
fílmica, as respostas para os véus de incerteza que se levantam.
A noite escura e mal iluminada traz consigo o fervilhar de um formigueiro na labuta do sustento. Um grupo
de mulheres vai saindo, uma a uma, para a noite de trabalho subalterno que as espera enquanto a cidade
dorme. Cidália despede-se do filho a quem aconselha o recolher breve e, numa carrinha/carro recolhe outras
mulheres, deslocando-se, em seguida para o local de trabalho. Durante a viagem ouvem música portuguesa
(Já Sou Uma Mulher…) e palreiam futilidades em francês e português. Planos aproximados, na penumbra,
mostram rostos sonolentos e cansados.
Entretanto, no bairro suburbano, um jovem caminha em direcção ao grupo onde se encontra o filho de Cidália. Surge a polícia. A confusão instala-se. Ouvem-se tiros e alguém cai, baleado.
O realizador retorna às mulheres já equipadas com fardas rosa choque e botins brancos, que iniciam as limpezas numa estação de camionagem. O telefone toca. Chamam Cidália que atende e transparece um choque,
uma agonia. Em seguida sai, apressada, em silêncio.
A cor negra, a luz laranja da noite e o barulho do motor do carro acompanham um rosto silencioso, inexpressivo e uma condução apressada. O carro pára em frente de um corpo caído. Cidália abraça o filho que jaz, já
morto.
O rosa choque, os botins brancos na escuridão alvitram a continuidade de uma trabalho pesado e repetitivo.
A vida continua, no silêncio. Cidália parece indiferente, apática, gélida, recusa conversar e sai desesperada,
caminhando até o céu clarear. Na ponte azul cinza quebra a apatia e chora em desespero.
Num ambiente fechado e soturno, em tons de predominância laranja, castanho e verde, amigos e família
velam, sem corpo, uma morte inesperada. Cidália age como um autómato. O marido, Adelino, chama-lhe a
atenção para os presentes: “Olha as pessoas”, diz-lhe quase impercetivelmente. Diálogos curtos em língua
francesa e portuguesa preenchem o silêncio da ocasião. O padre está presente, a comunidade mostra-se
consternada. Fala-se baixo. Noite dentro, num quarto mal iluminado pela luz da rua, esvoaça um cortinado.
Na penumbra um homem e uma mulher preparam-se para dormir, num ritual de repetição inconsciente.
Sentam-se na beira da cama. Em camisa de dormir e camisola interior sem mangas o casal troca trivialidades.
A câmara percorre, o corpo de Cidália, que se levanta e se dirige ao quarto do filho mais novo. Aconchegada
ao filho, adormece.
O quotidiano, sempre igual, retoma o seu ritmo habitual, alheando-se do sentimento e da perda. Em casa,
Cidália revela-se, quase gritando: “Ninguém faz nada.” Então decide “fazer uma petition” contra a polícia
com vista a alterar a inoperacionalidade, a negligência, a indiferença das autoridades francesas. Um pequeno grupo de mulheres vai, de porta em porta e confronta-se com a recusa sistemática de uma assinatura.
A violência doméstica manifesta-se clara. A figura da mulher subjugada ao marido revela-se impotente e
submissa. O medo, o conformismo, a sujeição passiva estão patentes numa comunidade que se considera
outsider. A falta de solidariedade mostra-se uma constante. Cada um por si procura sobreviver, ignorado,
invisível se possível, aceitando uma condição de inferioridade, um lugar ao lado da sociedade a quem serve
como mão-de-obra barata.
A raiva instala-se e transpõe os muros invisíveis do bairro, saltando para a rua ao som de um bombo que
marca os passos pesados de um pequeno grupo de mulheres que cantam uma canção tradicional do meio
317
rural do norte de Portugal (Aqui não se ganha nada, aqui não se ganha o pão, foi na ceifa que o ganhei …) e
param em frente do comissariado da polícia francesa, demandando clareza e justiça. Em respostas lacónicas
o comissário informa a mãe da vítima de que, em resultado da investigação policial, se havia concluído que a
bala que atingira o filho mais velho, não tinha sido disparada pela polícia.
Cidália continua a procurar a verdade, utilizando todos os meios ao seu alcance e vai sendo ridicularizada, humilhada por uma comunidade conversadora e retrógrada que não se integrou no seio da sociedade francesa
e mantém um quotidiano que se revê nos hábitos e tradições da vida portuguesa de décadas atrás, subalternizando as mulheres. Nas palavras do taxista Adérito “As mulheres só estragam a vida.”
Na Associação Portuguesa de Emigrantes, Cidália canta um fado de Amália Rodrigues “A Alma Portuguesa”,
também intitulado “Com que Voz” (anexo 1), cuja letra foi retirada da poesia camoniana. O poeta espelha,
na sua obra, a alma portuguesa de feição sonhadora, apaixonada, aventureira e belicosa. Camões foi um dos
mais importantes símbolos da identidade lusófona das comunidades de emigrantes de todo o mundo, que
cantou a epopeia dos portugueses, na busca de fama e glória nascidas da cultura e da civilização, em que
Portugal estava inserido, na era dos descobrimentos. João Canijo evidencia o poeta para nos dar a imagem do
português ignorante e arrogante, que se sente, simultaneamente, superior e inferior e está orgulhosamente
só, saudoso de um passado de glória que morreu, perdido nos tempos. Cidália canta a dor do seu triste fado,
a perda, o desengano e, do mesmo modo, alvitra o desejo de viver embora ‘em tristeza’, afirmando que ‘suspirar nunca aproveitou’. Entoando as palavras do poeta, a protagonista deixa aos presentes a mensagem da
sua força, depois das palavras críticas e magoadas que procuram acordar a alma portuguesa entorpecida dos
seus pares, afirmando, ao microfone que “A gente aqui ‘tá no que é nosso. O meu filho foi morto. Ninguém
se importa. A gente devia fazer qualquer coisa. Os nossos filhos nasceram em França. Falam francês. É a terra
que a gente escolheu para eles crescerem.”
A comunidade portuguesa, dos arredores de Paris, provavelmente perto de Champigni, (localidade que acolheu milhares de portugueses que viveram em condições muito precárias durante a grande vaga de emigração dos anos de 1960) vai ao baile, ao espétaculo de variedades providenciado pela Associação, usando o
seu melhor vestuário, onde brilham gravatas e lantejoulas, jóias e imitações, cabelos penteados pelo cabeleireiro, e homenageia o seu presidente Joaquim Batista, de setenta anos de idade. Faz-se um discurso porque
“chegou a hora da retraite” do seu mais importante vulto social, nas palavras do apresentador. Canta-se o
fado, ouve-se e aplaude-se a cantora Romana que faz uma entrada triunfal no palco como se fosse uma diva.
Come-se, bebe-se e conversa-se em redor de mesas de toalhas brancas decoradas com flores, nas escadas.
Os dedos, por vezes, substituem os talheres, o papel de alumínio, os pratos. Vê-se e aprecia-se o tradicional
folclore de raiz nortenha. Os homens conversam, quem sabe, de futebol, completando, assim, um cenário
tradicional da ‘vida cultural’ destas comunidades de emigrantes. Ao som da música dançam pares sem contudo se olharem, numa atitude típica dos portugueses que revela a sua habitual dificuldade de relacionamento.
Uma crise que culmina com o envolvimento pouco claro da mulher rebelde como jovem responsável pela
morte do filho instala-se poderosa no seio da família Ribeiro. Cidália incompatibiliza-se com a irmã, o casal
separa-se e Adelino regressa a Portugal com o outro filho do casal. Cidália fica só na cidade grande e desaparece entre o trânsito e o rio Sena.
Cidália representa uma mulher multifacetada, trabalhadora obscurecida e, em simultâneo, cidadã que luta
por direitos. Em seu redor giram personagens que nos remetem para a dura realidade dos emigrantes desintegrados, que não são nem portugueses nem franceses, mas apátridas rejeitados pelo seu país de origem
que não lhes assegurou a sobrevivência, à margem de um país que lhes dá o pão. Este produto da emigração,
sobretudo clandestina, vive isolado, reitera um quotidiano das origens, imutável, parado no tempo do antigo
regime, receando ser descoberto e repatriado. O dia-a-dia decorre apagado, quase invisível, mas os conflitos
318
e a falta de solidariedade dentro da comunidade são uma constante e refletem a luta travada pelo imigrante
para sobreviver.
O quotidiano das comunidades portuguesas em França está patenteado nesta ficção fílmica através do dia-a-dia da vida da família Ribeiro e dos seus vizinhos e amigos emigrantes. O culto religioso, da devoção à Virgem Maria de Fátima, a taberna só para homens, à portuguesa, a atuação dos ranchos do interior norte, os
encontros, convívios e espétaculos de palco perpassam no ecrã, como um testemunho de uma vida marginal
que relembra o clube da aldeia do velho regime português.
Deste modo, o realizador desmascara a imagem de um Portugal esplendoroso que procurou ganhar alicerces
durante a Expo 98, em Lisboa.
À semelhança de Antígona, Cidália Ribeiro subleva-se e desobedece, todavia enquanto Antígona fica emparedada e se suicida, Cidália revolta-se contra a negligência, o medo, o conformismo mas, ao contrário da
personagem da tragédia grega de Sófocles, esta mulher simples e ignorante sobrevive ao emparedamento a
que a sua comunidade a quer submeter e vai à descoberta do sentido da própria vida. Ganhar o pão constitui
apenas um meio de sobrevivência.
Ganhar a Vida significa assumir-se como gente, ser pensante com direitos, adoptando como sua, uma terra
que transformou gerações de emigrantes em apátridas receosos, de vida miserável nos famosos bidonsvilles
dos anos de 1960 da qual herdámos uma imagem de povo humilde, submisso e sem ambição. De 1963 a
1973 mais de um milhão de portugueses pobres emigraram clandestinamente para França, Alemanha e
Benelux, num êxodo tremendo, constituindo a maior torrente de imigração europeia do pós-guerra. O documentário intitulado Les Gens des Baraques eternizado por Robert Bozzi, em 1995, evoca a vida miserável dos
emigrantes da geração de 1960, nos bidonsvilles, nos arredores de Paris.
