reflexões sobre a vida e obra de giotto no contexto do renascimento.

Modalidade: Comunicação Oral, apresentação de slide ou pôster GT: Artes Visuais
Eixo Temático: Artes Visuais
REFLEXÕES SOBRE A VIDA E OBRA DE GIOTTO NO CONTEXTO DO
RENASCIMENTO.
Andréa Varassin Caldas (Uepg, Pr, Brasil)
Ana Luiza Rushell Nunes (Uepg, Pr, Brasil)
RESUMO :
Ambrogiotto di Bondone, ou Giotto, foi um grande pintor e arquiteto florentino de difícil inclusão em
um período artístico específico, pois que viveu em uma época em que se vislumbravam mudanças
no seio da Arte, com o final do Período Gótico e início de uma nova fase, que mais tarde recebeu
o nome de Renascimento. Pela sua obra inovadora pode-se dizer que é um pré-renascentista
tendo direcionado toda pintura ocidental para o novo período que se avizinhava.
Palavras-chave: Giotto; Renascimento; Afrescos
REFLECTIONS ON THE LIFE AND WORK OF GIOTTO IN THE CONTEXT OF THE
RENAISSANCE
ABSTRACT:
Ambrogiotto di Bondone, or Giotto, was a great painter and Florentine architect of true importance.
He lived and thrived as an artist at the conclusion of the Gothic Period. Moreover, because of his
innovational artwork, we could say that his progressive work easily transitioned from the Gothic
period into the proceeding movement of art and culture called, “The Renaissance.”
Key-words: Giotto; Renaissance; Frescos
1. Introdução
A escolha do tema da presente pesquisa esta relacionada a importância do pintor
florentino Giotto para a história da arte e da pintura ocidental.
Com suas características inovadoras e reformadoras na pintura faz nos séculos XIII
e XIV de sua arte uma pioneira. Sinaliza prematuramente as mudanças que estarão por
vir e que alcançarão seu apogeu no Renascimento.
Mestre do desenho evidencia o homem, suas emoções e seus sentimentos
retratando-o com grande expressividade. Giotto rompe com os preceitos da arte bizantina
e românica e busca mais realismo e expressividade do que a arte gótica transmitia.
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Consegue com sua arte desenvolver uma nova linguagem. O movimento aparece
em suas obras diferenciando-as e destacando-as das pinturas até então. Cria com suas
figuras uma solidez escultórica. É mestre na utilização da cor. Suas obras, quer como
suporte, quer como modelo, serviram de base para o Renascimento.
O objetivo deste estudo é aprofundar conhecimentos acerca de uma época muito
conturbada para história da arte, bem como conhecer mais a respeito do pintor florentino
Giotto di Bondone, sua vida e sua arte. Entender a importância das mudanças e das
inovações provocadas por ele para o Renascimento e sua influência e reflexo para a arte
nos dias de hoje.
2. Desenvolvimento
2.1 Referencial Teórico
2.1.1 Contexto Histórico da Arte através dos tempos
Embora não seja o momento histórico o fator determinante e exclusivo tanto a arte
quanto a cultura de um povo são manifestações de expressão e sensibilidade de uma
realidade ou de uma época.
Assim, no decorrer de nossa civilização, com o declínio do mundo greco-romano, a
arte tomou novas direções. A supervalorização do homem, que tinha como base a razão
humana, cedem dando lugar a uma arte suprema psíquica e espiritual que exige a grande
religião – o Cristianismo.
Segundo Schaeffer (1945), pouca possibilidade havia para a arte cristã primitiva,
tanto pelas perseguições pelo governo da época, quanto pelos lugares secretos em que
se encontravam – as catacumbas. Mais tarde com o reconhecimento da religião cristã, os
antigos templos pagãos, como também os edifícios públicos, passam a ser utilizados
como lugar de culto. A esses edifícios conhecidos como basílicas somam-se a construção
de muitos outros, que são construídas com o objetivo de propagar a fé cristã e demonstrar
o poder da Igreja. Embora simples, essas grandiosas construções, negligenciadas quanto
ao seu aspecto exterior, eram ornadas visando à sua funcionalidade, principalmente tendo
em vista a crescente popularidade da nova religião.
Com a transferência da sede do governo romano para Bisâncio, cidade que teve
seu nome mudado para Constantinopla, a nova capital encarnava a nova base do Estado
Romano. Em Constantinopla, tudo era majestoso, a mistura, encarnada em um só lugar
de culturas européias e asiáticas, as influência egípcia, grega e romana conformava
àquela arte características especiais evidenciando a opulência, a aristocracia, o solene, o
esplendor e o luxo de uma arte essencialmente religiosa, onde a larga utilização do
mosaico, sempre com muito dourado, elevava o homem da época à calma e enaltecia o
poder divino. Enquanto em Roma o Império Romano do Ocidente desmantelava-se face
às seguidas invasões bárbaras, Constantinopla manteve-se firme até sua tomada pelos
turcos em 1453 (SCHAEFFER, 1945).
Ao final do primeiro milênio, a Igreja Católica, já bem sedimentada em solo italiano,
começa a receber artistas bizantinos para decorar as igrejas. No entanto, Schaffer (1945),
coloca que o estilo rígido destes artistas não se adaptou à península, que clamava por
uma arte de bondade e de amor divino. A esse amálgama conformou-se o Império
Romano do Ocidente, suas influências romanas, gregas, etruscas e as tradições
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bárbaras, somando-se a um forte espírito de regionalismo criado e alimentado pela
instabilidade política. Desta forma se forjou a arte da época.