En 1970, plus de cent bidonvilles encerclaient encore Paris. A Saint-Denis, Robert Bozzi tourne alors un
documentaire sur ces taudis pour le PCF. A l’époque, il regardait les habitants comme un groupe social
particulièrement exploité par le capital. Obsédé par les images qu’il a tournées, il décide 25 ans après de
retrouver ces gens des baraques et de savoir qui ils sont devenus. 2
Do mesmo modo, grupos de portugueses pertencentes a uma outra classe social culta e politizada, acossados pela perseguição do regime de Salazar, fugiram clandestinamente para França, criando um espaço
de debate e intervenção, fora do país. Estes ‘emigrantes’ forçados não constam da abordagem do filme em
análise, todavia, esta foi, de igual modo, uma dura realidade nacional. Muitos portugueses opositores ao regime radicaram-se em França, durante anos, só regressando após o 25 de Abril de 1974. A integração social
desta camada da população portuguesa foi muito mais conseguida e através dela se manteve, em muitos
casos, o espírito temerário e aventureiro que também nos carateriza enquanto povo.
No entanto, o realizador prefere uma abordagem centrada no emigrante pobre, oriundo do interior profundo
do norte do país, que construiu, no estrangeiro, uma representação da realidade da sua terra natal, isolada
e desligada da identidade social e cultural do país de destino.
A narrativa fílmica decorre na sombra, no apartheid. As cores de fogo, vermelho e verde fustigam uma
bandeira portuguesa desfraldada na escuridão do patriota que assume a alma portuguesa errante e submissa. A obscuridade das personagens deambulando pelo ecrã, assemelha-se a fantasmas vagabundeando
entre os seres vivos, separados do mundo. Saturando a cor e o contraste, João Canijo torna mais evidente o
fundo frio e os rostos das personagens vivenciando um drama.
2 S.a. “s.t.”. 20 May 2010. < http://www.autourdu1ermai.fr/fiches/film/fiche-film-208.html>.
319
O dia pardo, o azul cinza, o verde-claro patenteiam clareiras apontando caminhos, alternativas, luzes ao fundo de um túnel de solidão e isolamento, um bidonville de alma eternamente saudosa do regresso às origens.
A prevalência de planos médios e aproximados de corpos e rostos em contra luz, a escuridão alternando
com a cor branca de uns botins de trabalho ou o rosa choque das batas demonstram o anonimato de uma
comunidade invisível, impercetível, ignorada e desprezada. Os travelling entrecortando a sombra, a parede,
o escuro com a luz do dia, realçam o emparedamento voluntário de um grupo de emigrantes que se anulou
e viveu um sonho de bem-estar numa terra natal imaginária construída de escombros e pedaços de nada.
Cidália, protagonista de uma história aparentemente banal cujo desenlace ocorre, com alguma frequência,
no seio de grupos sociais desta natureza, representa, no nosso ponto de vista, a réstia do génio português
que permanece recôndito na alma do emigrante, eterno apátrida que procura, mundo fora, a essência do
seu próprio destino, a saída para fora dos muros de uma pequenez de alma que não lhe assenta. O tempo
da conquista de novas terras pereceu há muito, mas a aventura do espírito permanece eterna, na medida
em que constitui uma viagem sem fronteiras, impulsionada pela paixão do diferente e por uma permanente
inquietude.
Multifacetada, a alma portuguesa, encontra-se na obscuridade e na notoriedade, na tristeza e na alegria,
na saudade, na nostalgia, na coragem e na cobardia, na criação, no humanismo de que sempre foi moldada.
Dentro de si própria, enquanto ser ímpar, aprendeu a construir a grandeza a partir de pequenos nadas, a
ultrapassar o anonimato no seio das gentes, que lhe tolhe as passadas, a subir o rio do imaginário, do desconhecido.
O olhar do realizador sobre uma comunidade dá-nos a visão, da justeza ganhar a própria vida através da
evolução da personagem principal que, à sua volta, congrega um conjunto de personagens que, de forma
realista, numa enorme verosimilhança com a realidade, nos mostram a diáspora de um povo que, de forma
simultânea, pertence e não pertence ao seu país e ao mundo.
No seguimento dos trilhos de Pessoa, João Canijo, presenteia-nos com Cidália, reflexo da alma portuguesa,
eterna apátrida, que recusa uma realidade vazia, intolerável e paradoxal e nos alvitra o sonho de uma nova
conquista, ganhando a vida no que tem de mais valioso, a nossa própria identidade, abraçando a mensagem
de Pessoa, pois para ela “é a hora” (anexo2).
Filmografia
Ganhar a Vida. Dir. João Canijo. Perf. Rita Blanco, Adélia Baltazar, Adriano Cruz, Teresa Madruga, Alda Gomes.
Madragoa Filmes, 2004.
Webgrafia
PESSOA, Fernando. “Mensagem/Nevoeiro”. 28 Maio 2010. <http:// faroldasletras.no.sapo.pt/poesia_mensagem.htm>.
S.a. “Fado Português”. 28 Maio 2010. <http://www.nathaliepires. com/Discografia/correme%20o%20
fado%20nas%20veias%20_Letras/correme%20o%20fado%20nas%20veias%20_Letras-2.htm>.
S.a. “s.t”. 20 May 2010. <http://www.autourdu1ermai.fr/fiches/film/fiche-film- 208.html>.
S.a.”s.t.”. 25 May 2010. <http://www.umfernandopessoa.com/an%C3%A1lises/alma-portuguesa-em-fernando-pessoa.htm>.
320
Anexos
Anexo 1
Autor: Camões Compositor: Alain Oulman
“Com que Voz”
Com que voz chorarei meu triste fado,
que em tão dura paixão me sepultou.
Que amor não seja a dor que me deixou o tempo,
que me deixou o tempo.
de meu bem desenganado, de meu bem desenganado.
Mas chorar não se estima neste estado
aonde suspirar nunca aproveitou.
Triste quero viver, pois se mudou em tristeza,
pois se mudou em tristeza.
a alegria do passado, a alegria do passado.
De tanto mal, a causa é amor puro,
devido a quem de mim tenho ausente,
por quem a vida e bens dele aventuro.
por quem a vida e bens dele aventuro.
Com que voz chorarei meu triste fado,
que em tão dura paixão me sepultou.
Que amor não seja a dor que me deixou o tempo,
que me deixou o tempo.
de meu bem desenganado, de meu bem desenganado.3
3 S.a. “Fado Português”. 28 Maio 2010. <http://www.nathaliepires.com/Discografia/correme%20o%20fado%20nas%20
veias%20_Letras/correme%20o%20fado%20nas%20veias%20_Letras-2.htm>.
321
Anexo 2
Mensagem – Fernando Pessoa4
QUINTO NEVOEIRO
Nem rei nem lei, nem paz nem guerra,
Define com perfil e ser
Este fulgor baço da terra
Que é Portugal a entristecer –
Brilho sem luz e sem arder,
Como o que o fogo-fatuo encerra. Ninguem sabe que coisa quere.
Ninguem conhece que alma tem,
Nem o que é mal nem o que é bem.
(Que ancia distante perto chora?)
Tudo é incerto e derradeiro.
Tudo é disperso, nada é inteiro.
Ó Portugal, hoje és nevoeiro... É a Hora! 4 PESSOA, Fernando. “Mensagem/Nevoeiro”. 28 Maio 2010. <http://faroldasletras.no.sapo.pt/poesia_mensagem.htm>.
322
Duplo Exílio: A Outra Face da
Emigração Portuguesa nos Estados Unidos
Duplo Exílio: The other Side of Portuguese
Emigration to the United States
Resumo A emigração portuguesa para os Estados Unidos não é um fenómeno recente, remonta
ao século XVI, e passou por várias fases desde que as primeiras caravelas chegaram ao Novo Mundo.
Durante a década de 1960, depois de aprovada uma lei sobre a emigração legal, muitos portugueses
abandonaram o seu país com as suas famílias na esperança da realização do “American Dream”. Apesar
das esperanças depositadas, nem todos os que partiram nessa época foram casos de sucesso.
O filme que nos propomos analisar, Duplo Exílio, de Artur Ribeiro, para além das magníficas imagens
dos Açores que apresenta, nomeadamente da Ilha de S. Miguel, aborda alguns dos problemas que os
emigrantes portugueses têm enfrentado nos Estados Unidos desde a última década do século XX, depois da aprovação do Emigration Act em 1996. David é acusado de um crime que não cometeu sendo
expatriado para os Açores, a terra onde nasceu, mas onde se sente um forasteiro por não encontrar as
suas raízes.
Palavras-chave: Estados Unidos; Açores; Emigração; Português; Deportação.
Abstract Portuguese emigration to the United States is not a recent phenomenon, it goes back to
the 16th century, and has gone through many changes. In the 1960’s, after a law on emigration being
adopted, many Portuguese people left their own country with their families in hopes of making the
“American Dream” come true. Despite all their hopes, not everyone that left at that time was successful.
The film we offer to critically examine, Duplo Exílio, by Artur Ribeiro, apart from the beautiful images
from Ilha de S. Miguel, Azores, also approaches some of the problems the Portuguese Emigrants have
had since the last decade of the 20th century, after the approval of the Emigration Act in 1966. David is
accused of a crime he didn’t commit, therefore being expatriated to the Azores, where he was born,
but where he feels like an outsider.
Keywords: United States; Azores; Emigration; Portuguese; Deportation.
323
Chegam cartas. Chegam pedaços do meu país.
Chegam vozes. Chega um silêncio que me diz
as revoltas as lágrimas os cansaços.
Chegam palavras que me apertam nos seus braços.
Chegam notícias do meu país.
(…)
Chega gente que chora em português.
Manuel Alegre, O Canto e as Armas
A obra cinematográfica Duplo Exílio, de Artur Ribeiro, remete-nos para uma situação que tem atingido a vida
de muitos povos europeus mas, principalmente, os portugueses – a emigração. O filme surge como uma
denúncia mas, ao mesmo tempo, uma memória dos problemas que muitos emigrantes têm enfrentado, ao
longo dos tempos, por desconhecerem as leis do país onde um dia se fixaram. A par da história de um repatriamento, Artur Ribeiro, também ele um emigrante português que vive em Nova Iorque, presenteia-nos
com magníficas imagens da Ilha de S. Miguel, que constituem verdadeiros tesouros e proporcionam momentos de evasão ao espectador. Para além destas duas narrativas, temos ainda uma história de amor entre dois
jovens David e Isabel.
As preocupações do realizador aproximam-se das do sociólogo pela forma como realiza a sua análise social e
pela denúncia das injustiças sociais. Trata-se do repatriamento de um jovem que partiu com os pais para os
Estados Unidos quando tinha apenas cinco meses mas como nunca optou pela cidadania americana, ao ter
supostamente cometido um crime considerado grave, é enviado para o seu país natal, a ilha de S. Miguel, nos
Açores. Desde os finais do século XX que muitos portugueses têm sido expulsos e deportados do Canadá e
dos Estados Unidos para Portugal por terem cometido actos ilícitos nesses países de acolhimento. Nos Estados Unidos a situação agravou-se depois de promulgada a Immigration Act em 1996, por Bill Clinton.