Assim, como nos coloca Osinski (2002, p.18),
Com a queda do Império Romano e conseqüentemente a desestruturação
das cidades ocorreu a concentração da vida no campo, o que não
favoreceu o desenvolvimento da arte. A identificação da arte clássica com
o paganismo contrariava os princípios religiosos dos cristãos. A produção
artística sofreu queda brusca de qualidade e quantidade, situação que
acabou durando alguns séculos.
Adentramos na Idade Média com o predomínio absoluto da Igreja onde as ordens
religiosas e monásticas detinham o domínio do saber, bem como das artes. Eram os
mosteiros nesta época, os verdadeiros centros irradiadores de produções artísticas e
literárias, servidos que eram de bibliotecas e oficinas, trabalhando com a produção de
iluminuras e a copiagem de textos. De qualquer modo o homem artista nada mais era do
que um ser, embora habilidoso, anônimo (OSINSKI, 2002).
Conforme Proença (1997), nos séculos XI e XII, o estilo românico predominou
especialmente a França e Itália onde surgem as ¨fortalezas de Deus¨ de estilo austero e
pesado.
No final do século XII, o gótico aparece na França, evidenciando as formas
ideais e artísticas da Idade Média, porém e só a partir de 1300 que se disseminará por
toda Europa, firmando-se como o apogeu da arte medieval.
Para Vincent (1968, p.125),
O gótico foi um amálgama das melhores tradições artísticas formando e
modificando a arte medieval, o clássico, o oriental e os elementos bárbaros
nativos. Sua maneira de ser era mais tranquila e intelectual que a dos
primeiros estilos da Idade Média. Tinha em si, preservados as heranças do
passado, associada às novas ideias, tudo num conjunto emoldurado pela
crença cristã.
Desta maneira chegamos ao final de 1300, em que muitas mudanças avizinham-se
em uma Europa fustigada por invasões e guerras afetando bruscamente o homem em sua
maneira de ser e agir.
O crescimento e enriquecimento das cidades, apoiados em um renascimento
comercial, bem como o surgimento e o fortalecimento de uma nova classe média – a
burguesia – buscam a arte e o artista, que agora sai do anonimato.
As
profundas
transformações que começam a germinar em todo mundo ocidental, as grandes
navegações, a reforma religiosa, o absolutismo político já em fase de formação, o
mercantilismo etc., a todos esses fatores somados à valorização do homem que busca na
ciência a explicação de suas dúvidas, ao respeito ao humano e ao natural em oposição ao
divino e ao sobrenatural do mundo medieval. O homem busca agora se libertar da cultura
eminentemente religiosa e teocêntrica do mundo medieval, o homem otimista e
individualista que procura a sua felicidade, a este homem e a estas buscas devem-se as
mudanças da época, das quais se podem afirmar ser o ideal de humanismo, o elemento
central de toda essa transformação (BATTISTONI, 2011).
Todas estas mudanças levaram o homem da época a um renascer, e a esta
denominação ¨Renascimento¨, que em sentido amplo foi impulsionada pelo humanismo.
Calcou-se também, embora mais restritamente, em um ressurgimento do entusiasmo
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pelas obras clássicas, baseado nos ideais de beleza gregos e romanos (PROENÇA,
1997).
Com as concepções feudais afetadas pelas profundas modificações no modo de
viver da população, no final da Idade Média, causadas em grande parte pelo aviltamento
do comércio, estradas por vias terrestres e o comércio marítimo, apressou-se
sobremaneira o crescimento das cidades, fazendo emergir destas uma sociedade nova,
sociedade esta agora comprometida com um mundo capitalista. Nesta atmosfera
efervescente, também as artes sofrerão as influências dos novos tempos, e da nova
postura do homem (HAUSER, 1975).
Para Ribeiro (1972), o conhecimento das ideias de Platão e Aristóteles, o
ressurgimento dos ideais clássicos de beleza, o intensivo comércio com as cidades do
norte da Europa, o crescimento das cidades italianas, que cada vez mais se transformam
em grandes centros comerciais e bancários, tudo somado ao ressurgimento vernacular
encabeçado por Dante e a inspiração dos ideais de São Francisco fazem da Itália um
centro embrionário de uma nova concepção e deste um período especial.
Da segunda metade do século XIII em diante surgem, nesta Itália, revolta por
modificações, pintores que iriam dar início a uma nova concepção artística. Essas
mudanças ocorrem em princípio de maneira lenta e gradual e são encabeçadas por
Cimabue, pintor florentino, seguido por Duccio, natural da cidade de Siena e mais tarde
por Giotto, também natural de Florença, onde alcançará maior peso e dimensão.
Foi sem dúvida Cimabue (Cenni di Pepo -1240-1302) que deu um novo
encaminhamento a arte. Considerado por Vasari (2011), como um raio de luz nas trevas
do estilo bizantino, tornando-se notório e célebre em sua época.