A emigração portuguesa para os Estados Unidos não é um fenómeno recente, remonta ao século XVI, e passou por várias fases desde que as primeiras caravelas chegaram ao Novo Mundo. Durante a década de 1960,
depois de aprovada uma lei sobre a emigração legal, muitos portugueses abandonaram o seu país com as
suas famílias na esperança da realização do seu American Dream. Apesar das esperanças depositadas nem
todos os que partiram nessa época foram casos de sucesso.
Os Estados Unidos surgiram, desde muito cedo, como um destino de eleição dos portugueses devido às
oportunidades de emprego e aos salários elevados quando comparados com os da Europa. A imagem dos
Estados Unidos como Terra Prometida remonta à chegada de Cristóvão Colombo às Bahamas de acordo com
o Diário de Bordo do navegador. Aquele era um espaço onde os homens podiam ser livres e tinham uma
oportunidade de trabalho o que lhes permitia melhores condições de vida para si e para as suas famílias.
Desde a chegada dos primeiros colonos que, do outro lado do Atlântico, surgiam notícias de sucesso e fortuna que nem sempre correspondiam à realidade mas que alimentavam os sonhos dos que viviam uma vida
de dificuldades.
Os motivos que levaram os portugueses a deixar o seu país em meados do século XX, eram predominantemente de raiz económica. O atraso em que o país estava mergulhado tanto a nível económico como cultural,
o nível de analfabetismo era muito elevado, bem como o facto de se viver num regime ditatorial, determinou
o êxodo de muitos para o Novo Mundo em busca da realização pessoal e profissional.
Portugal assistiu, ao longo da sua história, à partida de muitos dos seus habitantes para outros países europeus bem como para os Estados Unidos e o Canadá, em busca de melhores condições de vida para si e para
324
as suas famílias. A emigração para os Estados Unidos assumiu contornos diferentes da europeia, por se tratar
de uma emigração permanente tendo em conta a realidade económica, social e política dos países de destino
e as intenções dos que partiam. De acordo com o escritor Eduardo Mayone Dias,
O emigrante que opta pela América vem geralmente com a intenção de ficar ou se não adquire-a nos
primeiros dois ou três anos da sua estadia. Este facto implica que os seus esforços quase sempre se orientam logo de início para a busca de uma forma de vida que assegure estabilidade: a compra e apetrechamento de uma casa, a aquisição de um ou mais carros, a acumulação de bens de consumo, o aforro em
bancos americanos e o eventual investimento no país com fins lucrativos.1
A emigração portuguesa do continente e ilhas registou um aumento significativo nas décadas de 50 e 60 do
século passado graças às medidas excepcionais criadas pelo governo americano que favoreceram a entrada
de sinistrados do vulcão dos Capelinhos. Além disso, as 32 leis de excepção à entrada de estrangeiros, criadas pelo governo nessa época, ajudaram os portugueses ao permitirem uma redistribuição dos vistos não
utilizados por outros países.
Em 1965, o Congresso Americano aprovou a The Immigration Act que acabou com o sistema de quotas que
impunha grandes restrições à entrada de estrangeiros nos Estados Unidos desde 1882.
the Immigratio Act of 1965 (October 3, 1965, 79 Stat. 911), which finally eliminated the quota system, establishing preference ratings as the primary determinant of who would enter the United States, and handing out visas on a first-come, first-served basis. Quotas were to be abolished completely after a period of
three years, presumably to allow time for adjusting waiting lists. (Jensen, 1972:116)
Com esta lei pretendia-se pôr fim à discriminação étnica na política de emigração o que foi particularmente
benéfico para os portugueses. Nas décadas de 60 e 70, o número de emigrantes portugueses para aquele
país ultrapassou os 1.000 por mês, sendo mais de metade oriunda dos Açores.
O desemprego dominava em Portugal e os portugueses encontravam na emigração a única saída para a crise,
procurando no estrangeiro o emprego e a estabilidade que não existia no seu país. Os que tinham alguma
actividade partiam em busca de uma melhoria salarial ou para conseguirem um grau de especialização mais
rápido modificando assim o perfil do emigrante português. De um modo geral, quem partia à procura de uma
especialização acabava por ficar e raramente regressava ao seu país natal dadas as condições de vida que
conseguia atingir.
Embora a integração no mercado de trabalho norte-americano tenha sido relativamente fácil para os emigrantes portugueses, o mesmo não se pode dizer em relação à sua integração na sociedade, que acontecia,
em parte, devido à falta de domínio da língua e ao baixo nível académico. Os portugueses procuraram sobreviver criando as suas próprias associações com o objectivo de preservar os seus costumes e ajudar os
seus compatriotas. A par das festas religiosas e da comemoração de algumas datas como o 10 de Junho, dia
de Camões também participavam nas festas do país acolhedor como forma de socialização. Como refere o
escritor açoriano Diniz Borges
Apesar do português ser povo de todos os cantos do mundo, não somos imunes às metamorfoses a que
qualquer imigrante está naturalmente sujeito: a transformação na língua, na identidade, nas tradições.
(Borges, 1997: 139)
Na década de 60, os portugueses em New Bedford eram a maior comunidade portuguesa de Massachusetts
1 América e Europa: Duas Maneiras de Estar na Emigração. Consultado em 5/06/2010 http://www.portugal-linha.pt/opiniao/
MDias/md3.htmlà
325
tendo desempenhado todo o tipo de profissões que iam desde a agricultura e pesca passando por professores, advogados e banqueiros. Foi durante este período que se criaram algumas escolas, bibliotecas, programas de rádio e associações recreativas com vista a elevar o nível cultural dos emigrantes. Na maior parte
das famílias, os jovens e as crianças deixaram de falar português por frequentarem escolas onde só se falava
inglês.
Apesar do filme Duplo Exílio não fazer qualquer referência à família de David, apenas sabemos que os pais
faleceram, o facto de não falar nem perceber português leva-nos a concluir que se encontra no grupo dos
filhos de emigrantes que tendo chegado aos Estados Unidos ainda crianças acabaram por nunca aprender
português porque as escolas que frequentaram eram americanas. Também não fica muito claro como é que
um jovem que viveu mais de duas décadas naquele país nunca se naturalizou e nem conhece as leis, estando
convencido que a carta verde lhe confere todos os direitos inclusive a cidadania.
No diálogo inicial na prisão, o espectador tem a noção de estar perante alguém que desconhece as leis do
país em que vive bem como a sua própria situação. Na prisão, aquando da visita de um advogado oficioso
David afirma: «I› m technically American» ao que o advogado responde «No, you are not!». A partir desse
momento, o mote está lançado e tudo se desenrola rapidamente. Estamos perante um jovem que vive um
drama mas que ignora a sua situação não percebendo o que se passa à sua volta.
Em breve, este jovem será obrigado a regressar a um país que é o seu mas que desconhece. Quando Isabel,
o «anjo salvador» lhe promete um passaporte com uma nova identidade se ele se fizer passar pelo irmão e o
leva ao lugar onde, de acordo com a informação do local de nascimento referido no passaporte, a sua família
viveu, David não consegue fazer qualquer comentário. Fica parado a olhar à sua volta talvez em estado de
choque, espantado com a pobreza do local. Não encontra ali as suas raízes, não se identifica com o espaço,
aquele sítio nada lhe diz. Trata-se de uma zona degradada junto a uma ribeira em Ponta Delgada com umas
casas praticamente em ruínas de aspecto muito pobre. Depois de tudo o que viu e sentiu naqueles breves
momentos, percebeu que o seu lugar não era ali e desejou veementemente regressar aos Estados Unidos
onde a sua vida era tão diferente.
Aliás, a ideia de regressar aos Estados Unidos, que ele considerava como a sua terra, esteve sempre presente
desde que entrou no avião da SATA que o conduziu aos Açores. Este jovem sentia-se um desenraizado por
não ter familiares na Ilha, não falar português e não conseguir vislumbrar o seu futuro como actor, sonho
que vivia quando foi preso e condenado por ter participado num assalto que não cometeu mas em que foi
envolvido. Por isso, desde a chegada ao seu país natal que a sua principal preocupação foi a de regressar, de
imediato, aos Estados Unidos apesar de saber que seria difícil e complicado um retorno porque assim que as
autoridades o encontrassem voltaria a ser repatriado.
O filme recorre a algumas rupturas ao longo da narrativa através das mudanças de tom e estilos. Registam-se
planos longos e contemplativos sobre as paisagens açorianas que permitem enquadrar a vida por aquelas
paragens.
Apesar de se sentir injustiçado por ter sido preso e deportado por um crime que não cometeu, David vive
a sua revolta sem nunca assumir um comportamento conflituoso, o oposto do seu companheiro de viagem
Manuel Nunes, também deportado dos Estados Unidos mas por problemas relacionados com drogas, e que
assim que chegou à ilha entrou logo num esquema que tudo leva a crer lhe permitiria manter o vício.
Uma das virtudes deste filme é funcionar como um testemunho e alerta para uma situação vivida por milhares de emigrantes portugueses que ainda não legalizaram a sua situação nos Estados Unidos mas que
se consideram cidadãos americanos só porque vivem naquele país há alguns anos e falam inglês. Na maior
326
parte dos casos, desconhecem os seus direitos e obrigações e quando descobrem a sua situação é sempre
tarde demais.
Através de uma realidade ficcionada, Artur Ribeiro expõe alguns dos problemas que afligem muitos dos que
emigraram e continuam a partir para os Estados Unidos, portugueses e não só, constituindo o seu filme um
importante documento histórico que merece ser estudado no futuro. O mundo transformou-se numa aldeia
global sob o ponto de vista técnico mas não a nível social, cultural e político. Como afirma Anthony Giddens:
O século XXI será o campo de batalha em que o fundamentalismo se vai defrontar com a tolerância cosmopolita. Num mundo em processo de globalização, em que a transmissão de imagens através de todo
o globo se tornou rotineira, estamos todos em contacto regular com os outros que pensam de maneira
diferente, que vivem de maneira diferente. (Giddens, 2000: 18)
REFERÊNCIAS BIBLIOGRÁFICAS
BORGES, Diniz. América – o outro lado do sonho (1997). Câmara Municipal de Praia da Vitória.
DIAS, Eduardo Mayone. América e Europa: Duas Maneiras de Estar na Emigração. Consultado em 05/06/2010
http://www.portugal-linha.pt/opiniao/MDias/md3.html
GIDDENS, Anthony (2000). O Mundo na Era da Globalização. Lisboa: Editorial Presença.
JENSEN, John B (1972). “The Portuguese Immigrant Community of New England”, in Revista Studia,n. 34,
Junho, pp. 109-149.