Cimabue foi o primeiro a se desvencilhar da tradicional maneira bizantina, embora
ainda sofresse sua influência, evocava em suas imagens um grande poder
expressivo,afastava-se das formas hieráticas para se chegar a uma concepção humana
das personagens. Inicia estudos de claro e escuro e de panejamento. E embora Ghiberti,
(escultor,ourives,projetista e escritor florentino) visse nele grande influência grega, para
Vasari (2011), ele era o antibizantino. Cimabue foi, em sua época, o maior pintor de
retábulo de madeira. As suas imagens sacras, como nos revela Prette (2008,p.220) “ De
grande poder expressivo, sofrem influência bizantina, como nos revelam os panejamentos
e as figuras. As linhas predominam sobre a forma plástica, e as iluminações douradas
fazem lembrar o esplendor do mosaico”.
Outro grande pintor desta época é o sienês Duccio di Buoninsegna, muito atuante
em sua cidade natal Siena, embora ainda impregnado pela tradição bizantina, evoluiu
para uma nova sensibilidade do espírito gótico, elegante e naturalista. (VINCENT, 1968)
Ainda para Prette ( 2008,p.220),
Duccio di Buoninsegna, que viveu entre os séculos XII e XIII e foi atuante
em Siena, ultrapassa em parte os modelos bizantinos, confiando às cores
requintadas e às figuras mais naturais o encanto dos seus grandes painéis
de madeira com madonas e santos.
Nos séculos XIII e XIV, a cidade de Siena competia com Florença no esplendor de
suas artes. Assim como Giotto um pouco mais tarde revolucionará a arte florentina,
Duccio e seus discípulos fizeram significativas mudanças de estilo. Sua influência foi
ainda maior que a de Cimabue. As figuras de Duccio parecem possuir volume e suas
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vestes repousam em linhas fluídas e sinuosas, que
subjacentes. (BECKETT, 1997).
também descrevem as formas
Para Beckett (1997, p.46):
Se Duccio reinterpretou a arte bizantina, então seu grande contemporâneo
florentino, Giotto ( Giotto di Bondone – 1267- 1337 ), a transformou. O
revolucionário tratamento que dava à forma
e o modo com que
representava realisticamente o espaço ¨arquitetônico¨ (de maneira que as
dimensões das figuras eram proporcionais às das construções e paisagens
circundantes) assinalaram um grande passo adiante na história da pintura.
Embora exista uma certa dificuldade entre os historiadores da arte em classificar
Giotto em um determinado período é opinião generalizada que a pintura gótica atingiu seu
ponto culminante com ele.
Giotto foi um pintor a frente de seu tempo e embora cronologicamente se enquadre
dentro do período gótico, ele abarca as duas épocas com uma graça nunca antes
imaginada. Ao estilo congelado da arte bizantina, o pintor conferiu formas mais suaves e
mais vivas. O pintor florentino tinha especial predileção pela técnica do afresco, um
método de pintura mural que consiste na aplicação de pigmentos puros misturados com
água sob uma base de gesso ou de cal ainda úmida, deste modo as cores penetram
nesse revestimento tornando-se parte integral da parede. Os afrescos de Giotto foram os
primeiros realizados desde o período romano, a sugerir peso e curvas às figuras humanas
(CHILVERS, 1996).
Neste processo de libertação da pintura iniciado por Cimabue, Giotto abandonando
as convenções rígidas e humanizando as figuras sacras, introduz a perspectiva e a
tridimensionalidade em cenas narrativas de efeito dramático e muitas vezes grandioso.
Conforme nos coloca Prette ( 2008,p.221),
Giotto di Bondone é considerado o invador da pintura italiana e o precursor
do Renascimento florentino. Abandonando totalmente o modelo bizantino,
ele encara a realidade, vê o real, observa o espaço, o movimento dos
corpos e o seu relevo plástico. Giotto usa esses dados da percepção para
criar a sua própria linguagem expressiva; uma nova maneira de comunicar
o senso do sagrado e o conteúdo dos valores cristãos aos seus
contemporâneos. Apesar das figuras de Giotto não serem naturais, mais
uma transformação de figuras verdadeiras, elas revelam o quão fortemente
o artista sentiu a humanidade de seus personagens. A Virgem, Cristo, os
apóstolos foram transferidos dos fundos dourados bizantinos para a
realidade da Idade Média comunal.
Assim, a partir de uma observação mais naturalista do mundo, o artista
desenvolveu uma nova arte em oposição ao convencionalismo reinante até então. Giotto
sempre se firmará pela sua elegância, delicadeza e monumentalidade. Os italianos
estavam convencidos que uma época inteiramente nova na arte fora inaugurada com o
aparecimento desse grande pintor.(GOMBRICH,1999). Ainda em Gombrich, (1999, p.201)
¨Nada que se parecesse com isso tinha sido feito em mil anos. Giotto redescobriu a arte
de criar a ilusão de profundidade numa superfície plana.”
Retrata em suas obras com ímpar maestria emoções reais como reverência,
tristeza, suspeição, ódio e ciúme, de forma nunca antes retratada, criando uma sensação
de compaixão que ajuda a envolver o espectador no desenrolar do drama mostrado.
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Assim, rompendo com o estilo convencional e estático da Arte Bizantina e Românica,
busca mais realismo e expressividade que a Arte Gótica transmitia (HODGE, 2009).
Giotto tanto quanto os ideais do renascimento, que se aproxima – tinha no homem
a figura central da composição. Surge a paisagem como fundo (início tímido da
perspectiva) e como parte integrante da obra. Do ponto de vista composicional, Giotto
concebe as figuras como colocadas em uma espécie de palco, onde os vários planos tem
a finalidade de isolar o espaço supérfluo por trás dos atores. Isso por si só já representa
uma significativa diferença em relação ao fundo dourado, cenário normal das
composições bizantinas. Nos trabalhos de Giotto os planos secundários são importantes
por que participam e se integram ao drama que se desenrola à sua frente. Segundo
Hodge (2009, p.10.) “mãos protestam e se agitam e figuras se curvam e se inclinam com
uma sensação acreditável de espaço, peso e distância.”
Como grande artista Giotto também é mestre na utilização da cor, pois mostra uma
sensibilidade real na sua utilização, particularmente a forma como interage com a luz,
recurso que mais tarde será muito utilizado pelos renascentistas. Todas as suas obras
serviram de suporte para o Renascimento, sendo opinião unânime de estudiosos e
pesquisadores de História da Arte ser ele um seu precursor. (HODGE,2009).
3. Metodologia da Pesquisa
O método de pesquisa utilizado foi o da pesquisa bibliográfica embasada em livros,
enciclopédias, revistas, catálogos, visando um estudo aprofundado sobre a vida e obra do
pintor italiano Giotto di Bondone, tendo em vista o contexto histórico e as profundas
mudanças na época. Objetiva também o presente trabalho avaliar o processo de
transformação da sociedade da época e o conhecimento da trajetória da vida e das obras
de Giotto.
Para tanto, a pesquisa utilizou-se dos seguintes procedimentos: identificação das
fontes e obtenção do material; leituras exploratória, seletiva, analítica e interpretativa para
a elaboração de uma redação do presente trabalho.
4. Resultado e Análise
4.1 A Vida de Giotto
Ambrogiotto di Bondone ou simplesmente Giotto nasceu em 1267, em Colle di
Vespignano, uma aldeia da região de Mugello a nordeste de Florença na Itália. Embora se
saiba pouco a respeito de sua vida, consta que seu pai era proprietário de uma pequena
propriedade rural nas encostas dos Montes Apeninos, onde desenvolvia a atividade
pecuária contando com a ajuda do filho no cuidado com suas ovelhas (WOLF, 2007).
Giotto desde pequeno gostava muito de desenhar, quando menino, estava em um
campo cuidando de suas ovelhas e desenhando-as com carvão em um rochedo quando
foi surpreendido por um viajante. Este viajante nada mais era que Cimabue, grande pintor
florentino que viu no menino muitas possibilidades. Giotto transformou-se então em
aprendiz de Cimabue, esse aprendizado durou aproximadamente dez anos, na oficina
florentina do artista. Esse contato precoce com Cimabue foi significativo e de uma
importância decisiva para o jovem Giotto. Cimabue era o mais proeminente artista de seu
tempo e o primeiro pintor a absorver em sua arte a influência do Classicismo, ou seja, de
uma inspiração direta e uma retomada da arte da antiguidade clássica da Grécia e de
Roma, pois quando trabalhou em Roma teve contato com as obras da escultura clássica
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como também os murais do cristianismo primitivo (ENCICLOPÉDIA Os Grandes Artistas,
1986).
O que mais interessava Giotto nas pinturas de Cimabue era a maneira naturalista
com que este pintava, criando no jovem aprendiz um gosto e um olhar crítico para a sua
época que seria mais tarde a base de um estilo inconfundível e revolucionário. Giotto
permaneceu com Cimabue até 1280, quando este foi chamado a Assis para trabalhar nas
obras de decoração da Basílica de São Francisco, encargo, aliás importantíssimo, já que
esta igreja se tratava da principal igreja da Ordem Franciscana, na terra do próprio santo
e no local de sua sepultura. Mesmo estando Cimabue ausente, Giotto permanece em sua
oficina até aproximadamente 1285, quando por ocasião de uma viagem a Roma toma
contato com as obras clássicas que anos antes tanto impressionaram seu mestre
(ENCICLOPÉDIA Os Grandes Artistas, 1986).
Anos mais tarde, Giotto a convite dos franciscanos viaja para a cidade de Assis na
Itália, para lá também trabalhar nas obras da Basilica, antes, porém, passa por Arezzo
também na Itália, trabalhando na Igreja e na capela batismal de São Francisco, nesta
época, já contando com grande reputação como pintor, trabalhando por conta própria e
contando provavelmente com o auxílio de assistentes. Na cidade de Assis dedica-se às
obras iniciadas por Cimabue. (VASARI, 2011).
Ainda para Vasari (2011, p.94):
Conquistou grande fama, devido à qualidade das figuras que ali fez, figuras
nas quais veem-se ordem, proporção, vida e facilidade, conferidas pela
natureza e aumentadas pelo estudo, visto que Giotto era grande estudioso
e trabalhava ininteruptamente.