327
Os Novos Lisboetas
THE NEW LISBOANS
Resumo No início deste milénio, Portugal viu-se confrontado com uma nova vaga de imigração, que
no espaço de uma década, atingiu cerca de um milhão, concentrando-se um número expressivo na
área da grande Lisboa. Ucranianos, russos, búlgaros, moldavos, romenos, chineses, brasileiros, nigerianos, paquistaneses, senegaleses, indianos, enfim, um sem número de indivíduos de origens díspares
que buscam em Portugal um futuro melhor e têm mudado o aspecto humano da cidade de Lisboa.
É precisamente esta temática que tencionamos abordar nesta comunicação através da análise do documentário de cariz político, Lisboetas, de Sérgio Tréfaut. O realizador dá a conhecer ao grande público,
não a Lisboa dos bairros típicos, mas uma cidade em profunda mudança, em que os recém-chegados,
os novos lisboetas, convivem com uma realidade hostil, que se materializa no desconhecimento do
idioma falado, nas fraudes a que estão sujeitos e na burocracia que enfrentam no Serviço de Estrangeiros e Fronteiras.
Palavras-chave: Lisboa; Imigrantes; Discriminação; Burocracia; Esperança.
Abstract At the beginning of the new millennium Portugal has experienced a new wave of immigration that, within a decade, increased to around a million, a high percentage of which is based in the
Lisbon area. Ukrainians, Russians, Moldavians, Romanians, Chinese, Brazilians, Nigerians, Pakistanis,
Senegalese, Indians, that is to say, an endless number of individuals of many origins who are looking for
a better future in Portugal, and who have changed Lisbon from a human viewpoint.
The present communication addresses this issue through the analysis of the political based documentary, Lisboetas, by Sérgio Tréfaut. The director shows the public, not the Lisbon of the typical districts,
but a city that is dramatically changing. A city where the newly arrived, the new Lisboans, are faced
with a hostile reality, one where they don’t speak the language, one where they are subject to frauds,
or where they become acquainted with the bureaucracy of the Border and Immigration Services.
Keywords: Lisbon; Immigrants; Discrimination; Bureaucracy; Hope.
328
Ao longo dos tempos, Portugal tem assistido a fenómenos de mobilidade da população em direcções opostas. Por um lado, os emigrantes portugueses espalharam-se um pouco pelos cinco continentes, por outro, o
país abriu as suas fronteiras, apelando à entrada de imigrantes, com o intuito de ultrapassar a questão incontornável da falta de mão-de-obra, resultante do fenómeno antagónico: a diáspora portuguesa.
No início deste milénio, Portugal viu-se confrontado com uma nova vaga de imigração, que no espaço de
uma década, atingiu cerca de um milhão, concentrando-se um número expressivo na área da grande Lisboa,
segundo um estudo realizado pela investigadora Maria Lucinda Fonseca, do Centro de Estudos Geográficos
da Universidade de Lisboa, numa comunicação que proferiu no I Congresso sobre a Imigração em Portugal –
Diversidade, Cidadania e Integração:
O padrão geográfico de implantação dos imigrantes em Portugal, apresenta também uma forte polarização nas aglomerações urbanas mais importantes, com particular destaque para a Área Metropolitana
de Lisboa. Segundo o Recenseamento da População de 2001, residiam nesta região 55,5% do total de
cidadãos estrangeiros recenseados em Portugal, o que equivale a 4,7 % dos habitantes da aglomeração
urbana da Capital.1
O fluxo imigratório caracteriza-se pela grande diversidade das origens geográficas: ucranianos, russos, búlgaros, moldavos, romenos, chineses, brasileiros, nigerianos, paquistaneses, senegaleses, indianos, enfim, um
sem número de indivíduos de proveniências díspares que escolhem Portugal devido a razões de natureza
económica e têm mudado o aspecto humano da cidade de Lisboa.
É precisamente esta temática que tencionamos abordar nesta comunicação através da análise de excertos
do documentário Lisboetas, da autoria do realizador Sérgio Tréfaut. Tendo sido galardoado com o Prémio
de Melhor Filme Português no Festival IndieLisboa2 de cinema independente em 2004, Lisboetas participou
também em festivais internacionais, nomeadamente na Holanda, Brasil e Itália.
A escolha das grandes cidades como destino privilegiado dos fluxos de imigrantes, transformando-as em locais onde proliferam uma multiplicidade de raças e etnias, é uma problemática que as sociedades modernas
enfrentam e a capital do nosso país não foge a esta regra. Em Lisboetas, concentrando-se nos imigrantes de
Leste e incidindo pontualmente noutras comunidades, o documentarista dá a conhecer ao grande público,
não a Lisboa dos bairros típicos, mas uma cidade em profunda mudança em que os recém-chegados, os
novos lisboetas, convivem com uma realidade hostil, que se materializa no desconhecimento do idioma
falado, nas fraudes a que estão sujeitos e na burocracia que enfrentam no seu processo de legalização.
Com base nos registos efectuados in loco e através da sua criatividade, Sérgio Tréfaut aborda a questão da
imigração em Lisboa, utilizando para tal situações concretas que a maior parte dos imigrantes vivencia na
Grande Lisboa. A câmara acompanha esses imigrantes, sem qualquer intromissão. “O material recolhido in
loco funciona como prova, como garante da autenticidade, “há que ir aos locais, confirmar as informações,
interferir, para poder compreender.”3 Deste modo, o realizador apresenta-nos uma sucessão de quadros humanos realçando o modo de vida dos imigrantes de várias nacionalidades e as dificuldades que estes enfrentam numa metrópole desconhecida, na demanda de uma vida melhor. Embora os quadros formem um todo
homogéneo, pois clarificam os aspectos acima referidos, decidimos seleccionar os que, em nossa opinião,
melhor ilustram as dificuldades que os imigrantes enfrentam no nosso país.
1 Maria Lucinda Fonseca. Integração dos Imigrantes: Estratégias e Protagonistas. 2003 <http://www.ceg.ul.pt/mcm/ICongressoLF.
htm> Jan. 2010.
2 Festival de cinema que decorre anualmente em Lisboa, com o objectivo de promover a divulgação de obras e autores nacionais e estrangeiros ao Público, em geral, e aos profissionais do sector.
3 Manuela Penafria. O Documentarismo do Cinema.
329
Os Novos Lisboetas
A primeira situação que decidimos analisar decorre no Serviço de Estrangeiros e Fronteiras. À medida que
surgem no ecrã as imagens de uma fila à porta do referido serviço, que vai sendo organizada pelo segurança,
uma narradora em voz off faz um enquadramento da situação da emigração portuguesa no século passado e
a situação contrária, isto é o fluxo de imigrantes que procuraram o nosso país, nos últimos anos desta década:
Bom dia caros ouvintes, leitores do jornal Slovo4! Ao longo do século XX, Portugal foi uma terra de imigrantes. Quase metade da população activa partiu para trabalhar no estrangeiro, à procura de melhores
salários e de uma vida melhor.
No início do terceiro milénio, a situação mudou muito. A integração de Portugal na Comunidade Europeia
e dez anos de uma política de construção intensiva trouxeram para Portugal imigrantes de todo o mundo;
dos países da Europa de Leste, do Brasil, Índia, China, África. Todos eles vieram à procura de uma vida
nova. Muitos desses imigrantes, sobretudo, os que vieram da antiga União Soviética, são nossos ouvintes.5
Neste quadro, a câmara vagueia pela sala e apresenta-nos uma grande amálgama de pessoas de diferentes
origens. A utilização de grandes planos dos rostos dos imigrantes e dos seus documentos, revelam a tristeza,
a desolação e a inquietação que os aflige. Um ucraniano sorridente exibe alguns dentes de ouro, contudo os
olhos são os de quem se sente perdido, num país cuja língua não domina. Para além deste ucraniano, surgem
brasileiros, guineenses, aos quais faltam diversos documentos, nomeadamente, autorização de residência
do patrão e de permanência dos imigrantes e fotocópias do contrato de trabalho. No balcão de atendimento
do Serviço de Estrangeiros e Fronteiras, os rostos vão-se sucedendo, mas o olhar é sempre o mesmo perante
uma burocracia interminável e a insensibilidade de quem atende este tipo de utentes.
O mercado de trabalho clandestino existente no Campo Grande, revela-se outro quadro marcante, pois diariamente os carros dos empreiteiros funcionam como escritórios onde os imigrantes são recrutados. Perante
o caso de um africano que trabalhou doze horas e só recebeu 25 euros, enquanto a quantia acordada era de
30 euros, dois trabalhadores de Leste referem que o mesmo deveria estar contente por ter trabalho. “Será
que ele não sabe que está em Lisboa? Ainda bem que recebeu alguma coisa.”
O facto de muitos imigrantes se encontrarem ilegais no país, tornam-se presas fáceis dos construtores insensíveis. Neste quadro, um construtor português tenta aliciar alguns imigrantes a trabalharem para ele.
“Primeiro ver e depois fala. Pequena firma, fim do mês, dinheiro. Grande firma, não há patrão, tem encarregado, não há dinheiro.” Esta cena caricata revela o tipo de abordagem, tratamento e de pressão a que os
imigrantes estão sujeitos por parte dos construtores. De imediato, surge um grande plano de vários polícias
motorizados. A ligação entre estas duas cenas só é entendida pelo público quando surge a voz off do locutor
de rádio que se dirige aos leitores do jornal Luso-Romeno Diáspora:
Esta manhã em Lisboa foram presos 53 estrangeiros sem documentos. A detenção teve lugar no Campo
Grande, um mercado negro, onde todas as manhas, a partir das 5 horas, os empresários da construção
civil procuram mão-de-obra barata e disponível, sobretudo composta de imigrantes ilegais. A maioria dos
indivíduos detidos é de nacionalidade ucraniana. Mas também foram presos 7 brasileiros, 6 moldavos, 3
romenos, 2 indianos e 1 nigeriano. Neste momento, ainda é impossível saber o que vai acontecer a estes
estrangeiros.6
Num país predominantemente católico, surgem na sua capital diferentes tipos de cultos, que se encontram
estreitamente ligados à origem dos imigrantes e às suas convicções religiosas. Deste modo, o documentarista, sem entrar em grandes detalhes, apresenta-nos três tipos de crenças distintas: uma cerimónia numa
igreja ucraniana; uma sala onde a comunidade muçulmana residente nas proximidades do Martim Moniz se
encontra para orar e uma igreja Nigeriana, cujo culto é dirigido por um pastor.
4 Publicação semanal dirigida aos imigrantes de leste, com uma tiragem de 45.000 exemplares, de venda directa em Portugal, Espanha e Itália.