É provável, embora as datas não sejam precisas, que Giotto tenha se mantido em
Assis até aproximadamente 1299, e tenha sido o responsável pelo ciclo das 28 cenas da
vida de São Francisco. Embora tenha sido influenciado pelos ideais franciscanos, de o
homem não valer pelo que tem e sim pela humildade e respeito à natureza, Giotto tornase um homem rico conhecendo a fama, a glória e a riqueza em vida:
O seu rendimento era portanto considerável. Fez uma fortuna, com a qual
não só aumentou a extensão das suas propriedades em Mugello, perto de
Florença, para os seus filhos, como também dirigiu um negócio de
empréstimo de dinheiro (WOLF, 2007, p.83)
Famoso pelos afrescos de Assis foi chamado pelo Papa Bonifácio VIII, para a
criação de uma pintura mural, um afresco, na Igreja de São João Latrão, em Roma, o que
reforça sua fama e aumenta consideravelmente seu patrimônio. Atualmente este afresco
encontra-se bastante danificado. Embora não exista precisão quanto às datas, sabe-se
que Giotto também foi a Nápoles, chamado pelo rei Roberto, para trabalhar em algumas
capelas da Igreja de Santa Chiara. Em seu retorno a Roma vai a Rimini, onde a convite
de Malatesta trabalhará na igreja de São Francisco. De Rimini segue à Ravena onde
trabalha em um afresco em uma das capelas da igreja de São João Evangelista. Retorna
à Florença, agora com mais honra e prestígio, ali fixa residência casando-se e formando
uma família numerosa (VASARI, 2011).
Em seguida foi chamado a Pádua, cidade no norte da Itália, por frades franciscanos
para pintar afrescos em uma igreja dedicada a São Francisco. Ali estando recebeu sua
primeira encomenda vinda de um particular, para decorar uma capela de propriedade de
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Enrico Degli Scrovegni, rico comerciante da cidade, como forma de expurgação dos
pecados de seu pai Reginaldo Degli Scrovegni, já falecido. Scrovegni, homem de muitas
posses e grande prestígio social obteve permissão do Bispo de Pádua para erguer uma
capela no local onde antes era um anfiteatro romano. Assim a capela ficou conhecida
como Capela Arena ou Scrovegni (ENCICLOPÉDIA Os Grandes Artistas, 1986).
Nesta Capela, Giotto pintou um ciclo de afrescos que é de fundamental importância
por ser uma das peças principais de sua autoria. Esses afrescos fazem parte de uma
série, tendo como tema a história da vida e paixão de Jesus Cristo e da Virgem Maria. O
interior simples da capela adequou-se sobremaneira ao estilo monumental que Giotto
queria imprimir em suas obras. O estilo imposto em seus afrescos nunca foi visto antes,
quer pela sua dramaticidade, quer pela intensidade de suas cores. (WOLF, 2007).
É interessante ressaltar que muitas obras de Giotto, por se tratarem de afrescos
secos, ou seja, aplicados sobre estuque seco, foram menos duráveis que os afrescos
úmidos e, por essa razão, poucas obras desta natureza chegaram até nossos dias.
Provavelmente, a opção por este método, que embora menos durável, dava-lhe a
possibilidade de contar com o trabalho de seus assistentes, realizando desse modo,
grandes trabalhos em menor tempo, reflexo do excessivo número de obras
encomendadas, podendo, desta forma, uma vez elaborados os desenhos, as pinturas
ficarem a cargo de uma grande equipe. Recebeu também muitas encomendas de
desenhos, não só para pinturas, mas também para esculturas, como as feitas para
Andrea Pisano para as portas do Batistério de Florença. Também a seu encargo ficou,
conferido pela comuna (administração) da cidade de Florença, a fortificação da cidade, e
a direção dos trabalhos da catedral, que se encontrava ainda em construção. Foi sob sua
administração que se ergueu o magnífico Campanário que, segundo consta teria sido
projetado por ele. (ENCICLOPÉDIA Os Grandes Artistas, 1986).
Para Bocaccio, Giotto foi o fundador de uma nova arte, tornando-se conhecido
como o homem que deu vida à pintura, o pai da Renascença. Seu mérito está em
abandonar as formas hieráticas da arte bizantina em que as figuras se repetiam e se
pareciam uma com as outras como se fossem iguais. Giotto retomou as formas da
natureza tal como ela era, e fazendo isso se voltou aos ideais da arte clássica dormentes
durante toda a Idade Média. (WOLF, 2007).
4.2 A pintura de Giotto
O que sempre encantou Giotto foi a observação pura e simples da natureza, e isto
além de seu amor pelo desenho foi um dos fatores que mais o ligou ao artista e pintor
Cimabue, seu mestre. Muitos outros fatores, no entanto, concorreram para que o pintor
pudesse desenvolver suas ideias. Um deles foi a retomada da pintura mural que se
adequava mais profundamente ao estilo pessoal do artista. Giotto sempre considerou a
pintura uma arte superior a da escultura pelo seu caráter impactante de poder atingir o
espectador de imediato. (ENCICLOPÉDIA Os Grandes Artistas, 1986).
Conforme nos coloca Janson, (1996 p.150) ¨Em Giotto encontramos um artista de
temperamento muito mais ousado e dramático¨. Afirma também que para ele paisagem,
arquitetura e figuras foram reduzidas ao mínimo essencial, bem como a gama limitada e a
intensidade de tons ajudam ainda mais a acentuar o aspecto austero da arte de Giotto.
Ele consegue fazer com que sejamos dominados pela realidade do acontecimento. Suas
cenas são bem distribuídas e lembram ações teatrais que narram algum acontecimento,
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criando a ilusão de que de fato aquilo estava acontecendo. Suas figuras apresentam
grande corporeidade, graças ao modo com que as cores são trabalhadas, formando
claros e escuros em função da luz recebida, conseguindo assim uma solenidade
escultórica a partir de volumes simples. (JANSON, 1996).