5 Transcrição do documentário.
330
Para além de servir de lugar de culto, a igreja ucraniana funciona como escola, onde alguns imigrantes de
Leste frequentam aulas de Língua Portuguesa, cujos conteúdos estão intimamente ligados às suas vivências
(conjugação dos verbos – trazer, poder, aldrabar, falar, vender coçar-se). Esta igreja presta apoio à comunidade possibilitando o contacto com jornais na sua língua materna, bem como a colocação de diferentes tipos
de anúncios, legislação, entre outras informações.
A comunidade muçulmana residente em Lisboa conta com uma mesquita e dispõe de várias salas de orações.
Tréfaut dá-nos a conhecer o interior de um desses espaços, frequentado por homens crentes que seguem
vários rituais e ouvem atentamente o sermão do Iman:
Meus irmãos…. Graças a Alá Todo Poderoso que nos deu a oportunidade de estar hoje nesta Mesquita
em Lisboa, Rua do Benformoso, Martim Moniz, Socorro…. Depois de 500 anos. Vamos celebrar o dia de
Jumma7… e saudar o seu Deus, Alá. Há 500 anos, rezava-se aqui neste mesmo bairro (…)8
Segundo os princípios muçulmanos, os crentes não são obrigados a fazerem as suas orações na Mesquita.
Com efeito, pode-se orar em casa, no trabalho ou em qualquer outro sítio, desde que o lugar onde se vai orar
esteja purificado. Não obstante, orar em congregação é considerada uma demonstração de unidade, de disciplina,
de solidariedade, de compreensão recíproca e, simultaneamente, fortalece os laços sociais.
Na sala de culto improvisada da Igreja Nigeriana, o pastor reflecte sobre o modo como os imigrantes são
tratados, servindo-se de uma citação da Bíblia:
He worked very hard during seven days, and then he was cheated! This is the fate of immigrants: They
work much and they end low.9
É nossa convicção que as diferentes crenças religiosas servem de elo de ligação entre pessoas de origens tão
distintas, mas que ao enfrentarem uma realidade adversa, se unem e se apoiam.
Um outro quadro impressionante apresentado neste documentário prende-se com o papel que os Médicos
do Mundo, através da sua Unidade Móvel, têm no apoio que prestam aos sem-abrigo, vítimas do desemprego provocado pela conclusão das obras do metro. Este quadro alerta para a necessidade de disponibilização
de cuidados básicos de saúde e para o consumo excessivo de álcool, por parte dos imigrantes.
Os telefonemas que os imigrantes efectuam e que os colocam em contacto com os seus familiares são uma
constante ao longo do documentário, quer seja através do telemóvel, quer através da cabine pública. “Saudade” é a palavra que se repete em todos eles. Saudades de casa, da mulher, dos filhos, dos pais, dos irmãos.
A questão financeira é outro dos temas abordados, pois é notória a necessidade que os familiares têm do
dinheiro dos imigrantes para puderem sobreviver no seu país. Outra questão pertinente abordada nestes
telefonemas prende-se talvez com a necessidade de manter laços num país hostil, induza os imigrantes a
apelarem aos familiares e amigos no sentido de virem para Portugal, mesmo que seja ilegalmente. Segundo
uma imigrante de Leste, “ Aqui em Portugal há muita coisa boa… Eu estou na praia, faz sol, o mar é óptimo.
Tenho trabalho…. Mas a escola aqui é mesmo um problema.”
Tal como os Lisboetas, estes novos Lisboetas não dispensam uma ida à praia da Costa da Caparica, no Verão.
Habituados às colónias de férias na ex-União Soviética os imigrantes de Leste tentam organizar um sistema
equivalente em Portugal. Na viagem de regresso a Lisboa, os filhos dos imigrantes apresentam-se, referem
as profissões dos pais e as suas perspectivas de futuro. Neste quadro apercebemo-nos do bom nível de esco7 Sexta-feira, ou Jumma, dia sagrado para os muçulmanos.
331
Os Novos Lisboetas
laridade dos pais e das profissões que tinham no seu país de origem.
Um outro quadro notável prende-se com o relato que um imigrante faz da sua experiencia pessoal. As razões
da sua vinda deveram-se ao facto de Portugal estar associado a riqueza e a uma certa estabilidade, expectativas goradas após o contacto com a realidade que se vive no nosso país:
Porque vivemos muito tempo isolados atrás do muro. Só visitavam os países do bloco soviético onde tudo
era regido segundo os mesmos moldes, pelas mesmas mãos e cabeças. Quando houve abertura. Vamos
para o estrangeiro ganhar dinheiro. Nenhum emprego compensa não estar na nossa terra. 10
Conclusão
Apesar de Portugal continuar a ser um país de emigrantes que procuram no exterior uma solução para o
desemprego, baixos salários e melhores condições de vida para as suas famílias, o fluxo imigratório a que
temos vindo a assistir desde o início da década de noventa do século XX, suplantou grandemente o processo
inverso.
Tendo gravado cerca de 60 horas, Tréfaut utilizou apenas 60 minutos para efectuar o documentário. Este processo selectivo contribuiu não só para o tratamento criativo da realidade que este quis transmitir mas, acima
de tudo, para que o espectador ao proceder ao seu visionamento desenvolva uma tomada de consciência
social para uma problemática importante da sociedade portuguesa.
Os vários quadros apresentados em Lisboetas, ao revelarem a realidade que os imigrantes enfrentam no
nosso país, funcionam como uma denúncia das más condições que Portugal oferece à diáspora de russos, africanos, chineses, indianos, entre outros. Através do documentário apercebemo-nos da burocracia a que os
imigrantes estão sujeitos, num país em que desconhecem as leis, sendo a língua um obstáculo incontornável,
bem como a dificuldade em coligir toda a documentação necessária para a efectivação do processo de legalização. Outro obstáculo que os imigrantes enfrentam prende-se com a falta de humanismo da máquina
estatal patente no serviço de estrangeiros, que não dá uma resposta imediata às suas necessidades, pois têm
de voltar com os documentos em falta para completarem o processo de legalização.
O documentarista faz uma abordagem pertinente, humana, tocante com o propósito de despertar consciências e de denunciar muitas situações ilegais a que os imigrantes estão sujeitos no nosso país, onde a inclusão
e a aceitação ainda não fazem parte da cultura de muitos portugueses. Ao insistir nos grandes planos dos
rostos dos estrangeiros, Tréfaut dá voz a uma minoria sem direitos, escandalosamente explorada, desorientada, atulhada em burocracia, com saudades de casa e da família.
Mas esta perspectiva apresentada por Tréfaut, revela-se um pouco redutora, pois ao invocar apenas as dificuldades e a discriminação a que estas comunidades estão sujeitas, não fez referência aos casos de sucesso
e de integração desses cidadãos na sociedade portuguesa, que revelaram uma grande capacidade de adaptação e de empreendorismo e que encontraram no nosso país uma alternativa de vida de modo a concretizarem os seus sonhos de uma vida melhor e mais estável. E parafraseando as palavras de um imigrante russo
que dá o seu testemunho deste documentário: “O paraíso tem de ser construído onde vivemos, onde queres viver.
Viver, tentar fazer qualquer coisa para ser feliz neste mundo, tens de o procurar onde nascemos ou onde vivemos” 11
332
Produção Científica Sobre
Roteiro (Guião) no Brasil:
A Era dos Roteiristas (guionistas)
Gláucia Davino
RESUMO Na Era dos Roteiristas é tema da segunda edição dos Seminários Histórias de Roteiristas
(2010), marco sobre o qual este artigo se desdobrará abreviada e retrospectivamente. Nossa intenção
é a de iniciar a traçar a produção científica sobre roteiro (guião) audiovisual na trajetória brasileira e
instigar o crescimento da demanda cientificamente dinâmica dialogando com o métier. Podemos apontar para o início da produção acadêmica sobre o audiovisual o momento em que os cursos de cinema
passaram a compor as Universidades e seus docentes a investigar, organizadamente e com metodologias, os aspectos e os desdobramentos do nosso cinema. Sua principal característica era ser delineada
por ideologias e políticas de produção sustentadas por motes temáticos das humanidades e do entorno político-cultural. Calcada severamente na necessidade de citação de teorias e autores, mantevese, com raras exceções, longe da posição de vanguarda ou inovação. O que chamamos de a “era dos
roteiristas” implica uma mudança nacional (e internacional) nas relações do roteiro, como pivô de um
processo, com a concepção, criação, autoria, políticas culturais, negócios e nas novas mídias. Propomos
abrir diálogo com pesquisadores, estudantes e profissionais inseridos agudamente no tema.
Palavras chave: 1. Imagens da Cultura/ Cultura das Imagens; 2. Cinema e Sociedade; 3. Roteiro (Guião);
4. Ensino e Pesquisa; Histórias de Roteiristas (guionistas); 5. Renovação Científica; 6. Produção Cientifica sobre Roteiro
ABSTRACT In the Age of the Scriptwriters (2010) is the subject of the second edition of the Scriptwriters Stories Seminaries, landmark on which this article will be unfolded shortened and retrospectively.
Our intention is to initiate to trace the scientific production on script (guião) in the Brazilian trajectory
and to instigate the growth of the scientific and dynamic demand dialoguing with métier. We can
point the beginning of the academic production on the audiovisual the moment where the cinema
undergraduate courses had started to compose the Universities and its professors to investigate, with
organized methodologies, the aspects and the unfoldings of our cinema. Its main characteristic was to
be delineated by ideologies and politics of production supported by thematic motes of the humanities
and politic-cultural surrounds with high necessity of theories and authors citation, it was remained,
with rare exceptions, far from the position of vanguard or innovation. What we call the “age of the
scriptwriters” implies a national change (and International) in the relations of the script, as pivot of a
process, with the conception, creation, authorship, politics, businesses and new media. We intend to
open dialogue with researchers, students and professionals acutely in the subject.
Key Words: 1. Images of the Culture, Culture of the Images; 2. Cinema and Society; 3. Script (Guião);
4. Education and Research; Histories of Scriptwriters (guionistas); 5. Scientific renewal; 6. Scientific
production on Script
333
Gláucia Davino
Introdução
(...) Aliás, esse é, para mim, o conceito central de nossa época: roteiro. Poucos se deram conta da clarividência de Oswald de Andrade nesse trecho do Manifesto Antropófago: “Roteiros.