Segundo Schaeffer (1945, p 15):
Giotto foi o primeiro que teve a ideia de figurar o movimento, e, quando
pintou nos seus afrescos casas, montanhas, árvores etc, estranhos ao
gosto e ao sentimento de hoje, sabia muito bem que não existiam plantas e
montanhas desse tamanho, e que homens não poderiam morar em casas
tão pequenas; mas representou-as assim para tornar esse estilo
monumental, no qual residem sua grandeza e valor imortal. Giotto sabia
que talvez, os pintores posteriores se esqueceriam, de que a finalidade dos
afrescos não é criar representações naturais, mas sim ornamentar e
decorar paredes.
No caminho aberto por seu mestre Cimabue, a arte de Giotto continua e conclui o
processo de libertação da pintura em relação à tradição bizantina, abandonando a rigidez
daquela arte e principalmente humanizando as figuras sacras, o que estava de acordo
com a mentalidade franciscana da época. Assim os santos deveriam ser retratados como
pessoas comuns, com ar de homem comum e simples. Em suas pinturas Giotto introduziu
os efeitos dramáticos nas cenas narrativas, trabalhou a perspectiva e a
tridimensionalidade (ENCICLOPÉDIA, Larousse Cultural, 1998).
É interessante ressaltar que na Europa da época, mais precisamente na Itália, a
sociedade deparava-se com profundas modificações. As ordens mendicantes
(franciscanos e dominicanos), em franco crescimento, dedicavam-se à pregação e
erguiam cada vez mais templos para acomodar suas congregações. Assim estas igrejas,
ora maiores, ora menores precisariam ser construídas e decoradas ao gosto da época. O
mosaico torna-se dispendioso e demorado para essas enormes basílicas. Ressurgem os
afrescos que passam a ser trabalhados com ciclos narrativos para reforçar os
ensinamentos religiosos. Esses afrescos de aparente simplicidade se prestam bem ao
espírito franciscano da época que procurava exortar a pobreza, e que Giotto soube muito
bem explorar, vez que era hábil em extrair da natureza suas formas essenciais,
reproduzindo-as de maneira simples e precisa. Suas figuras reduzidas a formas simples
eram misteriosamente expressivas de emoção interior (ENCICLOPÉDIA Os Grandes
Artistas, 1986).
Com o crescimento do comércio e das cidades, surge uma sociedade mais
complexa. Aparece a burguesia, uma nova classe social, que acaba assumindo o poder
econômico e político das cidades. Esta classe era formada por pessoas do povo que
acabaram fazendo fortuna com o comércio e que de certa forma agora tinham voz:
O homem sente-se forte, capaz de conquistar muitos bens e já não se
identifica mais com as figuras dos santos retratados tão espiritualizadas e
de posturas tão estáticas e rígidas como as da arte bizantina e românica.
Assim. a pintura de Giotto vem ao encontro de uma visão humanista de
mundo, que vai cada vez mais se firmando até ganhar plenitude no
Renascimento.(PROENÇA, 1997, p.75)
Para Arnold Hauser (1972, p.386):
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A arte de Giotto é austera e objetiva, como o caráter daqueles que lhe
encomendam trabalhos, homens que desejavam ser fortes e exercer a
autoridade, mas que não davam muita importância à exteriorização e não
olhavam as despesas. Depois dele o estilo da arte florentina torna-se cada
vez mais natural, isto é, cada vez mais científico.
Em Giotto encontramos um artista de temperamento ousado e dramático, inovador
e reformador. Sua genialidade é incontestável na história da pintura ocidental, e apesar de
seu aparecimento prematuro na história do período moderno é verdadeiramente precursor
de uma nova arte que ainda estava por nascer, e apareceria aproximadamente um século
depois. Pode ser considerado, segundo Vincent (1968), como um fundador do estilo da
pintura renascentista.
4.3 As obras de Giotto
Muito embora não haja qualquer documentação que comprove a autoria de suas
obras, existe uma certa unanimidade em atribuir-lhe como seus os afrescos da Capela da
Arena, em Pádua (Itália), bem como um ciclo de afrescos da vida de São Francisco em
Assis (Itália) (CHILVERS, 1996).
Sabe-se que Giotto pintou em outras cidades italianas como, Roma, Nápoles,
Rimini, Ravena, Veneza, Milão, Assis, Pádua e na sua tão querida Florença. A maior
parte, no enta nto das obras atribuídas ao pintor e que chegaram até nossos dias, estão
em Assis, Pádua e Florença (VASARI, 2011).
No que diz respeito ao seu valor artístico e também pelas dimensões do projeto,
pode-se concluir que três são suas obras mais importantes: a Basílica da São Francisco
de Assis, a Capela Scrovegni em Pádua e as Capelas Bardi e Peruzzi, na Igreja de Santa
Cruz em Florença. Um ponto comum entre elas é o fato de se tratarem todas de ciclos
narrativos, ou seja pinturas que contam uma história (CHILVERS, 1996).
Na cidade de Assis, Giotto trabalhou primeiramente na condição de ajudante de
seu mestre Cimabue, destacando-se rapidamente e muitas vezes apagando o brilho de
seu professor. A emotividade que Giotto conseguia passar com suas figuras, as bem
modeladas roupas eram diferentes do que era visto até então. Rapidamente foi então
incumbido de pintar na Basílica Superior a vida de São Francisco segundo a Lenda
Franciscana, escrita por São Boaventura, o que encantou e comoveu toda ordem
franciscana. São Francisco retratado por Giotto é uma pessoa vigorosa, decidida, simples
no aspecto e no vestir, amante da Criação e das Criaturas, aberto a Deus e a sua
presença na história dos homens. As figuras retratadas nas cenas tornam-se vivas, num
estilo carregado de significados humanos. Qualquer pessoa ao se aproximar dos afrescos
pode entrar em diálogo com São Francisco, relendo com simplicidade sua vida e
entendendo a sua mensagem. A vida de São Francisco foi dividida em 28 cenas, nas
quais Giotto não trabalhou sozinho, contando com ajuda de seus muitos discípulos, razão
pela qual apresenta alguns desequilíbrios que fazem com que muitos críticos de arte
coloquem dúvidas sobre a paternidade de Giotto em relação a alguns dos
afrescos.(WOLF,2007).