Roteiros. Roteiros. Roteiros. Roteiros. Roteiros. Roteiros. Roteiros. Roteiros.” São nove vezes
a palavra roteiro. (André Vallias, poeta e produtor de mídia interativa, 2009)
“Na Era dos Roteiristas (guionistas)” é tema central do II Seminário Histórias de Roteiristas (2010), segunda
edição do evento acadêmico-profissional. Os Seminários Histórias de Roteiristas1, frutos de pesquisa inédita
sobre os roteiristas brasileiros, foram idealizados justamente para canalizar e organizar estudos e pesquisas
em que o roteiro é colocado numa posição por onde passam as mais diversas linguagens, mídias e enfoques
do cinema e audiovisual. Trata-se, portanto de um novo e original viés no âmbito das investigações acadêmicas nacional, abrindo um espaço de debate, aprendizado, análises reflexão, troca de experiências e produção
de conhecimentos., se organizam como pontos de convergência do denominado tripé da universidade na
área do audiovisual: o ensino, a pesquisa e a extensão. Os seminários (extensão) nasceram como desdobramento de nossa pesquisa original e inédita sobre roteiros e roteiristas brasileiros.
A primeira edição do seminário em 2009 resultou concretamente na publicação de livro (DAVINO e BELLICIERI, 2009) marcando a primeira etapa do investimento na organização do conhecimento sobre o tema. O Livro
reuniu, pela primeira vez, pesquisas científicas de pensadores, pesquisadores, estudantes, criadores e interessados, que tiveram a oportunidade de expor seus trabalhos, demonstrando com nitidez que a tendência
de interesses e possibilidades para pesquisa sobre o roteiro cresce e necessita deste espaço. A resultante que
se espera com os seminários é a de, na forma de Compendiu, consolidar e validar esta produção científica
que vem ocorrendo no viés de uma inquietação que transpassa o estado atual e frequente de admiração das
novas tecnologias e suas ferramentas. Para os roteiristas que trabalham com narrativas, contar uma história
está relacionado à própria existência humana, sua forma de pensar, agir e se comunicar.
Não se escreve histórias porque alguém precisa contar histórias. Escrevemos histórias porque alguém
precisa escutar essas histórias. (REIS, Juliana, 2009)
Construção de saberes, transformações tecnológicas, admiração, repulsa ou paixão por elas não são fenômenos novos (idéia sintetizada e eternizada por Kubrick nas primeiras cenas de “2001 Uma Odisséia no
Espaço”, 1968). Está claro que o novo e a velocidade em que vem ocorrendo tornaram-se fatores de furor e
instabilidade quanto ao futuro das artes e comunicações, tornando-as mais multifacetadas e desafiadoras.
Por outro lado, o novo permitiu um afastamento crítico das antigas inovações e passou a dar uma espécie
de garantia, proteção e sedimentação daquilo que se realizou (algo freqüente na história da humanidade, da
arte e tecnologia2), ou seja, o universo digital - quer na produção, na veiculação e recepção de conteúdos ajudou a estabelecer e distinguir algumas fronteiras de formatos, sintaxes e linguagens analógicos do cinema
e audiovisual (película ou eletrônico). Neste contexto, apontamos para dois desafios básicos: primeiramente
o da necessidade da convivência com as produções e conhecimentos passados, maduros e consolidados e, o
segundo, o desafio do nascimento e desenvolvimento de mãos criativas no novo ambiente a partir do legado
genético maduro e consolidado originário do cinema e das artes correlatas. Daí, a incorporação das idéias
de hibridismos, tão em voga. O estudo do roteiro com o qual se trabalha nos seminários não se limita ao
território dos filmes, portanto ele abraça os dois desafios acima expostos. O mesmo parece ocorrer com os
1 Os Seminários Histórias de Roteiristas foram concebidos e são realizados pelo Núcleo Audiovisual NAV (Diretório dos Grupos de
pesquisa do CNPq) vinculado ao Centro de Comunicação e Letras, da Universidade Presbiteriana Mackenzie
2 Por isso a presença e a citação freqüente de um ensaio dos mais originais sobre a arte no século vinte, A obra de arte na época
de sua reprodutibilidade técnica, de Walter Benjamim publicado originalmente em 1936.
334
Produção Científica Sobre Roteiro (Guião) no Brasil
escritores de cinema e audiovisual: sustentados por um saber geneticamente consumado, aceitam e estão
abertos aos novos territórios e a oferecer mutações, quer se disseminem nos ambientes, quer não.
Em 2009, marco inicial, foi o de fazer despertar para o “novo paradigma do audiovisual” ao agregar protagonistas da produção científica sobre roteiro, no Brasil. Em 2010, marcamos a consciência de um fato, de um
momento em que os roteiristas despontam em quantidade e qualidade, “a era dos roteiristas”. A continuidade desta proposta é factual na intenção de ser referência capaz de aglutinar essa rica produção científica
que floresce nos novos contextos, aproximando os produtores destes conhecimentos, em nível nacional e
internacional.
Se antes parecia não ser o momento de estudar roteiro (guião), agora o é
Se, a história da humanidade é organizada por períodos e ciclos, a abordagem histórica do cinema/audiovisual nacional em suas faces políticas, culturais, produtivas e nas suas manifestações teóricas e criativas não
fugiu deste modelo. Como Paulo Emílio Salles Gomes (MORETIN, 2006) bem enfatizou, a instabilidade do
cinema brasileiro é uma das suas características, alternando períodos de estruturação com os períodos de
degradação (diminuição e interrupção da produção). Rever fatos históricos, de um passado mais distante,
e olhar atentamente aos acontecimentos contemporâneos deste grande tecido histórico do audiovisual nas
mãos de nova sensibilidade humana, nos revela efetivos reflexos de identidades, dos locais, momentos sociais, culturais, políticos diversificados e organizados na linha do tempo. Um olhar no recente final do séc.
XX projeta a nítida imagem do audiovisual brasileiro marcado pela premência de renovação esculpida pelo
movimento simultâneo e incessante de profissionais na idealização de novas formas de revigorá-lo e perpetuá-lo. Naqueles anos, o cinema já passara dos 100 anos, o resgate das raízes da linguagem, a confirmação
das matrizes cinematográficas (narrativas ou não), a louvação das vanguardas que mudaram a forma de pensar cinema e a possibilidade de expansão audiovisual já estavam certificadas. A classe dos profissionais do
audiovisual passou a se exigir um novo posicionamento que, sem rupturas nem manifestos radicais e como
que brotado e crescido espontânea e organicamente na demanda do próprio contexto, passou a valorizar
o escritor audiovisual. Os roteiristas passaram a se ver e a serem vistos como profissionais preparados para
executar a “primeira realização” criativa - o roteiro (escrito e/ou desenhado).
O crescente prestígio do roteirista no audiovisual marca e define uma “nova era” incondicionalmente distinta
de outras no Brasil. Validar a Era dos Roteiristas é trazê-los parte integrante da História, de suas histórias e
suas estórias (como analogia a stories). É de alguma forma fazer com que assinem a punho autoral a independência das letras cinematograficamente elaboradas, sem tirar do diretor, de forma alguma, a primazia
da sua autoria audiovisual. Ao contrário, é perceber que juntos compõem uma parceria indissociável. Uma
parceria que mistura caminhos prováveis, devaneios, verossimilhanças, sintaxes, gramáticas e estruturas
traçadas em letras pelo roteirista, com a tradução do imaginário das figuras, cores, fundos, ações, cenários,
tempo e espaço corporificados pelo diretor. O ponto de chegada é uma obra audiovisual acabada, que contém o roteiro a ser vivenciado pelo espectador nas formas oculta e cristalizada.
Histórias de Roteiristas na História do Cinema Nacional, dentro ou fora?
O cinema preserva a memória e contribui para a construção da identidade dos lugares ao
mesmo tempo que as coloca no espaço global através deste meio nobre de expressão e
cultura. (RIBEIRO, J.S Sobre o tema do GT Cinema e Sociedade, 2010)
Apesar de identificarmos o crescimento da pesquisa acadêmica (nas universidades) sobre o audiovisual nacional a partir historiografia do cinema/audiovisual brasileiro, ficou evidente a exclusão da figura do roteirista
e de seu papel na expressão artística. Não por desleixo ou falta de interesse, mas devido aos contextos desta
335
Gláucia Davino
história, ou seja, das políticas de produção, das ideologias reinantes, do reflexo das influencias externas e
dos próprios autores com empenho individual ou de pequenos grupos. Os roteiristas, além dos próprios
diretores, quando muito, se configuraram como profissionais de passagem: aspirantes a diretores, atores,
produtores, músicos dos próprios filmes em que participavam. No caso da época dos chamados grandes estúdios, quando se esperaria uma hierarquização das funções, o famoso ator e diretor Anselmo Duarte3 (um
dos talentos que despontaram na Cia Vera Cruz), por exemplo: era “argumentista” e assistente de direção de
Watson Macedo segundo MELO (2004) ao levantar e discutir as tensões entre as formas de produção artística “empresarial”, “comercial” e “independente” atribuindo valores que decorreriam de uma autenticidade
genuinamente nacional. Ao mencionar a Cia Atlântida, fundada, dentre outros por Alinor de Azevedo, ele diz:
Na historiografia clássica do cinema brasileiro, o nome de Alinor Azevedo tem especial relevância: tratase de um caso único em que um argumentista e roteirista foi alçado à condição de autor. [...] No texto
“Panorama do cinema brasileiro: 1896/1966” [...] Paulo Emílio Salles Gomes compara o bom momento
vivido pelo cinema paulista no início da década de 1950 a uma “situação carioca igualmente animadora”,
[...]. Numa espécie de contração informativa, o crédito do filme é, assim, dado indistintamente ao diretor
e ao roteirista, como se ambos fossem co-diretores do filme. (grifos nossos)
Até por volta de 1986/ 87, o interesse pelo processo de roteirização se resumia a um ou mais registros
escritos, esquematizados ou desenhados contendo uma concepção do próprio diretor. Ou seja, se alguém
quisesse fazer um filme, deveria escrever um roteiro e submetê-lo a algum edital do público (e/ou Embrafilme) ou a algum patrocinador e esperar ser aprovado. Esse modelo fora herdado da fase do Cinema Novo
juntamente com a política nacional de investimento (Embrafilme) e tornou-se uma tradição – o modo de
realização no Brasil. Os cursos universitários de cinema que surgiram nesta época refletiam este modo de
pensar e fazer. As teses e dissertações com a palavra chave roteiro, defendidas na Universidade de São Paulo,
eram trabalhos criativos, ou seja, a própria roteirização de idéias, sem fundamentação teórica na dramaturgia audiovisual. Duas décadas depois vimos despontar uma nova investida em relação ao ensino de cinema
em que o roteiro passou a ter maior importância no processo criativo. Em 2006 a Escola de Comunicações e
Artes da Universidade de São Paulo estabelece e aprova nova configuração para os antigos cursos de Cinema
e o de Radio e TV, desvinculando-os da formação de Comunicação Social4. Neste momento o status do ensino de roteiro mudou, ocupando maior carga horária ao longo dos semestres e contrataram docentes com
experiência e conhecimento em roteirização. Também foi nesta instituição que surgiu o NUDRAMA, Núcleo
de Dramaturgia, o primeiro grupo de pesquisa e trabalho que reunia docentes, pesquisadores e profissionais.