Ainda em Norbert Wolf (2007,p.23),
Compreende-se que nem tudo possa ter partido da mão do mestre; muito
deve ter sido delegado nas mãos de assistentes. Devemos afastar as
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idéias de originalidade e assinaturas pessoais: é muito mais provável que a
pintura1tenha
efetuada PREGANDO
de forma coletiva,
à maneira de uma oficina.
FIGURA
– SÃOsido
FRANCISCO
AOS PASSÁROS
Fonte: disponívem
por.html
em:
http://muralanimal.blogspot.com.br/2011/10/papa-bento-xvi-e-seu-grande-amor-
Ano 1295-1300; Afresco – 270x200cm; Igreja Superior de São Francisco; Assis, Itália.
Para Chilvers (1996), certo é que os afrescos de São Francisco são obras de um
grande artista, pois os retratos íntimos e humanos lá representados em muito
contribuíram para determinar a imagem mental do santo fixada para a posteridade.
Deste modo, como vemos na figura 1, São Francisco, conforme a lenda, com todo
o entusiasmo, docilidade e humildade prega às mais simples criaturas de Deus para as
quais exorta o Criador:
Meus irmãos pássaros! Tendes uma dívida de louvor para com o vosso
Criador, que vos vestiu com penas, vos deus asas para voar e vos garantiu
a pureza do ar, e sem qualquer esforço de vossa parte ele vos sustém.
(WOLF, 2007, p. 26).
Na Capela Scrovegni ou Capela Arena, na cidade de Pádua, construída
aproximadamente em 1303, os afrescos de Giotto distribuem-se por todo interior do
edifício, concentrando ali uma das obras mais esplêndidas de sua maturidade. Trata-se
de afrescos, também em ciclos narrativos, que percorrem as paredes laterais em sentido
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horário, desenvolvendo-se em três níveis, sobre a Vida de Santa Ana e São Joaquim
(pais de Maria), em seguida sobre a Vida da Virgem Maria, na sequência sobre os
episódios da Vida e Morte de Jesus (Última Ceia, Paixão e Ascensão de Cristo) e para
ultimar figuras humanas personificando as Virtudes e os Vícios. No altar encontramos
uma magnífica Anunciação, e em lado oposto, sobre a porta de entrada, a tradicional
cena do Juízo Final, que apresenta uma composição simétrica. A figura de Cristo, no
centro, ordena a composição. O colorido é expressionista e a cena do inferno se aproxima
do surrealismo (CHILVERS, 1996).
FIGURA 2 - LAMENTAÇÃO
Fonte: disponível em: http://noticias.universia.com.br/vida-universitaria/noticia/2012/03/09/916555/conhecalamentaco-giotto-di-bondone.html
Ano 1303-1305; Afresco 1,85m x 2,00cm; Capela de Scrovegni, Pádua, Itália.
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A série de afrescos executada por Giotto na Capela Arena em Pádua, não é
somente sua obra- prima, mas também um dos exemplares supremos da arte eu ropeia.
Ninguém superou o artista em ir diretamente ao âmago de um tema. Suas cenas da
Paixão de Cristo, como a Traição e a Lamentação, são as mais famosas da Capela, mas
outras cenas de igual grandeza também são capazes de transmitir diferentes sentimentos
que não somente traição e dor, mas também amor e ternura. (WOLF, 2007).
Conforme observamos na cena da Lamentação (figura 2), Giotto carregou de dor a
representação. O Cristo morto, a dor da Virgem e a inconformação do grupo evidenciado
pelos gestos abertos e expressões dramáticas absorvem o observador enchendo-o de
compaixão.
Trabalha também nos afrescos da Igreja de Santa Cruz em Florença para as
Famílias Bardi e Peruzzi (importantes banqueiros da cidade), sendo responsável pelas
Capelas Bardi e Peruzzi que retratam cenas da vida de São Francisco e São João Batista
e São João Evangelista, respectivamente (VASARI, 2011).
A influência de Giotto e de sua obra sobre os pintores da época, pode ser sentida
em toda a região da Toscana e em toda a antiga Itália. Antecipou, através de seu olhar, o
naturalismo e a humanidade que floresceriam no Renascimento. Mais tarde, quase um
século depois de seu aparecimento, isto se torna nítido nas obras do também florentino
Tommaso Masaccio (1401-1428) e em Michelangelo Buonarotti (1475-1565) (CHILVERS,
1996).
5. Considerações Finais
Do presente artigo resultou um conhecimento arraigado sobre o contexto historio
pré renascentista como também sobre a vida e obra do pintor florentino Giotto e de sua
determinante importância e influência em seus contemporâneos, para sua época, e para o
renascimento italiano. O pintor introduz com sua arte um novo modo de pintar e retratar o
homem, aproximando-o dos novos ideais de humanismo que já fermentavam à época.