Internacionalmente o exemplo de Chion e Bonitzer (1985) deixou clara a tendência da volta do estudo do
roteiro como o caminho para um cinema consistente. Eles escreveram um livro que oficializou o roteiro como
objeto de ensino, cujo conteúdo referenciou-se nos “manuais anglo-saxões”, análises fílmicas e reflexões.
Em 1983, Bénédicte Puppinck, do INA, propunha-nos contribuir para a sua pesquisa com vistas a criar um
curso de roteiro, que começou a partir de então. Nossa contribuição pessoal, graças à sua confiança, deu
origem a este livro (CHION, 1985, 01).
Cabe notar que os estudos, as pesquisas e as publicações acadêmico-científicas sobre cinema no Brasil estiveram mais atrelados às, não menos valiosas, áreas do saber humanístico, como histórica, política,
psicológica, semiótica, econômica e a outras. A dramaturgia fílmica, as articulações estéticas do filme, suas
questões intrínsecas ficaram com a menor fatia no investimento acadêmico visto o, ainda hoje, preconceituoso desprezo pelos trabalhos analíticos que não tenham referências e citações filosóficas, ideológicas, psico3 Anselmo Duarte, diretor, dentre os quais O pagador de promessas, filme premiado no festival de Cannes de 1962.
4 No Brasil, o Ministério da Educação e da Cultura, é o órgão que regulariza e especifica as diretrizes curriculares e, durante muitos anos o Cinema foi uma habilitação da Comunicação Social. Hoje, não há mais este vínculo.
336
interpretativas, ou etc. Nas áreas criativas, um posicionamento metodológico ou teórico, acaba esbarrando
em fatos que não podem ser comprovados ou reprovados.
[...] Claro que escrever ficção não é uma ciência objetiva. Nosso trabalho exige grandes doses de intuição
e de coragem para o risco. Podemos sempre errar, mas jamais acertamos sem a disposição de saltar no
vazio sem rede de segurança. [...] Para que ninguém pense que sou um defensor dos processos criativos
irracionais e que buscam a ruptura de maneira desinformada, aqui vai um conselho: é preciso estudar os
roteiros dos filmes que funcionam e entender por que eles funcionam. Compreender como os mestres
da narrativa dão forma às histórias que contam é a melhor maneira de educar a intuição e tirar dela o
máximo proveito para se chegar ao “coração” da história. Como disse o poeta Augusto de Campos (no
documentário “Poema: Cidade”, de Tata Amaral e Francisco César Filho), “é uma questão de forma, mas é
também uma questão de alma”. . (MANTOVANI, Bráulio, 2008)5
O mercado editorial certamente constituiu outro parâmetro para refletirmos as potencialidades sobre um
público interessado pelo “novo assunto”, o roteiro como foco central do tema cinema, televisão e novas
mídias. Em 1983, foi publicado o livro-manual de Doc Comparato, empreendimento inédito. Dois anos depois, foi a de Marcos Rey (1985) e os dois tornaram-se referências únicas escritos por brasileiros. Ambos os
autores eram mais conhecidos pelas suas obras de teledramaturgia (mídia de massa). Outros títulos viriam
a ser traduzidos para o português, ao longo dos últimos anos e ficamos conhecendo as obras dos autores
europeus Michel Chion (1989), Jean-Claude Carriérre e Pascal Bonitzer (1996), do escritor Gabriel Garcia
Marquez (2001), dos americanos Robert Mc Kee (2007) e Syd Field (1995, 1996 e 1997), etc. O mercado editorial também abriu espaço para outros autores brasileiros que procuraram atender essa demanda e hoje
já contamos com mais títulos, incluindo o recente “Manuel” de Newton Canitto e Leandro Saraiva (2010),
roteiristas brasileiros e outras traduções.
Um índice do primeiro passo
A valorização e investimento na produção de conhecimento sobre o roteiro foi, até certo momento, nula.
Sem julgar o mérito, a questão é que o empenho científico na área do cinema e audiovisual tem se centrado
em revisões e resgates de produções intelectuais nacionais e internacionais para analisar e refletir eventos
históricos vinculados, em geral, a outras áreas humanísticas do saber. As questões propriamente intrínsecas
do audiovisual não compreende a maioria dos artigos publicados. O baixo investimento em laboratórios experimentais ou projetos mais ousados onde se produzam pesquisas experimentais que resultem em confirmações ou em negações de propostas é outro fator que esclarece o contexto da produção científica da área6.
A classe de pesquisadores, salvo alguns exemplos mais ousados, mantém-se na garantia de trabalhar com
a segurança de investigação ensaística ou realizando uma revisão sob outra angulação, com apoio incondicional de citações teóricas. O roteiro de cinema/audiovisual, apesar da mudança paradigmática de sua importância na produção nacional, ainda tem sido tema menos aceito no espectro das produções acadêmicas.
Sem deixar de valorizar a importância desta produção humanista, alguns pensadores do métier já passaram
pela tentativa de evidenciarem suas investigações, anacronicamente, até que os próprios fatos revelem a
nova visão.
A trajetória do ensino de cinema e de televisão no Brasil nos ajuda a compreender e a reiterar o pensamento
e as ideologias implícitas no fazer cinema e audiovisual (Cf. DAVINO, G, 2010). Um cinema essencialmente
5 Bráulio Mantovani foi roteiristas de filmes como Cidade de Deus, Tropa de Elite 1 e 2 e teve seu roteiro indicado ao Oscar, em
2004.
6 Conferir as publicações nacionais em congressos e similares (exemplos: Intercom, Socine) e projetos aprovados nas agências
de fomento nos últimos dez anos (exemplos: CNPq; FAPESP).
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Gláucia Davino
autoral, centrado na direção, que mesmo na tentativa de industrialização, deixou a figura do roteirista se
mesclar ou se apagar.
A participação e a publicação de artigos no primeiro Seminário tornam-se, simultaneamente, testemunho e
índice de que esta produção existe. Portanto, selecionamos alguns segmentos da introdução do livro (DAVINO e BELLICIERI, 2009) para se compreender os resultados do investimento na realização do I Seminário
Historias de Roteiristas, em 2009, e desvendar o leque e a riqueza do primeiro passo desta nossa empreita
na produção científica sobre roteiro, no Brasil
O primeiro Seminário criou, em tempo oportuno, um espaço necessário à troca, à discussão de informações
entre o meio acadêmico de ensino, de pesquisa e o profissional; reunindo e organizando tópicos relativos
a questões diversas que envolvem o ofício de um roteirista (criação, mercado, crítica e política) e a arte de
escrever para cinema e audiovisual; expandindo as possibilidades para reflexão, e gerando conhecimento a
todas as comunidades interessadas.
As doze sessões do livro estão organizadas de acordo com as Mesas Temáticas do I Seminário. Os trabalhos não se subdividem em categorias hierárquicas quanto à formação e titulação (docentes, profissionais,
alunos, etc.) de seus autores. O enfoque (ou subtema) é o que efetivamente orientou o agrupamento dos
artigos nas sessões.
O processo de seleção para a formação das mesas temáticas contou com o sistema de avaliação cega dos
Resumos, ou seja, sem identificação do autor, com a participação de, pelo menos dois avaliadores do comitê
técnico científico, composto por membros de universidades brasileiras e estrangeiras.
Com o intuito de aproximar o Comitê Científico dos pesquisadores que submeteram trabalhos, foi reservada
uma sessão especial, diferenciada das outras doze sessões por ser constituída pela colaboração de dezoito
autores dos membros do comitê, com enfoques diversificados.
Para ilustrar a pesquisa geradora do evento, há uma sessão de Imagens e Sons, composta por dois videoclipes
apresentados no primeiro dia do Seminário: o clipe sobre o projeto de Pesquisa Histórias de Roteiristas (NAV)
e um videoclipe do o programa Nos Otros lançado no Seminário, oriundo de outra pesquisa dentro do NAV.
Na sessão Sobre Roteiristas estão quatro artigos que colocam o profissional roteirista no centro das questões
abordadas. O texto de Ariane Cole relaciona a experiência prática da produção de um documentário sobre o
roteirista e dramaturgo Rubens Rewald a uma base metodológica para a produção de documentários. Cintia
Moraes faz uma reflexão sobre o lugar autoral do roteirista na cinematografia nacional. Juliana P Bragança
utiliza a experiência da roteirista Carolina Kotscho para discutir a questão do peso da técnica na concepção
de a um roteiro. Sara Rissato utiliza a obra da roteirista Adriana Falcão para relacionar roteiros fílmicos a
sonhos.
Na sessão Manuais e Ensino estão quatro artigos que trazem reflexões sobre o ensino e aprendizagem, tanto
em ambientes de ensino, como através de manuais. Antonio Paiva Filho discute o papel dos Manuais no
aprendizado de roteiro no Brasil, revisto sob a óptica analítica das principais publicações nacionais. Paulo
César Telles e Marciel Consani apresentam aspectos formais que o aluno deve aprender e as diferentes
experiências dos autores junto aos alunos de comunicação social Romeu di Sessa desvela a estrutura narrativa, compartilhando e valorizando o que Syd Field organizou e trouxe para os seus ensinamentos e manuais.
Diferentemente do uso de manuais no autodidatismo, o artigo de Roney Freitas repensa a criação do roteiro
sob a revelação e discussão do mito em autores como Campbell e Vogler, tendo como mote a inevitável ligação entre mito, cinema e estrutura narrativa.
338
A sessão TV e Vídeo conta com cinco artigos, que tratam dos gêneros ou das implicações sobre os formatos
da mídia e as tecnologias na televisão e/ou no vídeo. A televisão é um formato fragmentado e nele se encaixa uma diversidade de programas, gêneros e formatos. O artigo de Edson Capoano relata a experiência
da construção do audiovisual jornalístico a partir da roteirização de uma cadeia de informações oriundas de
países diversos da América Latina. O advento da TV Digital, dentro de uma realidade onde a internet é utilizada cotidianamente, acabou lançando o desafio aos produtores de conteúdo televisivo e o artigo de Edvaldo
Souza traz a tona o desafio através da análise de processos midiáticos. Outra abordagem trazida para esta
sessão por Fabrício Barbosa Cassiano é a polêmica da adaptação de obras literárias para a televisão diante
da TV Digital, visto que este recurso de criação tem sido fonte de programas teledramatúrgicos. Dois artigos
trazem estudos de caso referentes à teledramaturgia das mini séries, nos quais coincidentemente o nome
do autor Luiz Fernando Carvalho é outro ponto de intercessão entre eles. O artigo de Fernanda Areias recai
sobre a teatralidade, oriunda da farsa medieval e o cinema de autor, na teledramaturgia de A Pedra do Reino
(Rede Globo, 2007), dirigido por Luiz Fernando Carvalho. No outro estudo de caso, Mayara Maluceli traz uma
análise do primeiro episódio da série Hoje é Dia de Maria (Globo, 2005), roteirizada por Luís Alberto de Abreu
e Luiz Fernando Carvalho, com o objetivo de abordar o tema “o sertão como purgatório” em Hoje é dia de
Maria, a partir da análise de roteiro com uso das ferramentas propostas por David Howard (1996).