É inegável a importância de Ambrogiotto di Bondone, dito Giotto, na História da
Arte. Rompe o pintor florentino, com os princípios técnicos vigentes à época para trazer à
baila composições pictóricas ricas em sentimentos e movimentações. Giotto traz em suas
obras aquilo a que se ressente o estilo bizantino e a pintura românica, e que a pintura
gótica começava a esboçar, ou seja, passos decisivos de um realismo pictórico.
Prenuncia com sua arte os tempos que mudavam, ao inserir o homem como
personagem central de seu palco, tendo a paisagem como pano de fundo e elemento
formador de sua obra. Giotto faz nascer em suas pinturas características diversas, figuras
prenhes de humanidade e eloqüência, as personagens, centros da composição, têm
sentimentos evidenciados pelos gestos largos e expressões faciais; os olhares
demonstram doçuras, alegrias, tristezas, ódios e traições, o espectador envolve-se com o
drama deixando de ser apenas mero observador da cena retratada. Desta forma ao
observar a natureza humana, ao retratar sentimentos, ao evidenciar o lado humano do
homem, Giotto faz com que o artista saia do anonimato, que até então se confinava. A
intensidade da expressão de suas figuras não nos deixam dúvidas de que algo novo se
anunciava.
Por tudo isso, podemos ter em Giotto uma das figuras mais ricas e profícuas de
toda a História da Arte, um reformador, um inovador, um precursor e portanto sendo
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considerado por muito o pai da pintura ocidental e o fundador do estilo da pintura
renascentista.
6. Referências
BECKETT, W. História da pintura. São Paulo: Ática, 1997.
ENCICLOPÉDIA Os Grandes Artistas. Vida, obra e inspiração dos maiores pintores. São
Paulo: Nova Cultural, 1986.
GOMBRICH, E. H. A história da arte. 16e. Rio de Janeiro: LTC, 1994.
HAUSER, A. História Social da Literatura e da Arte. São Paulo: Mestre Jou. 1975.
HODGE, A. N. Da pintura de Giotto aos dias de hoje. Belo Horizonte: Cedic, 2009.
JANSON, H.W e JANSON, A. Iniciação à história da arte. 2e. São Paulo: Martins Fontes, 1996.
PRETTE, M. C. Para entender a arte. São Paulo: Globo, 2009.
PROENÇA, G. História da arte. São Paulo: Ática, 1997.
RIBEIRO, F . Histórica Crítica da Arte. Rio de Janeiro: Fundo de Cultura. 1962.
SCHAEFFER, H. A pintura na Renascença. São Paulo: Guaíra.1945.
VASARI, G. Le vitee die più eccellenti pittori, scultori e arquitetti. Roma: Grandi Tascabili
Economici Newton. 2007.
___________. Vidas dos Artistas. São Paulo: Martins Fontes.2011.
VINCENT, J. A. História da Arte. Rio de Janeiro: Letras e Artes. 1968.
WOLF, N. Giotto. Colónia: Taschen. 2007.
Andréa Varassin Caldas
Possui graduação em Direito pela Universidade Estadual de Ponta Grossa (1984), graduação em
Ciências Contábeis pela Universidade Estadual de Ponta Grossa (1984) e graduação em
Administração pela Universidade Estadual de Ponta Grossa (1982). Tem experiência na área de
Direito, com ênfase em Direito de Família. É acadêmica do curso de Artes Visuais pela UEPG
(http://buscatextual.cnpq.br/buscatextual/visualizacv.do?id=K4330628U0).
Ana Luiza Ruschell Nunes
Possui graduação em Curso de Educação Artística Licenciatura Curta pela Universidade Federal
de Santa Maria (1976) e em Licenciatura Plena em Artes Plásticas pela Universidade Federal de
Santa Maria (1981). Mestrado em Educação pela Universidade Federal de Santa Maria (1990) e
Doutorado em Educação pela Universidade Estadual de Campinas (1997).Professora
pesquisadora do Curso de Licenciatura em Desenho e Plástica-CAL/UFSM, e do Programa de
Pós-Graduação em Educação (aposentada) CE/UFSM/RS (1997-2008). Atualmente é professora
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adjunto do Departamento de Artes e do Programa de Pós-Graduação em Educação(M/D) da
Universidade Estadual De Ponta Grossa/PR. Coordenadora do PIBID Área de Artes VisuaisUEPG PR (Edital Nº 02/2009,-CAPES-DEB) e Coordenadora do PIBID Área de Artes VisuaisUEPG PR (Edital Nº. 061/2013 CAPES/DEB). Membro do Conselho Latino-americano de
Educación pela Arte (CLEA). Vice-Presidente da Federação Nacional dos Arte/Educadores do
Brasil -FAEB (1998-atual). Membro efetivo da Associação Nacional de Pesquisadores em Artes
Plásticas-ANPAP (1997-atual). Líder do Grupo de Pesquisas em Artes Visuais, Educação Arte e
Cultura (GEPAVEC/CNPq). Tem experiência na área de Artes, com ênfase em Artes Visuais e
Design, atuando principalmente nos seguintes temas: Educação e Artes Visuais, Formação de
Professores, Artes Visuais e Ensino-aprendizagem, Arte, Educação e Inclusão, Arte e Tecnologia,
Arte e design de Moda e Pesquisa em Artes Visuais e Poéticas.
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