Na Sessão Animação e HQ, com quatro artigos, há trabalhos com os seguintes enfoques: o histórico, traçando
a trajetória da roteirização em HQ, por Alberto Pessoa; o analítico, sobre os elementos comunicativos da
caracterização visual das personagens em curtas metragens de animação brasileiros com base na semiologia,
por Daniel Pinna; o comparativo, da diferenciação entre os roteiros para filmes live action e para animação,
no texto de Diego Estrella e Leonardo Francisco; e o prático, no relato de experiência de produção e difusão
de animação 3D, de Frederico Carvalho Junqueira.
Os três artigos da sessão Novas Mídias e Tecnologias caracterizam-se pela diversidade temática, metodológica e de enfoque. Flávio de Albuquerque apresenta uma animação digital através de fotografias utilizando o
efeito morph e traz à discussão como os processos dos programas digitais (workflow) induzem a determinado tipo de roteiro de criação. Por outro lado, há os games, trabalhados no artigo de Gilson Schwatrz, que
relaciona seus processos criativos ao cinema. Izabel Maister aborda uma questão contemporânea, em aberto
e polêmica, a da co-autoria aberta e livre.
Texto Fílmico, com cinco artigos, é uma sessão que agrupa as abordagens textuais, estruturais e das formas
de expressão em qualquer linguagem. A riqueza do tema diante do amplo leque do audiovisual traz, ao
mesmo tempo, enfoques e objetos variados. O artigo de Célio Antonio Ceccare encontra como novo paradigma a estrutura serial, na construção das personagens e autoria no programa Família Soprano. Com base
na fenomenologia de Gaston Bachelard, outro artigo desta sessão, escrito por Fernanda Ikedo, trata da reflexão sobre a relação do autor com o próprio fazer cinematográfico. O texto de Lenize Villaça Cardoso traz
um estudo sobre modelos de roteiro em rádio, uma especificidade sonora que prescinde de roteirização.
Outra exploração do texto fílmico ocorre na análise de versões textuais do filme Central do Brasil, por Luis
Carlos Martins. Nesta sessão há ainda o artigo de Josenilde Souza, sobre roteirização como processo criativo,
relacionado ao processo criativo da moda.
A Sessão Documentário, composta por quatro artigos, agrupa um eixo temático polêmico nos meios audiovisuais, pois o documentário como gênero é muito diversificado em sua concepção e produção. Nesses
artigos encontraremos a questão da necessidade ou não de se escrever roteiro, por Alfredo D’almeida; as
representações no documentário participativo, no texto de Irislaine Mendes e Lêda Tenório Motta; a defesa
do docudrama como um dos parâmetros criativos, por Luciano Ramos; e a abordagem sobre o processo de
concepção das idéias, da produção do documentário e as construções discursivas oriundas deste processo,
por Sergio Puccini.
339
Gláucia Davino
A Sessão Imagem traz dois artigos muito distintos relacionados ao roteiro na peculiaridade do enfoque. Angélica Panarelli faz referências ao incentivo da leitura mediante a utilização da imagens para se contar uma
história. Ricardo Botini parte de sua experiência prática para ilustrar a concepção de um roteiro construído
através de imagens, em um processo de camadas criativas.
Na Sessão Áudio e Educação estão agrupados dois sub-temas. No sub-tema Educação, o artigo de Maria Rebeca Ramirez, assim como no de Maciel Consani, refletem a educação com vistas para a atualidade, considerando as percepções e recursos das novas mídias. No sub-tema Àudio, o artigo de Marcelo Muller delineia
as diferentes maneiras como são descritos os elementos que compõe a banda sonora dos filmes a partir de
uma seleção de roteiros brasileiros
Na Sessão Personagens conta com quatro artigos. Como agente de ação das narrativas, a personagem é abordada em diversos estudos. Num trabalho experimental, as autoras Cristina Faga e Fernanda Nardy Bellicieri
interam o trabalho autoral do fotógrafo com o trabalho do ator no roteiro do ensaio fotográfico. Marlene
Fortuna traz um extensivo estudo sobre a Construção Textual da Fala para a representação do ator. Mauro
Araújo apresenta um estudo comparativo sobre o heroísmo da famosa personagem Macunaíma, criada por
Mário de Andrade, entre a literatura e o filme de Joaquim Pedro de Andrade. Outro personagem consagrado,
não pela literatura, mas pelo cinema é abordado por Odair Moreira faz um estudo semiótico sobre a relação
da desconstrução do personagem com a desconstrução formal da narrativa no Bandido da Luz Vermelha.
Os autores que contribuíram com a Sessão Adaptação apresentam as seguintes abordagens sobre o tema: O
enunciado verbal do roteiro segundo a Semiótica Discursiva no filme Adaptação (2002) de Charlie Kaufman,por
Adalberto Bastos Neto; Uma pesquisa sobre o processo de criação do filme O Invasor (2001) de Beto Brant,
da adaptação para roteiro até o filme pronto, por Alessandra Brum; Uma discussão sobre a adaptação como
uma tradução intersemiótica a partir de Umberto Eco, no texto de Anderson Alexandre da Silva; Dom Casmurro, obra machadiana, reaparece nesta análise de César A Zamberlan que busca as modificações apropriadas pelo roteiro do filme Capitu (Paulo Cezar Saraceni, 1986) escrito por Lygia Fagundes Telles e Paulo Emílio
Salles Gomes, sob a óptica de Roberto Schwarz e John Gledson; A fim de sublinhar nuances e implicações
dramáticas e éticas nos contemporâneos Um Homem de Família (The Family Man, Brett Ratner, EUA, 2000) e
Click (Click, Frank Coraci, EUA, 2006), Maurício Caleiro apresenta a análise do complexo recurso da narrativa
paralela que o cineasta Frank Capra utilizou no filme A Felicidade Não se Compra (It’s a Wonderful Life, EUA),
em 1946, relacionando os três filmes; Os autores Michel Silva e Mariana Rosa abordaram analiticamente a
comparação do primeiro livro e do filme equivalente do famoso bruxo, o personagem Harry Potter, a partir
da estrutura da narrativa fantástica.
Sobre a relação do Roteiro com o Mercado de Trabalho foram apresentados três artigos e cada um contribuiu
com aspectos distintos dentre tantas questões mercadológicas que o audiovisual sempre precisou refletir.
Luiza Lusvarghi, traz à tona a legislação dos direitos autorais, até então embasada na política de autor, e a
necessidade de transformá-la em favor da autoria como reflexo de uma nova realidade e da presença do
roteirista. Outra questão, por Marcelo Marchi a partir da utilização das metodologias de análise que consideram as condições e implicações do momento histórico, de realização, distribuição e exibição (mercado) e
de como isso é direcionado ao público, dos teóricos de Vanoye e Felici, Marcelo identificou as ideologias e as
conexões implícitas de três filmes com o momento social da Guerra Fria. De forma contundente, o artigo de
Roberto Moreira analisa e propõe uma estratégia de sobrevivência do mercado de filmes nacionais, considerando a experiência da criação dos filmes blockbuster nos anos 70, nos Estados Unidos. É com esta proposição que o Roberto coloca o roteirista num ponto chave, em que ele deverá dominar o apelo transmídia, os
gêneros, os formatos consagrados pelo público e o trabalho de criação colaborativo.
340
Com o respeito pela diversidade de saberes, opiniões e níveis de conhecimento, cabe ressaltar que o conteúdo dos artigos, seus dados, informações e opiniões são de responsabilidade exclusiva de seus autores,
portanto não representam a opinião dos Editores, do Conselho Editorial nem dos Coordenadores e organizadores do evento.
Estamos escrevendo esta história, quem permanecer “antenado” verá
A era dos roteiristas implica numa mudança nacional (e internacional) na relação da concepção, criação e
autoria. Pretendemos aqui abrir um diálogo com pesquisadores, estudantes e profissionais que se inserem
agudamente em temas do espectro do roteiro no cinema/audiovisual, assim como com aqueles que os orbitam, trazendo consigo excelentes contribuições.
Tomamos emprestado o dom dos escritores de profetizar histórias que serão testemunhadas pelo olhar do
público para vislumbrar o futuro afirmando que se fará confirmada cada vez mais a necessidade deste personagem criativo, o roteirista ou escritor audiovisual, como o queiram chamar. Por isso, com os devidos e
mais que merecidos créditos, eles são os protagonistas de nossa trilogia, os Seminários Histórias de Roteirista.
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WRITER´S GUILD OF AMERICA, site: www.wga.org (acesso, jan2010)
Entrevistas Gravadas
ANZUATEGUI. Sabina. Entrevista gravada em 2008 – material gravado em DV.
BERNADETT, Jean Claude. Entrevista gravada em 2008 – material gravado em DV.
DI SESSA, Romeu. Entrevista gravada em 2009 – material gravado em DV.
DIMORETTI. Entrevista gravada em 2008 – material gravado em DV.
KOTSCHO, Carolina. Entrevista gravada em 2009 – material gravado em DV.
MANTOVANI, Bráulio. Entrevista gravada em 2009 – material gravado em DV.
REIS, Juliana. Entrevista gravada em 2009 – material gravado em DV.
REWALD, Rubens. Entrevista gravada em 2006 – material gravado em DV.
342
ANTROPOLOGIA VISUAL
E HIPERMÉDIA
Rafael Devos, BIEV, Universidade Federal do Rio Grande do Sul, Brasil
Jacques Ibanez-Bueno, Universidade de Savoie, França
Ricardo Campos, CEMRI, Universidade Aberta, Portugal
344
A Produção Partilhada do
Conhecimento: Universidade
& Comunidade
Sérgio Bairon
Resumo A comunicação objetiva analisar o encontro Universidade – Comunidade, por meio da exposição de duas investigações, que estão sendo desenvolvidas no âmbito da Pós-graduação em Ciências da Comunicação da Escola de Comunicação e Artes da Universidade de São Paulo. As pesquisas
são Interculturalidade Afro-atlântica em parceria com a Universidade Aberta e Auto-representação
Bororó em parceria com o

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